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Sociedad vs. Individuo
La libertad guiando al pueblo (Eugne Delacroix - 1830):

La libertad guiando al pueblo es una pintura en la que se representa una escena del
levantamiento que desemboc en una revolucin del pueblo de Paris contra la monarqua del Rey
Carlos X, cuando ste suprime por decreto al parlamento y amenaza con restringir la libertad de
prensa. Los ciudadanos de todas las clases sociales protestan airadamente contra las resoluciones,
encabezados por una mujer representando a la Libertad. Todos la defienden: nios, jvenes y
adultos, clase obrera, burgueses y soldados. La composicin, si bien desde el punto de vista formal
muestra ciertos elementos que remarcan la formacin acadmica del artista, destaca fuertemente
el clima de caos y destruccin. La vitalidad de los personajes y el entorno se logra a travs del
juego de luces y sombras, as como tambin los fuertes claroscuros aumentan la tensin y el
movimiento en la representacin. El pueblo es la unin de clases: se representa al burgus, los
andrajosos, los heridos y los moribundos. El paisaje est repleto de brumas y humos de la batalla,
zonas iluminadas y otras en penumbra.
sta obra de Delacroix no puede ser relacionada con la Vertiente 1, ya que no existe un equilibrio
entre el poder de la sociedad que asegura los derechos para el hombre y el cumplimiento de los
deberes marcados por su sociedad por parte de los individuos. Marta Zatonyi afirma que si slo
existen los deberes y su imposicin estamos hablando sobre dictadura, y es esto lo que representa
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la obra. El pueblo de Paris se alza contra stas imposiciones, pero no individualmente, sino en
bloque, un bloque que representa la diversidad de la sociedad en ese momento histrico, una
sociedad que est en contra de la monarqua de Carlos X y de la supresin del parlamento y la
restriccin de la libertad de prensa (un derecho que el Estado debera de asegurar). Por lo tanto, el
caos y la tensin presentes hace que afirmemos que sta obra encara a la sociedad desde la
Vertiente 2 (caos, perodo de decadencia, crisis, el hombre pierde su fe en la sociedad, etc.).
Saturno devorando a un hijo (Francisco de Goya 1819 1823):
Saturno devorando a sus hijos es una de las Pinturas Negras
realizadas por Goya ms desgarradoras y trgicas. El nombre
genrico de estas obras se les atribuye puesto que su sentido
es oscuro, su significado escapa a una interpretacin integral y
en algunas obras es el negro el tono que aparentemente
predomina. El sentido de las pinturas gira en torno a temas no
agradables como las brujas, el asesinato, la ignorancia y la
credulidad, la vejez y la burla, la muerte y por supuesto la
antropofagia. La obra representa al dios Crono (Saturno en la
mitologa romana) en el acto de devorar a uno de sus hijos, es
una alegora del paso del tiempo, pues Saturno devora a sus
propios hijos para evitar ser destronado. Un Goya anciano alude
al tiempo devorador de sus propias criaturas, pues el mismo
senta el paso del mismo que le abocaba a la muerte.
Un espacio totalmente oscuro rodea la figura del dios, en la que
destaca su deformidad y su rostro monstruoso de ojos
desorbitados. Como imagen, afecta directamente a los sentidos
por el canibalismo y la antropofagia presente en el cuerpo
mutilado de uno de sus hijos. La luz y los colores acentan el
rostro desquiciado de Saturno as como tambin la fuerza de
presin de las manos como garras. Un tema tan polmico an en la actualidad como el canibalismo
solo puede ser relacionado con el caos y lo irracional. Si bien no podemos imaginar a ninguna obra
exclusivamente perteneciente a una Vertiente en particular, sta en particular podemos enfrentarla
a la Vertiente 2 y a los intereses de parte de un solo individuo, en este caso Saturno quien,
desquiciado por el egosmo, devora a sus hijos para evitar que lo destronen.







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Sujeto vs. Objeto
Atalanta e Hipmenes (Guido Reni 1618):

Se representa la historia de Atalanta e Hipmenes, eternamente juntos, condenados a no poder
verse jams. La historia de estos dos amantes es tan bella como trgica. Atalanta era una hermosa
y valiente princesa que adoraba correr. Nadie le haba ganado nunca, era ligera y muy rpida.
Pact con su padre, el rey, que nicamente se casara con el hombre que pudiese vencerla en una
carrera. El apuesto Hipmenes, enamorado de Atalanta, pidi ayuda a Afrodita para vencer a la
princesa. Afrodita ayud a Hipmenes facilitndole las manzanas de oro del jardn de las
Hesprides, y l las fue arrojado al suelo durante la carrera, detenindose Atalanta a recogerlas. As
pudo vencerla. Atalanta se enamor de l y se casaron. Una noche, la pareja hizo el amor en uno
de los templos de la diosa Cibeles, que enfadada y ofendida por el atrevimiento de la pareja los
castig convirtindolos en dos leones y condenndolos a tirar eternamente de su carro. Atalanta e
Hipmenes, dos amantes juntos para la eternidad, aunque con el trgico destino de no poder tan
siquiera mirarse a los ojos.
Las dos figuras aparecen en un paisaje oscurecido que hace resaltar los suaves tonos de las
vestiduras y los amantes, muy iluminados sobre el fondo. El gran dinamismo de los cuerpos se
resalta en lneas diagonales, que reflejan unos elegantes movimientos. Los cuerpos son perfectos y
armnicos, estn organizados en lneas diagonales invisibles que atribuyen una geometra. Citando
a Marta Zatonyi, es perfeccin del entretejido de todo lo racional, de lo seguro, de lo ordenado
desde lo objetivo. La obra es dominada por lo objetivo, no estimula al sujeto a encontrar un
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trasfondo simblico. La historia est all plasmada en la obra, el camino est trazado. Por lo tanto,
estamos frente a una obra que se relaciona ms con lo objetivo y lo ideal de la Vertiente 1.
El retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa (Jan Van Eyck 1434):
El retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un
cuadro del pintor flamenco Jan Van Eyck fechado en
1434. Representa al rico mercader Giovanni Arnolfini
y a su esposa Jeanne Cenami. Al fa de hoy, los
historiadores del arte discuten exactamente la
imagen que el cuadro presenta: la tesis durante
mucho tiempo dominante sostiene que la imagen
corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en
secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo,
muchas otras interpretaciones se han propuesto
acerca del cuadro. Segn uno de los consensos
establecidos, sta obra est cargada de simbolismo:
pequeos objetos, propios de una sociedad que vive
en la opulencia, funcionan como detalles que
aparentemente carecen de importancia, pero que
dan una nueva dimensin al cuadro, algunos de
estos son:
o La representacin de los esposos revela los
diferentes papeles que cumple cada cual en el
matrimonio. l es severo, bendice (o quizs jura) y
sostiene con autoridad la mano de su esposa, que agacha la cabeza en actitud sumisa. La
vestimenta refuerza este mensaje y revelan su alta posicin socioeconmica.
o Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte de Europa por lo que simboliza la
riqueza de la familia y la prosperidad econmica que les aguarda. Adems, representaban
adems la fruta prohibida del edn, en alusin al pecado de la lujuria, motivo de la prdida
de la gracia. Los instintos pecaminosos de la humanidad se santifican mediante el ritual del
matrimonio cristiano.
o La cama tiene relacin, sobre todo en la realeza y la nobleza, con la continuidad del linaje y
del apellido. Representa el lugar donde se nace y se muere.
o Los suecos esparcidos por el suelo son seal de que se estaba celebrando una ceremonia
religiosa.
o Los rosarios eran un presente habitual del novio a su futura esposa.
o En torno al espejo se muestran 10 de las 14 estaciones del Va Crucis. Su presencia sugiere
que la interpretacin del cuadro debe ser cristiana y espiritual en igual medida que legal y
recuerda el sacrificio que tienen que soportar los esposos.
o La lmpara slo tiene una vela, que simboliza la llama del amor, pero tambin recuerda la
candela que luce siempre en el sagrario de la iglesia, la permanente presencia de Cristo.
o Los nicos que faltaran son el sacerdote y el testigo, necesarios en todas las bodas, pero
ambos personajes, aparecen reflejados en el espejo, junto a la pareja: un clrigo y el
propio pintos, que acta como testigo y que, con su firma, no slo reclama la autora del
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cuadro sino que testifica la celebracin del sacramento. El cuadro sera, por tanto, un
documento matrimonial.
o Una ceremonia religiosa tan importante como el matrimonio debera de celebrarse en una
iglesia y no en una alcoba privada, lo que podra sealar que se trataba de una unin
privada y reservada. Evidentemente, el cuadro y el matrimonio en s estn envueltos en un
halo de misterio.
Viendo y analizando todos estos puntos, podemos afirmar que sta obra carece de contencin y
estimula al sujeto a recorrer un camino. Si bien nosotros mismos como sujetos podemos encontrar
improbable encontrar todos estos detalles en el objeto al enfrentarlo, muchos otros (historiadores)
lo han incorporado y han logrado descubrir el significado de estos minuciosos detalles, acercndose
a la verdad detrs de la obra. Por lo tanto, estamos frente a una obra que se relaciona ms con o
subjetivo y la Vertiente 2.
Idea vs. Lo Concreto
El triunfo de Galatea (Rafael Sanzio 1510 1511):
El mismo Rafael ha confesado que habra
tratado de realizar su ideal artstico. En esta
obra la ninfa Galatea, que ocupa el centro de la
composicin, representa el triunfo del amor
platnico frente al amor carnal, del que se ve
rodeada, con numerosos tritones, nereidas y
otras criaturas marinas. Cabe resaltar su
serenidad, con una mirada hacia la esquina
izquierda donde aparece uno de los cupidos.
Galatea es considerada una figura admirable por
la correccin de sus lneas, la pureza de sus
contornos y la elegancia de sus movimientos.
Rafael constituye la expresin mxima del ideal
humanista y es el mejor ejemplo del equilibrio:
de la medida, de la belleza ideal, de la simetra
axial, de la claridad compositiva, del encanto
colorista y la luminosidad. Aunque no aparezca
Polifemo, toda la escena est envuelta en el
amor ideal que lo envuelve todo y se extiende
por toda la obra llenando de idealismo platnico
a todos los personajes. Pero toda esta historia
no sera nada sin la solucin plstica de Rafael, su variedad de recursos y la calidad formal
excepcionales.
El triunfo de Galatea entonces, puede ser relacionada con la Vertiente 1, ya que prevalece la
idealizacin y lo trascendente. No slo por el significado de la historia que nos cuenta, sino tambin
por la representacin que realiza Rafael.

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Goya atendido por el doctor Arrieta (Goya 1820):
Goya atendido por el doctor Arrieta es un
cuadro de Francisco de Goya pintado en
1820 que refleja la grave enfermedad que
padeci desde noviembre de 1819 en la que
fue atendido por el mdico Eugenio Garca
Arrieta. Goya aparece autorretratado
enfermo y agonizante, sostenido por detrs
por el doctor Arrieta que le da a beber
alguna medicina. En un fondo oscuro
aparecen al fondo a la izquierda unos
rostros de mujer que la crtica ha
identificado con la representacin de Las
Parcas. Las facciones son autorretratadas
con gran maestra: la boca ligeramente
abierta, la mirada extraviada, en actitud casi
de moribundo, falto de fuerza y total
consciencia. Con las manos se aferra febril a
las ropas que lo cubren. El doctor presenta
un rostro saludable mientras que el paciente
aparece con un aspecto plido, debilitado.
No hay en este caso ninguna intervencin
divina o un milagro de la religin, sino una
actuacin de la sabidura y la medicina
encarnada por el doctor Arrieta, retratado
con humanidad pero no exento de firmeza
en su oficio. Goya nos hace partcipes en la pintura que realiz como muestra de agradecimiento a
este mdico.
sta obra puede ser vinculada con lo concreto y no con la idea, ya que representa lo
intrascendente, lo concreto y lo mundano. Un hombre agonizante que sufre el dolor de una
enfermedad que lo acerca cada vez ms a la muerte. No existe nada idealizado, puro o perfecto. Es
por eso que se relaciona con lo concreto, as como tambin con la Vertiente 2.