American Magic and Dread

TV, Art, and the Postmodern

Art is a simile of the Creation.
—Paul Klee

I’ve  come  to  understand  that  TV  is a primal  force  in the  American  home.    Sealed  off,  timeless,  self­
contained, self­referring.   It’s like a myth being born right there in our living room, like something we  
know in a dream­like and preconscious way.  I’m very enthused.
—Don DeLillo, White Noise

My favorite  show  is  Cops.   I like  when  the  police  shout  “Police!    Search  warrant!”  and bust 
through a door, and people, screaming, are arrested.   A man with a dead hummingbird and 
tagged  butterfly was taken into custody for punching his mother.  “They’re just playing dead,” 
he said.   Later, the police found his bottom drawer full   of ladies’ wigs and heels.   I’ve seen 
gored arms, bruised heads, disorderly men.  I say words like “black­and­whites” and “perps,” 
and I trust the detectives on TV.  “That one, he’s a good man,” I said once.  Instead of the news, I 
watch Cops.     

Cops  is what I call Postmodern television, or pMTV.  Postmodern TV differs from modern TV, in 
that the former is less moralizing, more ironic (i.e., self­referring), more free­form, and more real. 
On pMTV, the Huxtables are dispensed with in favor of the anti­heroes of America’s Most Wanted 
and the Simpsons.   Predictable plots and two­dimensional detectives give way to the dystopic 
setting   of  Twin   Peaks.     Modern   television   is   no   longer   sufficiently   complex,   interactive,   or 
fantastic   to   satisfy   the   lust   for  quick   gratification  peculiar   to   our   younger,   twentysomething 
generation.  

Television is an analog of culture as a whole.  The aggression of the modern era — replete with 
environmental  slaughter,  two  World  Wars,  countless  political  and  corporate   colonizations  of 
unwilling   peoples,   and   the   defeat   of   the   community   —   is   at   last   making   way   for   a   new 
movement, a new Zeitgeist, a new fall line­up that will better fulfill our needs and hopes.  The 
nature of this postmodern movement is still indefinite, but the trends seem at once communal 
and icon­shattering.  It is time to rebuild and redefine our values.  This is mostly because people, 
especially within our generation, have begun to realize that modernism’s focus on the individual 
(a focus which may have peaked in the 1980s) has left a world and an America scarred by battle 
after battle for personal gain.  We, unique among generations, do not have a brighter future to 
eagerly await. Most of us do not expect to be more successful than our parents, to escape the 
burden of the national deficit, or to avoid terrorism in our  cities.  Already there is talk that as a 
result of our economic fate, we are a lost generation.  Real life having failed us, good TV is the 
best available alternative.

TV   as   antidote.    We   might   consider   it   one   goal   of   our   generation   to   counter   our  economic 
sullenness with a renewed cultural vigor by injecting our lives with a new and improved reality, 
a television­based reality. Such an effort would be the perfect tool to approach the postmodern 
phenomenon   Umberto   Eco   has   termed   “hyperreality.”     We   can   use   TV,   and   its   related 
technologies to enhance the world around us, without the nagging side effects of drugs, without 
endangering ourselves at all.   That is to say that although people in my neighborhood do not 
punch  their  mothers  or  cross­dress,  those  who  do  may  move  into  my  community  (even  my 
living room) via TV in general, and Cops in particular.  This makes my life more adventuresome, 
more glamorous, more real.  Although TV is most rewarding when considered as nothing more 
than de­intellectualized entertainment, it has planned and built our global village.  As such, TV 
should   not   be   subject   to   disdain   and   snobbery.     Perhaps   TV   seldom   fulfills   our   hopes   or 
expectations, but it does occasionally make us laugh, teach us, and move us.   This we should 
consider a bonus, not a rule.    

There is a close relationship between our generation (born 1961­1981) and TV.   Two previous 
generations  have  grown up with television, but that was when TV was mostly  considered a 
forum for broadcast vaudeville and things that moved.  When the elders of our generation were 
toddlers, TV brought us the visually and morally stunning assassinations of Kennedy and Lee 
Oswald.  Five years later, Americans for the first time watched a war from their living rooms. 
Both events gained greater pungency as a result of their nation­ and world­wide broadcast, and 
TV’s significance swelled with each disaster for the next 15 years.  As children and adolescents, 
we watched the defrocking of the Presidency and the development of the Cold War.  Then, in 
1982, came MTV.  

MTV  and  the  avant­garde.    From its  inception,  MTV  was  the  most  innovative  enterprise  in 
television history.   It changed television, the record industry, the way we conceive of music. 
MTV   created   Madonna,   the   Eve   of   our   hyperreal   Eden.       MTV   is   now   and   ever   has   been 
entertainment  — pure,  but  not simple.       MTV in many  ways  seems  to have  connected  our 
generation, to have provided millions of young Americans with a common ground, a refuge 
from other generations.  Our culture, at this age, is  defined mostly by the music we listen to and 
the products we buy, and MTV, for ten years, has heavily influenced both.  The imagistic assault 
of   MTV   may   have   reduced   our   attention   span,   but   with   apparent   irony   and   some   minor 
didacticism, it exemplifies the speed and aesthetic sensibility  of our generation.   It entertains 
quickly   and   well.     Anti­imperial,   communitarian,   hyper­active,   and   often   politically   correct, 
MTV is the model of postmodern television.

One could further argue that MTV is the model of postmodern culture.  Having eschewed the 
imperialist trends of the past 500 years, fueled the Madonna­driven sexual revolution, and given 
our generation its first cultural thrust, MTV has owned mainstream American youth culture for 
a decade  and  has  established  itself   as  perhaps  the  world’s  first  commercial  (even  corporate) 
avant­garde.   Joining corporate economic power with political rectitude and a hypnotic visual 
barrage, MTV has insinuated itself into many spheres of contemporary America.  Its more recent 
foray into political activism and its attempts to build a community of the young, for example, 
have had an undeniable effect on the contemporary higher art world.  MTV and “higher” artists 
temulate  the other’s visual  style  and  political  values.   Madonna’s “Like  a Prayer” video, for 
instance, shares a message and shock­value with Andre Serrano’s “Piss Christ.”

Art in recent years has taken a distinctly political tack.  It has been confrontational, personal, and 
occasionally preachy.  Only five years ago, artists attacked conventional morality and symbolism 
with such vehemence, that US Senators loudly berated the National Endowment for the Arts and 
the   individual   artists   responsible.     The   controversy  continues   today,   but   perhaps   with  more 
sensitivity.   The incidents a few years ago engaged more people in the discussion of art and 
politics,   and   the   avant­garde   which   inspired   it   has   moved   slowly   into   the   mainstream. 
Meanwhile, the young liberals who defended the artists five years ago have now had five years 
to develop their own long­term, community­based political agendas in response to the outdated 
modernist beliefs of their elders.  

Even with MTV as something of a guide, the political and moral values of our artists and of our 
generation seem peculiarly elusive and disjointed.  This is not because we are the first generation 
to have an  ambiguous moral code, but rather because for the first time people other than white 
males with media access are engaged in the conversations that will define us.    We include men 
and women of color, of differing economic, religious, and educational backgrounds.  From these, 
we cull an array of values and an unprecedented tolerance and freedom.  We make it difficult for 
academics   and   pundits   in   other   generations   to   label   us,   and   names   like   “the 
Twentysomethings,” “Blank Generation,” “13th Generation,” and “Generation X” stick briefly, 
then fall.   Our enigmatic identity is a direct result of our diversity, our openness, but many also 
see   it  as  a  defense  against  the  Beats  and  the  Boomers  (now  largely  entrenched  in  corporate 
America) as though the inability to name us were tantamount to the inability to market to us.  
This may not be the case, however, and our own generation’s proclivity towards consumerism is 
the one element that seems to prevent us from being wholly postmodern.  In the future, perhaps, 
as   we   get   older   and   poorer,   our   avid   consumerism   will   fade,   to   be   replaced   by   a   renewed 
fascination with elegant simplicity in the midst of a technologically­amplified reality.  In keeping 
with   our   precedent,   such   a   movement   would   ensure   a   cooperative,   progressive   well­being 
without issuing a universal mandate of moral behavior.  

Community   ties   will   be   the   key   to   both   the   aesthetic   and   ethical   value   systems   of   our 
postmodern generation. We will not be far from the crowd, but of it.  The discipline of public art 
— sculptures in the subways, murals, landscape architecture, etc. — involves interaction with 
the   community   and   a   technologically­aided   return   to   natural   origins.     This   technique   is   a 
cooperative, postmodern one, not an aggressive and devastating modern one.  The King Street 
Gardens   Park   in   Alexandria,   VA,   for   example,   is   a   park   designed   by   a   landscape   artist,   an 
architect, a sculptor, and an artist, and alludes to the site’s history as a marshy grassland, before 
modern developments paved it over.  The work is a site­specific place of community.  Solitary 
figures with fragmented identities, remnants of modernism, will gather on benches to admire 
flora and each other.      

This effect is now and will continue to be true in public art projects across the country, across the 
world,   and   the   themes   of   our   art   will   permeate   culture   —   corporations   will   replace   their 
hierarchies   with   new   horizontal   networks,   churches   will   increase   their   openness   and   their 
spirituality,   our   heroes   will   not   be   tycoons   or   generals,   but   community­builders   and 
philanthropists.  Generations will be evaluated not by their economic helplessness, but by their 
cultural innovation.   Our own generation, schooled in MTV,  Cops,  and multi­culturalism, will 
open the global community and redefine the postmodern aesthetic.  It is a shifting.  

jump!    recently  spoke with Bert Kubli, Program Specialist for the Visual Arts/Public Projects 

Program   for   the   National   Endowment   for   the   Arts.     His   nineteen   years   of   experience   and 
unfailing optimism have both informed and inspired this essay.

j!: Lately, there’s been a lot of talk in academia about the defeat of modernism, and the 
subsequent rise of post­modernism.  Art is no longer the exclusive realm of professional 
artists and intellectuals.  Are artists responding to this change? 

BK: I think they are responding.   Public art, for instance,   directly involves artists in other 

aspects of the nation’s life.  Artists have developed problem solving skills.  They have to 
ask, How will this piece work in the community?  How can I make it site­specific?  How 
 will   people   in   the   area   identify   with   it?     At   the   same   time,   they   educate   the 
neighborhood.  The NEA requires an educational process, so the work becomes interac­
tive on many layers.  It is more than just artists and their critics:  it is a conversation.  The  
artist considers his audience, the audience understands the artist.   Like architects and 
city   planners,   the   artists   are   getting   used   to   a   dialogue   with   the   community,   and 
everyone stands to gain from the involvement of the public.  

j!:  So the disconnection between artists and the general populace is decreasing?

BK: There’s less of a disconnection as time progresses.  People are beginning to realize that 
there is no place, however unsophisticated, that can’t have a spectacular work.  If both 
are willing to dream, the artists and the community can develop the skills to connect. 
Twenty years ago, the NEA’s panelists bemoaned the American public for not realizing 
the importance of good designers.  The public is much smarter now, and the artists are 
learning   ways   to   involve   non­traditional   artists.     The   Public   Art   program   will   fund 
anthropologists, musicians, and poets to engage in creative planning with the public.  

j!: And out of this planning, this conversation, comes the work’s meaning?

BK: To an extent, but  I think  time  gives the  work meaning  as well.   The  first project  we 
funded, in September 1969, was a Calder mobile in Grand Rapids, Michigan.  It’s very 
abstract — I don’t know what it means.  But the city of Grand Rapids has given it a spe­
cial meaning.  Time has made the piece site­specific.

j!: Has the ability to assign meaning to public arts bolstered the general populace’s defense 
of some controversial artists, even as other members of the community are attacking it?

BK: Earlier this afternoon [3 Ag 1993], Jesse Helms was on the floor of the Senate seeking to 
eliminate funding for individual artists, and of course he’s raised many objections in the 
past. That he hasn’t won is really amazing.  It shows that Americans do support the arts, 
and are willing to face opposition to show that support.  

j!: One critic recently argued that many young artists believe if they are spectacularly of­
fensive, “Jesse Helms might declare them enemies of the state and so rescue them from 
the pit of anonymity.”  Is this truly the motivation behind contemporary art?

BK: That’s silly.   That kind of analysis is easy and quick to make.   The artists I know and 

have worked with don’t concern themselves with that.  Even the shock­value artists are 
 more concerned with the experience of viewing the art than with their own fame.  Look 
at the Dada movement, for example.   That was pure newness, its use of contrast and 
discord made it into the Forties, Fifties, Sixties, even into the Nineties.   It has evolved 
over the years, is always in a somewhat sensational context, but nonetheless is extremely 
interesting.  

j!: You mentioned artistic evolution.  Does that involve progress from one generation to the 
next?  Is the 13th generation building on or improving the art of the baby boomers, or is 
it slacking off?

BK: As I said earlier, both the artists and the audiences are better educated now.  And the 
younger artists are open to anything.  They can use feminism, civil rights movements, 
and   most   recently,   multi­culturalism,   in   ways   that   have   not   been   tried   before.     The 
young are looking for channels to focus their idealism, they are looking to change things. 

j!: You seem genuinely pleased with the younger generation of artists.

BK: The young can accept information from any direction.  They can translate the constant 
flow of information into knowledge.   They are not locked into one mode of thinking. 
The young   have fewer blinders than anyone else, and see art where no one else has. 
Children   today   are   being   taught   to   think   about   art,   to   use   art   in   solving   arithmetic 
problems.    They  don’t  get  confused,  or  block  ideas  —  they  just   increase  their  skills. 
When they are older, they will know engineering, math, acoustics, and use it all to create 
art.     

j!: Finally,   what   role   has   television   played   in   the   opening   or   closing   of   the   younger 
Americans’ mind, and how does that relate to the art world?

BK: I think television has had a very positive effect.   Kids gather images and information 

through TV that I could not as a child, and still can’t today.  TV plays a strong role in 
educating the young; it opens them to new ways of thinking and problem solving.  My 
own childhood was pre­TV, but I wouldn’t say my appreciation of art or higher culture 
was   necessarily   better   than   that  of   today’s   children.     The  percentage   of  high­quality 
experience on television is low, but I don’t see TV as a bad thing.  Past generations have 
been responsible for far worse disasters then television, so why not give this generation 
something new, a new tool for thinking.  My son had trouble in grade school, but I think 
TV helped him create his own education, and now my four­year old grandson can read, 
probably in large part due to TV.   TV helps him absorb information differently, more 
readily.  The same is true of our younger artists, and I have a feeling the result is going 
to be good.  

Clip­n­Save!  A Guide to the PM world

Modern  Postmodern

Radio TV

CHiPs Cops

Elvis Elvis

Leno Letterman

NBC MTV

Men Women

Hetero Bi

Wasteland Wetland

Anonymity Fame