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3. El Manierismo
- Concepto y caracteres generales. (Tema 10. Pág. 369)
- Miguel Ángel escultor, pintor y arquitecto.
- Otros manieristas italianos: (Tema 10. Pág. 380,381,382,383 384)
- Escultura: Giambologna y Cellini.
- Pintura: Parmigianino y Tintoretto.
- El Manierismo en España: El Greco (Tema 10. Pág. 394,395 y 396)

El Manierismo
“El Manierismo se origina en el seno de la misma sociedad que sustentara una visión
optimista e irreal del mundo, haciendo del hombre su centro y tomando a la Antigüedad
por modelo. Las controversias políticas, religiosas, científicas y culturales procuran el
progresivo desbaratamiento de los valores renacentistas. Comienza a cuestionarse la
validez de todo dogmatismo. El arte rompe con los moldes normativos arqueológicos,
racionalistas, imitativos y de todo género. Los conceptos de belleza, armonía y unidad
son desmitificados, y dejan de constituir el fin último en materia artística. El relativismo
y el escepticismo son constantes intelectuales de esta época crítica en que Maquiavelo
justificaba la doctrina de la doble moral del príncipe; en que frente a la actitud mundana
de la Iglesia surgía un espíritu de reforma dentro del propio clero romano; o España y
Francia convertían a Italia en un campo de batalla. Todos los enfoques son válidos,
parecen decirnos también los artistas del primer manierismo, pues varios son los
prismas a través de los cuales puede analizarse la verdad, si es que existe una verdad
única.
No es posible enumerar las formas por las que se expresa el Manierismo. Distorsión,
paradoja, humor, ambigüedad, extravagancia, equívoco, juego, sorpresa y fantasía son
algunas de ellas, y en general aquellas que superan las limitaciones naturalistas,
racionalistas o normativas. La crisis de la fe en la capacidad cognoscitiva universal del
individuo, en la razón, y las tensiones religiosas personales frecuentes en la época
trascienden a lo artístico, en distorsiones, acritudes y desequilibrios que traducen las
angustias del hombre y las desarmonías entre alma y cuerpo, o entre materia y forma.
En todas las artes el espacio pierde su unidad y estabilidad, en la arquitectura su
clasicismo y en las artes figurativistas se hace incoherente hasta desaparecer, o por lo
contrario obsesivamente profundo. Los cuerpos se estilizan hasta límites
insospechados, por espiritualismo o por rebuscada distinción; se retuercen en continuo
serpentinato (sentido helicoidal), y aparecen incluso bajo representaciones
metamórficas y anamórficas, esto es, solo visibles desde una determinada condición. En
suma, un arte cerebral, intelectual y frío, no imitativo en lo figurativo y sólo
comprensible para una minoría.
(…) El Manierismo es una época histórico-artística con entidad propia y
suficientemente diferenciada del Renacimiento y del Barroco, y que no marca la
continuidad del primero hacia el segundo. Posee, eso sí, elementos comunes a uno y
otro, pero, aparte de usarlos con distinto sentido, raramente son los que el último toma
del primero. Así, el concepto de espacio, múltiple en lo manierista y unitario en lo
renacentista y lo barroco, es estático en el siglo XV y dinámico en las manifestaciones
del siglo XVI en adelante.
El Manierismo comienza a perfilarse en Florencia en torno a 1510-1520, logrando a
partir de mediado el siglo una proyección internacional muy superior a la que momentos
antes había alcanzado el Renacimiento, por la tardía adopción europea de las formas
italianas. En su difusión adquiere una peculiar diversificación, siendo por lo general más

Fue un genio polifacético: escultor. entró en el taller de los hermanos Ghirlandaio. Blunt. En esta etapa desarrolló la concepción artística del Alto Renacimiento. puede que esta circunstancia influyera en la orientación escultórica del genio florentino. que debía pugnar para escaparse de ella. reflejo de lo espiritual en lo material. proyectista y poeta. Según A. lúdico y mágico en Praga. algunos de ellos le ocuparían bastantes años. desde Florencia y el Papado. Su padre fue “podesta” en Caprese y Chiusi. pintor. pues conjugaba la tradición científica de la pintura florentina y el neoplatonismo del círculo de los Médicis. actividad en la que habían destacado varios miembros de su familia. Su primera estancia en Roma tuvo lugar entre 1496 y 1501. Hasta 1530. se deben distinguir varios periodos en la vida y obra de Buonarrotti: 1. Hasta 1564. a lo largo de casi ochenta años. y a manifestar en las obras de sus últimos veinte años las características del Manierismo. Miguel Ángel no fue uno más en el Giardino. le condujo: a estudiar con los maestros del Quattrocento. los Médicis. Al mismo tiempo. Las circunstancias políticas que vivía Florencia le aconsejaron huir. Miguel Ángel vive indistintamente en “sus dos ciudades”. desde el Vaticano –Julio II y León X.son los causantes ya que le encargaron diversos proyectos. El neoplatonismo fue para Miguel Ángel. hasta 1534. una cárcel para el alma. ciudad donde descubrió las esculturas de Della Quercia y completó su formación clásica (Dante. luego a Bolonia. arquitecto. no sólo una doctrina. Se le conoció como el “divino Michelangelo”. pues en 1490. relación que duró hasta la muerte del Médicis en 1491. la vida era una forma de existencia irreal y transitoria. discípulo de Donatello. tanto de las figuras como de las arquitecturas. La muerte temprana de su madre pudo precipitar el retorno a Florencia. todos ellos tenían algo en común: su pasión por el arte antiguo y la filosofía platónica y neoplatónica. sino una justificación vital. Bocaccio…). la pérdida de la independencia de los estados italianos. las reformas de Lutero. fecha de su muerte. Para él.2 intelectual y de mayor variedad en Italia. La crisis del Renacimiento: Miguel Ángel Nació en Caprese. Noguer Didáctica. primero a Venecia. La longevidad de Miguel Ángel (1475-1564) le convirtió en testigo de un complejo devenir histórico: el segundo esplendor florentino. ecléctico en los Países Bajos y espiritual en España. El director del Jardín Mediceo era Bertoldo di Giovanni. al definitiva división de la Iglesia y el inicio de la Europa moderna. Era una academia de artistas. siempre unidos al partido “Güelfo” (alianza con el Papado). En Miguel Ángel se asiste a la “delgada cresta” del estilo clásico y a la descomposición del modelo renacentista. No hubo antecedentes artísticos en la saga Buonarroti y la idea paterna era dedicar al joven Michelangelo a la carrera diplomática. en 1475. allí se formó técnicamente y conoció las obras de Giotto y Masaccio. Petrarca. se integró en “Ecole Libre Giardino Casino Mediceo”. Muy pronto demostró sus dotes dibujísticos y tras varios consejos. académico y cortesano en Francia. su actividad artística. cerca de Arezzo. A partir de esta fecha y. a los trece años. de las que hizo copias y dibujos. era ya huésped de Lorenzo el Magnífico. residió definitivamente en Roma. humanistas y literatos. la influencia mística de Savonarola.” Historia del Arte. la caída y posterior retorno de los Médicis. La búsqueda de los espiritual era el único . Ed. En 1489. Queda patente en sus obras la observación de la naturaleza y la búsqueda de una belleza física.

(1499) David (1501-1504) Tondo Doni (1503) Batalla de Cascina (1505) Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) Primeras figuras del sepulcro de julio II. Michelangelo. Desde 1545. de modo evidente. en el Concilio de Trento triunfaban la inflexibilidad.  Defendió el carácter divino de la inspiración artística (Dios es fuente y origen de la belleza). se manifiesta en él. (Esclavos y Moisés) (1515-1519) Sepulcros Médicis. la división de la Cristiandad y la necesidad de una reforma de la Iglesia Romana le acercaron al partido humanista. sólo encontró en el neoplatonismo la justificación de su vida y obra.3 modo de conseguirlo. Desde el punto de vista político. en Miguel Ángel. 2. Relación de obras de Miguel Ángel Escultura Pintura Arquitectura Primera etapa Madona de la Escalera (1491) Batalla de centauros y Lapitas (1492) La “Pietá”. junto con una profunda religiosidad son patentes. En 1530. La respuesta del artista fue una clara renuncia del mundo terrenal y un abandono de toda forma de amor mortal. desde le punto de vista religioso. el dogmatismo y la obediencia ciega. el partido humanista (reformador) se debilitó y.  Se centró en la imagen mental: la idea es más bella que la obra final. diversas circunstancias mudaron la vida de Michelangelo. de ahí su entusiasmo por el logro de la belleza visible. 3. le obligaron a desconfiar en el futuro. obviamente en su obra. El cisma de la Iglesia entró en su fase más aguda y no se divisaba ninguna posibilidad de compromiso. Inseguridad. la crisis de los valores del Alto Renacimiento. 1527). del mundo de las cosas físicas (la belleza física es un engaño mientras que la espiritual no se extingue con el tiempo). de ese modo:  Criticó los métodos matemáticos anteriores y abogó por la independencia frente a todo tipo de reglas. hasta su muerte en 1564. Capillas Mediceas . ante ese mundo que se desmoronaba. signo y reflejo de la divinidad. Entre 1530 y 1545. a partir de la década de los treinta. la actitud interiorizada de Miguel Ángel es cada vez mayor. el fracaso del Papado en el intento de crear un estado secular en Italia y la actitud del emperador Carlos V (Saco de Roma. al mismo tiempo. El trayecto ideológico de Miguel Ángel a lo largo de estos años se manifiesta. desconfianza y alejamiento progresivo del mundo real.  Se despreocupó de la belleza visible. que intentaba algunas fórmulas de aproximación y compromiso con los protestantes.

aún pareciendo relajadas. el modelado. puntero y cincel (liso o dentado) era la técnica sustractiva del escultor.1541) Capilla Paulina: Conversión de San Pablo. de delante hacia atrás. fundamentalmente.” Como características generales se pueden citar: 1. veteado. En él demostró su gran capacidad técnica y el perfecto dominio de todo tipo de útiles. 4. (Desde 1547) ESCULTURA Miguel Ángel se consideró. la aditiva. Crucifixión de San Pedro. material escultórico por excelencia. la estatua ya está ahí (en el bloque). La figura (alma) va surgiendo lentamente de la piedra (materia). pues estuvo al cuidado de una nodriza hija de canteros. el tallado y acabado hacían surgir la figura del bloque de piedra. un modo de operar fiel a su concepto neoplatónico de la vida. Dinamismo “en potencia”. 3. dan la impresión que el movimiento está a punto de desencadenarse. El desbastado.pues lo que hace a fuerza de añadir se asemeja más a la pintura”. . Miguel Ángel atacaba el material por un lado. sólo debía servir para realizar los bocetos previos. De aquí se deduce que el tallado con mazo. escultor. Miguel Ángel decía: “Yo sólo quito lo que sobra. 2. Después. En su obra de juventud. Sus estatuas. (1542-1545) Pietá Rondanini (1554-1564) (1520-1534) Escalera Biblioteca Laurenciana (15241526) Segunda etapa Juicio Final. La preferencia por el mármol blanco de las canteras de Carrara. (1542-1550) Tercera etapa Palacio Farnesio. pudo familiarizarse con la piedra. empleó más los instrumentos cortantes (cinceles) y muchos espacios de sus figuras quedaron en etapa de desbastado y cincelado. en ese ambiente. conocer su textura. (1546) Proyecto de San Pedro. Cúpula del Vaticano.4 (1520-1534) Genio de la Victoria (1530) Finaliza la tumba de Julio II. El concepto y técnica de su plástica se desprende de sus propias palabras: “Por escultura entiendo aquella que se hace a fuerza de quitar –forza di levare. color… y crecer acompañado del material que le haría famoso. (1536. años más tarde trabajaba sobre dos caras laterales del bloque. Combinación de dimensiones monumentales con esquemas compositivos simples. sus estatuas ase caracterizaron por un perfecto y brillante acabado (fuerte pulimento con abrasivos) y por el frecuente uso del trépano. Esta orientación debió venirle desde su infancia. Sus estatuas concentran un punto de vista predominante y están concebidas en relación al bloque rectangular de donde emergen.

o La intencionada desproporción entre las figuras de Madre e Hijo.lo convirtieron en un sepulcro parietal estructurado arquitectónicamente. Perfecto y brillante acabado. Relieve de progenie donatelliana. Mármol. En la actualidad se encuentra en la iglesia de San Pietro in Vincoli (Roma). preocupado en otras empresas. pero a pesar de diseñarlo exento y monumental en 1505. (1499. estatismo y dinamicidad. motivada por razones de composición y para expresar mejor la relación filial entre ellos. 3. sin duda tratando de plasmar la belleza ideal. esquema predilecto del Alto Renacimiento. 2. David. Combina el clasicismo y serenidad de la figura de la Virgen con la torsión del Niño. El diseño inicial planteaba un mausoleo en clave neoplatónica: la entrada del Papa en el Cielo como un triunfador. planteando una clara tensión entre las dos concepciones plásticas. diferentes vicisitudes –desinterés del pontífice. Obra Madonna della Scala (1491). La Pietá. o La utilización del trépano y el logro de efectos de claroscuro en la cabellera de Cristo. (1515/…) Era uno de los proyectos más ambiciosos de Miguel Ángel. Anatomías robustas y ropajes amplios. síntesis y equilibrio perfecto entre la vida activa y la actitud . Efectos de claroscuro poco exagerados. (1501-1503) Sepulcro de Julio II. la inscripción que lo atestigua está grabada en la cinta que cruza el pecho de la Virgen. terminada un año después). De tipo pictórico y estructurado en tres planos. pues el cuerpo de Cristo da la impresión que va a deslizarse de un momento a otro. muerte de Julio II. Observa: o El empleo de la composición piramidal y cerrada. pero como un triunfo de tipo espiritual. Perfecto equilibrio entre movimiento y composición. Es la primera obra firmada por Miguel Ángel.5 5. Como casi en todas las obras de juventud: 1. El grupo parece inestable. o La representación de una Virgen joven. o La relación tensión/serenidad.

Lía y Raquel en el sepulcro. el pensamiento neoplatónico. poco tiempo antes de morir trabajaba aún en ella y quedó inacabada. En su pintura se reconoce. Capillas Mediceas. en la parte superior del sepulcro. mostrando así. la vida contemplativa. dos ejemplos que alcanzaron la inmortalidad espiritual en vida por medio de la combinación perfecta de los poderes que simbolizaban Lía (vida activa) y Raquel (vida contemplativa) también esculpidas en él. Debió iniciarla en 1552-1553. hay unos entablamentos con tronos vacíos. Por eso estaban representados en él: Moisés y San Pablo. la naturaleza. De todo el proyecto sólo queda el Moisés. Pietá Rondanini. Sepulcro de los Médicis: Lorenzo y Giuliano. su ostrera obra. En los distintos niveles se alude a: Nivel inferior (el mundo terrestre. Son dos nichos piramidales. la belleza ni la fuerza titánica. fundamentalmente. El Genio de la Victoria. también una tabla al temple. (1530) Palazzo Vecchio. Los esclavos repartidos entre el Louvre y la Academia de Florencia. Como características deben distinguirse: o En su obra pictórica conserva la energía del dibujo y el deseo del movimiento. o El mensaje de la obra no debe ser sólo la unión dramática de Madre e Hijo pugnado por salir del bloque de piedra. o Empleo y dominio de las técnicas al fresco y al temple. el Tondo Doni. deben aludir a la jerarquía celestial y debieron pintarse con temas alusivos al Antiguo Testamento. también puede aludir a la estrecha relación entre artista/creación. de la aurora y el crepúsculo. Es la última de sus Piedades. de la noche. nuevamente. y toda la fuerza de su obra plástica. El abocetado era común en sus obras de madurez. por encima de ellas. o La expresión de relieve que adquieren sus figuras. con contornos nítidos y visualizados en distintos planos. tras un paréntesis de dos años volvió a ella e introdujo modificaciones compositivas que se aprecian en el brazo de Cristo y en la cabeza de la Virgen. las estatuas sedentes de Giuliano y Lorenzo. Es interesante en esta estatua el dinamismo y el movimiento expresado por las torsiones del contraposto de la figura. adosados al muro y orientados hacia una estructura central: la Madonna de los Médicis. o Ya no existen en esta estatua: la seguridad. Presenta las características de sus últimos años: o Esquemas no geométricos.6 contemplativa. Se observa ya lo que se denominará “figura serpentinata”. estructurados arquitectónicamente. escultor y arquitecto. o Renuncia de la belleza física (los dos cuerpos son insustanciales y etéreos). un claro predominio de la “idea”. por eso afirmaba que “estaba hecha con el cerebro y no con las manos”. Florencia.estaban los esclavos. Milán. en este estadio se representan las alegorías del día. (Mucho mejor expresado por el lenguaje de la piedra desbastada). PINTURA A pesar de declararse. Miguel Ángel ha dejado cuatro obras pictóricas de proporciones colosales: los frescos de la Capilla Sixtina (bóveda y testero) y los murales de la Capilla Paulina. Estaba destinado para la tumba de Julio II. . (1552-1564) Castillo Sforzesco. Por bajo de estas figuras y aludiendo a la más baja jerarquía –el alma sometida por la materia. Para ello concentra toda la energía en el modelado y plasma los volúmenes bien delimitados. o Dramatismo. la primera simbolizando la vida activa y la segunda.

y San Juanito. claramente. Miguel Ángel plantea un programa. azul violeta y metálico. estaba realizando. y asociados con mucho contraste. al nexo de unión entre las dos culturas. Debes observar en esta obra:  Los efectos de relieve del grupo pintado. o Figuras monumentales de enormes proporciones. (1503-1505) El tema de la Sagrada Familia es uno de los dos que aparecen en este medallón. la organización es la siguiente: . “La Sagrada Familia con San Juan”. también inscrita. con una bóveda baja. verde y ocre… y con gamas de claroscuro que acentúan la plasticidad de las formas. los desnudos del fondo se refieren al paganismo. también realzar el plasticismo de sus siluetas. Obras Tondo Doni. las diagonales del polígono forman una estrella.. el Niño. La Virgen y San José representan el Antiguo Testamento. Sobre un entramado arquitectónico ficticio. pero siguiendo el esquema de un pentágono inscrito en un círculo. o Gran dinamismo.  La composición es piramidal. o Composiciones muy elaboradas. a la derecha detrás del muro. es la relación del mundo pagano y cristiano. neoplatónico. generalmente fríos. que para el mismo Papa. (1508-1512) La Capilla Sixtina es una sala rectangular. en el que armoniza erudición bíblica y un lenguaje formal pagano.7 o La utilización del claroscuro tiene como finalidad. rojo anaranjado. Frescos de la Bóveda de la Capilla Sixtina. En las paredes laterales ya habían pintado Botticelli. el Nuevo Testamento. el otro. o Colores claros. Para ello se debe reparar en el dibujismo de los contornos (no hay difuminado) y en los distintos planos que contienen a cada una de las figuras. Este trabajo paralizó el sepulcro.  Los colores están asociados con crudeza: carmín. espaciosa y alta. donde la fuerza titánica que desprenden es uno de sus rasgos fundamentales. ayudado por la presencia de violentos escorzos y ritmos en espiral.  El dinamismo del grupo está originado por el ritmo en espiral que adoptan las figuras. Roselli. en la que todas sus divisiones son secciones áureas. Perugino… El pontífice Julio II encargó a Miguel Ángel la decoración de las partes altas de los muros y del techo.

a los que transporta Caronte en su barca. 3. a partir de él se desarrolla un movimiento giratorio turbillonar. que llaman a la resurrección de los muertos. . En el centro. los justos y los condenados.8 1. otros. (1356-1541). medallones… Se debe observar en la Capilla Sixtina. 4. los antepasados de Cristo. la perfecta simbiosis que existe entre pintura y arquitectura. el marco sobre el que se desarrolla el programa. Entre los lunetos. El fresco. 2. se trata de un cielo plano. los que se precipitan hacia el infierno. Fresco mural. Se observan. el mundo celestial. En los lunetos. los distintos episodios quedan enlazados con los espacios laterales a través de los Ignudi. en la parte izquierda ascendente. está estructurado en cuatro registros horizontales y en dos calles verticales. Todos ellos se recortan sobre une espacio en el que no existe perspectiva lineal. en la derecha descendente. cariátides. simplemente. El resto de la decoración putti. compositivamente. perspectivos y estéticos del Alto Renacimiento. los elementos iconográficos del Juicio Final: unos ángeles trompeteros. no siendo esta última. sabiamente estudiados según el punto de vista del observador. sino un sistema que unifica todos los temas pintados. los tronos de Sibilas y Profetas. Los casi cuatrocientos personajes del Juicio Final adoptan escorzos. aunque dispuestos de otro modo. son los que suben al Cielo y. delimitadas en su parte alta por dos arcos de medio puntos rebajados. Juicio Final. El brazo derecho de Cristo parece iniciar todo el dinamismo del mural. Este encargo le llevó a Miguel Ángel en una etapa de crisis religiosa y espiritual que trasladaba a la obra se traduce en la pérdida de los valores espaciales. Más o menos violentos. la historia del Génesis. portando los instrumentos de la Pasión. El eje del conjunto es la figura de Cristo Juez.

Florencia.  Emplear el orden gigante. en un espacio reducido. La iconografía de Cristo se separa de la medieval. ya desde el propio juego de las masas arquitectónicas. ordenó que se censurase esta obra.  Utilizar un lenguaje formal muy expresivo y particular en el que aparecen frontones curvilíneos y triangulares. en la piel que lleva en la mano izquierda San Bartolomé. Un mes antes de morir el artista. La crisis que atraviesa Miguel Ángel es patente en el modo de firmar esta fresco. al mismo tiempo. tanto en fachadas como en interiores. dirigidos por Volterra. ménsulas…  Obras Escalera de la Biblioteca Laurenciana. Combina la belleza ideal de su desnudo con el terrible ademán de juez y contrasta con el humano recogimiento de la Virgen. la pequeña puerta de acceso a . otro Papa. de nuevo. a los pies de Cristo. Un grupo de pintores. Alguna de las características:  Mantener el sistema de las proporciones clásicas. la nitidez de sus contornos. En esta obra muestra una tensión y un dinamismo propios de la arquitectura manierista Miguel Ángel combina y enlaza. sus rasgos aparecen. cubrió la desnudez de muchas de las figuras.  Destacar. volutas. molduras curvas. Es.9 Las figuras siguen siendo titánicas pero. aún bellas resultan más flácidas y menos apolíneas que las anteriores. anticipó el lenguaje barroco. el claroscuro el elemento que ayuda a resaltar su plasticidad. Se trata de enormes pilastras que abarcan varios pisos e integran los alzados. ya sea a partir de los materiales policromados. pío IV. las líneas constructivas. ARQUITECTURA Miguel Ángel consiguió que la arquitectura clasicista del Alto Renacimiento llegase a su máxima expresión y. fuertemente.

Ello comporta la idea de Roma como centro del mundo. Historia del arte. Roma. el Palacio Capitolino y el Palacio de los Conservadores. el plano de la iglesia de acuerdo con la idea de Bramante. lo mismo que en los frescos de Rafael de la Cámara de la Signatura. suprema geometría arquitectónica de la Roma cesárea. J. volutas… El conjunto ofrece una gran tensión. el plan de Miguel Ángel en el que se aprecia una mayor concentración de elementos: las torres han desaparecido y se han robustecido los pilares. Tomo II. El dinamismo de la plaza se debe a dos hechos contrapuestos: de un lado a la forma cerrada del óvalo. En segundo lugar. ) . (Martín González. La construcción de esta plaza supuso a Miguel Ángel una renovación del urbanismo. Ordenación urbanística de la Plaza del Capitolio.J. Los muros del recinto absorben el lenguaje arquitectónico miguelangelesco: alternancia cromática de los materiales. de un lado provocada por la distribución espacial de otro por el contraste entre el dinamismo curvilíneo y el estatismo de las líneas verticales y horizontales. acomodándose a la planta de la colina. de otro la del trapecio abierto que determina la balaustrada del primer término. ménsulas. columnas binadas que no tienen carácter constructivo.10 la biblioteca con la grandiosa escalera que se abre en abanico y se dilata ópticamente hacia el visitante. el Palacio del senado. Obsérvese el orden gigante de las fachadas de los tres edificios. La tendencia a regular aparece como normativa del Renacimiento. pero aquí se conjugan otras exigencias estéticas y simbólicas. El espacio central cupulado. La explanada tiene forma oval. en el que predomina lo fragmentario. más que en el tramo central de peldaños convexos. Proyecto de San Pedro del Vaticano. halla estrecha alianza con el ideal cristiano de geometría perfecta. como símbolo de Cristo (la cruz) y del Cosmos regido por Dios (la cúpula). En la iglesia de San Pedro se ejercita la más intensa aproximación entre clasicismo y cristianismo. En primer lugar. La decoración del enlosado asemeja un cielo estrellado.

Pintura En líneas generales.11 Proyecto de Bramante Observa los cambios que introdujo Miguel Ángel respecto al proyecto de Bramante. Proyecto de Miguel Ángel Manierismo. podemos considerar como características de la pintura manierista: .

casi siempre. exagerados escorzos. Las figuras presentan. más de las de los primeros planos. Su temática preferente fue religiosa y mitológica. aunque también pintó retratos. actitudes incómodas y rebuscadas. f) Es una pintura cerebral. en la década de los cuarenta. el dibujo miguelangelesco y las composiciones y técnicas de los manieristas centroitalianos. Su preocupación por el tratamiento lumínico le llevó a modelar figuras de cera sobre las que estudiaba los efectos que la luz podía causar. De todo ello se desprende. ahora interesa más el valor decorativo del cuadro. en 1518. de gran formato. Tuvo una gran influencia en los artistas del último manierismo y en los primeros del barroco. Características  Obras. Cuenta Vasari. el contacto con Miguel Ángel que debió tener lugar en un viaje realizado a Roma y Florencia. armonía y unidad. y las relaciones con artistas que introdujeron el Manierismo en el norte de Italia. generalmente. d) Los temas principales pasan a planos posteriores o quedan desplazados a los laterales. desequilibrio. típicas del Renacimiento. c) Los cuerpos de las figuras se estilizan y se retuercen (silueta serpentinata). emplea el contraste blanco/negro para dar relieve al cuadro. tensión. libre y violenta alcanzan un sello muy personal. Todos ellos inmersos en un espacio irracional y dentro de marcos estrechos que acentúan la tensión e inverosimilitud. con fuertes cambios de escala. b) Pérdida del espacio unitario renacentista. El color que alcanzó una mayor popularidad fue el amarillo. Murió en 1594. su preocupación por el color veneciano. e) Renovación de la paleta cromática. intelectual y fría. El ritmo curvo y ondulante sólo cubre un plano y. inverosimilitud e inestabilidad. A pesar de su cromatismo.12 a) Reacción anticlásica: Niega las normas de belleza. . y las sustituye por otras que evocan escisión. normalmente.  Iluminación teatral y contrastada que confiere a los lienzos un gran dramatismo. organizadas de forma diversa y con escalas distintas. la falta de conexiones axiales y la alteración de las proporciones colaboran en la pérdida de la unidad. nació en Venecia. representante de un arte elitista y excesivamente refinado. Tintoretto Jacopo Robusti “Il Tintoretto”. alterna lo abigarrado y lo vacío. El espacio suele ser profundo y. Se prefiere la gama cromático del arco iris y se utilizan colores con tonos irisados.  Las figuras son dinámicas. El color deja de tener un efecto plástico. A pesar de que su formación parece bastante autodidacta. es exagerada. alargadas y con acusados escorzos. dando una clara sensación de inestabilidad. pero al utilizar una pincelada suelta. al estar ocupado desigualmente. niega toda profundidad. teñidor de seda. La escena representada se descompone en distintas partes espaciales.  La perspectiva. se piensa que en él influyeron: algún tiempo de aprendizaje en el taller de Tiziano. respectivamente. apodo referido al oficio de su padre.  Composiciones con muchos personajes. considerado el pintor veneciano más grande que había existido hasta el momento. y los secundarios nunca se configuran en atención al principal. que en el taller de Tintoretto había un letrero con la inscripción: “El dibujo de Miguel Ángel y el color de Tiziano”.  Los colores son venecianos. casi siempre. de modo asimétrico.

al mismo tiempo que los forzados escorzos confieren dinamismo a los personajes. Las grandes dimensiones del lienzo. realzada por la geometrización del pavimento. la Scuola di San Marco le encargó tres cuadros que representasen los milagros de su protector (San Marcos): La sustracción del cuerpo de San Marcos. cobra una profundidad y proporciones extraordinarias. sino en una pintura que está en el ángulo derecho. La existencia de varias escenas en zonas distintas del cuadro pero unidas. por un hilo conductor. En los tres desarrolló todo un compendio de recursos manieristas: teatralidad. a ello ayuda también una rígida perspectiva lineal. tema subyacente en la Cena. 2. . 3.13 Obra El Lavatorio (1547) Óleo sobre lienzo. reparar en: 1. intensos escorzos. Este encargo le ocupó más de veinte años. 4. Para realizar el comentario debes aplicar las características generales y. racionalmente. La lívida iluminación y los contrastes luz/sombra crean un ambiente intenso y dramático. Museo del Prado. todas ellas. si bien. 5.  La complejidad de la composición que combina la perspectiva lineal con un espacio triangular formado por dos haces de luz confluyentes a los pies de la cruz: punto de fuga. formando una serie de diagonales que contribuyen a dar profundidad y sensación atmosférica a la obra. Entre los lienzos destacan: La Crucifixión. Ocupa toda la pared de la estancia. auxiliado por las arquerías que bordean los edificios.  El dramatismo que proporciona el tratamiento lumínico. El hallazgo del cuerpo de San Marcos. La Consagración Eucarística. comenzó sus trabajos para la Scuola di San Roco. Sobre este esquema se distribuyen las distintas escenas y figuras. no aparece en primer término.  Lo innovador del tema: las cruces de los dos ladrones no se han levantado aún. la soledad y aislamiento de la imagen de Cristo ayuda a ello. perspectivas exageradas. El espacio. En 1562. fuertes cambios de escala… En 1565. Las figuras están dispuestas rítmicamente. En él es patente:  El gran formato. también. y San Marcos salva a un sarraceno de un naufragio.

en ese sentido es un artista moderno. mitológica. A la edad de 25 años aún se encontraba en la isla. le introdujo en le mundo del cardenal Alejandro Farnesio. para luego abandonar Italia en 1575. Florencia y Roma). En 1571. mientras Baco acude a unirse a ella. que la simplicidad natural es uno de los métodos de conseguir la belleza. ya figuró entre los pintores de la prestigiosa Academia de San Lucas. hasta. Reggio-Emilia. es posible que trabajase con Giorgio Klotza. pero no el único. en la capital vaticana. un ejemplo: Ariadna. Pintura: Parmigianino Una de sus características de sus obras es la afectación y la artificiosidad. en el seno de una familia acomodada de la comunidad católica. Cuadro de evidente unidad formal. recorrió Italia (Parma. Venus y Baco. desde la que nos habla de una cierta hostilidad romana por los comentarios que hizo sobre la pintura de Miguel Ángel. En 1566-1567. pues la exaltación de Ariadna al orden de las divinidades. “Con esta obra se demuestra que la solución clásica de la armonía perfecta no era la única concebible. la más probable. Madona de cuello largo. el más italianizante de los pintores cretenses. llegó a Venecia donde conoció las pinturas de Tintoretto y s ele supone discípulo de Tiziano. La temática de estas pinturas es alegórica. Destaca por su deseo de ser heterodoxo. Retorno a Venecia y Parma. que sería la conveniencia de un trabajo seguro que para muchos artistas ofrecía el traslado de la capitalidad española de Toledo a . Significa. miniaturista de origen dálmata. siendo el colorido más vivo y cálido. en 1572.” El Manierismo en España: El Greco (1541-1614) Nace en Candia Creta. Giulio Clovio. De entre otros cuadros mitológicos anteriores se debe destacar los dedicados al tema de “Susana y los Viejos” en los que evoca el clasicismo tizianesco. Dos años más tarde. en el ambiente de la cultura manierista. Tema: Venus ciñe a Ariadna una corona de estrellas. ya mostró tendencia hacia lo italiano y distancia de lo grecobizantino.14 La Natividad. Desde la década de los sesenta y hasta el final de su vida trabajó. también en la decoración del Palacio Ducal de Venecia. más veneciano. Su decisión de marchar a España ha suscitado diversas interpretaciones. ser original. Antes de su salida hacia Venecia.

El entierro del Conde Orgaz. Adoración de los pastores. Murió en esta última ciudad en 1614. Martirio de San Mauricio. y posteriormente en Toledo. Apostolados: San Bartolomé y San Pedro. Laooconte . El Expolio de Cristo. Obra Periodo Italiano Tríptico Portátil de Módena. Cristo cura al ciego Expulsión de los mercaderes del templo. Periodo toledano Retratos: Giulio Claudio Dama del armiño Cardenal Niño de Guevara Caballero de la mano en el pecho. Periodo madrileño Alegoría de la Santa Liga.15 Madrid en 1576. Lo cierto es que se le documenta en Madrid en 1576. Otros cuadros religiosos: La Trinidad.