TRABAJO COLABORATIVO N#3

PRESENTADO POR

ILDEFONSO RINCÓN DÍAZ

GLORIA CENAIDA ALARCON MONTAÑO

MARTIN ALEXI ÑAÑEZ URBANO

WILLIAM POPAYAN ASPRILLA

TUTOR

YURY JAAMAN

CURSO: ESTÈTICA

UNIVERSIDAD NACIONAL ABIERTA Y A DISTANCIA

20 DE NOVIEMBRE 2009
 INTRODUCCIÓN

El Arte su clasificación, las teorías que se han constituido al interior de cada una
de estas, como teorías de valor estético, son el objeto de estudio que se configura
en el presente trabajo. De esta manera, en primer lugar se expondrá el concepto
de valor estético, señalando sus características, su clasificación como teorías que
fundamentan dicho valor, conceptos adyacentes y contrarios.

La investigación que cada uno de los integrantes del grupo colaborativo: La

Música, La Pintura, La Escultura y La Literatura, desde el estudio teórico de la
clasificación de las artes, recoge las principales características de cada una de
estas, a saber: Definiciones generales, recorrido histórico, clasificación, técnicas y
ejemplos.
 LA MÚSICA

Definición

Viene del griego µουσικ que quiere decir el arte de las musas. Es el arte de
organizar lógica y sensiblemente un conjunto de silencios y sonidos en un tiempo
determinado, usando los principios de la melodía, la armonía y el ritmo. En la
antigua Grecia se reunía sin discriminación la poesía, la danza y la música. La
música como manifestación artística es un producto cultural cuyo objetivo es
justamente producir una experiencia estética en el oyente, expresar sentimientos,
vivencias, circunstancias, pensamientos o ideas.

Definir la música con términos absolutos es un error. Lo que sí podemos afirmar

es que la música parte del seno de las culturas y de acuerdo a ellas es válida o
inválida la acepción que se quiera utilizar.

La música está compuesta por dos elementos básicos que son el sonido y el
silencio. El sonido es la percepción recibida por el oído que recibe las variaciones
de presión generadas por el movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros ya que
se transmiten por el medio que los separa, que generalmente es el aire. La
ausencia perceptible de sonido es el silencio, que es relativo, ya que el silencio
absoluto no se da en la naturaleza al haber atmósfera.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales: la altura, la duración, la

intensidad y el timbre.

A su vez, la organización coherente de los sonidos y de los silencios nos da los

parámetros de la música: la melodía, la armonía, la métrica y el ritmo.

HISTORIA DE LA MÚSICA

Orígenes
La acepción más común de música es aquella que dice que es una combinación
de sonidos en una sucesión temporal. Se trata de la expresión artística más
aceptada y asumida por la sociedad. Su parición está estrechamente ligada a la
antigua Gracia y surge a raíz de la necesidad de comunicar sentimientos y
vivencias. Inicialmente la música fue coral con clara prevalencia de la voz sobre la
parte instrumental. Es de notar que la música, al igual que el pensamiento
filosófico se supone de origen Griego. Sin embargo, habrá muchos que refuten
esta tesis, ya que otras culturas cuentan con historia propia en el campo musical.

Los instrumentos en los comienzos eran pocos y no tan variados. “Sin embargo,
se conocían ya instrumentos de viento, como la flauta de Pan, y de cuerda como
las cítaras o arpas”.1

Fueron los griegos los primeros en imaginar un sistema de notación. Era simple ya
que su música también lo era. Consistía en una sola estrofa que se repetía
indefinidamente sobre un ritmo y una melodía idénticos. Los tiempos de ese tipo
de música, llegó a nosotros a través del conocido canto gregoriano. Los tiempos
podía multiplicarse pero nunca dividirse.

Música en la Edad Media

Del siglo IV al VI se desarrolló tanto la música profana como la música cristiana.

Ante la intensa preocupación por la religión, la música litúrgica tuvo un desarrollo
grande y su expresión más sobresaliente fue el canto gregoriano, “una melodía,
cantada al unísono, que traducía el sentimiento religioso por la propia fuerza de su
elocuencia, sin apoyos armónicos ni rítmicos”.2

En este periodo aparecieron los sistemas de notación musical que se fueron

paulatinamente perfeccionando hasta derivar en el pentagrama que conocemos
hoy en día, el cual fue una creación española del siglo XIII.

www.mailxmail.com/curso-historia-musica/origenes-musica
1

Ibid
2
Paralelamente se desarrolló la música profana de la cual no se conservan
muestras sino hasta el siglo XI pero se supone que el repertorio fue muy
abundante, a juzgar por los edictos condenatorios eclesiásticos.

“Los trovadores fueron los primeros poetas-músicos que adoptaron el latín como
lengua común. Son hombres que han dejado de ser guerreros como sus
antepasados y que han recibido la educación en abadías. Algunos de los géneros
que crearon fueron las trovas, las tiradas estróficas, los rondós trovadorescos y los
cantares de gesta que derivan de la letanía eclesiástica. Sus largas sucesiones de
versos se cantan sobre la misma frase melódica”.3

A partir del siglo XII surge la polifonía y la misa es la muestra por excelencia de la
música religiosa. Comienzan a aparecer grandes compositores como Antonio
Cabezón o Palestrina.

El Renacimiento

Toma más fuerza la música profana y se desarrolla la forma operística a la vez

que se crean nuevos instrumentos como el clavicordio y el clavicémbalo. También
se perfecciona la armonía.

“En la música instrumental del Renacimiento español, el puesto de honor recae

sobre las abundantes composiciones para vihuela, un instrumento de cuerdas
punteadas que se halla a medio camino entre el laúd y la guitarra. El repertorio de
los vihuelistas comprende acompañamientos de melodías vocales, transcripciones
de chansons, madrigales y danzas. El precursor de la vihuela fue Luis Millán.

Obras.- Ya en el siglo XV, el documento fundamental es el Cancionero de Palacio,

una antología compilada entre 1480 y 1510 de cuatrocientas sesenta piezas
profanas que van de la elegía amorosa a la canción báquica, para tres o cuatro
voces. Entre los innumerables compositores del Cancionero el más conocido es
Juan de la Encina (1468-1510).

Ibid
3
Compositores.- La gran figura de la época fue Tomás Luis de Victoria quien,
gracias a una beca, se trasladó a Italia donde viviría durante veinticinco años.
Recibió clases de Palestrina y fue ordenado sacerdote en 1569. En 1583 dedicó a
Felipe II una colección de misas, y regresó a España hacia 1589. Victoria se
convirtió en el maestro de música del convento de las Descalzas Reales y tras la
muerte de la emperatriz acabó sus días ejerciendo la modesta función de
organista”.4

El barroco

“El Barroco es un período artístico que se sucede en los siglos XVII y XVIII. En
esta época la música será utilizada por las monarquías absolutistas para
engrandecerse frente al pueblo.

Por otra parte, la música religiosa responde a los planteamientos de la

Contrarreforma que había promovido el Concilio de Trento y de la Reforma
Luterana, cuyo máximo exponente será la música de Juan Sebastián Bach.

Características.- La música barroca es música de contrastes tímbricos, melódicos,

rítmicos, etc. En España florecen la Zarzuela y la Tonadilla. Los instrumentos se
perfeccionan y los compositores ensayan nuevas combinaciones y posibilidades
sonoras. La armonía se hace más amplia y más rica, y poco a poco se va
renunciando a la idea de que la armonía era una relación matemática.

En este periodo se definieron nuevas formas musicales que serían básicas en la

evolución posterior de la música como la sonata, la sinfonía o el concierto con
solista.

En Francia la ópera triunfa de la mano de Lully y se va definiendo una escuela

nacional. Este género musical también tenía sus estrellas, sus monstruos
sagrados que arrastraban a las masas, pero de una especie muy particular:

Ibid.
4
eran los castrados, o castrati, que conservaban el timbre agudo y la tesitura
elevada de un muchacho con la potencia respiratoria de los adultos. En el siglo
XVII, la fabricación de castrados se había convertido en un arte completamente
instaurado en las costumbres italianas. Se castraban entre los nueve y los trece
años a los niños cuyas voces infundían esperanza.

Los instrumentos más característicos del Barroco son la familia de cuerda de los
violines, que sufren una gran transformación. Varios de los instrumentos del
Renacimiento dejaron de usarse. No obstante, permanecieron: la trompeta, el
trombón, la flauta, el órgano, el arpa, el clavicémbalo; y todos se perfeccionaron.
Los nuevos son: la familia del violín, el oboe, el fagot, el timbal y la guitarra.

Compositores.- Dos grandes escuelas predominan en Europa durante el Barroco,

la italiana con Vivaldi, Corelli, Torelli o Monteverdi; y la alemana, dominada por la
figura de Johann Sebastián Bach, pilar sobre el que se cimienta todo el arte
musical posterior. En las próximas lecciones les proporcionaremos más datos
sobre Vivaldi y Bach, los compositores más representativos del Barroco”.5

Johann Sebastian Bach

Compositor Alemán que vivió entre 1685 y 1750. Es autor de música coral e
instrumental también. La grandeza de su música es proporcional a su intelecto.
Era capaz de trasladar conciertos hechos para voces o para ciertos instrumentos,
y adaptarlos a otros instrumentos sin perder la esencia de la obra.

Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia y murió el 28 de julio de 1741 en Viena.

Fue ordenado sacerdote en 1703 pero al poco tiempo dejó de oficiar misa
argumentando un pésimo estado de salud.

“Fue el primer compositor en utilizar la forma ritornello regularmente en los

movimientos rápidos, un uso que se transformó en un modelo. Lo mismo se aplica
Ibid
5
a su estructura de tres movimientos (rápido-lento-rápido). Sus métodos de
asegurar una mayor unidad temática fueron ampliamente imitados, especialmente
la integración de material solista y ritornello, sus vigorosos patrones rítmicos; su
figuración instrumental y el empleo de secuencias.

Sus obras.- La reputación de Vivaldi se acrecentó con sus primeras

publicaciones: Trío sonatas (probablemente 1703-5), Sonatas para violín (1709) y
especialmente sus 12 conciertos de la serie L'Estro Armonico Op.3 (1711). Este
grupo, que contiene algunos de sus mejores conciertos, fue publicado en
Ámsterdam, circuló ampliamente en el norte europeo, motivó la visita de diversos
músicos a Venecia y en algunos casos el encargo de nuevas obras. Más tarde
aparecieron editadas dos series de sonatas y siete más de conciertos,
incluyendo La Stravaganza Op.4 (circa 1712), Il Cimento dell'Armonia e
dell'Invenzione (circa 1725, que contiene Las Cuatro Estaciones) y La
Cetra (1727)”.6

El clasicismo y Mozart

El periodo clásico abarca la segunda mitad del siglo XVIII y tiene en Alemania su
mejor expresión y está dominado por las figuras de Gluck , Joseph Haydn y
Wolfgang A. Mozart.

“El periodo clásico aportó mejoras técnicas en todos sus aspectos y la adopción
de un ideal de perfección basado en el equilibrio entre el sentimiento y la razón”.7

OBRAS DE MOZART

1. Óperas: Bastián y Bastiana (1768), Idomeneo (1781), El rapto del serrallo

(1782), Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787), Così fan tutte (1790),
La flauta mágica (1791), La clemenza di Tito (1791).

Ibid
6

Ibid
7
2. Música orquestal: Sinfonía núm. 1 (1765), Sinfonía núm. 25 (1773), Concierto
para flauta y arpa (1778), Concierto para piano núm. 20 (1785), Concierto para
piano núm. 21 (1785), Concierto para piano núm. 23 (1786), Sinfonía núm. 38
"Praga" (1786), Pequeña serenata nocturna (1787), Sinfonía núm. 40 (1788),
Sinfonía núm. 41 "Júpiter" (1788), Concierto para piano núm. 27 (1791), Concierto
para clarinete (1791).

El Romanticismo

Abarca prácticamente todo el siglo XIX y su principal característica es la

supremacía del subjetivismo sobre la razón. Cada artista se preocupar por
expresar su mundo interior. Los músicos de la época rompieron con las rígidas
normas del pasado y refinaron la canción popular. Por eso el género más
destacado es el Lied. La música es programática, tendiente a narrar historias. De
ahí el gran desarrollo de la ópera y de los poemas sinfónicos.

Otra importante característica es que ya los músicos no están al servicio de una

iglesia o de un príncipe. “ El romanticismo comienza con tres artistas de transición
que vivieron entre los dos siglos: Rossini, Schubert, el músico que llevo el lied a su
máximo nivel artístico, y Beethoven, una de las figuras más importantes de todo el
arte universal”.8

En lo sucesivo los compositores más destacados fueron: Giuseppe Verdi, Richard

Wagner, Ludwing Van Beethoven, Johannes Brahms e Igor Stravinsky

ORIGEN DE LA MUSICA COLOMBIANA

“Para comprender el desarrollo musical de Colombia, es necesario tener en cuenta

las condiciones sociales en las cuales se ha venido formando nuestra nación a
partir de tres culturas: La aborigen americana, la española y la africana.

Ibid
8
Influencia española:
Las expediciones españolas fueron regimientos de hombres de diferentes clases
sociales y niveles de cultura, que luego de los prolongados viajes, encuentros
sangrientos y pasajeras alianzas con los aborígenes, se dieron a la tarea de tener
relaciones con las mujeres indígenas; esta situación se presentó debido a que los
españoles no enviaron al principio familias, matrimonios o mujeres en sus
expediciones.

Con la creación de los centros coloniales y el éxito de las grandes haciendas, la

mezcla entre españoles e indígenas a nivel popular aumentó y se difundió, pero no
dejo de ser una situación de desventaja y verguenza para los nacidos de estas
uniones, a los cuales despectivamente se los llamaba "mestizos", que no gozaron
de libertades o buenas garantías sociales. Pero esta mezcla no fue sólo de razas;
recordemos que los aborígenes colombianos y los españoles tenían su propio
idioma, religión, danzas, instrumentos musicales, artes y principios morales que
comenzaron a influirse mutuamente para originar una cultura mestiza.

Influencia Africana:
Los aportes culturales africanos nos han llegado en dos épocas diferentes y en
condiciones sociales distintas. Los primeros, se iniciaron con los rabes del Norte
del África y su invasión y dominación de España (siglo VIII al XV D.C.); los
españoles asimilaron durante 800 años buena parte de la cultura Afro-arabe y
luego nos transmitieron esos valores culturales a partir del siglo XV D.C.

Los segundos aportes se iniciaron a partir del siglo XVI con la llegada de los
esclavos africanos, recibiendo nosotros su influencia en forma directa. Dada la
destinación de los esclavos (minería, ganadería y agricultura), los sectores de los
ríos Magdalena y Cauca y la costa Pacífica. Si bien es cierto, el comercio de los
esclavos africanos comenzó a disminuir en el siglo XVIII y se frenó en el siglo XIX
con la ley de la abolición de la esclavitud, la cultura africana continuó mezclándose
con la española y en algunos sectores con la indígena, hasta transformarse
actualmente en una de las raíces profundas de nuestra cultura colombiana”.9

LA PINTURA

CONCEPTO: Técnica que consistente en la aplicación de pigmentos, sobre una

superficie plana que responde a una organización previamente establecida esta
requiere del sentido de la vista para pasmar lo percibido o imaginado. Por tal
motivo estos objetos son intangibles y no reales.

Par la aplicación de esta técnica se utiliza con gran frecuencia el lienzo, u otro tipo
de soporte que permita la aplicación de los pigmentos que son colorantes y de los
http://es.answers.yahoo.com
9
aglutinantes que actúan junto con las pinturas formando una pasta manejable.
Esto permite al pintor tener una disposición de estos elementos con el fin de
representar un entorno o dar una visión personal de una situación.

La pintura tiene sus antecedentes en su función en épocas antiguas como forma

de representación de animales y legados; y en constante ha ido evolucionando
hasta cambiar su función preservación a una función ornamental.

TECNICAS PICTORICAS.

El temple como elemento de variedad en las técnicas pictóricas.

EL TEMPLE.

Técnica donde se utiliza el agua para deshacer los colores y se utiliza como
aglutinante una solución huevo, leche, cola o goma. Y como soporte cartón lienzo;
donde se aplica una base de cola y yeso para mejorar su realización y
presentación

LA ENCAUSTICA. En esta técnica se utiliza la cera de abeja como aglutinante, y

se mezcla con resma vegetal y el pigmento en polvo esta se aplica de forma
caliente con una espátula sobre la superficie designada.

EL FRESCO. Técnica propia de la pintura mural. Los pigmentos se disuelven en

agua sin ningún tipo de aglutinante. Se aplica sobre argamasa fresca de cal y
arena.
EL OLEO. Esta técnica tiene como principio el uso de aceite como aglutinante; la
cual le confiere ventajas como secado lento que permite realizar modificaciones y
la aplicaron de veladuras.

LA ACUARELA. Tiene como soporte el uso del papel La acuarela se forma con
pigmento en polvo muy molido aglutinado con goma arábiga que se extrae de la
resma de la acacia. Esta goma es disuelta en agua. Una de las características se
esta técnica esta en sus efectos luminosidad.

EL PASTEL. El pastel se obtiene empastando pigmento en polvo y blanco de zinc

con agua mezclada con goma o resma. Esta pasta generalmente se aplica sobre
cartón o papel; se considera como una técnica intermedia entre dibujo y pintura.

CONCEPTO DEL COLOR.

El color no como una cualidad propia de un elemento si no dependiente de luz

cantidad de luz que esta absorba. Puesto que existen sustancias que pueden
modificar la absorción y refracción de luz por parte de un cuerpo; que pueden ser
orgánicos e inorgánicos.

El color como base fundamental de la pintura, como medio de expresión de

situaciones y efectos.

GENEROS PICTAGORICOS.
Dentro de algunos de estor géneros encontramos la pintura de paisajes. Que
amplio su importancia con un subgénero como la pintura de paisajes marítimos.
Otro de los géneros que se relaciona con la pintura de obras de arquitectura o
ruinas como motivo pintoresco y romántico

Uno de los géneros más sobresalientes de esta época es el Bodegón o naturaleza

muerta su representación difiere de Europa del norte y Europa del sur; pues en el
norte de Europa tenía una representación naturalista de diversos objetos como
instrumentos, musicales y científicos. Y para los del sur tuvo la función de
reflexionar sobre el paso por la vida y lo trivial de los objetos naturales.

Además encontramos la figura humana como uno de los géneros más

importantes, o más que genero una fuente de un genero donde el plasmar bustos
y figura humana el retrato tipológico, el desnudo y la caricatura. Pero sin

Duda el género más antiguo es La pintura animalística mas claramente es la

pintura rupestre.

LA ESCULTURA
EL MUNDO DE LA ESCULTURA

Se llama escultura al arte de moldear el barro, tallar en piedra, madera u otros

materiales. Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando
volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de
talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado, y a veces el arte de la
alfarería.

TIPOS DE ESCULTURAS

De bulto redondo. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de

vista a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la
estatua representa a un personaje divino o está hecha para el culto religioso se
llama imagen. En función de la parte del cuerpo representada, la escultura de
bulto redondo se clasifica en:
• busto: si representa la cabeza y la parte superior del tórax,
• medio cuerpo,
• de tres cuartos,
• de cuerpo entero;
• torso, si falta la cabeza, piernas y brazos.
En función de su posición la escultura se clasifica en:
• sedente: sentada,
• yacente: tumbada,
• orante: de rodillas,
• oferente: ofreciendo presentes,
• ecuestre: a caballo.
También puede denominarse:
• coloso, si es de grandes dimensiones,
• grupo, o conjunto escultórico,
• ambiental.
De relieve Es aquella que está realizada o adherida a una superficie, por lo que
tiene un único punto de vista que es frontal.
Según lo que sobresale del plano se clasifica en:
• Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.
• Medio relieve: sobresale la mitad.
• Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.
• Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.
Materiales y técnicas tradicionales
Barro
Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de
modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar
simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después
trabajar con otros materiales. Si se emplea como material definitivo debe cocerse;
en este caso recibe el nombre de terracota.
Piedra
Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la
naturaleza. Para manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales.
Las piedras más comunes en la escultura son:
• Mármol: Roca metamórfica dura, con grano fino y compacto. Su tratamiento de la
superficie puede ser muy variable, obteniendo distintas tesituras, como tersura,
morbidez, aspereza, etc. Al ser un material muy perdurable es uno de los
preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el Renacimiento.
• Alabastro: Es un mineral de yeso, de color amarillento, parecido al mármol a
simple vista. Es frágil y quebradizo, pero fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido.
• Piedra caliza: Es blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas.
Tiene la particularidad de hacerse más dura con el paso del tiempo. Su
conservación depende mucho de la calidad de las canteras ubicadas en distintas
zonas geográficas. Se ha utilizado mucho para la escultura monumental.
• Otras piedras duras, como la diorita o el granito.
• Metales preciosos y otros materiales, como el oro, la plata o el marfil.
Bronce
Es quizás es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de
trabajar y necesita la ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o
escayola. Se ha utilizado sobre todo para escultura urbana de monumentos de
personajes, fuentes, etc. La técnica más destacada en el trabajo con bronce es la
denominada «cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y recubrirlo
de barro u otra sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el bronce colado que
va fundiendo la cera y ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de
orificios practicados en el barro.

Madera
Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y
buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede
dejarse la escultura en su color natural o por el contrario pintarse en un
policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas nobles se dejan en
su color natural. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras. La madera se
corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno
cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien
seca y sin dar lugar a descomposición de La materia.
Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso
obliga a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la
obra. Los trozos se unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial.
Si la escultura tiene un acabado de policromía, las juntas pueden disimularse
menos, ya que la pintura tapará el material de relleno, de lo contrario hay que
hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se
aligeran haciendo hueco su interior.

Policromía
• Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.
• Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a
continuación se procede al lijado.
• Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo
lo demás.
• Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una capa de
arcilla roja disuelta en cola, como soporte de las finísimas láminas llamadas “pan
de oro” que se iban aplicando en pequeñas porciones hasta recubrir la superficie
deseada. Encima del oro también se puede pintar o resaltar rayando con un
punzón de madera, formando así todo tipo de dibujos necesarios para la obra,
como estrellas, flores, dibujos geométricos, etc.

LA LITERATURA

Terry Eagleton. 1983, Una introducción a la teoría literaria

¿QUÉ ES LA LITERATURA?

En caso de que exista algo que pueda denominarse teoría literaria, resulta obvio
que hay una cosa que se denomina literatura sobre la cual teoriza.
Consiguientemente podemos principiar planteando la cuestión ¿qué es literatura?
Varias veces se ha intentado definir la literatura. Podría definírsela, por ejemplo,
como obra de "imaginación", en el sentido de ficción, de escribir sobre algo que no
es literalmente real. Pero bastaría un instante de reflexión sobre lo que
comúnmente se incluye bajo el rubro de literatura para entrever que no va por ahí
la cosa. La literatura inglesa del siglo XVII incluye a Shakespeare, Webster,
Marvell y Milton, pero también abarca los ensayos de Francis Bacon, los sermones
de John Donne, la autobiografía espiritual de Bunyan y aquello —llámese como se
llame— que escribió Sir Thomas Browne. Más aún, incluso podría llegar a decirse
que comprende el Leviatan de Hobbes y la Historia de la rebelión de Clarendon. A
la literatura francesa del siglo XVII pertenecen, junto con Corneille y Racine, las
máximas de La Rochefoucauld, las oraciones fúnebres de Bossuet, el tratado de
Boilean sobre la poesía, las cartas que Madame de Sevigné dirigió a su hija, y
también los escritos filosóficos de Descartes y de Pascal. En la literatura inglesa
del siglo XIX por lo general quedan comprendidos Lamb (pero no Bentham),
Macaulay (pero no Marx), Mili (pero no Darwin ni Herbert Spencer). El distinguir
entre "hecho" y "ficción", por lo tanto, no parece encerrar muchas posibilidades en
esta materia, entre otras razones (y no es ésta la de menor importancia), porque
se trata de un distingo a menudo un tanto dudoso. Se ha argüido, pongamos por
caso, que la oposición entre lo "histórico" y lo "artístico" por ningún concepto se
aplica a las antiguas sagas islándicas1. En Inglaterra, a fines del siglo XVI y
principios del XVII, la palabra "novela" se empleaba tanto para denotar sucesos
reales como ficticios; más aún, a duras penas podría aplicarse entonces a las
noticias el calificativo de reales u objetivas. Novelas e informes noticiosos no eran
ni netamente reales u objetivos ni netamente novelísticos. Simple y sencillamente
no se aplicaban los marcados distingos que nosotros establecemos entre dichas
categorías. Sin duda Gibbon pensó que estaba consignando verdades históricas, y
quizá pensaron lo mismo los autores del Génesis. Ahora algunos leen esos
escritos como si se tratase de hechos, pero otros los consideran “ficción”.
Newman, ciertamente, consideró verdaderas sus meditaciones teológicas, pero
hoy en día muchoslectores las toman como "literatura". Añádase que si bien la
literatura incluye muchos escritosobjetivos excluye muchos que tienen carácter
novelístico. Las tiras cómicas de Superman y las novelas de Mills y Boon refieren
temas inventados pero por lo general no se consideran como obras literarias y
ciertamente, quedan excluidos de la literatura. Si se considera que los escritos
“creadores" o "de imaginación" son literatura, ¿quiere esto decir que la historia, la
filosofía y las ciencias naturales carecen de carácter creador y de imaginación?
Quizá haga falta un enfoque totalmente diferente. Quizá haya que definir la
literatura no con base en su carácter novelístico o “imaginario” sino en su empleo
característico de la lengua. De acuerdo con esta teoría, la literatura consiste en
una forma de escribir, según palabras textuales del crítico ruso Roman Jakobson,
en la cual "se violenta organizadamente el lenguaje ordinario".
 CONCLUSIÓN

El Valor Estético dentro de la filosofía del arte define parámetros de lo bello y de lo

que se trata una de obra, sin embargo, pese a la pretensión de la teoría
academicista del mundo occidental por universalizar el conocimiento; el valor de
de lo bello se define como un concepto mas subjetivo, creando una
paradójicamente una incertidumbre sobre lo que realmente representa lo
estéticamente bello.

BIBLIOGRAFÍA
UNA INTRODUCCIÓN A LA TEORÍA LITERARIA, Eagleton Terry, Fondo de Cultura
Méxcio, 1983.

CIBERGRAFÍA
http://www.ciber-arte.com/escultura/
es.wikipedia.org/wiki/Escultura

http://www.youtube.com/watch?v=axMw-OhllQI

http://es.answers.yahoo.com

www.mailxmail.com/curso-historia-musica/origenes-musica