RESUMEN DE HISTORIA DE LA MUSICA

Compilación y adaptación de: http://www.wix.com/mariajesusmusica/mis-mapas

EDAD MEDIA
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INTRODUCCIÓN

La Edad Media es un periodo muy largo que se extiende desde el siglo V hasta el siglo
XV. Esta etapa está encuadrada entre La Antigüedad y El Renacimiento. Hay dos hechos
que los historiadores marcan como el inicio y el fin de la Edad Media, que son la Caída del
Imperio Romano en el año 476 y el Descubrimiento de América en 1492.

Es un período muy largo que se divide en dos etapas:

 La Alta Edad Media: (siglos V a X). Es una época de pobreza, llena de guerras y
enfermedades, en la que la sociedad sufre constantes epidemias como la de la
peste negra que asolarán toda Europa.
 La Baja Edad Media: (siglos XI al XV). Época de gran prosperidad económica,
política y también cultural. Es la época del feudalismo, en la que el rey concede
poder a algunos nobles que se convierten en terratenientes y que en ocasiones
llegarán a tener más poder que el propio monarca. Aquí se desarrollarán los
estilos artísticos más importantes de este periodo, que son el Románico (S. XI) y el
Gótico (S. XIII) con los que llegaremos a la gran revolución musical de la época: El
nacimiento de la polifonía.

En la Edad Media, la Iglesia Católica se convierte en el eje

fundamental de la sociedad. El canto Gregoriano, será durante
gran parte de este período la música que gobernará todos los
territorios, ya que en esta época, el poder y la cultura van a
estar en manos de los monjes y religiosos, que se harán con el
poder de una sociedad casi analfabeta.

No obstante, la música profana siempre va a tener un sitio, sobre todo en la Baja Edad
Media con el nacimiento de los juglares y los trovadores que actuarán en castillos,
palacios, plazas o calles de cualquier lugar.

MÚSICA RELIGIOSA

En el año 313, el emperador Constantino se convierte al cristianismo y se redacta el

Edicto de Milán, que reconoce la libertad de culto para los cristianos, que hasta ahora
habían realizado sus ceremonias religiosas escondidos. A partir de este momento la
música religiosa va a comenzar a desarrollarse y extenderse.
 La Iglesia pronto contará con un gran poder político y
cultural, por lo que todas las artes de esta época harán
referencia a temas religiosos. Hay que tener en cuenta
que tanto la música, como la pintura y las demás artes del
medievo tienen como únicas finalidades la alabanza a
Dios y la transmisión de la doctrina religiosa.

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La música religiosa de la Edad Media será
eminentemente vocal, ya que cualquier elemento que
distraiga a los fieles del culto a la doctrina cristiana puede ser desechado. Por ello, la
música instrumental es tratada como algo vacío y que sólo sirve para adornar y distraer a
los creyentes, por lo que es apartada de los oficios litúrgicos.

Dentro del desarrollo que va a tener la música religiosa a lo largo de la Edad Media,
podemos distinguir dos grandes grupos que estudiaremos a continuación:

 EL CANTO GREGORIANO: que ocupará buena parte de la Alta Edad Media.

 EL DESARROLLO DE LA POLIFONÍA: que surgirá a finales del siglo IX y se
desarrollará durante el resto de la Edad Media.

RESUMEN DEL DESARROLLO DE LA MÚSICA MEDIEVAL

POLIFONÍA ARS ARS

PERIODO MONODÍA
PRIMITIVA ANTIQUA NOVA

S. V a VIII S IX a XII S XII a XIII S XIV

SIGLOS

Desarrollo
del Desarrollo
de la
TIPO DE Canto Organum y
organum y música
MÚSICA gregoriano Discantus nuevas profana
formas

Leonin y Perotin P de Vitry y

PERSONAJES
Monjes (Escuela de Notre G de
RELEVANTES Dame) Machaut

LA MÚSICA PROFANA

Aunque la música religiosa es la que más importancia va a tener

durante la Edad Media, bien es cierto que existió otro tipo de
música que no tenía ninguna relación con el culto o la religión. Estamos hablando de la
música profana.

Este tipo de música se desarrolla de manera paralela a la religiosa y será interpretada

por dos tipos de personajes diferentes: los trovadores y los juglares, que recibían distintas
denominaciones dependiendo del territorio en el que se encontraban.
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LOS TROVADORES Y TROVEROS

Los trovadores fueron poetas-músicos que

normalmente pertenecían a la nobleza. Tuvieron una
gran importancia durante la Edad Media, sobre todo
en Francia y en España. Su nacimiento se sitúa en
una zona del sur de Francia denominada Provenza a
finales del siglo XI. Estos personajes utilizaban la
lengua provenzal en sus composiciones, y el tema
principal de sus poemas es el tema del amor
platónico. También cantaban y recitaban sobre
temas caballerescos.

Los troveros también surgieron en Francia, pero en el norte (en las regiones de Artois y
Champagne). Surgen en el siglo XII y sus obras están escritas en la lengua d'Oil (que más
tarde dio origen al francés actual). La temática de los cantos es similar a la de los
trovadores. También contaron con gran prestigio entre las clases sociales actuando en
diferentes palacios y castillos del norte de Francia.

El movimiento trovadoresco se irá extendiendo por toda Europa y adquiriendo

diferentes denominaciones en cada lugar. Así, por ejemplo, en Alemania eran
denominados Minnesinger y escribían en su lengua vernácula (el alemán). En España,
los trovadores alcanzaron gran importancia sobre todo en la zona de Galicia donde las
canciones se denominan Cántigas.

Entre los trovadores más importantes podemos nombrar a personajes como Adam de
la Halle, Jaufre Rudel, Ricardo Corazón de León o Guillebert de Berneville, además de los
españoles, el gallego Martín Codax, el catalán Rimbaut de Vaqueiras o el mismísimo
Alfonso X el Sabio, al que se le atribuyen (de manera más o menos acertada) las
Cántigas de Santa María.

En cuanto a la composición trovadoresca, podemos decir

que se trata de una música de textura monódica con
acompañamiento instrumental. Se basan en los modos
gregorianos pero con un ritmo más marcado, ya que son
obras más rápidas y alegres.

LOS JUGLARES

Los juglares eran músicos ambulantes que no sólo

tocaban instrumentos y cantaban canciones, sino que
además realizaban todo tipo de actividades para divertir al pueblo (chistes, magia,
acrobacias,...) Eran de clase baja y no eran compositores, ya que se limitaban a copiar y
plagiar las canciones de los trovadores. Desde el principio fueron muy criticados tanto por
la nobleza como por la iglesia, ya que en sus canciones utilizaban un lenguaje vulgar. No
actuaban en castillos ni palacios, sino que lo hacían en las plazas de los pueblos. eran
personajes itinerantes que viajaban de pueblo en pueblo sin un lugar de residencia fijo.
Eran en definitiva una especie de saltimbanquis con bastante mala reputación.
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Sin embargo, algunos de estos juglares, con el tiempo llegaron a convertirse en artistas
importantes, se asentaron en las ciudades y refinaron su estilo dejando atrás el espíritu
jocoso y perfeccionando su interpretación musical.

LOS INSTRUMENTOS MEDIEVALES

En la Edad Media encontramos gran cantidad de instrumentos, algunos provendrán de

la Antigüedad y otros vendrán de Oriente, introducidos a raíz de las cruzadas. Vamos a
citar algunos de los más importantes. Pincha en las miniaturas para ver el instrumento a
mayor tamaño.

CORDÓFONOS:

 LAÚD: Instrumento de cuerda con clavijero hacia atrás y caja de resonancia en

forma abombada. Se tocaba con los dedos. Es de origen árabe.
 LA VIELA: Instrumento de arco. Será el prototipo del violín moderno.
 ORGANISTRUM: También denominado Zampoña. Es un instrumento de tres
cuerdas que se toca girando una manivela.
 EL ARPA: De forma triangular y pequeño tamaño. Se toca con las dos manos, una
pulsa las cuerdas y la otra acorta su longitud.
RENACIMIENTO

SITUACIÓN

Con el Renacimiento da comienzo la Edad Moderna. Es un periodo que abarca los

siglos XV y XVI, cronológicamente se sitúa entre la Edad Media y el Barroco. Es una
etapa corta, pero de las más importantes dentro del mundo cultural y artístico. En esta 5
época se van a dar cita personajes de la talla de Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Rafael,
El Greco, Cervantes, Shakespeare,...; que desarrollarán la cultura y el arte como nunca
antes había ocurrido.

CONTEXTO HISTÓRICO:

Es una época en la que el poder está en manos de las monarquías absolutas,

terminando con el feudalismo medieval (excepto en Italia, donde surgirán ciudades
estado). Los grandes nobles y aristócratas van a ser los mecenas de los artistas, que
trabajarán en sus cortes a costa de un salario. Es una etapa de gran desarrollo
económico, mejorarán los medios de comunicación y los transportes, lo cual facilitará la
movilidad de los músicos y el intercambio y propagación de ideas musicales.

Por otro lado, en el ámbito religioso, la Reforma de Lutero y la Contrarreforma Católica

serán importantes para la evolución de la música.

CONTEXTO CULTURAL:

En el ámbito cultural uno de los ideales que van a triunfar en

este periodo es el del Humanismo, que considera al hombre como
el centro de todas las cosas, dejando atrás las ideas teocentristas
del medievo.

Algunas de las características culturales de esta etapa se

resumen a continuación:

 Progresiva laicización del arte: las obras de arte dejan de concebirse como
alabanzas a Dios, los artistas buscan como fin la belleza y el placer de los sentidos
en sus obras.
 El nacimiento de la imprenta, que permitirá un mayor desarrollo de la cultura en
todos sus ámbitos.
 El concepto de autor: dejamos atrás al artesano anónimo de la Edad Media para
hablar a partir de ahora de artistas que firman sus obras.
 Vuelta a los ideales clásicos: el periodo de la Edad Media es visto por los
renacentistas como una época oscura y sin interés artístico, por lo tanto, van a
despreciar el arte de ese periodo para tomar como referencia el arte clásico
sobretodo de Grecia y Roma.

CONTEXTO MUSICAL:

Dentro del ámbito de la música se darán las siguientes características:

  Incremento de la cultura musical, que viene
establecido por las ideas humanistas sobre la
importancia de la cultura, además de por la
invención de la imprenta, ya que ahora se
empiezan a imprimir las primeras partituras.
 Desarrollo de la música profana e instrumental,
también influidos por el espíritu humanista. Cada
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vez se crea más música de carácter no religioso y
en detrimento de la música sacra. Recordemos que
la iglesia había menospreciado la música
instrumental, y ésta ahora experimentará un gran
desarrollo.
 Profesionalización de los músicos: la música
sigue creciendo en complejidad, como ya lo había
hecho en los últimos siglos de la Edad Media. Esto
obliga a los músicos a especializarse y a dedicar
su vida a este arte.

LA MÚSICA RELIGIOSA

Durante el Renacimiento, la iglesia cristiana sufre luchas internas que acabarán con la
unidad del catolicismo. En Alemania, Martín Lutero rompe con Roma en el año 1519, ya
que no comparte algunas de las formas de comportamiento de la iglesia vaticana; va a
crear así el protestantismo, que se convertirá desde entonces y hasta nuestros días en la
religión mayoritaria de Alemania. A este hecho se le conoce como la Reforma Protestante,
ya que Lutero llevará a cabo una serie de cambios, alguno de los cuales afectará a la
música. Hemos de saber que Lutero era un gran estudioso de la teoría musical.

Entre los cambios más importantes destacamos los siguientes:

 Utilizar el alemán en las celebraciones religiosas, ya que para

Lutero era muy importante que la gente comprendiese lo que se
decía en la liturgia y que incluso pudiese participar cantando.
Esto no era posible si las celebraciones se seguían realizando
en latín, debido a que era una lengua que sólo era utilizada por
la iglesia, no por el pueblo.
 Evitar la polifonía compleja, desarrollando la música
homofónica, ya que el gran desarrollo al que había llegado la
polifonía hacía que no se entendiese el texto. Lutero creará una nueva forma
musical: EL CORAL, que será el género más importante de la iglesia protestante.
Esta forma suele ser una composición sencilla, escrita normalmente a cuatro
voces, que se canta en alemán y presenta una textura homofónica.

En Inglaterra, el rey Enrique VIII también se separa de la iglesia de Roma y crea la

iglesia anglicana, de la cual se proclama máximo mandatario, y así acapara todo el poder
político y religioso de su país. A partir de este momento, la iglesia anglicana desarrolló
una nueva forma musical denominada ANTHEM, que es un motete a cuatro voces, el cual
se cantaba durante las celebraciones litúrgicas.
 La iglesia católica, preocupada por estas luchas internas, decide reunirse para tratar de
arreglar los males en los que está sumergida. Desde 1545 hasta 1563 se celebra "El
Concilio de Trento", en el que se tratan de establecer las directrices de la nueva iglesia
católica. Algunas de las novedades afectarán al terreno musical, de las cuales
destacamos las siguientes:

 Seguir utilizando el latín en sus celebraciones, ya que para

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ellos es un signo de unidad cristiana. Esta norma seguirá
vigente hasta el Concilio Vaticano II.
 Evitar la polifonía compleja a la que se había llegado, ya que
no era posible entender los textos religiosos, y recordemos
que la principal finalidad de la música religiosa era la de
transmitir el mensaje cristiano.
 Prohibir los cantos profanos en los templos, ya que son
territorios sagrados en los que sólo se debe interpretar música
religiosa. Esta norma, en teoría, hoy en día continúa vigente.

Los géneros más importantes de la música religiosa católica serán el motete y la misa
(forma musical compleja resultado de la unión de todas las piezas de la liturgia), en los
que se evitará la complejidad polifónica. Los compositores principales de la iglesia católica
son los italianos Giovanni Pierluigi de Palestrina y Orlando di Lasso (que también realizó
numerosos madrigales), y los españoles Tomás Luis de Victoria y Cristóbal Morales.

MÚSICA VOCAL PROFANA

A diferencia de la música vocal religiosa, que tiene un estilo internacional ya que en

todos los territorios se escribe bajo las mismas pautas, la música vocal profana va a tener
un estilo propio en cada país; es lo que se denomina como los "Estilos Nacionales".

Algunas de las características, que al comienzo del tema citábamos como generales,
se van a mantener, pero cada país desarrollará diferentes tipos de canciones escritas en
las lenguas vernáculas (propias de cada territorio) y no en latín como sucedía en la
música religiosa. A continuación se exponen los géneros más importantes de algunos
países:

 ITALIA: El género más importante es el

MADRIGAL. Se trata de una forma de polifonía
compleja escrita para cuatro o cinco voces.
Normalmente es música "a capella", aunque se
le pueden añadir algunos instrumentos. Es
música de carácter descriptivo escrita en
italiano. Suele constar de cinco frases en las que
se intercala un ritornello (breve estribillo). Entre
los compositores más importantes destacan:
Luca Marenzio, Orlando Di Lasso y Claudio
Monteverdi.
  FRANCIA: La forma más importante de este país es
la CHANSON. Es una forma polifónica normalmente
con acompañamiento instrumental. También es
descriptivo. El compositor más destacado es Clement
Janequin.
 ESPAÑA: El género que destaca es el
VILLANCICO, que es un género que en su origen no
tiene nada que ver con la Navidad. Es una forma a 8
cuatro voces de textura homofónica con estructura de
estribillo-copla-estribillo. El compositor más
representativo de este tipo de música es Juan Del
Enzina y se conservan muchas de estas piezas en un
libro que lleva por título "El cancionero de Palacio". Junto con el villancico en
España también habrá otros géneros importantes como el Romance o la
Ensalada.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

Una de las características más importantes del Renacimiento fue el resurgir de la

música instrumental que hasta entonces había estado marginada. Ahora poco a poco irá
ganando prestigio y relevancia debido en gran medida a la laicización de la música
promovida por el pensamiento humanista. Por primera vez en la historia se va a componer
música instrumental pura, sin ningún otro fin que el deleite del oído. Este tipo de música
evolucionará en campo profano ya que la Iglesia continúa con su prohibición del uso de
instrumentos en los actos religiosos.

Otro aspecto importante es que con la invención de la imprenta se van a difundir

muchos libros con partituras y teoría musical, por lo que mucha gente va a poder
acercarse al mundo de la música y aprender a tocar un instrumento.

Podemos hablar de cuatro apartados en los que clasificar la música del Renacimiento:

 PIEZAS ADAPTADAS DE OBRAS VOCALES: Son

obras que primitivamente estaban escritas para
varias voces y que serán adaptadas para poder
interpretarlas con instrumentos polifónicos como el
órgano y otros instrumentos de teclado. Destacan en
este grupo formas como elricercare o la canzona.
 PIEZAS BASADAS EN LA IMPROVISACIÓN: Estas
piezas podían ser de dos tipos: o bien se improvisaba
a partir de una melodía dada o se improvisaba sin
ningún tipo de referencia, inventando todo sobre la
marcha. A este tipo de música corresponden géneros
como lafantasía o la toccata.
 PIEZAS BASADAS EN LA VARIACIÓN: Se trata de
que el intérprete parte de un tema sencillo que va
 repitiendo sucesivamente incorporando variaciones de todo tipo. Dentro de este
grupo destacan las diferencias; éste fue el nombre que recibió en España el tema
con variaciones en el cual destacó el compositor español Antonio de Cabezón.
 PIEZAS CREADAS PARA LA DANZA: Para este tipo de música vamos a crear
una apartado especial titulado la danza renacentista.

LOS INSTRUMENTOS DEL RENACIMIENTO

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Algunos instrumentos de la época medieval siguieron utilizándose durante el

Renacimiento, perfeccionándose y adaptándose a las nuevas exigencias de los
compositores. Como hemos visto en el punto anterior, durante el Renacimiento se
compone mucha música instrumental, esto va a hacer que muchos instrumentos
adquieran una gran importancia.

A continuación citamos algunos de los más importantes:

AERÓFONOS:

 Flauta de pico o flauta dulce: hoy en día se usa con fines educativos; fue uno de
los instrumentos más populares de la época. También existían las flautas
traveseras de madera.
 Cromorno: es un instrumento de madera, de lengüeta doble (como la dulzaina)
que termina en forma de U.
 Trompetas rectas y enrolladas: Eran fabricadas en metal y se usaban con fines
militares y en desfiles.
 Chirimía: instrumento formado por un tubo de madera y lengüeta doble (parecido
a los oboes pero de mayor tamaño).
 Sacabuche: es el antecedente del trombón de varas actual. es fabricado en metal.

CORDÓFONOS:

 La viola da gamba: Es un instrumento de arco que parece una mezcla de guitarra

y violonchelo. En España recibió el nombre de vihuela de arco.
 La guitarra: Se estableció en España procedente de los países árabes y pronto se
extendió por toda Europa. Las primitivas tenían cuatro cuerdas.
 La vihuela: Es un instrumento típico español parecido a la guitarra. Gozó de gran
prestigio en nuestro país de la mano de compositores como Luis de Narváez o
Luis de Milán, los cuales se especializaron en este instrumento.
 El laúd: Es un instrumento que llega de la Edad Media, pero en el Renacimiento se
convierte en uno de los más importantes.
 El clavicémbalo: Es un instrumento de teclado con cuerdas punteadas. Se
comenzó a fabricar en Italia en el siglo XVI.

Para algunos de estos instrumentos de cuerda (la guitarra, la vihuela o el laúd entre
otros) se creó un sistema de notación nuevo que se llamó la tablatura
COMPOSITORES DESTACADOS

 GABRIELI, Andrea y Giovanni

 DI LASSO, Orlando
 PALESTRINA, Giovanni Perluigi da
 DE VICTORIA, Tomás Luis
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BARROCO

SITUACIÓN

Se conoce con el nombre de Barroco al periodo que va desde 1600 hasta 1750. Está
encuadrado entre el Renacimiento y el Clasicismo. Los hechos musicales que encuadran
esta etapa son la creación de la primera ópera "Orfeo" del italiano Claudio Monteverdi 11
(1607) y la muerte de Johann Sebastian Bach(1750), que será el genio indiscutible de
esta época.

CONTEXTO HISTÓRICO

Las monarquías absolutas dominan el panorama

político de una Europa que está sumida en un
continuo de luchas políticas y guerras. El poder
sigue estando en manos de la aristocracia y de la
Iglesia que quieren mostrar su autoridad
organizando grandes espectáculos en los que la
música siempre estará presente. Se convierten,
para ello, en mecenas de los mejores artistas, los
cuales trabajarán en sus grandes cortes y palacios.

CONTEXTO CULTURAL

El Barroco es una época de gran fecundidad para el

mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta época
se darán cita personajes importantes en el mundo de
la literatura como Lope de Vega, Calderón, Cornielle o
Moliere; en la pintura contaremos con artistas como
Velázquez, Murillo, Rubens o Rembrant; además de
destacar científicos como Galileo Galilei, Torricelli o
Newton.

La palabra Barroco significa recargado, excesivo o

adornado, por lo que es común encontrar obras de arte
en las que no queda ni un espacio que rellenar. A esto se le conoce con el nombre de
"Horror Vacui" (miedo al vacío).

El hombre barroco no persigue la belleza, tal y como se había hecho

en el Renacimiento, sino que fundamenta su pensamiento en torno a
dos aspectos opuestos: la RAZÓN y el SENTIMIENTO. La razón en
cuanto que intentan buscar la lógica y el lado científico de todo. El
sentimiento del ser humano que se hará evidente en todos los
campos; en el musical sobretodo en la ópera.

CONTEXTO MUSICAL

Este pensamiento barroco (razón-sentimiento) se va a hacer muy

patente en el panorama musical. Así pues, en este periodo se
busca una codificación de todos los parámetros musicales (ritmo, tonalidad,...) como
forma de ordenar y racionalizar la música. Esto lo podemos constatar en la siguiente frase
de J. P. Rameau (considerado el fundador de la moderna armonía):

"...la música es una ciencia que debe disponer de unas reglas bien establecidas; dichas
reglas deben derivar de un principio evidente, principio que no puede revelarse sin ayuda
de las matemáticas...."
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Pero además, se van a crear nuevas técnicas para poder expresar de la mejor manera
posible los sentimientos (monodía acompañada, contrastes tímbricos, uso de
dinámicas,...). La ópera será el género que más desarrolle la expresión de los
sentimientos.

MÚSICA RELIGIOSA

La música religiosa, aunque ha perdido su gran hegemonía,

sigue teniendo un gran peso en el Barroco. Tanto la iglesia
protestante como la católica aprovecharán las innovaciones que
se dan en la música profana para crear nuevas formas.

Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta

música será el "policoralismo", que se dará sobretodo en la
escuela veneciana. Esta técnica surge en la iglesia de San
Marcos (Venecia), cuyo espacio arquitectónico permitió la
colocación de dos coros contrapuestos. En Roma evolucionará
exigiendo varios coros que se colocan en distintos lugares de la
iglesia. El ejemplo más espectacular lo encontramos en "La misa
de la catedral de Salzburgo", compuesta para 53 voces que se
colocan en distintas posiciones ocupando todo el perímetro de la
iglesia. Esta misa se le atribuye a Orazio Benevoli.

La iglesia protestante sigue manteniendo el coral como forma más representativa, y la

católica continúa cultivando motetes y misas. Sobre estos géneros se aplicarán las
novedades de la música barroca.

En este periodo, hay tres géneros nuevos que estudiaremos a continuación:

 EL ORATORIO
 LA CANTATA
 LA PASIÓN

LOS ORÍGENES DE LA ÓPERA

A finales del siglo XVI, en Florencia surge un grupo de artistas e intelectuales que
trabajarán financiados por el conde Bardi. A este grupo se le conocerá como "La
Camerata Fiorentina". Estos artistas están en contra del desarrollo polifónico que habían
alcanzado las composiciones del Renacimiento, que por su complejidad, perdían la
esencia principal que debe cumplir la música, que no es otra que la de conmover al
oyente y hacer brotar en él todo tipo de sentimientos.
 Van a llevar a cabo un trabajo de investigación,
intentando retomar las raíces de la música griega. Llegan a
la conclusión de que en Grecia la música era monódica y
con un acompañamiento instrumental; esta música estaba
cargada de una gran expresividad. Basándose en estos
principios nacerá la técnica de la monodía acompañada,
que será la base fundamental de la ópera posterior. Los
artistas de la Camerata buscaban un género capaz de 13
abarcar todas las formas artísticas posibles y por ello
denominarán a la ópera como "la obra de arte total", ya que
va a reunir en una sola forma a las distintas artes: poesía,
música, teatro, danza,...

La ópera se convirtió en el género más representativo de la época, ya que lograba una

gran expresividad gracias a la unión ideal entre música y palabra; se consolidará como
uno de las formas con más protagonismo a lo largo de los posteriores siglos.

EL NACIMIENTO DE LA ÓPERA

La ópera es un género musical profano que va a surgir en Italia a

comienzos del siglo XVII. El antecedente más significativo de la ópera
lo encontramos en "entremezzo", que eran pequeñas actuaciones
musicales que se desarrollaban en los intermedios de los dramas
teatrales. Estos intermedios poco a poco irán tomando importancia y
cada vez serán mas largos, hasta que de manera autónoma se
confirmen como un nuevo género musical.

La primera ópera de la que tenemos noticia es "Dafne", de Jacobo

Peri, estrenada en 1597; pero esta obra no se conserva en su
totalidad, ya que algunos fragmentos se han perdido. En 1600 se
estrenan dos versiones de "Eurídice", una del mismo J. Peri y otra de
G. Caccini.

Pero será en 1607 cuando C. Monteverdi cree "Orfeo", que se confirmará como la
primera gran ópera debido a que va a cumplir con todos los requisitos tanto técnicos como
estructurales de la ópera que se desarrollará en años posteriores. Esta obra, será tomada
como referencia por todos los compositores que le sucederán. Además, el propio
Monteverdi, creará otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de
Popea" y "El retorno de Ulises".

Este género fue tomando mucha importancia en toda Italia. Varias ciudades se
convirtieron sucesivamente en capitales operísticas (Roma, Venecia, Nápoles,...),
añadiendo cada una sus propias innovaciones. El resto de Europa adoptó el estilo
operístico italiano, excepto Francia que creará su género propio.

TIPOS DE ÓPERA

Podemos distinguir dos grandes tipos de ópera:

  ÓPERA SERIA: Basada en
argumentos mitológicos y heroicos.
Es el primer tipo de ópera que va a
existir y será el preferido por la
aristocracia debido a su
refinamiento. Es muy compleja
debido a sus argumentos y a su
gran despliegue técnico. A este tipo 14
pertenece la primera ópera: "Orfeo".
 ÓPERA BUFA: Es posterior a la
seria. Los argumentos son
cotidianos y fáciles de entender. El
despliegue de medios de este género no es demasiado grande, se convertirá en la
ópera preferida del pueblo, ya que además de ser más asequible económicamente
y más fácil de entender para todo tipo de personas, era bastante típico que el
argumento fuese una crítica social hacia las clases poderosas. La primera ópera
de este tipo fue escrita por un autor italiano llamado G.B. Pergolesi, titulada "La
Serva Padrona" en 1733.

Además, podemos distinguir las diferencias territoriales que fue adquiriendo la ópera en
los distintos territorios en los que se desarrollaba:

 FRANCIA: Se llamará "Tragidie Lyrique". Las características principales serán la

introducción del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que
utilizarán los franceses en sus creaciones. El compositor más importante será J. B.
Lully.
 INGLATERRA: Sienta sus bases con la obra de H. Purcell "Dido y Eneas"
estrenada en el año 1689.
 ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que
parte de la ópera bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel.
 ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica
más significativa será la sucesión de partes cantadas y habladas. Pincha aquí para
conocer más cosas sobre nuestro género: LA ZARZUELA.

MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental en el Barroco logra la total autonomía que había empezado en

el Renacimiento. En este desarrollo, desempeñarán un papel decisivo la evolución técnica
de los instrumentos y el nacimiento de la orquesta como grupo organizado. Los
intérpretes se especializan debido a la complejidad que irá adquiriendo este tipo de
música, surgiendo la figura del virtuoso.

Con este desarrollo, los compositores van a lograr en sus

obras la máxima expresividad.

Podemos hablar de tres formas musicales dependiendo de

las agrupaciones instrumentales que los interpreten:

 MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: los

compositores empezaron a escribir pensando
 específicamente en un instrumento concreto, que elegían por sus cualidades
técnicas y su timbre. Las piezas para instrumentos solistas permitían al intérprete
hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad
musical. Uno de los géneros más importantes de música para solistas será "la
fuga" (forma contrapuntística por excelencia), que será desarrollada por autores
como J.S.Bach. Dentro de los instrumentos solistas destacarán el órgano, el violín,
el clave.
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 MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más

instrumentistas sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo
destinada a ser interpretada en pequeñas salas. Será el género preferido por la
nobleza. Normalmente, en este tipo de música, un instrumento realizará los
acordes del bajo continuo, mientras que los otros se encargarán de las distintas
melodías.

 MÚSICA PARA ORQUESTA: la orquesta es un conjunto de instrumentos de las

tres familias. Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían
interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el
número y la composición de la orquesta, y la elección de los instrumentos
dependía de las circunstancias y de las posibilidades del concierto. A partir del
siglo XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión cuántos y
cuáles eran los instrumentos que debían interpretar cada parte; uno de los
primeros fue Claudio Monteverdi, que indicó incluso la colocación de los mismos
en su obra Orfeo.

FORMAS DE LA MÚSICA ORQUESTAL

A partir de mediados del siglo XVII surgirán las grandes

formas instrumentales barrocas, que marcarán no sólo este
periodo sino toda la música posterior.

 LA SUITE: es una forma compleja compuesta por la

sucesión de danzas de distinto carácter. El número y
la disposición de las danzas es variable. Aunque
existen suites escritas para un solo instrumento, la
forma se desarrollará más dentro de la música
orquestal, siendo uno de los principales
compositores J.S.Bach.
 LA SONATA: el significado de la palabra sonata es
"música para sonar" (tocada por instrumentos). Es una forma compleja, ya que se
desarrolla en cuatro movimientos que contrastan en cuanto al tempo. La estructura
de ésta fue establecida por Arcángelo Corelli.
 EL CONCIERTO: el término deriva de la palabra concertare, que quiere decir
contraponer cosas distintas. Es una forma compleja, normalmente de tres
movimientos contrapuestos en cuanto al tempo. Según como intervengan los
instrumentos el concierto puede ser:
 Concerto grosso: en el que se establece un contraste entre un grupo
de solistas (concertino) y el resto de la orquesta (tutti), que van alternándose en
la interpretación de la obra. Destacan los "Seis Concerti Grossi" de Haendel o
los "Conciertos de Brandenburgo" de J.S.Bach.
  Concerto a solo: compuesto para un solo instrumento solista que
contrasta con la orquesta. Podemos destacar a A.Vivaldi, al que se le atribuyen
más de 300 conciertos para solista, como las "Cuatro Estaciones", compuesto
para violín.

COMPOSITORES DESTACADOS
16
 BACH, Johann Sebastian
 CORELLI, Arcangelo
 FRESCOBALDI, Girolamo
 HAENDEL, Georg F.
 LULLY, Jean-Baptiste
 MONTEVERDI, Claudio
 PERGOLESI, Giovanni Battista
 PURCELL, Henry
 SCARLATTI, Alessandro y Domenico
 VIVALDI, Antonio
CLASISISMO

INTRODUCCIÓN

El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele

fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que
muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La 17
Edad Contemporánea.

CONTEXTO HISTÓRICO:

Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios

sectores del poder político y económico, lo cual tendrá
consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En
la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de
acontecimientos históricos importantes y reformas sociales
que darán lugar a violentos movimientos de masas,
destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789,
hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema
revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad" será
llevado a todos los contextos, también al de la música.

CONTEXTO CULTURAL:

El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento

intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya
principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y
D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la
población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le
denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la
Revolución Francesa.

Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que

paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con
creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar
poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto
de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia
creativa pero contando con el reto de tener que depender del
público para rentabilizar sus ingresos.

CONTEXTO MUSICAL:

La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y

palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la
burguesía y en espectáculos públicos.

En este periodo se produce una vuelta a los ideales de

la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el
equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo
recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como
"Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos
clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la
belleza y la perfección formal.

Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos
de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en
18
las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en
Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

Los compositores de este periodo orientan su música

hacia un equilibrio basado en la proporción y el orden,
una claridad que se transmite a través de melodías y
armonías simples y una sencillez que permite al oyente una
gran facilidad de comprensión. Estos son los tres ideales de
la música del Clasicismo, que quedan plasmados en una
nueva forma de componer.

La música de esta época es refinada, elegante, contenida

y equilibraba. Para lograr una música de estas características
los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:

 MELODÍA: Las melodías de Barroco adoptaban

estructuras irregulares. Por el contrario, en el
Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y
regular. La melodía se articula en una frase bien diferenciada de un nº
determinado de compases. Siguiendo el principio de proporción, cada frase puede
dividirse en partes de igual duración respetando la simetría. Los compositores
buscan concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces tienen
un papel de acompañamiento, de soporte armónico
 ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo
anterior. Se siguen desarrollando los principios armónicos que se habían
establecido en el Barroco tardío. Las funciones tonales (tónica, subdominante y
dominante) organizan toda la obra.

LA MÚSICA RELIGIOSA

Como ya habíamos adelantado, la música religiosa va a estar en declive en esta

época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros
mucho más solicitados por el público en general.

En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales

respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros,
dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran
importancia en este periodo es el Réquiem.
 El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica.
Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las
partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.

Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El

Réquiem de Mozart", obra maestra de la música
clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue
19
encargada a Mozart por un desconocido. El compositor,
que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó
que se trataba de un encargo del más allá para su
propio funeral y murió componiendo la séptima parte de
la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte
termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al
final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a
Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por
componer. La obra sería completada , siguiendo las
instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.

LA ÓPERA SERIA

El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género
operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos,
experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos
barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.

Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores

encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.

A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado
una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran
demasiado sofisticados y difíciles de entender, los cantantes se inventaban partes
enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hacía que el público cada vez
estuviese más descontento con este tipo de ópera.

En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en

París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". Su éxito fue muy
grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de
ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La
querella de los bufones".

En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho
más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba
este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la nueva ópera que
había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del
Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para todo tipo de
público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además
destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo estaba Rouseau y
algunos otros enciclopedistas.
 En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C.
Gluck, que buscó la reconciliación de ambos grupos,
realizando una reforma de la ópera seria para que se
acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su
ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma
que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los
siguientes puntos:
20

 Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad

a la que había llegado la ópera seria.
 Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las
arias más simples y los recitativos más expresivos.
 El argumento debe ser más sencillo y verosímil,
desechando los elementos fantásticos y artificiales de
Barroco.
 La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.

Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.

LA ÓPERA BUFA

Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar

importancia gracias, sobretodo a la llegada de la burguesía al
poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos cómicos
entre los diferentes actos de las óperas serias. Estos
fragmentos se fueron desarrollando y acabaron
independizándose, dando lugar a un género nuevo llamado
ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del
Clasicismo.

Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la Serva
Padrona de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A
pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa
contaba con algunas particularidades:

 Los argumentos recogen temas de la vida

cotidiana, dándoles un carácter cómico y en
ocasiones sentimental.
 Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones
sustituye los recitativos por partes habladas.
 Los dúos y los conjuntos vocales se fueron
haciendo cada vez más habituales.
 En los finales de acto los personajes entraban de
manera gradual, de forma que la tensión iba en
aumento y se resolvía cuando todos cantaban al
final.
 El lenguaje que utilizaban era asequible, sin
grandes grandilocuencias.
 Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es
extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada
vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno
de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano
(Las bodas de Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a
toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamóÓpera Cómique.

21

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental del Clasicismo va a girar en torno a tres agrupaciones

características:

 LA MÚSICA DE CÁMARA: Llamamos así a la

música compuesta para un reducido grupo de
instrumentos, en contraposición a la música de
orquesta. El nombre viene de los lugares en los que
ensayaban pequeños grupos de músicos durante la
Edad Media y el Renacimiento. A esas habitaciones,
no muy grandes, se les llamaba cámaras.

Relegada hasta entonces a los salones de la

aristocracia, la música de cámara comenzará poco a poco a difundirse en pequeñas
salas de concierto y en casas particulares. Esto viene provocado por el acceso de la
burguesía a la práctica instrumental y a los conocimientos musicales y también porque
económicamente una agrupación de cámara era mucho más rentable que una
orquesta.

Con frecuencia, los compositores recibían encargos de música sencilla que pudiera
ser interpretada por aficionados.

Las obras de cámara podían ser para un instrumento solista (como el piano o la
guitarra), para un trío (por ejemplo un violín, un piano o un violonchelo),…; pero sin
duda las agrupaciones de cámara que se convirtieron en favoritas fueron el cuarteto
de cuerda (dos violines, viola y violonchelo) y el quinteto (que sumaba a esos
instrumentos del cuarteto un instrumento de viento)

Sin embargo, dentro de este tipo de música caben todas las posibilidades de
instrumentos y agrupaciones que podemos imaginar, siempre que no sean grupos
demasiado numerosos.

 LA MÚSICA DE ORQUESTA: Durante el Clasicismo, la orquesta evoluciona

hasta convertirse en uno de los medios de expresión más utilizados por los
compositores.
 La constitución de las orquestas
va a seguir dependiendo de las
posibilidades económicas y de la
disponibilidad de instrumentistas. Sin
embargo, las orquestas poco a poco
se fueron uniformizando, de manera
que hacia finales del siglo XVIII ya 22

podemos hablar de un modelo de

orquesta clásica con una sección de
cuerda (violines, violas, violonchelos
y contrabajos), una de viento
(flautas, oboes, clarinetes, fagots,
trompas,…) y una de percusión
(timbales, platillos,…)

En esta concreción de la orquesta hubo un personaje que influye en gran medida:

Johann Stamitz. Este hombre fue promotor y director deLa Escuela de Mannheim, una
escuela de música situada en esa localidad alemana que en su época contó con la
mejor orquesta del mundo.

Dentro de las novedades que Stamitz introduce en el mundo de la orquesta

podemos destacar las siguientes:

o Disciplina en el estudio: a su orquesta se le conocía con el sobrenombre de

“Ejército de generales”
o Trabajo por secciones instrumentales: antes de comenzar con los ensayos
generales.
o Búsqueda y desarrollo del color orquestal: la orquesta se debe comportar
como un solo instrumento, no como un conjunto de instrumentos.
o Incorporación de nuevos recursos que aumentan las posibilidades
tímbricas de la orquesta como el Crescendo y el Diminuendo.

Muchas de estas y otras innovaciones que Stamitz introduce en el mundo de la

orquesta siguen vigentes hoy en día.

LAS FORMAS INSTRUMENTALES

Durante el Clasicismo, los compositores van a trabajar innumerables formas

musicales, que adaptaban a las necesidades de sus pedidos o a sus gustos. Algunas
formas que destacaron fueron el divertimento, la serenata o la casación. Sin embargo,
las tres formas más importantes de la época fueron las siguientes:

 LA SONATA:
 Esta forma instrumental surgida en el Barroco, se convertirá durante el Clasicismo
en el principal modelo de composición para la música instrumental
de la época.

Se trata de una obra musical compuesta para un teclado o para

otro instrumento acompañado normalmente por un instrumento de
teclado. La sonata consta de cuatro partes denominadas 23
movimientos. Cada uno de esos movimientos se distingue por su
tempo y por su estructura, distinta de los demás.

1. Rápido (Allegro) En la tonalidad principal

2. Lento (Andante o largo) En una tonalidad vecina.
3. Ligero (suele ser un Minueto) Tonalidad libre.
4. Rápido (Allegro o presto) Tono principal.

 LA SINFONÍA:
Podemos decir que es
una sonata construida
para una orquesta
completa aunque de
manera más compleja.
Tenía, en principio, tres
partes o movimientos que
luego se convertirán en
cuatro. Se considera a
Haydn como el compositor
que dio la forma definitiva
a este género, aunque los músicos de la Escuela de Manheim también desarrollaron
este género en gran medida.

Las orquestas sinfónicas reciben este nombre, ya que en principio eran concebidas
para interpretar sinfonías.

Para nombrar sinfonías se emplea el número de orden en el que se ha escrito. Por

eso hablamos de la 5º sinfonía de Beethoven o la 83 de Haydn. Muchas de ellas
también tienen un sobrenombre; por ejemplo, la tercera de Beethoven se conoce
como la heroica y la 101 de Haydn se conoce como la sinfonía del reloj.

Entre los mejores compositores de sinfonías podemos nombrar:

Haydn: que compuso más de 100.

Mozart: que compuso 41.

Beethoven: que creó 9 sinfonías.

 CONCIERTO PARA INSTRUMENTO SOLISTA Y ORQUESTA: Es una forma
musical basada en la alternancia entre un instrumento solista y toda la orquesta.
Generalmente, la forma del concierto es la misma que la de la sinfonía pero prescinde
del tercer movimiento.
24
Este tipo de obras se convirtió en uno de los favoritos de los compositores del
Clasicismo, ya que va a aunar en una sólo forma los nuevos avances de la orquesta
(timbre orquestal y novedades de la Escuela de Manheim) y el virtuosismo del solista.

En un principio, el instrumento que más utilizaban los compositores para realizar el

papel de solista era el violín. Sin embargo, poco a poco se fueron escribiendo
conciertos para otros instrumentos (violonchelo, flauta travesera, trompeta, clarinete).

LOS INSTRUMENTOS

Durante el periodo del Clasicismo los instrumentos

experimentan cambios notables. Algunos de los instrumentos
de la época barroca van cayendo en desuso. Por ejemplo el
clave es reemplazado por el piano, que posee mejores
posibilidades dinámicas que el primero. Otros como el laúd, la
flauta de pico o la viola de gamba tienden a desaparecer, ya
que sus características tímbricas no se adecuaban al nuevo
estilo musical.

Otros instrumentos, sobretodo los de viento,

mejorarán sus posibilidades ya que serán
mejorados técnicamente por los constructores.
Esto permitirá ampliar registros, mejorar
timbres,…

Una de las grandes aportaciones del

Clasicismo fue la mejora e incorporación del
clarinete a la orquesta. Este instrumento de
viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más bellos conciertos.

COMPOSITORES DESTACADOS

 BEETHOVEN, Ludwig van

 BOCCHERINI, Luigi
 GLUCK, Christoph W.
 HAYDN, Franz Joseph
 MOZART, Wolfgang Amadeus
ROMANTISISMO

SITUACIÓN

Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque

hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en
algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el 25
Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición
que nos permite hablar de continuidad.

CONTEXTO HISTÓRICO:

En 1815 se celebra el congreso de Viena, que

dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La
burguesía ha tomado el poder social y sus ideales
de libertad quedarán patentes en todos los
ámbitos de la sociedad. La revolución industrial
se impone en todos los lugares con sus enormes
consecuencias económicas, sociales y culturales.

Nos encontramos con una nueva sociedad,

surgida de la Revolución Francesa, que exalta la
libertad del ser humano por encima de todas las
cosas.

El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se

refuerza la idea de individualidad. El nacionalismo afectará a todas las artes y muy en
especial a la música.

CONTEXTO CULTURAL:

Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan

nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En
esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a
crear obras para un público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en
comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación
de las pasiones en todas sus obras.

Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por

el arte", sin condicionantes y sin tener que respetar todas las
normas formales y estructurales que se habían impuesto en
el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores
que son reconocidos como tales por el resto de la gente.

CONTEXTO MUSICAL:

El Romanticismo es quizá la época más brillante de la

historia de la música, ya que por primera vez, este arte
adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del
resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas.

En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución

Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios
gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.

El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los

26
músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole
emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano,
que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una
atmósfera íntima.

En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la

primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que
sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo.

En el Romanticismo la música va dirigida al corazón.

LA ÓPERA ROMÁNTICA

Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este
género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía.
Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos
(dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias.

Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:

 ITALIA
 FRANCIA
 ALEMANIA
 ESPAÑA

MUSICA INSTRUMENTAL

EL LIED

Se trata de un género menor (de poca duración) que

se convirtió en una de las principales formas vocales
de la música romántica ya que normalmente era
compuesta para el disfrute en veladas musicales
íntimas.

El lied (lieder en plural) es una denominación

alemana que significa canción. Es una forma breve
escrita para voz y piano sobre un texto poético ya
existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy
apreciado por el público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada
por la belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al servicio de la melodía
del cantante.

Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico, caracterizado

por repetir la misma música en todas las estrofas (A-A-A,..). También es común la forma
27
bipartita de dos secciones que se van repitiendo (A-A-B-B) y la forma tripartita en la que la
tercera parte era repetición de la primera (A-B-A)

Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo
largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como
Hugo Wolf o Gustav Mahler.

LA MÚSICA DE CÁMARA

La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en

gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras
para interpretar en familia o entre amigos.

A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara,
desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano,
violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar
el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo), que
siguió ocupando un lugar destacado en esta época.

Muchas de estas obras eran

sencillas y así las podían interpretar
grupos de aficionados en las
reuniones íntimas que realizaban en
sus propias casas.

LA MÚSICA PARA ORQUESTA

La orquesta del siglo XIX se

convirtió en la gran protagonista de
la época. Casi todos los
compositores escribieron obras
musicales para este tipo de
formación.

La orquesta romántica,
denominada orquesta sinfónica,
estaba integrada por un número de
intérpretes que solía oscilar entre los
60 y 75 instrumentos de las tres
familias. No es extraño, sin embargo,
encontrar a finales de siglo obras
que requerían 100 o más músicos.
Los mecanismos técnicos de los
instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos
tan importantes como los de cuerda.

Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se

multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con
varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida
extraordinaria.
28

Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:

 LA SINFONÍA
 EL CONCIERTO PARA SOLISTA
 LA MÚSICA PROGRAMÁTICA

LA MÚSICA DE PIANO

El piano, era el instrumento preferido de los compositores

románticos y de muchos de los amantes de la música de
ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:

 La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica

y los conocimientos musicales. Era frecuente que en
los hogares de las familias con cierta cultura hubiese
un piano puesto que era sinónimo de elegancia y
poder. Los familiares solían reunirse para interpretar
música o para celebrar tertulias en torno a él.
 Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez
y esto le permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
 Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el
piano un medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus
sentimientos mediante la música.

A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:

 Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del

instrumento. Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el
lucimiento del artista desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento.
Se trata generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son
los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho
más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la
improvisación jugaba un papel protagonista),...; algunos de los compositores más
representativos de este género fueron F. Liszt, reconocido por algunos como el
mejor pianista de la época, o F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
 Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de
ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en
apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico
de la época. Entre los compositores más destacados de este género podemos
 hablar de F. Chopin o de R. Schumann que crearon piezas que se denominaron
momentos musicales, escenas de niños, baladas, nocturnos,...

Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las

que recurrían a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las
polonesas o las mazurcas.
29
LA MÚSICA PROGRAMÁTICA

La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la

expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva, que
ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas,
historias,...).

Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje

descriptivo no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de
Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género nuevo
capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas
formas de música programática: la sinfonía programática y el poema
sinfónico.

 LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que en lugar

de basarse en una estructura formal, se desarrolla en torno a la
descripción de un programa o argumento, generalmente de
carácter literario. El creador de este género es el compositor francés H. Berlioz con
su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la que narra su
amor no correspondido hacia una actriz inglesa a la que convierte en música. La
sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos) y
normalmente el autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de
la misma.
 EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento basada en
elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su
obra "Preludios" describe unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones
poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por compositores
románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky,
N. Rimsky-Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas.

EL POST-ROMANTICISMO

La etapa nacionalista coincide en el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo,
que se produjeron sobretodo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre
de Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico constituye
una prolongación del lenguaje romántico.

Los autores post-románticos buscan llevar hasta el límite la exaltación de la

individualidad y los estados anímicos personales. El resultado es un sonido amplio y, a
menudo, grandioso, que se logra mediante orquestas muy numerosas y una rica y variada
utilización de los instrumentos.
 Entre los compositores más destacados del post-romanticismo podemos nombrar a
Gustav Mahler (Sinfonía nº 1 "Titán"), Richard Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei
Rachmaninov (Sinfonía nº 1 en re menor). Todos los artistas post-románticos se verán
muy influidos por la obra de R.Wagner y tendrán a su vez influencia en las primeras
corrientes vanguardistas.

EL NACIONALISMO MUSICAL
30

A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que muchos
pueblos defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o en razones
de tipo histórico. Este movimiento político nacionalista se hizo patente con la
independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones de Alemania e Italia.

Este fenómeno tuvo repercusión también en el campo de la música, donde se

desencadenó un movimiento que volvió su mirada hacia la tradición y buscó materiales
musicales en el folclore de cada territorio. El Nacionalismo tuvo importancia en países que
habían estado sometidos a gustos musicales extranjeros, como Rusia, Bohemia, los
Países Escandinavos, Hungría o España entre otros. Los compositores de estas naciones
reivindican la música popular de sus patrias y sienten el afán de enseñarla al mundo como
algo propio.

Muchos de los compositores románticos anteriores ya utilizan o se inspiran en fuentes

propias de su folclore; es el caso de Chopin con sus polonesas y mazurcas, o de Liszt con
sus rapsodias húngaras. Sin embargo, es a partir de las revoluciones europeas de 1948
cuando se desarrollan plenamente los nacionalismos, en los que cada país busca resaltar
su identidad rescatando su tradición cultural y folclórica.

Este movimiento se caracteriza además por:

 Elección de temas nacionales para óperas y

poemas sinfónicos.
 Interés por el folclore y las tradiciones de
cada país, lo que conduce a la recopilación,
estudio y clasificación de canciones
populares. Nace así la etnomusicología.
 Aparición de estilos nuevos al añadir al
lenguaje musical romántico elementos
melódicos, rítmicos y estructurales propios
de las tradiciones locales. Con frecuencia se
introducen melodías folclóricas en las
composiciones.

El nacionalismo musical sirve de puente entre el siglo XIX y el XX, ya que en muchos
países se prolonga conviviendo con otros movimientos musicales contemporáneos.

COMPOSITORES DESTACADOS

A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más

destacados de esta etapa. Como el Romanticismo es la etapa más abundante en
 músicos, los hemos dividido en tres grupos dependiendo de sus características. Pincha
sobre el nombre del que quieras conocer:

ROMANTICISMO NACIONALISMO
POST-ROMANTICISMO

 BERLIOZ, Héctor  MAHLER, Gustav  ALBENIZ, Isaac

 BIZET, Georges
 BRAHMS, Johannes
 CHOPIN, Fréderic
 DONIZZETI, Gaetano
 LISZT, Franz
 MENDELSSOHN, Felix
 MEYERBEER, Giacomo
 OFFENBACH, Jacques
 PAGANINI, Niccolo
 PUCCINI, Giacomo
 ROSSINI, Gioacchino
 SCHUBERT, Franz
 SCHUMANN, Robert
 TCHAIKOVSKI, Piotr Illich
 VERDI, Giuseppe
 WAGNER, Richard
 WEBER, Carl Mª Von
31
 STRAUSS, Richard  BARTOK, Bela
 BORODIN, Alexandr
 DVORAK, Antonin
 FALLA, Manuel de
 GERSHWIN, Geroge
 GLINKA, Mijail
 GRANADOS, Enrique
 GRIEG, Edward
 KODALY, Zoltán
 MUSSORGSKI, Modest
 PEDRELL, Felipe
 RIMSKI-KORSAKOV, Nikolái
 SIBELIUS, Jan
 SMETANA, Bedrich
SIGLO XX

INTRODUCCIÓN

Desde el punto de vista cronológico, a la música de este periodo se le llama música

contemporánea y tiene su origen en los movimientos nacionalistas del último
Romanticismo que darán lugar a otras tendencias, en cierto modo continuistas, como el 32
Impresionismo o el Expresionismo.

CONTEXTO HISTÓRICO:

El siglo XX es un periodo de
cambios acelerados. El desarrollo
de las comunicaciones y de las
tecnologías van a influir en gran
medida durante el transcurso de
este periodo. Sin embargo, los
problemas socioeconómicos y
políticos derivados de la
Revolución Industrial culminan a
principios de siglo con la Primera
Guerra Mundial (1914-1918) y la
Revolución Rusa (1917) y más
tarde con la Segunda Guerra
Mundial (1939-1945). Estos
hechos sacuden hasta lo más
íntimo las conciencias de la población. El panorama europeo es desolador ya que las
guerras trajeron millones de muertos y muchas personas se vieron obligadas a abandonar
sus países.

Sin embargo, nada más terminar 2º Guerra Mundial se inicia una reconstrucción que
abarcará todos los ámbitos: político, económico, social, ético y, por supuesto, artístico. El
auge de la tecnología, los medios de transporte y las telecomunicaciones convierten a
nuestro planeta en una aldea global que conoce casi con total inmediatez lo que ocurre en
el mundo entero.

CONTEXTO CULTURAL:

El siglo XX es un periodo en el que los cambios y las

novedades en el mundo del arte se van a dar con gran
velocidad. Nunca antes, en la historia se había visto
proliferar tal cantidad de escuelas, movimientos y
novedades como ahora. Los cambios y las tendencias se
suceden de forma acelerada. Estamos ante una época de
replanteamiento estético y formal del arte. Todos los
movimientos que surjan tendrán un nexo común: el deseo
de ruptura con el pasado.

El contacto de la sociedad europea con culturas lejanas,

propiciado por el avance de las comunicaciones y las exposiciones universales aportará
nuevos horizontes a la creación artística. Desde finales del siglo XIX la pintura asume un
liderazgo indiscutible en el terreno artístico, ya que encabezará todos los cambios y
vanguardias que vayan surgiendo en el transcurso del siglo XX.

CONTEXTO MUSICAL:

El mundo de la música también se verá influido por ese cambio social y cultural. La
33
música, cuyos recursos tradicionales habían sido explotados hasta la saciedad por los
autores románticos, busca abrirse nuevos caminos y romper con el pasado. Gran cantidad
de estilos vanguardistas musicales se irán yuxtaponiendo en el transcurso del siglo en
busca de la novedad y la experimentación, a través de un cambio estético que dará lugar
a las composiciones más variopintas.

La aparición de nuevos géneros como el jazz o el rock y

sus derivados arrebatará a la música culta el protagonismo,
casi exclusivo, del que había gozado durante siglos. Poco a
poco se irá convirtiendo en una música de minorías, ajena
al éxito y a los intereses comerciales. En la segunda mitad
de siglo, la llegada de la tecnología alterará la forma de
componer e interpretar la música. Por primera vez en la
historia los medios electrónicos e informáticos tendrán una
función importante dentro del fenómeno musical.

CARACTERÍSTICAS MUSICALES

Aunque es complicado establecer unas características

generales al abordar la multitud de corrientes que se van a dar
en este siglo, cada una de ellas con sus propios fundamentos,
vamos a destacar algunas ideas generales:

 La pérdida de unidad estilística y técnica se hace

evidente ya que no hay un lenguaje y un tipo de
expresión únicos, sino una pluralidad de movimientos.
Cada compositor busca su propio lenguaje musical
para expresarse.
 La ruptura con el pasado se manifiesta en el progresivo
abandono del lenguaje tonal, que parece haber llegado
a su fin. El ritmo adquiere gran protagonismo.
 Búsqueda de la novedad, ninguna obra puede parecerse a otra y para ello hay que
experimentar con todo lo que se tenga a mano. Cualquier objeto puede ser capaz
de producir música.
 El compositor no busca la belleza de
melodías, sino llamar la atención del oyente,
por lo tanto nos encontraremos ante
piezas extrañas que no tienen nada que ver
con la música que se había realizado hasta
entonces.
 En algunas corrientes, sobre todo en la 2º
mitad de siglo, el compositor acompaña su
obra con textos explicativos propios para que
 la obra se pueda interpretar y entender, ya que a menudo se usan sistemas de
notación no convencionales. Además, en esta época, entrarán en juego los
avances electrónicos e informáticos.

MÚSICA EN LA 1ª MITAD DE SIGLO XX

A comienzos de siglo, los nuevos lenguajes se fueron

34
imponiendo de manera gradual, y con mucha dificultad, en
un mundo aún dominado por los últimos grandes
compositores del Postromanticismo y del Nacionalismo.
Compositores que, a pesar de componer en el umbral del
siglo XX, tuvieron una gran influencia posterior.

La nueva concepción de componer vino de dos ciudades

diferentes, que fueron París y Viena. En el primer caso con
las aportaciones del Impresionismo de la mano de C.
Debussy, que supone un punto de partida para la música de
vanguardia; en el segundo con la ruptura que suponía la
música de Arnold Schoenberg y sus discípulos en la
Escuela de Viena.

Hubo otras rupturas, incluso más radicales, como la del Futurismo en Italia, que aunque
no tendrán mucha vigencia como corriente estética, influirán en los movimientos que
tendrán lugar en la 2ª mitad de este siglo. Otros movimientos, como el Neoclasicismo,
intentarán devolver a la música a sus cauces tradicionales.

IMPRESIONISMO

El Impresionismo puede considerarse como

la primera manifestación contemporánea del
siglo XX. En las últimas décadas del
Romanticismo, un grupo de pintores franceses
se interesaron por el trabajo al aire libre. Un
lienzo de Claude Monet titulado "Impresión, sol
naciente" será el origen del movimiento
impresionista, estilo que adoptarán otros
pintores y que más tarde se trasladará al
mundo de la música. Se trata de pinturas que
plasman paisajes y ambientes difuminados, en
las que no se busca la perfección y realismo
del cuadro, sino la impresión que produce en
los ojos de quien lo observa.

El impresionismo musical será un movimiento típicamente francés, relacionado con la

tendencia pictórica. Posiblemente es la corriente más novedosa y original de todas las
que se dan en esta época. El compositor más destacado de este movimiento es Claude
Debussy, con obras como "Preludio a la siesta de un fauno" (1894).
 Al igual que la pintura impresionista, la música de Debussy es una música de
atmósferas y de sentimientos sutiles, carente de la grandiosidad post-romántica. Las
características de esta música son:

 Melodías desdibujadas (igual que en pintura), sin líneas ni cadencias claras, que
utilizan escalas modales, pentatónicas, cromáticas o de tonos enteros.
 Armonía libre, con acordes incompletos a los que Debussy llama flotantes, que
35
toman su valor por su sonoridad, no por su función tonal, para convertirse en
líneas y manchas que se desvanecen en el tiempo y el espacio.
 Nuevo concepto de timbre, utilizando los instrumentos de forma individual y no
como conjunto orquestal (collage).
 Incorporación de elementos musicales orientales, tanto melódicos o rítmicos como
armónicos.

Uno de los continuadores de la obra impresionista de Claude Debussy será el francés

Maurice Ravel, conocido por su obra "El bolero".

EXPRESIONISMO

El término Expresionismo aparece a partir de 1911

para designar un estilo pictórico en el que, poco a
poco forma y color dejan de estar obligados a imitar
la realidad. Este movimiento es predominantemente
alemán y afectará a la música y literatura, además de
a la pintura. Se caracteriza por buscar la expresión
del alma del ser humano de forma dura y pesimista.
El tema principal del Expresionismo es el hombre y
su vivencia interior llena de conflictos y temores, que
muestra una realidad distorsionada marcada por el
dolor y la angustia.

La obra "El grito", de Edward Munch, es

considerada como la primera manifestación
expresionista. En música, el compositor más representativo de esta tendencia es Arnold
Schoenberg, que considera la música como medio para expresar la personalidad del
hombre. Las principales características del Expresionismo son:

 Búsqueda de lo dramático mediante el uso constante de disonancias que

producen una tensión continua, sin momentos de reposo.
 Utilización de un sistema atonal, que rompe con todas las reglas tradicionales de
organización melódica y armónica.
 Pérdida del concepto de melodía en favor de un canto recitado (sprechgesang),
que tiene como objetivo la expresión violenta y agresiva del texto.
 Normalmente son obras para pequeñas formaciones de cámara, en las que cada
instrumento tiene el papel de solista.

Una de las obras más destacadas de esta corriente es "Pierrot Lunaire", ciclo de 21
melodramas compuestos sobre poemas de Albert Giraud.
ATONALISMO

Este movimiento se funde con la corriente expresionista.

Durante la primera década del siglo XX, los excesos de los post-
románticos en el plano de la armonía, hicieron que poco a poco la
tonalidad, que hasta entonces organizaba y era la base de las
obras musicales, perdiera su papel.
36

El Atonalismo nace cuando una serie de compositores, con

Arnold Schoenberg a la cabeza, deciden otorgar a la disonancia la
misma importancia que a la consonancia y escribir sus obras con
una tonalidad concreta. Esto implica que todas las notas tienen el
mismo valor, sin jerarquías. De ahí la sensación de que se han
perdido los puntos de equilibrio y de orientación, por lo que para
nuestros oídos, la música atonalista suena desafinada.

Entre las obras en las que Schoenberg recurre al Atonalismo, podemos destacar
"Cuarteto nº 2" y "La noche transfigurada". Esta ruptura con la tonalidad influiría también
en artistas como Richard Strauss, Gustav Mahler, Edgar Varese o Charles Ives, entre
otros. Sin embargo, la corriente del Atonalismo como tal tuvo una vida efímera, ya que se
trataba de componer sin ningún tipo de normas, sumiendo a la música en una especie de
caos.

DODECAFONISMO

Los fundamentos de la música

dodecafónica fueron elaborados y
desarrollados a comienzos del siglo XX
por el compositor austríaco Arnold
Schoenberg y dos de sus discípulos y
amigos: Alban Berg y Anton Webern, que
son conocidos en conjunto como Escuela
de Viena. Este método fue creado en
1923 y también fue conocido como
Serialismo.

Después del periodo atonal y tras

varios años de inactividad, el mismo
Schoenberg dio un paso de gigante al inventar un sistema de organización para las obras,
que, en cierto modo, vino a cumplir el papel que durante siglos había representado la
tonalidad.

La técnica dodecafónica consistía en definir una serie con las doce notas de la escala
cromática (distancia de medio tono entre notas), que podían ordenarse de la forma que el
compositor decidiera. Sin embargo, una vez establecido el orden, éste debía mantenerse
a lo largo de toda la obra; era precisamente esta serie la que se erigía como la
estructuradora de toda la composición. Desaparece, por tanto, la jerarquía entre los
grados de la escala, originando una música atonal que podríamos asociar a la pintura
abstracta de autores como V. Kandinsky.
 Pronto, los compositores dodecafónicos se dieron cuenta de que una sola serie limitaba
enormemente las posibilidades compositivas; por ello, para disponer de un mayor margen
de acción, se empezaron a utilizar en la misma obra otras series derivadas de la primera,
37
retrógrada (hacia atrás), invertida (en espejo) o retrógrada invertida.

FUTURISMO

Es un movimiento estético nacido en Italia en 1909. Se trata de la corriente más radical

del siglo XX, y su principal precursor es Tómmaso Marinetti, artista y escritor que tuvo
gran repercusión en las artes plásticas. Su incidencia en el terreno musical fue más bien
escasa, afectando casi exclusivamente a la obra de los italianos Luigi Russolo y Balilla
Pratella.

El movimiento futurista se basa en la introducción de los

ruidos y las máquinas en la música. Los futuristas se
inspiran en el ambiente industrial de la sociedad del siglo
XX. Buscan enriquecer el sonido y desvincularse del
pasado, declarando la guerra a la tradición y a los timbres
limitados de los instrumentos convencionales. Russolo, en
1913, publica "El manifiesto de los ruidos", obra en la que
se dan a conocer los fundamentos de esta corriente. En
este libro, el autor clasifica los instrumentos de la orquesta
futurista en seis familias, en las que podemos encontrar
gruñidos, silbidos, risas, gritos, golpes... Russolo, fue capaz
de crear un instrumento capaz de producir ruidos variados.
A este artefacto lo denominó "entonarruidos"

La corriente futurista, en su sentido más estricto, no duró mucho tiempo, pero su idea
de conectar la música con la realidad utilizando los ruidos de la vida moderna, tendrá una
gran influencia en muchos compositores contemporáneos y anticipará las técnicas de la
música concreta.

Entre los músicos más influenciados por el Futurismo podemos citar a Edgar Varese,
con obras como "Ionization" (primera obra en la historia escrita únicamente para
instrumentos de percusión) o Arthur Honegger, con "Pacific 231" (obra que describe el
movimiento de una locomotora).

NEOCLASICISMO

El Neoclasicismo (nuevo Clasicismo) surge entorno a 1920 como reacción al Post-

Romanticismo, el Impresionismo y el Expresionismo. Es quizá el movimiento que menos
novedades aporta durante este periodo; supone una vuelta a la claridad formal del
Clasicismo, y el rechazo a una concepción expresiva de la música cargada de significados
subjetivos.
 Se vuelve al cultivo de las formas y géneros clásicos, buscando una nueva sencillez, ya
que aspira a devolver a las obras musicales la comprensibilidad y el placer para el oído.
Por esa razón, la mayoría de las obras de este movimiento recuperan la tonalidad clásica.

Entre los principales representantes de esta tendencia se encuentra el francés Erik

Satie y el llamado "Grupo de los Seis", cuyos ideales fueron expuestos en 1918: "basta ya
de nubes, olas, ondas y fragancias nocturnas. Necesitamos una música con los pies en la
38
tierra, una música cotidiana,...". Una conocida obra de Satie es la titulada "Gymnopédie nº
1". Otro conocido autor de inspiración neoclásica fue el ucraniano Sergei Prokofiev que
compuso obras como "La Sinfonía clásica op. 25" o el ballet "Romeo y Julieta"

Esta corriente ha tenido continuadores hasta la actualidad.

MÚSICA EN LA 2ª MITAD DE SIGLO XX

Herederos de las novedades aportadas en las

primeras décadas, durante a segunda mitad de siglo
el arte en general y en particular la música siguen las
pautas de ruptura con lo establecido marcadas por los
autores de las generaciones anteriores.

Ya ha desaparecido de forma definitiva el lenguaje

universal tonal, llegamos en este periodo a la
concreción de estilos artísticos mucho más radicales e
individualistas, en los que todo es válido para crear
una obra de arte, que, muy a menudo, va a
sorprender al un público que no está preparado para
este tipo de música.

Por primera vez en la historia de la música los

medios electrónicos, que se van desarrollando debido
al gran avance de la tecnología, formarán parte de la
composición. Los instrumentos tradicionales van
dejando su sitio a otros instrumentos de nueva creación, que se congregarán en el
laboratorio musical y más tarde en el ordenador.

SERIALISMO INTEGRAL

El Serialismo Integral es un movimiento que se da a partir de la

segunda mitad del siglo XX. Consiste en la aplicación del concepto
de serie, introducido por el Dodecafonismo, a todos los parámetros
integrantes del sonido (timbre, altura, duración, intensidad...), y no
sólo a la altura de las notas.

Aspira a convertirse en un sistema completo y perfectamente

estructurado y racional; sin embargo, el resultado es con frecuencia
una música fría, en la que las alturas, duraciones, timbres e
intensidades están perfectamente ordenados en series de doce
grados cada una.
 La música serial se caracteriza, por tanto, por el minucioso ordenamiento de los
parámetros musicales y su alto grado de elaboración previa, ya que el compositor
organiza la obra como si las piezas de un puzzle se tratara.

Entre los compositores más destacados cabe recordar a Oliver Messiaen, con obras
como "Modos de valor e intensidad", y a Pierre Boulez, con "El martillo sin dueño" o
"Sonata para piano nº 3".
39

LA MÚSICA CONCRETA

Hacia mediados del siglo XX surge esta corriente, que se inspira

en el Futurismo, ya que utiliza cualquier sonido o ruido sacado de
la realidad. El compositor se lanza a la calle grabadora en mano,
recogiendo todos los sonidos que cree interesantes; estos sonidos
posteriormente se manipulan en un laboratorio musical (se cortan,
se pegan, se modifican algunas de sus cualidades...) y se montan
en una cinta magnetofónica. El resultado es una composición de
música concreta.

En este tipo de música el papel del intérprete es sustituido por el

magnetófono, y el compositor presenta su obra de manera definitiva y objetiva. Por
primera vez en la historia la ciencia y los aparatos tecnológicos se usan para la creación
de obras musicales.

Entre los compositores pioneros se encuentran los francese Pierre Schaeffer, que
expone sus teorías en "El tratado de los objetos musicales" y Pierre Henry. Algunos de los
títulos de las obras de estos artistas son: "Estudio de ruidos", "Sinfonía para un hombre
40
solo", "Variaciones para una puerta y un suspiro" o "El micrófono bien temperado".

LA MÚSICA ELECTRÓNICA

Esta corriente surge influenciada por la música

concreta. Como hemos visto, esta música se basaba
en la grabación de un conjunto de sonidos reales
que se manipulaban; sin embargo, en la música
electrónica el sonido es creado completamente en
un laboratorio, son sonidos que no existen en la
realidad, que se crean, se procesan y se graban
electrónicamente. Este tipo de música suprime
totalmente los intérpretes y las partituras.

El laboratorio musical es el centro de creación del

artista. Aquí el compositor utiliza sintetizadores y
otros aparatos electrónicos para generar el sonido.

Entre los compositores más destacados de este

movimiento está: Karl Stockhausen, que desde 1953
dirige el Estudio de Música Electrónica de Colonia
(Alemania). Su obra más conocida es "El canto de
los adolescentes". Otros autores que seguirán los pasos de Stockhausen son Luciano
Berio y Bruno Maderna.

La música electrónica se unirá a la

música concreta, dando lugar a obras
cuyo contenido es en parte grabaciones
de sonido real y otros creados por
medios electrónicos. A esta música se
le conoce como Electroacústica, y se
convertirá en uno de los procedimientos
más empleados por casi todos los
compositores del siglo XX.

La conocida como música

Estocástica puede considerarse una
fase más del desarrollo de la música
electrónica; consiste en la introducción del ordenador en el
campo de la composición, que debidamente programado, calcula
combinaciones de sonidos y crea obras musicales.
LA MÚSICA ALEATORIA

Movimiento que surge durante los años 60 y que reacciona contra el Serialismo,
tratando de introducir en la música una mayor libertad compositiva. Se trata de una
música indeterminada, en función del azar y de la libertad de quien la interpreta. El
compositor no escribe una obra acabada y cerrada, sino que confía en la creación e
independencia del músico para hacer de cada audición una obra única e irrepetible.
41

Para lograr esa libertad interpretativa la música aleatoria emplea notaciones muy libres
y sugerentes, o textos en los que se invita a la creación. Ejemplo: "toca una nota con la
seguridad de que tienes todo el tiempo y el espacio que quieras; cuando la hayas tocado,
toca otra nota...".

Este tipo de música, en ocasiones,

también dejará parte de la
interpretación en manos del público,
que participa activamente en la obra.
Otras veces, los sonidos del entorno
serán parte integrante de la música.

El principal precursor de este tipo

de música fue el norteamericano John
Cage, cuya obra más representativa
es "4'33'' para cualquier número y
clase de instrumentos", escrita en
1952, y en la que los intérpretes
permanecen sentados y en silencio
durante cuatro minutos y treinta y tres segundos (tiempo que dura la obra), de manera
que son los ruidos de la sala, del público y del exterior los que construyen la pieza.

ÚLTIMAS TENDENCIAS

En las últimas décadas del siglo XX muchos compositores siguen escribiendo obras
musicales en busca de lenguajes propios y nuevas formas de expresión; sin embargo, a
modo de reacción contra estas corrientes, surgen algunas tendencias que intentan
presentar una música más comprensible para el público. Posiblemente, la característica
más común a todas ellas sea el abandono de la experimentación y la búsqueda de
lenguajes más sencillos y asequibles.

A continuación, dos de estos estilos:

MINIMALISMO:

Se le conoce también con el nombre de Música Repetitiva, y

nace en los EEUU a principios de los años 70. Este tipo de música
se basa en la creación de sencillos elementos melódicos, que se
transforman mínima e insistentemente a lo largo de su desarrollo;
es decir, se trata de crear una mínima célula melódica y repetirla
constantemente introduciendo un cambio insignificante en cada
repetición.

El principal representante de esta tendencia es Michael Nyman, que crea una obra
minimalista que más tarde formará parte de la banda sonora de la película "El piano".

EL NUEVO ROMANTICISMO:
42
Conocido también con el nombre de Nueva Simplicidad. Es una tendencia musical que
surge en Alemania en la segunda mitad del siglo XX. Los compositores que pertenecen a
esta corriente rehuyen la práctica de la experimentación y de la complejidad que
caracteriza las obras de la mayoría de los compositores de vanguardia.

No dudan, sin embargo, en incorporar elementos nuevos junto con los tradicionales.
Destaca en este movimiento el compositor Bernard Herrmann, con obras como "Escena
de amor".

COMPOSITORES DESTACADOS

 BERG, Alban
 DEBUSSY, Claude
 HONNEGER, Arthur
 MESSIAEN, Oliver
 RAVEL, Maurice
 SATIE, Erik
 SCHOENBERG, Arnold
 STOCKHAUSEN, Karlheinz
 STRAVINSKI, Igor
 WEBERN, Anton von
AUDICIONES

EDAD MEDIA

MÚSICA RELIGIOSA:
43

 "DE ORE LEONIS" (canto gregoriano)

 "VIDENS DOMINUS FLENTES" (canto gregoriano)
 "PUER NATUS EST" (canto gregoriano)
 "KYRIE FONS BONITATIS" (canto gregoriano)
 "REX CAELI" (organum a dos voces)
 "SEDERUNT PRINCIPES" (organum a cuatro voces: Perotin)
 "AGNUS DEI" (Misa de Notre Dame: G de Machaut)
 FRAGMENTO DE CANTO GREGORIANO (Enigma)

MÚSICA PROFANA:

 "ROBINS M'AIME" (música trovadoresca de A. de la Halle)

 "DE MOI DOLEROS VOS CHANT" (música trovadoresca de G. de Berneville)
 "SANTA MARÍA STRELA DO DÍA" (Cántigas de Santa María: Alfonso X el Sabio)
 "MIRAGRES FREMOSOS FAZ" (Cántigas de Santa María: Alfonso X el Sabio)
 "STELLA SPLANDENS"
 "SUMER IS ICUMEN IN" (canon del siglo XIV)

RENACIMIENTO

MÚSICA RELIGIOSA

 "AVE MARÍA" Misa de Josquin Desprez

 "KYRIE" Misa del papa Marcelo de Palestrina
 "CREDO" Misa del papa Marcelo de Palestrina

MÚSICA PROFANA

 "MATONA MIA CARA" Madrigal de Orlando di Lasso

 "MÁS VALE TROCAR" Villancico de J. Del Enzina
 "HOY COMAMOS Y BEBAMOS" Villancico de J. Del Enzina
 "DIFERENCIAS SOBRE EL CANTO LLANO DEL CABALLERO" de Antonio de
Cabezón
 "FANTASÍA DEL TERCER TONO" Luis de Narváez
 "THE MOST SACRED QUEEN ELIZABETH, HER GALLIARD" gallarda de J.
Dowland
 "BRANLE DE BOURGOGNE" Branle de J. Moderne.
 "RONDE" Tielman Susato
BARROCO

ÓPERA

 "LASCIATE I MONTI" Fragmento de la ópera Orfeo de C. Monteverdi.

 "ROSA DEL CIEL" Aria de la ópera Orfeo de C. Monteverdi.
 "TOCCATA" Interludio de la ópera Orfeo de C.Monteverdi. 44

MÚSICA RELIGIOSA

 "ORATORIO DE NAVIDAD" Recitativo J.S.Bach.

 "CANTATA 147" J.S.Bach.
 "QUIERO QUEDARME JUNTO A TI" Coro de la Pasión según San Mateo de
J.S.Bach.
 "SEÑOR TEN PIEDAD DE MI" Aria de la Pasión según San Mateo de J.S.Bach.
 "ALELUYA" Oratorio El Mesías de Haendel.

MÚSICA INSTRUMENTAL

 "CANON PARA ÓRGANO Y CUERDA EN RE MAYOR" J. Pachelbel.

 "TOCCATA Y FUGA EN RE MENOR" J.S. Bach.
 "MINUE" Suite nº 2 J.S. Bach.
 "OTOÑO" Las cuatro estaciones de A.Vivaldi.
 "BOURRÉE" Música para los reales fuegos artificiales de J.S.Bach.
 "PASACALLE Y FUGA EN DO MENOR" J.S.Bach.
 "1º MOV. ALLEGRO" Concierto de Brandenburgo nº 3 en sol mayor de J.S. Bach.
 "PRELUDIO Nº 1 EN DO MAYOR" El clave bien temperado de J.S. Bach.

CLASISISMO

ÓPERA

 "LA FLAUTA MÁGICA" Coro. W.A. Mozart

 "LA FLAUTA MÁGICA" Aria de la reina de la noche. W.A. Mozart
 "LA FLAUTA MÁGICA" Aria de Papageno. W.A. Mozart
 "ORFEO Y EURÍDICE" Aria. Ch.H. Gluck
 "LA SERVA PADRONA" Dueto. G. Pergolesi.

MÚSICA RELIGIOSA

 "REQUIEM" Lacrimosa. W.A. Mozart.

MÚSICA INSTRUMENTAL

 "SONATA EN LA MENOR" W.A. Mozart

 "MINUÉ" Quinteto de cuerda. Luigi Boccherini
 "CONCIERTO PARA TROMPETA Y ORQUESTA" F. J. Haydn
  "SINFONÍA SORPRESA" F.J. Haydn.
 "SINFONÍA 101 (El Reloj)" F.J. Haydn.
 "PEQUEÑA SERENATA NOCTURNA" W.A. Mozart
 "SINFONÍA OP. 11 nº 3" Allegro assai. J. Stamitz

ROMANTICISMO 45

ÓPERA

 "LA TRAVIATA". Aria. G. Verdi

 "TRISTÁN E ISOLDA". Aria. R. Wagner
 "NORMA". Aria Casta Diva. V. Bellini
 "CARMEN". Habanera. G. Bizet
 "CARMEN". Marcha del toreador. G.Bizet

ZARZUELA

 "LA VERBENA DE LA PALOMA" Coplas de don Hilarión. Tomás Bretón.

 "PAN Y TOROS" Coro: Aunque soy de la Mancha. F.A. Barbieri
 "LA GRAN VÍA" Tango de la Menegilda. F. Chueca.
 "AGUA, AZUCARILLOS Y AGUARDIENTE" Coro de niñeras. Federico Chueca

FORMAS MENORES

 "ENSUEÑO". Escenas de niños. R. Schumann

 "DE PAÍSES LEJANOS". Escenas de niños. R. Schumann
 "LA BELLA MOLINERA". Lied. R. Schubert
 "LA TRUCHA". Lied. R. Schubert
 "ROSA DE ZARZA". Lied. F. Schubert
 "ESTUDIO". F. Liszt
 "PRELUDIO Nº 4 EN MI MENOR". F. Chopin

MÚSICA DE ORQUESTA

 "CONCIERTO PARA PIANO Y ORQUESTA Nº 1". 2º mov.

F. Chopin
 "SINFONÍA Nº 8" Allegretto Scherzando. L.V. Beethoven
 "SINFONÍA FANTÁSTICA". Primer mov. H. Berlioz
 "SINFONÍA TITÁN" Primer movimiento. G. Mahler
 "SUITE IBERIA". Corpus Christi en Sevilla. I. Albéniz
 "EL MOLDAVA". Poema sinfónico. B. Smetana
 "RAPSODY IN BLUE". G. Gershwin

BALLET

 "EL CASCANUECES". Danza china. P. Tchaikovsky

 "EL AMOR BRUJO". Danza ritual del fuego. M. de Falla
 "EL SOMBRERO DE TRES PICOS". Danza del molinero. M. de Falla
SIGLO XX

MÚSICA INSTRUMENTAL

1ª mitad de siglo
46

 "PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO" Música impresionista. C. Debussy

 "JUEGOS DE AGUA" Música impresionista. M. Ravel
 "LA NOCHE TRANSFIGURADA" Música atonal. A. Schoenberg
 "PIERROT LUNAIRE" Expresionismo. A. Schoenberg
 "OPUS 21" Música dodecafónica. A. Webern
 "PACIFIC 231" Música futurista. A. Honegger.
 "IONIZATION" Música futurista. E. Varese
 "GYMNOPÉDIE Nº 1" Música neoclásica. Erik Satie

2º mitad de siglo

 "SONATA PARA PIANO Nº 3" Música serial. P. Boulez

 "EL CANTO DEL ADOLESCENTE" Música electrónica. K. Stockhausen
 "B.S.O. EL PIANO" Música minimalista. M. Nyman
 "ESCENA DE AMOR" Nuevo Romanticismo. Bernard Herrmann

BALLET

 "LA CONSAGRACIÓN DE LA PRIMAVERA" Danza de los adolescentes. I.

Stravinsky
 "ROMEO Y JULIETA" Mercutio. S. Prokofiev