L’ARTE DELLA

PERSONALITÀ
Lo scultore bergamasco Mario Toffetti ci
racconta la sua idea dell’arte. E dell’arte sacra.

«D
ire di un artista
che è allievo di questo o quell’altro, è un
paravento. Bisogna usare come paragone
le capacità di ognuno: perché ciascuno, bravo o meno,
ha la sua personalità». E di personalità, lo scultore
bergamasco Mario Toffetti, ne ha davvero tanta. Sincero
fino alla ruvidezza, usa le parole come i suoi scalpelli:
lasciano sempre un segno forte e chiaro, privo di
ambiguità. Schiette e inequivocabili come sono pure le
sue opere in marmo, bronzo, legno, alabastro. Nette,
come lo è la sua scelta espressiva: quella dell’arte sacra,
eminentemente figurativa. Ma con un’applicazione
poliedrica, che abbraccia anche l’architettura e la
pittura. Tra le sue opere più famose vanno ricordate il
fonte battesimale per la Cappella Sistina e le tre anfore
per gli oli utilizzati nella Messa crismale in Vaticano.
Ci sono poi le grandi sculture, come il bronzo di papa
Giovanni XXIII a Camaitino di Sotto il Monte o il
gruppo in marmo rosa del Portogallo per la chiesa
parrocchiale di Tabaka (Kenya). Moltissimi gli
altari e gli amboni, tratti fuori da blocchi
monolitici e levigati fino ad assumere la
morbidezza e la dinamicità di un organismo
vivente, entro cui s’iscrivono scene bibliche
o storie di santi: si vedano la chiesa del
Policlinico Gemelli di Roma o la basilica di
Mario Toffetti con la moglie Caterina e i figli
Michelangelo e Fidia davanti alla Porta del Giubileo
realizzata dall’artista per la Basilica di Santa Maria
Maggiore. A fianco: bozzetto per il monumento
commissionato dal Patriarcato di Damasco.

Sant’Alessandro in Colonna (Bg).
E infine ecco i maestosi portali in
bronzo per le chiese di Cortenova,
Aprilia, Vigevano, Bariano, per la
Basilica bramantesca di Crema...
e soprattutto la Porta del Giubileo
realizzata per la Basilica di Santa
Maria Maggiore in Roma.
La vera scuola e i veri maestri
Toffetti i suoi figli non li ha mandati
a studiare all’Accademia. Ai titoli di
studio non hai mai creduto:
«Mi dicevano che senza il diploma
non avrei fatto niente, e invece...
io scolpisco, mentre quelli che stavano
dietro al professore sono finiti tutti a
insegnare». Li ha cresciuti alle sue
maestranze, “in bottega”, come si
faceva un tempo. Perché è in una
bottega di marmorari, ci racconta,
che lui ha imparato tutto: non presso
artisti, ma alla scuola di semplici
artigiani che conoscevano però il
segreto dello scegliere il giusto blocco
di pietra, di come tagliarlo e di come
scolpirlo. «In Accademia – continua
Toffetti – ci sono
andato per qualche
anno, alla buona.
Ci ho imparato
poco: qualcosa di
architettura, qualcosa di
anatomia, di scultura
niente. T’insegnano
troppo a copiare e poi
quest’abitudine ti resta
addosso per tutta la vita.
Durante gli esercizi con
l’argilla, ad esempio, io
facevo la gamba della
modella in certo modo e
il professore ne tagliava
sempre un pezzo. E io
poi lo rimettevo al suo
posto. Ci sono momenti
in cui l’artista non può
sottomettersi, altrimenti
non crea. E alla fine tutto
diventa solo un commercio».
Questo è un punto fermo, per
l’artista bergamasco: il Grande
Peccato è non essere se stessi.
Guai a copiare da altri, per moda
o per comodo: allora
l’anima dell’arte è
smarrita per
sempre, e rimane
soltanto il gioco
stanco della compravendita. Ed è
anche per questo che Mario Toffetti
non sopporta di venire paragonato ad
altri artisti contemporanei, fossero
pure i più affermati. A lui interessa
essere Mario Toffetti, e nessun altro.
E se proprio bisogna avere dei
modelli, meglio puntare in alto.
«Guarda i due pulpiti dell’Amadeo nel
duomo di Cremona, scolpiti prima di
Michelangelo: è allo stesso tempo
moderno e anche classico! Uno così
non ti porterà mai fuori strada.
Se uno deve “peccare”, che pecchi lì.
Ma seguire il mercato o lo stile in voga
al momento... è sbagliatissimo. Invece
devi trovare i tuoi tasti e seguire la tua
strada. Io ho sempre fatto così».
A proposito di modelli,
hai dato ai tuoi figli due
nomi molto significativi:
Michelangelo e Fidia…
«Sì, perché questi maestri
della scultura sono i veri
miti della
storia, quelli
che hanno
FOTO M. TOFFETTI
superato i limiti e che resteranno
per sempre! Una volta il cardinale
Ruini mi disse che erano due nomi
molto impegnativi. “Per forza! – ho
risposto. – Proprio come voi, che vi
chiamate come san Giovanni, san
Giuseppe, san Pietro… così anch’io
ho voluto onorare gli artisti, che sono
santi anche loro”».
Ma come nascono le tue opere?
da dove parti?
«Mi devono dare carta bianca.
E poi uno crea, e basta, senza ascoltare
tanti consigli o suggerimenti. L’artista
deve sentire l’opera, la deve fare sua,
in modo da metterne in primo piano
le qualità essenziali... oppure nascono
opere fatte solo di ornamenti...
foglie, spighe di frumento... che sono
piacevoli, ma non dicono niente.
Bisogna essere originali, invece, sia
nella scelta del tema che nella sua
esecuzione. Ma non si tratta
d’inventare: uno vede com’è
la chiesa, quali sono i suoi spazi,
e gli deve nascere spontaneo come
è più adatto completarlo».
Mi sembra che
ci sia un soggetto
ricorrente a cui sei
molto affezionato,
cioè san Paolo…
«Ne ho realizzati
sicuramente dieci o quindici, per
non parlare dei tantissimi schizzi
e bozzetti. Perché san Paolo mi
entusiasma. A me piacciono i santi
così, vigorosi, aggressivi anche,
che hanno fede ma sono pratici
e realizzano... non quelli
“mollicci” che s’inchinano.
E poi nella sua storia c’è
movimento, dramma, energia,
c’è l’uomo con tutta la sua
responsabilità... insomma, lui
aveva qualcosa di speciale e lo
sento molto vicino, anche nel suo
atteggiamento religioso». Tra i tanti
“San Paolo” creati da Toffetti va
sicuramente menzionato il
monumento posto davanti la
basilica dell’Apostolo
a Damasco,
commissionatogli dal
Patriarcato: un’opera
maestosa di bronzo e
marmo, alta ben sette metri.
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 La bellezza invoca l’eternità preghiera, la chiesa,
C’è un altro punto fermo nell’arte di Mario perché quello è un luogo
Toffetti, cioè l’idea che la bellezza è fatta per diverso da qualsiasi altro.
l’eternità. L’arte, se è veramente tale, resiste allo E da Michelangelo in
scorrere del tempo e attraversa i secoli, come il avanti le cose più belle
messaggio di un naufrago chiuso in una bottiglia. hanno sempre preso
E ci spiega: «Le cose belle che il Padre Eterno ha forma nelle chiese».
fatto sono sempre state belle. È a queste cose che È a questo ideale di
un artista si deve sempre più avvicinare, non al armonia che Toffetti
consumismo di galleria, spacciato per arte si è sempre sforzato
moderna, che oggi vale tantissimo e domani di rimanere fedele,
Due “San Paolo”
niente... invece una tela del Caravaggio non perde concretizzandolo
in bronzo del mai valore, perché lì c’è la vera arte. Lì esiste il nelle sue opere
maestro Bello. E ogni artista, al di là delle sue capacità architettoniche e
bergamasco. personali, non deve mai abbandonare il Bello! scultoree. Se si entra
In alto, anfora Il Bello è l’essenza di un’opera, insieme alla negli spazi da lui
con Conversione creatività. Mai deformare le figure. Mai. concepiti, come la
e Battesimo Soprattutto nell’arte sacra, non si devono fare Cappella Papale del
dell’Apostolo. “mostri”, anche se Santuario di Caravaggio (Bg) o la cappella
A lato: Anania firmati da uno affrescata nel santuario della Madonna della
ridona la vista Bozzola (Pv), si avverte un’atmosfera di grande
che va per la
a Paolo.
maggiore. naturalezza. Le delicate linee tondeggianti che
Non si può solcano le pareti e plasmano le forme danno
rovinare l’impressione di trovarsi dentro lo scorrere placido
il luogo di un fiume, o dentro un nembo, o nella corolla
della di un fiore. Anche nei grandi portali in bronzo
le figure vigorose – anche spigolose, dure –
si adagiano in un grembo di curve sobrie ed
eleganti, che rendono il complesso composto
ma al medesimo tempo dinamico. C’è
proporzione, equilibrio, ma non la fredda staticità
purtroppo comune a troppe chiese recenti.
Il che mi spinge a una domanda…

Ti sembra si sia persa la cognizione della bellezza

nell’arte sacra contemporanea?
«Sì, e continuando sulla strada dell’astratto non si
troverà mai uno sbocco. È un genere che può
andare bene altrove, ma non in chiesa. Anche
perché, altrimenti, uno non ci va più per pregare,
ma per vedere le opere d’arte. Allora diventano
musei. È consumismo. Invece, davanti al Bello,
possiamo ammirare e allo stesso tempo pregare.
Ma, se l’arte sacra è in decadenza, anche la Chiesa
dovrebbe dare più istruzioni in materia…».
Dov’è che l’arte potrebbe ritrovare
la sua identità?
«Proprio nel sacro. Perché nel sacro –
anche se è un mistero – c’è il contenuto
di tutto. I grandi artisti del passato si sono
appoggiati al sacro proprio perché era la via
migliore per eseguire un’opera d’arte grande
nel tempo. L’arte della deformazione, invece,
ne sarà sempre esclusa. I grandi credevano.
Vedevano il Bello e per questo
credevano. Non erano obbligati
a farlo: lo sentivano».
Paolo Pegoraro

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