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MÚSICA
4º E.S.O.
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En esta unidad vamos a ver cómo se puede componer música a partir de historias,
música asociada a imágenes, como es el caso de la música de cine u otros medios
audiovisuales, y música combinada con teatro (en el caso de la ópera). La música ha
tomado desde siempre modelos externos, tomados de las creencias populares, historias
amorosas, enredos políticos, imágenes visuales... Pero hay ciertos estilos que, en un
momento determinado, toman como lema la composición a partir de dichos elementos
externos, como es el caso de la música programática, la música incidental, y la ópera,
que comentaremos a continuación.
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1.3. Aria, Aria da Capo (D.C.) y recitativo.
Este tipo de piezas guardan cierta relación con las canciones. Las Arias y
Recitativos son las diferentes “canciones” o las diferentes partes que componen una
ópera.
Los recitativos son piezas que se cantan cuando “se mueve” la acción en la ópera,
es decir, cuando la historia va evolucionando. Las arias, por su parte, son las piezas que
se suelen cantar después de los recitativos, cuando la acción ha llegado a un punto que
el compositor desea destacar. Las arias suelen ser musicalmente mucho más ricas y
complejas que los recitativos, en los que lo único importante es que la historia que se
está narrando continúe.
Los recitativos no tienen una estructura fija, sino que su estructura va en función de
la evolución del argumento. Además, la música de estas secciones suele ser bastante
monótona, siendo a veces incluso cercana al lenguaje hablado. Sin embargo, las arias
suelen tener dos partes (A y B) contrastantes entre sí. En la parte A se presentan los
sentimientos o el tema del Aria, y en la parte B se desarrollan la idea o los sentimientos
del personaje que en ese momento está cantando.
Otro tipo de Aria es la que llamamos “Aria da Capo”. Este tipo de Aria tiene tres
partes: A, B y repetición de la parte A. Su denominación viene de que, a veces (y no
solo en las piezas de tipo vocal), los compositores indican mediante la expresión italiana
“da capo” o sus siglas (d. C.) que desean que se vuelva a cantar o a interpretar el
“encabezamiento”, o el principio de la pieza. Generalmente, para no repetir la parte B,
los compositores añaden “da Capo hasta el fin”, incluyendo la palabra “fin” al final de
la primera parte. Si no incluyeran esta última palabra, el intérprete debe volver a
interpretar la pieza completa. Como vemos, el Aria da Capo es muy parecida, en su
estructura formal, a la canción. La canción se compone de dos secciones musicales A y
B, donde A es la estrofa que va cambiando de letra (no de música) y B es el estribillo
(con idéntica letra y música).
3. Música incidental.
Salvo excepciones, aunque el rodaje de una película suele durar varios meses, lo
normal es que el director encargue la música cuando el rodaje ya ha finalizado y él se
encuentra montando la película. Normalmente se piden, para una película de 90
minutos, entre 45 y 50 minutos de música, que el compositor debe entregar en un plazo
de entre tres y cuatro semanas, en ocasiones menos.
A veces el director solicita toda la música que se va a utilizar en la película al
compositor, pero también puede desear incluir música histórica o canciones ya
conocidas o una mezclas de ambas cosas, por lo que debe expresar sus deseos al
compositor y trabajar con él en la planificación musical de la película: qué pasajes
deben llevar música y de qué tipo, que escenas o gestos, actitudes o ambientes deben ser
subrayados musicalmente y de qué manera... Se elabora entonces un guión que
establezca la duración exacta de los bloques musicales y los momentos precisos en que
comienzan y terminan. El compositor trabaja entonces sobre la "moviola" o mesa de
montaje, cronometrando los lugares exactos de la película en que se precisa su música.
El segundo paso consiste en la composición de los bloques musicales atendiendo a
los deseos expresados por el director en el guión sonoro. En la grabación, para
sincronizar la música con la película, se suele grabar bajo una pantalla en la que
simultáneamente se proyectan los fragmentos indicados de la película o se utiliza una
claqueta que, con su sonido, define la situación exacta de la música en la escena de que
se trata.
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Por último, la música se incorpora a la banda de sonido del film, junto con los
diálogos de los actores y los efectos sala, es decir, los ruidos y sonidos que dan
verosimilitud a las escenas. la mezcla final de estos tres componentes de la banda se
realiza en el estudio, destacando unos planos sonoros sobre otros de acuerdo con las
necesidades expresivas de cada escena.
En las películas musicales se procede de otra manera, ya que se graba primero la
música y luego se rueda la escena con la música sonando, de tal manera que la sincronía
sea perfecta.
La parte musical de una película se llama banda sonora. Su sincronía con la imagen
y el equilibrio con el resto de los elementos sonoros, diálogos y ruidos, constituyen un
importante capítulo dentro de las técnicas cinematográficas. En muchas ocasiones, las
primitivas bandas sonoras consistían simplemente en fragmentos de archivo que los
responsables de la música añadían de una forma un tanto burda a las imágenes.
En 1933, Max Steiner, un compositor de origen europeo considerado el "inventor
del sonido de Hollywood", puso de manifiesto las enormes posibilidades de una música
totalmente adaptada y sincronizada con la acción. Desde aquel momento, la música de
las películas fue cobrando importancia y, poco a poco, desarrollando sus posibilidades
comerciales.
A partir de los años cincuenta muchos productores pedían a los compositores que
incluyeran canciones pegadizas para asegurar el éxito discográfico de su
correspondiente banda sonora. Actualmente es una práctica habitual el lanzamiento
simultáneo de una película y el disco correspondiente.
Desde la invención del cine por los hermanos Lumière en 1895 hasta la llegada del
sonoro en 1927, el cine contó con la colaboración de pianistas que acompañaban la
proyección improvisando música a medida que transcurría la acción o interpretando las
canciones de moda o el repertorio clásico más popular. A veces, los exhibidores
disponían de orquestas o grupos musicales que ambientaban las imágenes.
En 1927, con la película El cantor de Jazz, se empezó a utilizar lo que hoy
llamamos banda sonora. Al principio, tanto la palabra como la música fueron usadas con
torpeza: los actores utilizaban la misma técnica vocal que en el teatro, que no es la
misma que la que requiere el cine, y la música consistía en canciones al estilo de las de
las comedias musicales representadas en los teatros de Broadway, que se usaban en el
film para llenar huecos de diálogo o procedentes de una fuente de emisión visible.
El sonoro fue una excelente oportunidad para los compositores, incluidos los
clásicos. Escribieron música para el cine músicos de gran prestigio, como Prokofiev,
cuyas experiencias con el director cinemátográfico Sergei M. Eisenstein fueron
excepcionales, o Shostakovich.
Pero la verdadera labor de creación de un lenguaje musical propio correspondió a
una serie de compositores que, trabajando en Hollywood desde comienzos de la década
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de los 30, consiguieron en pocos años encontrar el modo de poner la música la servicio
de la estructura del film.
Los grandes estudios, como la Warner Brothers, tuvieron a gala durante estos años
mantener una orquesta fija con un equipo de orquestadores y arreglistas dedicados a
grabar sus bandas sonoras.
El primer gran compositor profesional de Hollywood, como se ha señalado
anteriormente, fue Max Steiner (1888-1971), un inmigrante judío vienés que llegó a
América en 1914. Su estilo se basaba en el uso de "leitmotivs" al estilo de Wagner, con
temas individuales para los personajes principales, paisajes o situaciones, y en una
música permanente en segundo plano, como un tapiz sonoro constante. Entre sus
películas destacaron King Kong (1933) y Lo que el viento se llevó (1939).
Erich Wolfgang Korngold (1897-1957), judío austríaco que llegó a Hollywood
escapando de los nazis y discípulo del compositor de ópera italiano Puccini, a pesar de
no haber compuesto música para demasiadas películas, influyó decisivamente en la
creación de un estilo basado en el sinfonismo postromántico, con un estilo que
arrastraba al espectador dentro de la acción.
Miklós Rózska, Dimitri Tiomkin, Alfred newman y Bernard hermann fueron
brillantes compositores que, en los años 40, continuaron el estilo al tiempo que
introducían elementos que rompían parcialmente el modelo sinfónico-romántico
impuesto por Korngold.
Entre muchos otros, un nombre destacado en los últimos años ha sido el de John
Williams, que, en asociación con Steven Spielberg, ha producido grandes bandas
sonoras, influidas por Korngold, Wagner o los postrománticos, volviendo a poner de
moda la partitura romántico-sinfónica que parecía perdida, y que encuentra su mejor
complemento en el sonido estéreo digital, de magnífico efecto en las salas bien
equipadas.
En el cine de hoy día podemos escuchar toda clase de música, desde la clásica,
tanto sinfónica como de cámara, al jazz, pop, rock o música electrónica de
sintetizadores, de acuerdo con las necesidades del film.
Entre los compositores más representativos del cine español podemos mencionar a
Antón García Abril, Bernardo Bonezzi o José Nieto.
ACTIVIDADES
1.- ¿Cuándo surgió la ópera? ¿cómo se llama la primera ópera de la historia? ¿quién era
su autor? ¿qué reglas establecidas tenía la ópera en el siglo XVII?.
4.- Explica en qué consiste el ideal romántico de fusión de las artes. ¿Qué género
cumplía este ideal? ¿por qué? ¿qué innovaciones introduce Wagner y de qué manera
cumplía este ideal?.
5.- ¿Qué diferencia existe entre el Aria y el recitativo? ¿y entre el aria y el aria da capo?.
¿En qué género musical se suelen utilizar estas piezas?.
6.- Explica con tus palabras en qué consiste la música programática y su relación con el
poema sinfónico.
7.- Explica el proceso que deberíamos seguir para componer un poema sinfónico.
9.- ¿De qué cuatro maneras básicas solemos encontrar la música en el cine? ¿qué
diferencia hay entre ellas? ¿qué relación suele guardar la música con la acción que se
desarrolla en la pantalla?.
10.- ¿Existe música en el cine mudo? ¿qué tipo de música? ¿cuál es el título de la
primera película del cine sonoro? ¿qué función cumple la banda sonora de las películas
de esta época?.
11.- Explica con tus palabras e inventa diferentes ejemplos para cada una de las
funciones de la música de cine.
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12.- ¿Qué estilos musicales pueden aparecer en una película?. Nombra al menos dos
compositores que han creado estilo propio en la música de cine.
14.- ¿Cómo se elaboraban las bandas sonoras del primer cine sonoro? ¿quién fue el
creador del "sonido de Hollywood"? ¿por qué? ¿a partir de cuándo se comenzaron a
comercializar las bandas sonoras?.
15.- Nombra al menos dos compositores de repertorio clásico que trabajaron en bandas
sonoras cinematográficas. ¿Cuáles fueron las aportaciones de Max Steiner y Erich
Korngold a la música de cine?.
a) Música programática.
b) Música no diegética.
c) Música descriptiva.
8. La ópera surgió...
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11. En el Romanticismo, la ópera...
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