UNIVERSIDAD DE LOS ANDES

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

ESCUELA DE EDUCACIÓN
EDUCACIÓN MENCIÓN BÁSICA INTEGRAL
ASIGNATURA: EDUCACIÓN ESTÉTICA

Formación estética
visual

Nombre:
Luis Felipe Méndez Mendoza
C.I.26558149
Animadora pedagógica: Betty Osorio

Mérida, Enero de 2018

 ÍNDICE

1. Formación estética
Formacion estetica visual
2. Arte en el tiempo
Arte contemporáneo
3. Arte y estética, interdisciplinaridad, transdisciplinariedad
Arte, estética y pedagogía
4. Tratamiento curricular
Areas, bloques y contenidos
5. Tratamiento pedagógico
Situaciones vivenciales de formación
6. Pendadores filosóficos estética
Gadamer
Heidegger
Marx
 Introducción

El arte es una de las expresiones más especiales del ser humano. Desde que los
primeros habitantes forjaron su forma de vida y exploraron nuevos territorios, hemos
sido testigos de la capacidad creadora y creativa del hombre. Diferentes muestras
alrededor del mundo dan a conocer que el hombre siempre desea comunicar algo,
y para ello existen muchas formas de hacerlo. El arte implica la música, la danza, la
pintura, escultura, etc. Todas aquellas expresiones que hacen voltear nuestra
mirada y darnos cuenta que esa no es una creación cualquiera. Sino que sólo
personas con un don especial realizaron eso, ya que no todos tenemos la habilidad
de crear una pintura que se muestra en todos los museos o demostrar nuestra
habilidad para la danza en una temporada de ballet clásico.

Si bien es cierto que tenemos una noción de lo que significa el arte, vale aclarar
que los estudiantes también deben crecer teniendo conocimiento de todas las
expresiones que engloban a este término. Siempre se toma en cuenta a los cursos
más mencionados como la Lengua o Matemáticas, pero muy pocos toman en
cuenta un curso que permite formar la capacidad creativa de los niños.

Se ha demostrado científicamente que el estudio de las bellas artes, desde edad

temprana, cultiva en el ser humano una sensibilidad que lo lleva a desarrollar una
ética muy sólida en su vida adulta
 1 Formación estética visual

Dibujo

Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, como la delineación, figura
o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el
que se hace.1 Es una forma de expresión gráfica que plasma imágenes sobre un
espacio plano, considerado parte de la pintura y una de las modalidades de las artes
visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal y ha sido utilizado
por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más amplio, sus
ideas, costumbres y cultura.

El dibujo artístico Es la representación de

un objeto por medio de líneas que limitan sus
formas y contornos. Se trata de una abstracción
de nuestra mente que permite fijar la apariencia
de la forma, puesto que el ojo solo percibe masas
coloreadas de diversa intensidad. Los dibujos
artísticos suelen ser representaciones de objetos
o escenas donde el artista ve, recuerda o
imagina. Estos pueden ser realistas: un ejemplo
son los retratos o los dibujos arquitectónicos. El dibujo también puede llegar al
grado de perder cierta aproximación con la realidad (como las caricaturas),
relativamente alejados de la realidad (los dibujos animados y los cómics), hasta
llegar a lo surrealista y lo abstracto.
 Proceso

Apunte: dibujo rápido que se usa para captar y recordar las

características de lo que se va a dibujar después. Es
especialmente útil cuando se dibujan exteriores o figuras en
movimiento.

Boceto: prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para

ayudar a decidir el encuadre, la composición, qué elementos se incluyen.

Encajado: líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran
después), sirven como base del dibujo.

Línea: dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el

detalle.

Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se hace un sombreado. Se

hace una transición color de las zonas más claras a las zonas más oscuras. Las
zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar,
mientras que las zonas oscura se logran saturando el material.

Correcciones: los errores se pueden corregir de diferentes formas, borrando,

cubriendo una zona del dibujo con pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él,
o realizando un escaneo del dibujo y modificándolo en un programa de retoque
fotográfico con el que se pueden eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar
contrastes y colores.

Proporción: da al objeto representado la armonía necesaria al relacionar

correctamente todos los elementos que lo conforman. Un consejo útil y práctico al
momento de realizar el encuadre del dibujo, es colocar esté frente a un espejo, de
esta manera se descubre si la obra se encuentra bien proporcionada y si guarda la
simetría correspondiente; esto es muy útil en especial con los dibujos del rostro y
en retratos. Otras formas de evaluar si el dibujo es correcto son: colocarlo al revés,
mirarlo a contraluz por el reverso de la hoja o colocar la hoja un poco más abajo
para cambiar la perspectiva al mirarla.

instrumentos y materiales
 Más que una técnica gráfica basada en el uso de la línea, el dibujo es la
expresión de una imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano
para realizarlo. Los instrumentos que se pueden usar son muchos, como también la
superficie donde se puede hacer. Los más usados son el papel como soporte y el
lápiz como el instrumento, pero actualmente se usan computadoras utilizando el
teclado, mouse, o un lápiz óptico, más común en Tablet PC.

Instrumentos

Los instrumentos para dibujar son los lápices de grafito, como los lápices de
dibujo (6b), (2b) y (HB), los más importantes en el dibujo básico, la pluma
estilográfica, carboncillos, regla, compás o escuadras, entre otros.

Soportes físicos

El soporte físico puede ser cualquiera, desde la antigüedad se ha ido

cambiando de un formato a otro. Los más utilizados son aquellos basados en papel
o cartón, aunque la variedad llega a ser tan ingente que es difícil concretar. Según
a que se destine el dibujo, se puede utilizar desde el lienzo para una obra
representativa con fines decorativos al polipropileno para plasmar dibujos en
carteles con fines publicitarios.

Semiótica del dibujo

El dibujo es un tipo de signo, más específicamente, un signo visual. Como tal,

depende del signo icónico, indéxico y simbólico. Es signo pues es una expresión
con la intención de «transmitir una información, para decir, o para indicar a alguien
que otro conoce y que quiere que lo conozcan lo demás también.

Como mensaje visual global distingue como signo visual dos tipos de
entidades teóricas distintas, la primera el signo icónico que es analógico y mimético
(figurativo) y el segundo, el signo plástico, que posee códigos basados en la línea,
el color y la textura (abstracción).

La Perspectiva
 La perspectiva lineal es un método de retratar objetos sobre una superficie
plana de manera que las dimensiones se contraen con la distancia. Cada conjunto
de bordes paralelos y rectos de cualquier objeto, ya sea un edificio o una tabla, sigue
líneas que finalmente convergen en un punto de fuga. Normalmente este punto de
convergencia está en algún lugar a lo largo del horizonte, ya que los edificios están
construidos al nivel de la superficie plana. Cuando varias estructuras están
alineadas entre sí, como edificios a lo largo de una calle, las cimas horizontales y
los fondos de las estructuras convergen típicamente en un punto de fuga.

Cuando se dibujan ambos frentes y lados de un edificio, las líneas paralelas

que forman un lado convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que
puede estar fuera del papel de dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos . La
convergencia de las líneas verticales con un tercer punto por encima o por debajo
del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.

Pintura
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos
mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se
emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición
pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una
superficie determinada una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un
fragmento de tejido, etc. una técnica determinada, para obtener una composición
de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según
algunos principios estéticos.

Una pintura es el soporte pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La

palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a
una técnica de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura
atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: pintura al fresco o pintura al óleo.

Técnicas
 Las técnicas de pintura se dividen de acuerdo a cómo se diluyen y fijan
los pigmentos en el soporte a pintar. En general, y en las técnicas a continuación
expuestas, si los pigmentos no son solubles al aglutinante permanecen dispersos
en él.17

Óleo

La pintura al óleo se hace básicamente con

pigmento pulverizado seco, mezclado en la viscosidad
adecuada con algún aceite vegetal. Estos aceites se
secan más lentamente que otros, no por evaporación
sino por oxidación. Se forman capas de pigmento que
se incrustan en la base y que, si se controla cuidadosamente los tiempos de secado,
se fijarán correctamente en las siguientes capas de pigmento. Este proceso de
oxidación confiere riqueza y profundidad a los colores del pigmento seco, y el artista
puede variar las proporciones de aceite y disolventes, como la trementina, para que
la superficie pintada muestre toda una gama de calidades, opaca o transparente,
mate o brillante.

Cera

La pintura se aplica con un pincel o con

una espátula caliente. La terminación es un
pulido que se hace con trapos de lino sobre una
capa de cera caliente previamente extendida
(que en este caso ya no actúa como aglutinante
sino como protección).

Acuarela

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en

agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la
mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro
verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel.
En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr
mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando. Requiere del
artista la seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor
mérito consiste en el frescor y la transparencia de los colores. Sin embargo existe
la acuarela hiper realista que va en contra de este postulado y que utiliza barnices
para no remover las primeras capas y dar sucesivas veladuras con lo que se
consigue un claroscuro muy detallado pero carente de la translucidez de la acuarela
clásica.20

Témpera

La témpera o gouache es un medio similar a la acuarela, pero tiene una

«carga» de talco industrial o blanco de zinc. Este añadido adicional al pigmento le
aporta a la témpera el carácter opaco y no translúcido que lo diferencia de la
acuarela, permitiéndole aplicar tonalidades claras sobre una oscura, procedimiento
que en la acuarela «clásica» se considera incorrecto.

Acrílico

La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los

pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,
generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la
misma. Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se
modifica ligeramente el tono, más que en el óleo.

Pastel

La técnica de la pintura al pastel consiste en la

utilización de unas barras de colores cuyos pigmentos
en polvo están mezclados con la suficiente goma o
resina para que queden aglutinados y formen una
pasta seca y compacta.

Temple

La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara

y yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite
hasta lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta
crear la emulsión o médium de la técnica al temple. La proporción es de un huevo
entero, más una parte igual de aceite, más una, dos o tres partes de agua,
dependiendo de la fluidez que se quiera alcanzar. También se puede agregar un
poco de barniz «dammar» que reemplaza la parte de aceite de linaza, con este
procedimiento se logra mayor firmeza o agarre y un secado más rápido, sin embargo
el acabado es más impermeable a las nuevas veladuras. En lugar del agua se puede
emplear leche desnatada, látex de higuera o cera siempre con agua. Giorgio
Vasari también empleó en su descripción la palabra temple para la composición de
aceite con barniz. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de
Venus de Sandro Botticelli están realizadas con esta técnica.24 Según explica D.V.
Thompson:

Fresco

A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas

formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas
lo que el latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un
cambio químico. Los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se
aplican sobre una argamasa reciente de caly arena, mientras la cal está aún en
forma de hidróxido de calcio.

Puntillismo

El puntillismo es la técnica que surgió en el neoimpresionismo por el estudio

practicado principalmente por el pintor Georges Seurat, que consiste en colocar
puntos pequeños esféricos de colores puros, en lugar de la técnica de pinceladas
sobre el soporte para pintar. Al haber relaciones físicas entre los colores, la
interacción entre los primarios y complementarios, consiguen con la posición de
unos junto a otros la mezcla óptica, a partir de una cierta distancia del cuadro, que
es capaz de producir el efecto de la unión entre ellos.27

Materiales

Existe información sobre los materiales empleados por los artistas en

documentos escritos, notas dirigidas a otros artistas y otra fuente es el examen
técnico y científico de las obras de arte. Estos exámenes sirven también para
reforzar las pruebas documentales. Como es natural los materiales empleados a
partir del siglo XX son mucho más numerosos y exhaustivos.30

Soportes

El soporte cumple la función de ser el portador del fondo y de las capas

de pintura. Los soportes son muy variados, los más tradicionales son el papel,
el cartón, la madera, el lienzo y los muros, a los que se puede añadir el metal,
el vidrio, el plástico o el cuero entre otros. Todos necesitan de
una imprimación especial según el procedimiento pictórico que se quiera seguir.31

Tabla de madera

La tabla de madera ha sido de los soportes más utilizados desde siempre,

los artistas egipcios ya pintaban sobre la madera de los sarcófagos y especialmente
en la Edad Media, los retablos o los frontales de altar. Su imprimación es suficiente
con una capa de cola o en caso de tener que dorar con pan de oro, hay que hacer
otra preparación de colas, yeso y arcilla previas, y también fue el principal soporte
para la pintura de caballete europea hasta el siglo XV.32 La madera maciza
empleada antiguamente se había de cubrir con tiras de tela de lino encoladas para
disimular las juntas, también a veces se cubría completamente con la tela, así se
evitaban posibles grietas posteriores. Así lo explica Cennino en su obra Il Libro
dell'Arte del año 1390.33 Se utilizan también el contrachapado y el conglomerado,
tableros prefabricados que ofrecen la característica de tener las superficies lisas y
sin uniones, se encuentra el llamado táblex que además de ligero, tiene dos caras
una lisa y otra rugosa, se suele utilizar por la parte rugosa ya que la lisa necesita
una preparación para que la pintura se adhiera a ella correctamente. 34

Lienzo
 Los lienzos más usados son los
provenientes de fibras vegetales como :
el cáñamo, el lino, el yute con tramado fino o
el algodón, todos se presentan con grano fino o
grueso según el resultado que quiera el artista de
su trabajo, también hay soportes realizados con
tejido de poliéster. Estos lienzos se pueden
adquirir a metros y montarlos sobre marco el propio pintor o utilizar los que hay en
el mercado de diferentes tipos y formatos.

Cobre

No es un soporte muy común, pero fue usado principalmente durante el siglo

XVI en láminas muy delgadas y por pintores del norte de Europa, como el artista
alemán Adam Elsheimer. El tamaño normalmente pequeño de estas planchas hace
pensar que los artistas que las emplearon, las habían reciclado de
antiguos grabados.

Vidrio

Otro soporte para pintar es el vidrio, realizado en objetos (jarras, vasos) con
esmalte que una vez decorados en frío, debe ser sometido, para su fijación al
soporte, al calor del horno con una temperatura inferior a la fusión del vidrio. 37 Fue
el soporte para vidrieras de catedrales desde el siglo XII, donde se colocaban
cristales de colores y la pintura sobre el mismo vidrio por medio de la grisalla, así
se conseguía por un lado, cambiar el color del cristal de fondo y por otro, hacer los
trazos de las figuras representadas, especialmente los rostros.38

Papel

Se han datado hallazgos de papel

procedentes de China cerca del 200 a. C. Se da
como inventor del papel al chino Cai Lun (50 a. C.-
121), eunuco imperial, que mejoró la fórmula del
papel, convirtiéndolo en una alternativa al papiro y
al pergamino, los soportes tradicionales para
la escritura, gracias al añadido de almidón que protegía las fibras vegetales. El
soporte del papel es utilizado en diversas técnicas pictóricas, las más corrientes son
la acuarela, el gouache, el pastel y la tinta china negra o en colores. Hay gran
variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista.
Existen tres tipos estándares:

• Papel prensado en caliente: tiene una superficie dura y lisa,

muchos artistas consideran una superficie demasiado resbaladiza para la
acuarela.

• Papel prensado en frío: es texturado, semiáspero, adecuado

para lavados amplios y lisos.

• Papel áspero: con una superficie granulada, cuando se aplica

un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

El peso del papel es la segunda consideración para su elección, ya que un

papel más pesado tiene menos tendencia a ondularse. Para evitar que el papel se
ondula hay tensarlo. El gramaje apropiado para la acuarela es entre 120 g/m²
subasta 850 g/m².

Pinceles

Los pinceles, son un instrumento clásico y efectivo que el pintor emplea en

su trabajo. Los pinceles pueden variar en tamaño, anchura, y calidad.
Los materiales de los componentes de los pinceles y brochas pueden ser orgánicos
o sintéticos.

Pigmentos
 Los pigmentos se dividen en inorgánicos como los derivados de minerales,
las tierras, sales u óxidos con los que se consiguen los colores de tierras ocres y
sienas, y los orgánicos derivados de vegetales o animales como los conseguidos
por cocción de semillas o calcinación y los obtenidos por vía sintética
como anilinas también de compuesto orgánico. Los orgánicos suelen ser menos
estables que los inorgánicos. El pigmento junto con el aglutinante forma la pintura.
El aglutinante es el que permite alcanzar la fluidez en el pigmento y conseguir la
adhesión de la pintura en la superficie, puede ser acuoso o graso. El disolvente tiene
la misión de diluir o disolver y su tipo depende de la clase del aglutinante empleado.
Así el aguarrás diluye el aceite y disuelve la resina, y el agua disuelve la goma y
una vez disuelta, también puede diluirla más.

Escultura

Se llama escultura (del latín sculptūra) al arte de modelar el barro, tallar en

piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra
elaborada por un escultor.

Es una de las Bellas Artes en la cual el

escultor se expresa creando volúmenes y
conformando espacios. En la escultura se
incluyen todas las artes de talla y cincel, junto
con las de fundición y moldeado. Dentro de la
escultura, el uso de diferentes combinaciones
de materiales y medios ha originado un nuevo
repertorio artístico, que comprende procesos
como el constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende por
escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.

Tipos de esculturas

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y la escultura

ornamental, según represente la forma humana y exprese las concepciones
suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los demás seres
de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con propiedad el nombre
de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel secundario
al servir de auxiliar a la primera y a la arquitectura.

• Las estatuas son las esculturas aisladas que representan una

entidad específica tridimensional. Según su presentación hay diversas
formas de llamarlas: bulto redondo; sedente o sentada; yacente estirada
generalmente representando la figura de un difunto; orante o arrodillada;
oferente u ofreciendo presentes y ecuestre o a caballo.

• Los relieves son las esculturas talladas a partir de un fondo o

unidas a él. Los tipos de relieve se dividen en la forma en la que se reduce la
profundidad de las figuras u ornamentación
representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando la imagen en el fondo
del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la que las formas
escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan.

• Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax

que normalmente representa retratos.

• Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos

ni piernas.

• Criselefantina es el término dado a un tipo de imagen de culto

que tuvo un gran prestigio en la Antigua Grecia. Las estatuas criselefantinas
se construían sobre una armadura de madera que quedaba totalmente
cubierta, por bloques tallados de marfil, representando la carne, láminas
de oro para representar las vestiduras, la armadura, el pelo y otros detalles.
En algunos casos se usaba cristal, piedras preciosas y semi-preciosas para
detalles como los ojos, las joyas y las armas. Se conocen ejemplos del II
milenio a. C. de esculturas hechas con marfil y oro.

• La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la

utilización de la escultura por arquitectos y/o escultores en el diseño y la
construcción de un edificio, un puente, un mausoleo o cualquier
otro monumento. La escultura está en general relacionada con la estructura
 de la construcción. También se llama escultura embutida a cualquier estatua
colocada en una obra arquitectónica.

• La escultura cinética implica aspectos de la física de

movimiento, como las fuentes o móviles.

Materiales

Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto

y textura de la obra con el que adquiere también diversas características. Con el
uso de una piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su
desmoronamiento, con un material más duro como el granito, se requiere un mayor
esfuerzo físico. Los detalles de formas delicadas y con calados se consiguen mejor
con el uso de la madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El
trabajo en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con
las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor y su propósito
el que consigue sacar del material la forma y la textura deseada.

Arcilla

Es uno de los materiales más antiguos

utilizados por el hombre, por ser fácil de modelar y
no necesitar de utensilios especiales, ya que se
pueden utilizar simplemente las manos. Con el
barro se pueden sacar moldes para después
trabajar con otros materiales o hacer reproducciones. Si es empleado como material
definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Para la
preparación del barro, los procesos de industrialización han modificado y aligerado
el trabajo manual de prensado y desmenuzamiento de la arcilla. Se encuentran ya
en el mercado bloques preparados para el uso de los escultores.

Los tipos de arcilla más comunes son:

• Arcilla natural: extraída donde se ha formado. Se utiliza sin

ningún añadido.
 • Arcilla roja: normalmente contiene hierro y es bastante suave,
muy adecuada para el modelado en el torno y el efectuado con los dedos.

• Arcilla de bola: se utiliza para dar plasticidad al unirse a otro

tipo de arcilla, es de color muy oscuro cerca del negro y se contrae bastante
durante su cocción.

• Arcilla bentonita: es blanca y muy fina con origen de cenizas

volcánicas. Se utiliza para dar plasticidad a otras arcillas.

• Arcilla refractaria: tiene una fuerte resistencia al calor, hay

bastantes variantes y acostumbran a ser ásperas y granulosas.

• Arcilla de gres: tiene un color gris, es de grano fino y soporta

altas temperaturas para su cocción.

Piedra

Este material es usado desde la antigüedad por encontrarse

abundantemente en la naturaleza. Para trabajar la piedra se necesitan herramientas
especiales. La piedra fue empleada en las Venus paleolíticas, en estatuas griegas
y las posteriores copias romanes, las obras de grandes escultores de
la renacimiento como Michelangelo, Donatello o Bernini y es utilizada desde hace
mucho tiempo en monumentos públicos, prácticamente en todos los países.

Las piedras más comunes en la escultura son:

• Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se

emplea en labores minuciosas. Su conservación depende mucho de la
calidad de las canteras. Se ha utilizado mucho en escultura monumental,
como la Gran Esfinge. La piedra caliza fue una de las más empleadas
en Egipto, la mayor parte del valle del Nilo está excavada en esta clase de
piedra y con la cantera de Tura es con la que se realizó las estructuras de
la necrópolis de Giza y la mayor parte de las esculturas encontradas en ella.

• Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto.

Su tratamiento de la superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas
texturas, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante
perdurable fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad
y el renacimiento. El mármol blanco se impuso desde la época clásica, ya
que con un buen pulido puede alcanzar un aspecto translúcido y con una
gran brillantez y por ser una piedra que no presenta grandes fisuras, por lo
que el escultor puede esculpir con plena libertad, ya que los golpes en una
piedra que no sea compacta puede llegar a producir una fractura en la piedra
y obligar a cambiar el bloque de mármol.

• Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera,

con humedad natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la
particularidad de hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha
utilizado mucho en escultura de capiteles románicos. Es muy porosa y
normalmente no se puede pulir. Actualmente no se suele emplear esta piedra
en escultura.

• Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento,

parecido al mármol a simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de
trabajar. Ligeramente translúcido.

• Granito y diorita: son rocas ígneas mucho más duras que el

mármol y están formadas por enfriamiento de materiales volcánicos fundidos.
Su calidad es excelente una vez trabajado y pulido y se encuentra en gran
cantidad de colores. Ha sido muy usada desde la escultura egipcia hasta
nuestros días.

• Esteatita: es una roca metamórfica formada por talco en gran

proporción. De hecho es un esquisto de talco. Es muy blanda y fácil de tallar.
Admite un buen pulido. Expuesta al exterior se endurece con el tiempo. Al
tacto se asemeja al jabón (de ahí el nombre en inglés «soap stone».
Los inuit acostumbraban a hacer tallas tradicionales empleando esteatita.
Las capas exteriores del Cristo Redentor de Río de Janeiro son de esteatita.
En la Índia hay algunos templos con esculturas de esteatita (por ejemplo
en Belur).
 • Cuarzo: se trata de un mineral de gran dureza, difícil de
trabajar. A pesar de lo cual hay ejemplos de esculturas muy elaboradas,
talladas en cuarzo.

• Jade: con este nombre se denominan dos piedras la jadeíta y

la nefrita ambas muy parecidas aunque con el aspecto más «orgánico» la
nefrita y más vidrioso la jadeíta. Tienen un colorido que va desde el verde
casi blanco hasta el verde muy oscuro casi negro. Son minerales muy duros
y por eso es muy dificultosa su talla, para su pulido se utiliza actualmente
el carborundo y el corindón con arena en mezcla acuosa. Aunque los jades
trabajados están datados desde hace más de cinco mil años, en
la China, Mesoamérica y Australia, ha sido en China donde se ha
desarrollado más.Los maorís de Nueva Zelanda realizan unas figuras
llamadas Hei tiki con nefrita.

Estuco

Es una pasta conseguida a base de cal, polvo de mármol, arena y cola

de caseína. Se empleó ya en la antigüedad en Grecia y Roma para hacer moldes.
El arte islámico lo empleó tallándolo como adornos mocárabess que se pueden ver
en la Alhambra de Granada. En el renacimiento volvió a resurgir su aplicación para
vaciados de yeso del natural, es decir, sobre diversas partes del cuerpo humano y
para hacer mascarillas de los difuntos, que después, sus familiares las guardaban
como recuerdo. Pero quizá fue en el barroco donde más se utilizó, como motivo
decorativo en los techos de palacios. En siglo XX escultores como George
Segal o Claes Oldenburg han realizado obras figurativas en yeso.
 Metal

Planchas de cobre, bronce, oro y plata se pueden

utilizar en la técnica de elaboración directa, que se
trabaja con martillo, buriles o punzones. Con
piezas pequeñas o de bajorrelieves se usa el
repujado. Para la realización de una escultura
exenta y en mayor tamaño se utiliza un cuerpo
duro normalmente de madera que se cubre
con betún para la mejor adhesión de las chapas que se fijan con clavos o con
costuras por medio de hilos metálicos, hay que ir golpeando el metal y para seguir
el trabajo, hay que calentar las láminas conseguido así elasticidad al metal. Después
de esta primera parte, la obra se retoca con los buriles y los punzones.
Antiguamente estas esculturas se realizaban mucho para su uso como relicarios,
dejando el interior vacío para la custodia de reliquias.

• Oro. Junto con el cobre fue uno de los primeros metales

utilizados por el hombre, por su belleza y porque se puede trabajar
fácilmente. Se han encontrado yacimientos arqueológicos
en Ur, Troya y Micenas que demuestran que ya se usaba en el neolítico.
Los escitastrabajaron en una amplia variedad de materiales pero donde se
distinguieron más fue con el oro, en piezas de influencia griega y con utilidad
decorativa para adorno de sus caballos, vainas de armas y objetos de joyería.
Estas pequeñas esculturas, fueron realizadas con gran precisión y muy
detalladas.

• Bronce. El bronce, normalmente una aleación

de cobre y estaño, es el más utilizado para la fundición de modelos de
escultura. Los bronces «pobres», es decir, los que contienen un alto
porcentaje de cobre, pueden ser trabajados en láminas y esculpidos en frío
con el uso de cinceles, sin embargo, las coladas aparecen bastante
defectuosas. En cambio, las aleaciones con mayor contenido de estaño o
de zinc, cuando se funden tienen un grado más importante de fluidez y son
 mucho más utilizadas en la reproducción del molde; adhieren mejor a las
caras internas y su reproducción permite alcanzar los mínimos detalles.
Normalmente, para la finalización de las esculturas en bronce, se aplica una
capa de pátina que unifica el color.

• Hierro. Es uno de los metales que se utiliza para hacer

esculturas y que se trabaja por medio de diferentes técnicas.

• Acero corten. Este tipo de acero está fabricado con una

composición química que hace posible que su oxidación quede más
protegida ante la corrosión atmosférica, por ello, muchos artistas lo utilizan
como uno de los materiales más adecuado para exponer su obra a la
intemperie. También se valora su característico color rojizo anaranjado, que
es el resultado de un alto contenido en cobre, cromo y níquel. Entre los
numerosos escultores que lo han utilizado se encuentran Eduardo
Chillida, Richard Serra, Jorge Oteiza, Pablo Picassoo Josep Plandiura.

Madera

Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas
y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y en función de su cualidad
puede dejarse la escultura en su color natural o por el contrario teñir con anilinas al
agua o alcohol, policromarse o protegerla con goma laca. Las maderas llamadas
nobles suelen dejarse en su color natural, protegidas con una cera neutra. Son
el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.

La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la

estación de invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se
consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los
árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga,
a preparar piezas diferentes según las necesidades de la obra. Habitualmente la
madera se adquiere en tablones, que previamente al encolado han de cortarse
según la dimensión de la pieza a realizar; para conseguir un bloque ancho de un
mismo tablón han de colocarse los diferentes trozos uno encima del otro en el mismo
sentido que el tablón original. A menudo, las esculturas de madera se aligeran
haciendo un hueco su interior.

La escultura en madera policromada ha ocupado un lugar importante dentro

de la imaginería religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría con una capa de yeso,
o bien con una tela fina sobre la que se ponía yeso como preparación y se pintaba
con colores al temple o al óleo, a veces dorándolas con hojas de pan de oro.

Marfil

El marfil se obtiene de los colmillos de varios

animales, particularmente de los elefantes. Se ha trabajado
en todos los países, principalmente
de África, Japón, China, India, el área mediterránea y la
Europa continental. El uso ornamental del tallado ya se
producía en el Antiguo Egipto y Mesopotamia. Es fácil de
cortar y si se quieren obtener superficies planas se cortan los colmillos
longitudinalmente y se sumergen en una mezcla de aceite de almendras con
vinagre, al absorber este líquido se ablanda y puede modelarse ligeramente.

Tuvo un gran desarrollo en la época románica en zonas de

influencia carolingia. Los trabajos en marfil se aplicaban en objetos litúrgicos, en
cubiertas de libros o placas para los frontales de los altares. Los olifantes eran
instrumentos de viento tallados con unas delicadas miniaturas y elaborados con
colmillos de elefante, que formaban parte de los utensilios de caza de los caballeros
durante la Edad Media. Se cree que el crucifijo de don Fernando y doña Sancha,
fechado hacia el año 1063, fue el primero realizado en Hispania que contiene la
representación de la imagen de Cristo. Son famosas las tallas de marfil realizadas
en Malinas, Rubens llegó a diseñar esculturas que fueron talladas en este material
por Lucas Faydherbe (Malinas, 1617-1697), que trabajó durante tres años en el
taller del pintor.

Hormigón
 El uso del hormigón en la escultura es relativamente
nuevo y ha adquirido más importancia a medida que ha
aumentado su uso en las fachadasarquitectónicas de los
edificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas
diferentes con el uso de cinceles o limas. Es un material
económico y permite su exposición al aire libre. Henry
Moore lo empleó en varias obras.101Se utiliza haciendo un vaciado sólido dentro de
un molde de yesoempapado en agua, para evitar que al poner la mezcla de
hormigón, chupe el agua que esta mezcla lleva. Es conveniente que la masa del
hormigón sea lo más compacta posible para que mantenga su densidad homogénea
y para evitar burbujas de aire al final. Se pueden utilizar moldes realizados con
cajones de madera previamente untados con grasas o aceites.

Técnicas

Los escultores suelen preparar su obra

construyendo un pequeño modelo de la figura,
de arcilla o yeso. Este modelo equivale
al esbozo del pintor o plano del arquitecto. El
procedimiento fundamental y el más clásico
es el esculpido, sirviéndose
de escoplo, buril o cincel según las necesidades, incluso los procedimientos de
fundir y moldear requieren retoques de cincel en los detalles. Además, se usan otras
acciones como el modelado o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el
grabado y el estampado o troquelado. Es interesante darse cuenta de lo poco que
han cambiado con el paso del tiempo las técnicas del modelado y la talla, en
comparación con los cambios que se han producido en otras técnicas de bellas
artes. Sólo en el siglo XX se empezaron a introducir nuevos métodos de trabajo.

• Esculpir, consiste en sacar partículas al bloque ya desbastado

hasta obtener la figura deseada. Antiguamente la talla se efectuaba con
instrumentos de hierro, que por su blandura se deterioraban pronto. En
algunas esculturas aún se observa la señal de punzones y cinceles.
 Actualmente, además de las herramientas tradicionales, se utiliza el disco de
diamante para la piedra y los discos de widia para la madera. Para reproducir,
la misma medida, las formas del modelo sobre materiales como la piedra o
madera se utiliza el método de sacar puntos con la ayuda del puntómetro o
«máquina de sacar puntos». Es un artefacto con una combinación de varillas
metálicas articuladas terminada en una aguja de sección triangular afilada en
punta, con el que se miden los puntos determinados en un modelo y se
traspasa esta medida al material donde se hace la escultura definitiva. La
aguja se desplaza por una guía para buscar la profundidad del punto y se fija
con un tornillo.

Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones de

la masa.

Arcilla. Normalmente para el trabajo de las

esculturas en arcilla, muchas culturas utilizaron
las mismas técnicas que para la alfarería, con
rollos, placas o tubos de arcilla. También se ha
utilizado la presión; la arcilla húmeda se
comprime en moldes de barro previamente
cocidos. Esta técnica fue empleada por los
griegos ya en siglo III a. C., como se observa en unas figuras conocidas con el
nombre de Tanagra.58La arcilla, una vez modelada y antes de su cocción en el
horno, debe mantenerse en contacto con el aire o en un ambiente seco, para su
desecación para que adquiera consistencia y evitar deformaciones.

Cera. La cera se modela como material auxiliar para la realización de bocetos, estos
sirven al escultor ya sea como guía para visualizar su obra final en otro material, o
como matriz para el vaciado posterior en bronce. Más recientemente se ha utilizado
para la creación de personajes que se exponen en numerosos museos de cera. A
nivel decorativo se hacen diversos objetos como imitaciones de frutas en cera.
Como en el modelado con arcilla las manos del artista son la primera herramienta a
tener en cuenta, pero puede ayudarse con espátulas, rascadores y limas. La
sustancia puede ser cera virgen de abeja o cera industrial que se puede encontrar
en el mercado con varias durezas. Para construir la base para montar la cera es
necesaria una armadura que puede ser desde un simple alambre de cobre, para
piezas pequeñas, hasta otras más complicadas cuando la obra es de mayor
envergadura.

Plastilina. Se modela con las manos o pequeñas espátulas, prácticamente igual

que la cera, y sirve como boceto para la obra escultórica. La plastilina encuentra
también un lugar destacado en animación. Nick Park es un promotor de su uso, que
ganó dos premios Óscar con los cortometrajes
de Wallace y Gromit (1992-1995).

Vaciar es obtener el positivo de un molde, o

negativo. La técnica que se refiere a la elaboración
de los moldes se denomina moldeado. Se pueden
hacer piezas de yeso, pero no son valoradas ya
que el material es pobre y fácil de sufrir rupturas;
de resina sola, o combinada con otros materiales para aportar a la pieza un aspecto,
color o textura determinados; de metal; etc.

Cera perdida. El método de la cera perdida es el más extendido para los metales
como el bronce, el cual se cuela dentro del molde en forma líquida y así llega a
todos los rincones. Cuando se solidifica se consigue una copia completamente fiel
al modelo del molde. Históricamente se conoce el uso de la fundición a la cera
perdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo II en Egipto y Mesopotamia y
su uso sistemático desde el siglo V en Grecia. Desde entonces la escultura en
bronce se ha realizado con este método ya que permite la reutilización de los moldes
y por tanto la reproducción en serie de la escultura.

Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar
bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.

Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde
los relieves y los huecos necesarios para conseguir la forma que se pretende.
Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o
troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.

Arquitectura

La arquitectura es el arte y
la técnica de proyectar, diseñar, construir y
modificar el hábitat humano, incluyendo edificios de
todo tipo, estructuras arquitectónicas, espacios
arquitectónicos y urbanos.

Laquitectura es esculpir el espacio para

satisfacer necesidades físicas, emocionales y espirituales, protegiendo el resultado
con una piel armónica con la estética, técnicas y sitio, del momento en que se
realiza. Arquitectura es modelar metapiel social con arte. ... Cuando la piel se vuelve
preponderante por su valor estético, tiende a ser escultura, si el predominio es
técnico, tiende a ser ingeniería constructiva, si el énfasis es el sitio, tiende a ser
paisajismo, si se da una armonía entre todos los sistemas, estamos en presencia
de una buena obra arquitectónica. Cada obra tiene su proporción y la justa medida
es tarea del arquitecto, que si hace de su diálogo y síntesis una sinergia poética,
tenemos una obra de arte.

la arquitectura es el arte de construir. Se compone de dos partes, la teoría y

la práctica. La teoría comprende: el arte propiamente dicho, las reglas sugeridas por
el gusto, derivadas de la tradición, y la ciencia, que se funda sobre fórmulas
constantes y absolutas. La práctica es la aplicación de la teoría a las necesidades;
es la práctica la que pliega el arte y la ciencia a la naturaleza de los materiales, al
clima, a las costumbres de una época, a las necesidades de un periodo.

La práctica profesional de la arquitectura

El arquitecto debe ser el individuo que domine todos los conocimientos

científicos y artísticos de su época.

Tradicionalmente, la arquitectura ha sido considerada una de las siete Bellas

Artes. Determinados edificios u otras construcciones son obras de arte ya que
 pueden ser considerados primariamente en
función de su forma o estructura sensible o de
su estética. Desde este punto de vista, aunque los
medios de la arquitectura puedan consistir
en muros, columnas, forjados, techos y demás
elementos constructivos, su fin es crear espacios
con sentido donde los seres humanos puedan
desarrollar todo tipo de actividades. Es en este "tener sentido" en que puede
distinguirse la arquitectura (como arte) de la mera construcción. Así es como esta
es capaz de condicionar el comportamiento del hombre en el espacio, tanto física
como emocionalmente. Aunque en la actualidad suele considerarse que la principal
actividad de la arquitectura va dirigida al diseño de espacios para el refugio y la
habitación (las viviendas), sólo a partir del siglo XIX comenzaron los arquitectos a
preocuparse por el problema del alojamiento, la habitabilidad y la higiene de las
viviendas, y a ampliar su ámbito de actuación más allá de los monumentos y
edificios representativos.

La evolución a la especialización y la separación de ámbitos laborales es

similar a la de otras profesiones. En los siglos pasados los arquitectos no solo se
ocupaban de diseñar los edificios sino también de asuntos que hoy competen a
otras profesiones diversas. Diseñaban plazas, alamedas y parques, especialización
que hoy se conoce como exteriorismo o paisajismo.

La especialización de los arquitectos en la

creación de objetos utilizados en las edificaciones,
tales como los muebles, ha dado como resultado
el nacimiento de la profesión de diseño industrial.
Hoy, los profesionales que proyectan y planifican
el desarrollo de los sistemas urbanos son los urbanistas. Esta última profesión tiene
estudios separados en algunos países, mientras que en otros sus atribuciones son
desarrolladas por arquitectos e ingenieros civiles, de forma conjunta o
independiente.
 Diseño grafico

El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en

proyectar comunicaciones visuales destinadas a transmitir mensajes específicos
a grupos sociales, con objetivos determinados. Esta actividad ayuda a optimizar las
comunicaciones gráficas. También se conoce con el nombre de diseño en
comunicación visual, diseño de comunicación visual o diseño visual.

Dado el crecimiento veloz y masivo en el intercambio de información, la

demanda de diseñadores gráficos es mayor que nunca, particularmente a causa del
desarrollo de nuevas tecnologías y de la necesidad de prestar atención a los
factores humanos que escapan a la competencia de los ingenieros que las
desarrollan.1

Algunas clasificaciones difundidas del diseño gráfico son: diseño

gráfico publicitario, diseño editorial, diseño de identidad corporativa, diseño web,
diseño de envase, diseño tipográfico, cartelería, señalética, diseño de información,
entre otros.

Herramientas digitales para el diseño gráfico

Adobe Photoshop

Adobe Photoshop es el programa de manipulación de imágenes más vendido

de todo el mundo, en más de 100 idiomas. En su plataforma ofrece diversas
herramientas muy específicas para poder editar cada elemento de una imagen
digital. Este programa forma parte del paquete de Adobe denominado Adobe
Creative Suite, que a su vez contiene también Illustrator, InDesign, Flash, Acrobat
Pro, Dreamweaver, entre otras herramientas útiles.

Este software se utiliza principalmente para realizar retoques fotográficos,

pero también es muy usado para la realización de diseños web, y para la creación
de cualquier tipo de diseño gráfico que puede incluir una tarjeta de presentación o
un panfleto.

Adobe Illustrator
 Adobe Illustrator es un programa que crea imágenes digitales usando
parámetros matemáticos. No es recomendable para dibujo técnico, aunque podría
realizar trabajos relacionados con sus herramientas. De hecho, está diseñado para
la elaboración de logotipos, ilustraciones, tipografías, documentos sencillos como
tarjetas de presentación.

Crea dibujos trazando líneas rectas y curvas, cerrando contornos y

llenándolos de color. Permite agregar fotos y textos aunque esta función no es su
fuerte. Se complementa con Photoshop, que es un programa para editar fotos,
ajustarlas y generar efectos especiales. El programa también te permite crear un
diseño a partir de plantillas que abarcan desde boletines, membretes y sitios Web
hasta menús de DVD y también botones de vídeo.

A diferencia de las fotografías digitales las imágenes de ilustrador no pierden

su calidad al agrandarse porque se crean a través de parámetros matemáticos y no
en mapas de puntos. Son muy livianas y de muy buena calidad.

URL2PNG

Esta herramienta es útil para ordenadores con pantallas muy pequeñas, y

esto permite apreciar como se ve un sitio web al completo. Gracias a esta
herramienta únicamente tendremos que brindar la dirección del sitio web que
necesitemos hacer una captura de pantalla, y obtendremos una imagen total del
sitio en formato PNG. Es una aplicación web muy útil para los diseñadores gráficos
que se dediquen a elaborar diseños de páginas web, ya que obtendrán una imagen
preliminar sin importar el sistema operativo o el navegador que estén utilizando.

Pixie

Este es un programa que sirve como selector de color para todos los
ordenadores que tengan instalado alguna versión del sistema operativo de
Microsoft Windows, entre otros.

De hecho, estos últimos años se ha dado una tendencia a engordar estos

programas, añadiendo prestaciones, de modo que pueden llevar a cabo tareas de
casi las tres bases de la auto edición comentadas. La consecuencia principal ha
sido la aparición de programas, innecesariamente complicados, devoradores de
recursos y lentos, que a veces hacen añorar las primeras versiones, más rápidas
simples y fiables, y con un mejor enfoque en trabajos específicos.

Las reglas básicas del diseño son aplicables también al diseño digital. La
simplicidad, consistencia, una buena composición, son una garantía de buenos
resultados, como lo eran antes de la invención de los ordenadores. Dentro de la
nueva era digital, tanto en el campo de la fotografía cómo en el diseño gráfico, cada
vez se utilizan más las nuevas tecnologías, la informática, los ordenadores y los
equipos digitales en general.

2 ARTE EN EL TIEMPO

ARTE CONTEMPORANEA

Se define como arte contemporáneo a todas las obras artísticas producidas

en nuestra época.

Para algunos especialistas, el arte contemporáneo es aquel surgido en la

historia inmediata (en las últimas décadas). Para otros expertos, se entiende como
arte contemporáneo al desarrollado a partir de la Segunda Guerra Mundial (1945).
Una versión más amplia de la noción extiende el arte contemporáneo a lo largo de
todo el siglo XX e, incluso, hay quienes creen que el arte contemporáneo es el que
surgió en la Edad Contemporánea (que se inicia a fines del siglo XVIII). Esto
significa que, dependiendo de quién utilice el concepto, hay ciertas variantes que
pueden aparecer en torno a la fecha de la que se está hablando.

Encontraremos así corrientes y estilos muy diversos que conviven; tales

como el expresionismo, el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo, el pop-art y el arte
conceptual, con referentes como Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian,
Marcel Duchamp, Salvador Dalí y Joan Miró.
 Movimiento plástico que se desarrollo a partir de la segunda mitad del siglo
XIX. Caracterizado, por el intento de plasmar la luz (la impresión visual) y el instante,
sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores
pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más
allá de las formas que subyacen bajo éste. Fue un movimiento cultural surgido en
Alemania a principios del siglo XX, Surgido como reacción al impresionismo, frente
al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX
los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase
la visión interior del artista (la expresión) frente a la plasmación de la realidad (la
impresión).

Debemos aclarar, sin embargo, que estas corrientes surgidas en el siglo XX

fueron el resultado de las tendencias arrastradas desde el siglo XIX. De hecho, se
consideran como puntos de partida a estos nuevos tipos de expresión, el
Impresionismo y el Postimpresionismo. Desde los cuales surgieron las vanguardias
más destacadas del siglo siguiente: el fauvismo, el futurismo, el expresionismo, el
dadaísmo, el cubismo, el constructivismo, el surrealismo y el neoplasticismo.

En este punto hay que decir que entre todas estas corrientes existen
elementos comunes en cuanto a la ideología; en ese deseo de innovar y de darle al
arte un espacio diferente al que había tenido hasta entonces. No obstante, se
diferencia en los fines estéticos que cada tendencia perseguía.

El arte contemporáneo se caracterizó por negar el pasado y buscar una forma

de expresión que rompiera con todo lo planteado hasta el momento, ya no se
dedican a imitar a los grandes referentes del arte, sino a crear nuevas formas, a
interpretar partiendo desde un espacio virgen donde el color y la forma adquirieron
cualidades potentes.

Estas corrientes estéticas surgieron antes de la Segunda Guerra Mundial y,

después de ella, hubo un nuevo resurgimiento del arte contemporáneo, encabezado
por nuevas corrientes entre las que cabe destacar el coleccionismo, gracias al cual
el arte se convierte en una obra para la especulación. También se ubica en esta
época el Expresionismo Abstracto que cerraría con las corrientes ligadas al
Modernismo. A mediados de siglo hay un nuevo cambio en la sociedad que se verá
reflejado en una nueva forma de crear, la Posmodernidad.

El Expresionismo

El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los

sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad
objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias
históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el
aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas,
creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La
angustia existencial es el principal motor de su estética.

El fin es potenciar el impacto emocional del espectador distorsionando y

exagerando los temas. Representan las emociones sin preocuparse de la realidad
externa, sino de la naturaleza interna y de las impresiones que despierta en el
observador. La fuerza psicológica y expresiva se plasma a través de los colores
fuertes y puros, las formas retorcidas y la composición agresiva. No importa ni la luz
ni la perspectiva, que se altera intencionadamente.

La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia

interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos
concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África
y Oceanía también supuso para los artistas una gran fuente de inspiración.

REPRESENTANTES

Encontramos algunas raíces del Expresionismo en las pinturas negras de

Goya, que rompe con las convicciones con las que se representaban las anatomías
para sumergirse en el mundo interior. Sin embargo, los referentes inmediatos son
Van Gogh y Gaugain, tanto por la técnica como por la profundidad psicológica.

Otro grupo de gran influencia es el simbolismo, entendido como la búsqueda

en la cual el artista, limitando la pintura objetiva, concreta los sentimientos, los
estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
 El Expresionismo se inicia con un periodo preliminar representado por el
belga Ensor y el noruego Munch.

Ensor (1860-1949)

Ensor pinta desfiles fantasmales de personajes

enmascarados y caricaturescos. La máscara se convierte
en la expresión de lo amenazador y lo desconocido que
refleja la ironía sobre la condición humana. El asombro de la cámara de Wouse, La
máscara y la muerte.

Edvard Munch (1863-1944)

El estímulo más importante lo encuentra Munch en las imágenes

simplificadas de las obras de Gaugain, que le servirán para transmitir la angustia y
la soledad. Vivió angustiado, tuvo problemas psíquicos y esos sentimientos son los
que volcará en su pintura.

En él la expresión surge como resultado de su vida atormentada. Siente

predilección por la figura humana y las relaciones personales. Le obsesiona la
impotencia del ser humano ante la muerte y la identifica con la mujer. Tiene una
visión negativa de la vida, de la indefensión, de la soledad humana y del sexo.

El grito es la expresión de su miedo personal, pero en este cuadro Munch

logra expresar el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más
compleja y confusa.

Expresionismo Alemán

El movimiento expresionista se desarrolló principalmente en Alemania.

Die Brücke (El Puente)

En 1905 se constituye en Drede el grupo Die Brücke (El Puente), coetáneo

al movimiento fauvista francés. Mientras los fauves se movían por intereses
meramente plásticos cuyos temas eran intrascendentes, los alemanes, con una
técnica similar en cuanto a la intensidad de las siluetas y las masas cromáticas,
prefiriendo los tonos oscuros, difieren por la plasmación de las angustias interiores
del hombre y sus preocupaciones existenciales.

En el grupo Die Brücke, influido por Munich, destacan Nolde y Kirchner. Son
artistas comprometidos con la situación social y política de su tiempo.

Kirchner intenta demostrar con su paleta estridente y sus trazos angulosos

los oscuros deseos que laten en el fondo de los seres humanos. Mujer del busto
desnudo con sombrero.

Nolde conseguirá pintar la desnudez de las almas humanas. Bailarinas de las

velas, Susana y los viejos.

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul)

El grupo Der Blaue Reiter se formó en Munich en 1911, recibió una importante
aportación internacional sobre todo del cubismo y el futurismo, ya que lo integraron
numerosos artistas extranjeros. Además del alemán Franz Marc, encontramos al
ruso Kandinsky, al suizo Klee, a August Macke y a Gabriel Münter entre otros.

El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de Die
Brücke. Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los artistas
creían que el significado y el sentido de cada cuadro están en manos del propio
espectador. El artista da forma a la emotividad en su obra y a su vez el cuadro causa
en quien lo observa determinados sentimientos.

Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es

el caso de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es secundaria,
ya que la belleza residía en la riqueza cromática y en la simplificación formal.

Paul Klee perteneció al Jinete Azul, pero seguiría su propio camino

alejándose de dicho movimiento. Quiere despojar las cosas de todo formalismo. Su
mundo surge de su propia realidad interior. Parte de su obra es abstracta, aunque
conserva en general cierta referencia al objeto. Mantiene el vínculo con la realidad
acercándose a ella por vía simbólica. Frutas en fondo azul, en el estilo de Bach son
algunas de sus obras.

La Primera Guerra Mundial destruye el grupo, pero el Expresionismo no se

extingue, al contrario, los desastres y la crueldad de la guerra incita a otros artistas
a traducir el dolor provocado.

El austriaco Oscar Kokoschka (1886-1980) con su personalidad vigorosa,

busca la expresión a través de la pasta y el color. En La noria del viento trasciende
lo puramente figurativo y anecdótico para expresar contenidos interiores a través de
sus composiciones. En La tempestad plasma al artista y a la mujer amada y refleja
la perduración de la pasión amorosa en medio de circunstancias adversas.

En Francia, Roault es un ejemplo de cómo se puede pasar del fauvismo al

Expresionismo sin cambiar los aspectos formales, simplemente con un cambio en
la concepción.

Chagall y Modigliani formaron parte del grupo expresionista de la llamada

Escuela de París. El italiano Modigliani destaca por sus obras humanas alargadas
y nostálgicas que recuerdan al Greco.

EL CUBISMO

Los orígenes del Cubismo giran en torno a 1907, fecha en la que Picasso
concluye Las Señoritas de Avignon, que será el punto de partida.George Braque
junto con Picasso son los inspiradores del movimiento y algunos de los principales
maestros son Juan Gris, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con
anterioridad, Cézanne ya habría marcado el camino.

Cézanne recibió la influencia del Impresionismo y reaccionó contra él.

Rechazó la impresión en favor de una comprensión más profunda de la realidad. Su
fórmula era la forma-color. Él cree que la naturaleza no se dibuja, sino que se
manifiesta a través del color. Cuanto más color se precisa más aparece el dibujo de
los objetos, pero aparece en la forma. Por eso, la pintura de Cézanne no es una
pintura dibujada, sino una pintura de volúmenes, de formas. Y una vez creadas, hay
que relacionarlas entre sí, surgiendo aquí el problema de los planos, que lo impulsa
a mirar los objetos desde varios puntos de vista.

Estas lecciones fueron asumidas por el cubismo que hará un replanteamiento

de la obra de arte, de las formas, de la perspectiva, el movimiento, el volumen, el
espacio, el color, etc. Crea un nuevo lenguaje pictórico y estético que implica una
nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El espectador ya no puede
contemplarla sin más, sino que tiene que reconstruirla en su mente para poder
comprenderla.

El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación

o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio
de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de
la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán
estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede
ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva
convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y
sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las
representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las
composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo
de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo
abstracto, la forma siempre fue respetada.

ETAPAS DEL CUBISMO

Cubismo Analítico: Caracterizado por la descomposición de la

forma y de las figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas.
El objetivo es examinarlas y ordenarlas por separado. Es el cubismo
más puro y el de más difícil comprensión.

Cubismo Sintético: es la libre reconstitución de la

imagen del objeto disuelto. El objeto ya no es analizado y
desmembrado en todas sus partes, sino que se resume
su fisonomía esencial. La síntesis se realiza resaltando
en el lienzo las partes más significativas de la figura que
serán vistas por todos sus lados.

Algo fundamental en esta etapa es la técnica del collage, la inserción en el

cuadro de elementos de la vida cotidiana como papeles, telas y objetos diversos. El
primero en practicarlo fue Braque. El collage nos ayuda a recuperar el referente
concreto, a partir de aquí ya no interesa el análisis minucioso, sino la imagen global.

REPRESENTANTES

Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)

Las Señoritas de Avignon anuncian su producción cubista, donde rompe con

todas las normas tradicionales de la pintura figurativa fragmentando la perspectiva
en volúmenes cuadrados y angulosos. El título se refiere a un burdel barcelonés
situado en una calle con el mismo nombre. Vemos el influjo de Cézanne, del arte
ibérico y de la escultura negra. Las mujeres que aparecen desnudas tienen
desfigurados sus rostros, algunas de ellas recuerdan máscaras africanas.

Con los presupuestos del cubismo analítico realiza Desnudo con toalla, La
fábrica de Horta de Ebro, y retrato de Ambosio Vollard.

En Naturaleza muerta con silla de rejilla, Guitarra y en Naturaleza muerta

introduce el collage.

A partir de 1915 dirigirá su atención hacia otros campos de investigación e irá

definiéndose su eclecticismo reelaborando experiencias anteriores con gran
libertad, como el surrealismo y el expresionismo.

El Guernica, el cuadro símbolo del horror de la guerra civil española y el

bombardeo del 26 de Abril de 1937 que destruye la ciudad vasca de Guernica,
responde a los modos intelectuales de los cubistas, a la simbología del surrealismo
y a las deformaciones expresionistas.

George Braque (1882-1963)

Es el otro gran creador del cubismo junto a

Picasso. En L´Estanque, cerca de Marsella
descubrió que se pueden simplificar las formas
reduciéndolas a prismas y cilindros. Son
características sus naturalezas muertas,
empleando con frecuencia la guitarra, el violín o la mandolina.
 En Naturaleza muerta con naipes reduce el cromatismo a colores grises y
geometriza y descompone las formas para crear una nueva realidad mediante
superposiciones y transparencias.

También introducirá en sus pinturas los collages. Sus obras más destacadas
son El bodegón de la guitarra, El bodegón del violoncelo, El taller del pintor.

Juan Gris (1887-1927)

Su cubismo es fundamentalmente sintético y

coloreado. Sus composiciones tienen una firme
estructura y un ritmo armonioso. Esta mezcla de
suavidad y energía la observamos en la ordenación
de sus bodegones, realizados a base de planos
muy violentos. Los elementos que aparecen son
vasos, botellas, diarios, fruteros, pipas, arlequines, elementos musicales. Apenas
trata otro tema que el del bodegón. Naturaleza muerta, El desayuno, Naturaleza
muerta sobre una silla.

Fernand Leger (1881-1955)

El cubismo de Leger tiende hacia formas de

aspecto mecánico y tubular. Le importa la vida
cotidiana y el maquinismo de la gran ciudad. En su
Partida de cartas, los protagonistas han sido
convertidos en una especie de robots metálicos.
Seguirán otros cuadros como Los acróbatas, Los
cilindros, Las hélices, etc. Sus personajes son vistos con cierto carácter de
autómatas.

El comienzo de la Primera Guerra Mundial fracciona el Cubismo, pero seguirá

existiendo en experiencias como el purismo, la Sección Aurea o Sección de Oro y
el constructivismo ruso.

EL SURREALISMO
 El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto
Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra
exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para
comprender al hombre en su totalidad.Siendo conocedor de Freud pensó en la
posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.

Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier
forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan
plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la
realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños.
Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de
fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas
fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos,
representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El
pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo
descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los

niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que
significa que importaba más el asunto que la propia realización.

REPRESENTANTES

Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en

el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el
movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.

Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada

por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda,
introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles
que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del
surrealismo.

Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como

Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo
más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica,
un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque
totalmente alejadas de la pintura tradicional.

Ernst (1891-1979)

Llegó a ser uno de los principales exponentes del

Surrealismo utilizando la técnica del frotagge. Consiste en
frotar una mina de plomo o lápiz sobre un papel que se
apoya en un objeto y se deja así su huella en dicho papel,
con todas sus irregularidades. Las imágenes surgidas
aparecerán cargadas de misteriosas evocaciones, de
signos de catástrofe y desolación.

Tanguy (1900-1985)

Representa sueños desligados a toda referencia a la

realidad. Los horizontes, la sensación de infinito, la presencia
de objetos misteriosos y sin correspondencia con la realidad
objetiva y las alusiones a signos sexuales caracterizan su
obra consiguiendo provocar angustia y misterio. Unos
transportes; Días de lentitud; Mamá, papá está herido.

Magritte (1898-1976)

Ofrece cierta similitud con Chirico, es uno de los

surrealistas más claramente simbolistas. Provoca el choque
emotivo de color aplicado a formas realistas puestas en
lugares y momentos inverosímiles. Realiza absurdas
combinaciones de paisajes, arquitecturas, esculturas,
ambientes externos e internos.

En El tiempo detenido muestra el interior de una habitación en el que un tren

sale llameante de una chimenea doméstica. La voz de los vientos es la premonición
de una amenaza, un grupo de globos pesados que flotan y son símbolo de algo que
puede aplastar.
 Masson (1896-1987)

Analiza la estructura del objeto para convertirlo en una

elucubración intelectual. Parece que el color, conjugado de
modo personal y con una valoración casi abstracta es lo que
más le importa. Su modo es más vital, sin la opresión
angustiosa de la mayoría de los surrealistas. Dibujo
automático, Desnudo, Ánfora.

Chagall (1887-1985)

Presenta hechos sacados de la realidad pero dentro de

un ambiente ensoñador. Sus figuras vuelan sobre el paisaje.
Yo y la aldea, evoca una serie de elementos reales de su tierra
natal (casas, vacas...), pero la magia del sueño lo transmuta.
La vaca acoge en su cabeza a una lechera ordeñando, la
campesina puede andar con la cabeza en el suelo, etc.

Joan Miró (1893-1983)

"Me es difícil hablar de mi pintura,

pues ella ha nacido siempre en un estado de
alucinación, provocado por un shock
cualquiera, objetivo o subjetivo y del cual
soy enteramente irresponsable".

Es el máximo representante del

surrealismo abstracto, aunque fue
solamente una fase dentro de su producción.

Sus cuadros están llenos de poesía. Pinta con colores puros y tintas planas.
La obra clave en su evolución es El carnaval del arlequín (1924).

Crea un mundo propio que se abre paso a la abstracción. Sus imágenes son
simples, con pocos trazos, a la manera de los niños. Rechaza la perspectiva, el
modelado, el claroscuro y el acabado minucioso. Traza signos abstractos, simples,
que no tratan de expresar una idea, sino que desean bastarse a sí mismos y son
extraídos de lo irracional.

Personajes de noche, El bello pájaro descifra lo desconocido a una pareja de

enamorados, Naturaleza muerta con zapato viejo, Mujeres y pájaros en claro de
luna.

Los años de la guerra civil española y mundial lo alejaron de la aventura

surrealista. Una de las últimas obras fue el revestimiento cerámico del edificio de la
UNESCO en París, Noche y día.

Salvador Dalí (1904-1989)

Dalí es más escandaloso y extravagante de todo el grupo. Sus cuadros

presentan figuras imposibles fruto de su imaginación.

Le caracteriza la provocación y su
método "paranoico-crítico". Su primera etapa
surrealista es furiosa y ácida, las formas se
alargan, se descomponen o resultan de
apariencia equívoca. Utilizará alusiones al sexo
y la paranoia. La sangre es más dulce que la
miel, La persistencia de la memoria, El ángelus
arquitectónico o Premonición de la Guerra Civil.

También son característicos sus relojes blandos, sus altas y destacadas

figuras sobre un lejano horizonte y las vistas de Cadaqués.

Más adelante su estilo se hará más barroco en Leda atómica y en El Cristo

de San Juan de la Cruz, donde el sentido de la composición y del espacio es más
clásico, pero siempre inquietante.

Su pintura resulta excepcional en sus calidades plásticas por la corrección en

el dibujo y por la presencia de la luz, transparente y limpia.

El Surrealismo se extenderá desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra

Mundial.
 POP ART

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en

Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo
Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de
imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de
masas y los aplican al arte.

El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr
una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.
Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la
temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una

cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde
los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos
industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que
hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las
ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas,
los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo
desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el
mundo de la publicidad.

El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, se amplían los
motivos y pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica.
La expresividad queda desplazada a un segundo plano, siendo un estilo impersonal
que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo.

El Arte Pop fue apreciado y aprobado por el público gracias a sus formas
fáciles y divertidas y a sus contenidos, que podían ser captados sin dificultad. Al
espectador le gustaba reconocer objetos corrientes en los cuadros porque así se
ahorraban el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del
expresionismo abstracto, pero no comprendieron su carga de ironía y de
ambigüedad.

El Ate Pop (Pop Art) eleva los objetos de la vida diaria moderna a obras de
arte y, con la frialdad del distanciamiento, pone su mirada en la atracción estética
de los vulgares artículos de consumo.

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo, en la poca

importancia puesta en el objeto de arte final y en el uso del collage y del fotomontaje.

REPRESENTANTES

Richard Hamilton

Es uno de los pioneros del Pop Art británico

y su collage titulado ¿Qué es lo que hace de los
hogares de hoy en día tan diferentes, tan
divertidos?, ha sido considerado la primera obra del
Arte Pop.

Es un collage fotográfico que ataca directamente a la sociedad de consumo,

al culto al cuerpo, al erotismo, a la publicidad y a la tecnología doméstica que
intentan disimular una sociedad vacía de contenido y que tan sólo elogia lo
superficial y la apariencia. Introduce ya elementos típicos como el televisor, el
magnetófono o el póster de una viñeta de cómic.

Roy Lichtenstein

Lo más característico de Lichtenstein son sus

composiciones salidas directamente de las viñetas
de los comics, que son ampliaciones de los
personajes de los dibujos animados, reproducidas a
mano, con la misma técnica de puntos y los mismos
colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Por ejemplo, Good Morning, Darling; Now, mes petit pour la France o
Whamm!, donde la técnica del cómic aparece mucho más remarcada con la
inclusión de la característica onomatopeya.

Tom Wesselmann
 Tom Wesselmann se interesa por
el tema de la sensualidad y la mujer como
reclamo publicitario y como objeto de
consumo.

Elige las partes más sensuales del

cuerpo femenino, las piernas, los labios, etc. y las mezcla con objetos cotidianos.
Trabajó sobre todo los montajes y las instalaciones, donde incorpora objetos reales
y recrea espacios habituales de la burguesía americana.

En las obras de la serie Gran desnudo americano, incorpora teléfonos reales

que suenan, aparatos de radio y televisores en marcha, pegándolos directamente
sobre la superficie pintada, siguiendo el método tradicional del collage.

En Bañera Collage núm. 1 ilustra una atmósfera de frío erotismo

reivindicando su valor como objeto de consumo más que como icono de deseo.
Resalta la toalla de en medio, el rollo de papel higiénico y la tapa del retrete
levantada.

Andy Warhol

Andy Warhol utilizó fotografías de prensa contemporáneas y las repitió

múltiples veces en la misma superficie arrancándolas de su contexto habitual y
trasladándolas al dominio del arte. Describió así la deshumanización que practican
los modernos medios de comunicación de masas.

Lata de sopa Campbell convierte un objeto de uso cotidiano, una sopa de

tomate, en icono de la cultura pop.

Realizó numerosos retratos como los de Mick Jagger, Jacqueline Kennedy

Onassis, Elizabeth Taylor o Marilyn Monroe, de la que hizo una serigrafía basada
en un original fotográfico de su rostro.
 El Arte Pop en España

España recibió igualmente las influencias pop,

aunque no se puede hablar de que hubiera un
movimiento unitario. Adquirió un mayor peso la
temática erótica y el tono político, teniendo como marco
de referencia la represión que sufría el país.

Algunos de los principales artistas son Eduardo

Arroyo, Canogar, Juana francés, Darío Villalba y Ángel Orcajo, con su fascinación
por las nuevas autopistas españolas que refleja en su serie de Autopistas.

Destaca el Equipo Crónica formado en Valencia en 1963 por Rafael Solbes,

Manolo Valdés y Juan Antonio Toledo.

Las primeras obras revelan una notable influencia del Pop estadounidense,
sobre todo por la utilización de imágenes procedentes de los medios de
comunicación y la utilización de tintas planas.

Una de las imágenes más emblemáticas fue la del ratón Mickey repetida en
una larga serie de viñeta interrumpida. ¡América, América!

Incorporan también imágenes muy conocidas para sociedad española como

el periódico Marca o los cigarrillos Ideales. En la serie La recuperación integraron
figuras de la pintura española del Siglo de Oro en un medio cotidiano actual como
el de una olla express o el de la informática.

OP ART

Es la abreviatura de "Optical-Art" es un movimiento pictórico nacido en los

Estados Unidos en el año 1958, se empleó por primera vez en 1964 en la revista
Times. Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de
fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie
bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas

Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras

tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con
el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico,
en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la
configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Se ha cuestionado si el arte óptico debe considerarse incluido en el ámbito

del arte cinético.

El Op-Art se caracteriza por varios aspectos:

- La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente
estáticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético.
- Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente,
vibración, parpadeo o difuminación.
- Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes
cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y
tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos
ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos,
triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones
complejas.
- En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o
desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente.
- Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas.
- El artista del Op-Art no pretende plasmar en su obra sensaciones o
situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.

EL FAUVISMO

El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se

desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El Salón de Otoño de 1905 supuso
la primera exhibición para el grupo. El crítico de arte Louis Vauxcelles tras
contemplar las gamas cromáticas estridentes y agresivas de los trabajos expuestos
les atribuyó el término "fauves", que en español significa fieras. El nombre asignado
era en origen un calificativo peyorativo, como les sucedió a otros movimientos
artísticos del S. XX, pero fue asumido por el público y posteriormente introducido en
la historia del arte sin connotaciones despectivas.

El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron

André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y
Emile Otón Friesz. En 1906 se unieron también George Braque y Raoul Dufy.

El Fauvismo no fue un movimiento conscientemente definido, careció de un

manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus
obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad y de frescura. Les
unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la
época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan
contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz a
costa de la pérdida del color.

Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos
y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación
naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta
de tonos naturalistas empleada por los impresionistas a favor de los colores
violentos para crear un mayor énfasis expresivo.

Emplearon una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin

mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras resultan planas, lineales,
encerradas en gruesas líneas de contorno. Sus creaciones respondían a un ejercicio
de sintetización, buscan la máxima intensidad emocional combinada con la máxima
simplificación de elementos. Por ello renuncian a la perspectiva clásica, al
claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y con ella
la profundidad. Sus temas son retratos, naturalezas muertas, personajes en
interiores, paisajes hermosos.

Otra característica es el gusto por la estética de las estatuas y máscaras

africanas. El arte de los pueblos primitivos no es imitativo, sino que plantea un
evidente alejamiento de las formas naturalistas para tender a la esquematización.

REPRESENTANTES

Para hablar de los orígenes tenemos que recordar a Van Gogh y a Gauguin,
ya que ambos huyendo del impresionismo, tomaron una ejecución libre y personal,
impulsiva y pasional, a la vez que apostaron por obras intensamente coloreadas.
 Henri Matisse (1869-1954)

Considerado el líder de los fauvistas,

fue el único de ellos que no cambió su
dirección. Intenta expresar sentimientos a
través del uso del color y de la forma.Su
primera formación la realizó dentro de la
tradición académica en el estudio de
Gustave Moreau, siendo condiscípulo de Roault y Marquet. Realizó numerosas
copias de los cuadros de los maestros clásicos a la vez que estudió el arte
contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia
experimentación.

La verdadera liberación artística de Matisse, referida al uso del color como

configurador de las formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Van
Gogh y Gaugain. También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la modificó
aplicando pinceladas más amplias. En La alegría de vivir (1905-1906) resume su
aprendizaje inicial de los cuadros clásicos, de Gaugain, de las estampas japonesas
y de los iconos persas y bizantinos. Será la obra clave de su carrera. Es una escena
fruto de su imaginación, totalmente subjetiva. Utilizó el tema de las bañistas y las
odaliscas orientales y las traspasa a un ambiente occidental. Definió los espacios
mediante amplias áreas de colores sin matizar, estructurados por medio de las
líneas de los cuerpos, que dirigen la vista del espectador y marcan el ritmo de la
composición.

La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros

con gran audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad
a la pintura pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra
de volúmenes. En su obra hay alegría, serenidad, es un arte amable, apacible, es
un camino hacia la profundidad de sí mismo.

Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la

aprobación de los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más
importantes fue La música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan
armoniosamente. Usa tres colores para imprimir movimiento a los bailarines que
parecen flotar con ritmo.

André Derain (1880-1954)

La mayor parte de su producción de época

fauvista son personajes campestres y urbanos,
como Puente en Londres (1906) y muestran
colores puros, a menudo aplicados sobre el
lienzo directamente con el tubo, pinceladas
irregulares y despreocupación por la perspectiva
o por la representación realista.

Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La influencia de

Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a un mayor control en sus
composiciones. En Las bañistas (1908) intenta combinar las innovaciones de los
pintores anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo produciendo
obras geométricas como El puente viejo de Cagnes y el primitivismo de la escultura
africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912 mostrarán cada vez más la
influencia de estilos diversos.

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Es el autor de paisajes dramáticos que se

inspiran directamente el colorido y la pincelada de
Van Gogh. Sus obras fauvistas producen
brillantes contrastes cromáticos, como es el caso
de Árboles rojos (1906). La aparición del
Fauvismo en Francia en 1905 fue paralela al
expresionismo alemán, particularmente a los pintores del grupo Die Brücke. Ambos
movimientos marcaron la aparición de lo emocional frente al estudio calculado y
teórico de la realidad.

Hacia 1908 comienza a deshacerse el grupo de los fauves, cada uno de sus
componentes seguirán caminos divergentes. A partir de ese año, el cubismo asumió
la vanguardia, a la que pronto se inclinarán Braque y Derain principalmente.
 ABSTRACTO

La abstracción no es un invento del arte moderno occidental. Hay una

infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde el
origen del arte en la prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y
admirando artes visuales abstractas como la caligrafía.

Volviendo al arte occidental, desde el Renacimiento en adelante la

preocupación por recrear la ilusión de la realidad tangible domina artes visuales
como la pintura o la escultura. No será hasta la llegada del Impresionismo que los
pintores inviertan las prioridades en la representación y den una mayor importancia
al procedimiento pictórico que los aleja de las apariencias externas de la realidad.

La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra

en crisis con las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de este
nuevo procedimiento para captar la realidad. Los movimientos de vanguardia del
siglo XX, como el expresionismo o el cubismo, reaccionan contra el realismo
explorando distintas maneras en que pueden manipular los elementos de una obra
independientemente de la realidad.

Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano

del artista ruso Wasily Kandinsky quien expone las primeras ideas sobre el arte
abstracto en “De lo espiritual en el arte”.

Varias teorías contemporáneas y posteriores han intentado explicar por qué

surge la abstracción pura:

- El deseo de alejamiento de la realidad por motivos tan diversos como que

ella estaba dicho todo lo que había que decir sobre la representación de la
realidad, como consecuencia del deseo de evasión de la crisis y el desorden
social del momento o como manifestación de la perplejidad e impotencia del
artista en contexto histórico dado.
- El ansia de representación de lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte
con elementos más limitados y constantes que los que se pueden encontrar
en la realidad, la creencia de que el arte no se podrá identificar con otra
realidad que no sea el propio arte o el anhelo utópico de crear y comunicar a
 través de un lenguaje visual universal.

El arte abstracto no necesita justificar la representación de las figuras sino

que tiende a utilizar un lenguaje visual propio con unos significados variados.

En sus inicios, el arte abstracto dio lugar a grandes polémicas y

discrepancias. De hecho, ya en tiempos de la Prehistoria se utilizaron la estilización
y el geometrismo. Pero con el paso del tiempo se ha convertido en una fuente
inagotable de ideas para los artistas de nuestro siglo y nadie se atreve ahora a poner
en duda su existencia e identidad como un arte propio. El lenguaje que se utiliza
está basado en las experiencias fauvistas y sensaciones del autor, exaltando
normalmente la fuerza del color.
También existe la expresión con estructuración cubista, que da lugar a las diferentes
abstracciones geométricas y constructivas.

La tradición abstracta conoció un importante renacer en Estados Unidos a

partir de finales de los años cuarenta con el Action Painting y con el Colour-Field
Painting. Estas tendencias fueron suplantadas a partir de 1960 por la aparición del
arte minimalista que inició un nuevo periodo de interés por la geometría y la
estructura, periodo de interés por la abstracción, que siguen adoptando numerosos
artistas inspirados por las más variadas motivaciones.

Escultura abstracta

La abstracción en escultura persigue los mismos fines que en la pintura,

aunque difícilmente pueden reconocerse lo mismos estilos.

Entre la escultura no figurativa destaca Georges Vantongerloo, que intenta la

codificación matemática de los volúmenes y Théo van Doesburg ambos
pertenecientes al grupo Der Stijl.
Antoine Pevsner (1884–1965) es el escultor más representativo: Proyección en el
espacio, Construcción cinética, Visión Espectral, Naum Gabó: Cabeza de mujer,
Celuloide y metal, Eduardo Chillida, con sus esculturas monumentales: El peine de
los vientos, El elogio al horizonte, Tres hierros y Julio González.
 REPRESENTANTES

Wassily Kandinsky (1866-1944) es el

gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo
espiritual en el arte", donde expone sus ideas y
reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la
obra de arte. En él realiza una declaración de
principios. Su pintura tiene como objetivo
despertar la emoción del espectador, en el que
deben actuar sólo los sentimientos.

Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde
imitaron los demás pintores. Entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto,
Lírica, Impresión V, Improvisación, Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.

Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más

simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas
irreconocibles. Entre sus obras, El niño en el
paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto
y veleros.

2 INTERDISCIPLINARIDAD Y TRANSDISCIPLINARIEDAD,
PEDAGOGÍA

La Educación Estética, de la mano con el Proyecto Educativo, concibe y

promulga una concepción tanto del hombre como del colectivo y de sus recíprocas
interacciones.

El Proyecto de Educación Estética es guiado por dos caminos: el primero,

que nos lleva al mundo del conocimiento del arte, lo que quiere decir, "lo que
podemos saber sobre arte", y el segundo, nos guía a un movimiento afectivo hacia
lo que deseamos, en pocas palabras, lo que quisiéramos nosotros que fuese el arte
y, por otra parte, lo que nos gustaría o que desearíamos que fuese la educación
 La mayoría de las personas, de los animales, ciudades y paisajes, artefactos
y objetos que conoce el alumnado y el profesorado, las conoce a través de
imágenes. Algunas de estas imágenes tiene un significado simple y unívoco, otras
un alto contenido simbólico, o son descriptivas, poéticas, funcionales, públicas
y estandarizadas..., pero todas ellas directa o indirectamente forman parte de
nuestra vida cotidiana y modelan y configuran nuestras actitudes y valores.

Los niños y niñas adquieren rápidamente ideas sobre lo que es bonito y

atractivo o feo y desagradable y utilizarán esos criterios en sus decisiones
cotidianas. Manifestarán una evolución muy notable en su manera de representar
la figura humana, los árboles o las casas durante sus años escolares, y serán
capaces de fantásticos juegos simbólicos en los que cualquier objeto podrá
representar o transformarse, de acuerdo con sutiles normas y acuerdos, en el
escenario o el instrumento de la acción deseada.

De entre la variedad y multiplicidad de imágenes, objetos o artefactos con los

que convivimos, algunos adquieren una gran relevancia social: las obras de arte, en
el ámbito del lenguaje verbal con la literatura, en el dominio sonoro con la música o
en la actividad corporal con la danza.

Hay que señalar una serie de ideas básicas que se van a exponer, desarrollar
y argumentar más adelante:

- Los lenguajes y las artes visuales son un conocimiento instrumental.

- La compresión y creación de imágenes son dos caras de la misma moneda
visual.
- Las artes visuales nos muestran y descubren quiénes y cómo somos los
seres humanos.
- Todas las personas tienen derecho a conocer y reconocerse y a ser
reconocidas y comprendidas por sus propias señas de identidad visual.
- Dominar y usar habitualmente los diferentes lenguajes visuales y procesos
de construcción y creación requiere una formación adecuada y una
experiencia sistemática, que debe proporcionar la escuela.
 4 TRATAMIENTO CURRICULAR
ÁREAS, CONTENIDOS Y BLOQUES

Son el conjunto estructural del currículo básico nacional, donde el primero

abarca: lenguaje, matemática, educación estética, ciencias naturales, ciencias
sociales y educación física; el segundo, la serie de temas que deben abordarse
dentro de cada asignatura (conceptuales, procedimentales y actitudinales); y el
último, la sub estructuración que divide a los contenidos dentro de las áreas.

Áreas: Las Áreas Académicas establecidas para la Primera Etapa del Nivel
de Educación Básica son las siguientes: Lengua y Literatura, Matemática, Ciencias
de la Naturaleza y Tecnología, Ciencias Sociales, Educación Estética y Educación
Física. En el Diseño Curricular del Nivel de Educación Básica se plantea además la
integración de las áreas académicas y de los ejes transversales mediante la
incorporación de elementos comunes subyacentes, tales como: conceptos claves,
métodos de análisis, instrumentos, técnicas, axiomáticas, métodos de investigación,
procesos mentales. De esta manera, se aspira lograr la interdisciplinaridad que
conlleva a una integración del conocimiento basado en dichos elementos. Las Áreas
Académicas y Asignaturas constituyen un sistema de organización del saber a partir
de su propia naturaleza, lógica interna y sistematicidad, proporcionan un cuerpo
coherente de conocimientos y poseen su propio lenguaje, su propio sistema de
conceptos y procedimientos e integran los ejes transversales, dando al proceso
enseñanza - aprendizaje un sentido de globalidad, tal como se ilustra a continuación
en el Diseño Curricular para la primera etapa del Nivel de Educación Básica
(Currículo básico nacional de Venezuela. Aspectos relevantes, página libre).

Bloques de Contenidos: En el Diseño curricular del Nivel de Educación

Básica los contenidos se han organizado en Bloques de Contenido. Estos bloques
constituyen un elemento organizador de los contenidos de las distintas áreas
académicas, guardan estrecha relación con lo planteado en los objetivos de etapa
y de área. No deben ser considerados como temas sino como una forma de agrupar
los contenidos esenciales en torno a un elemento vertebrador. Un Bloque de
Contenido, según la naturaleza del área académica y de su mayor o menor nivel de
complejidad, puede variar de un grado a otro o puede mantenerse a lo largo de
varios grados o varias de las etapas educativas del nivel. (Currículo básico nacional
de Venezuela. Aspectos relevantes, página libre).

Contenidos: Son el conjunto de los saberes relacionados con lo cultural, lo

social, lo político, lo económico, lo científico, lo tecnológico, etc., que conforman las
distintas Áreas Académicas y Asignaturas, cuya asimilación y apropiación por los
alumnos es considerada esencial para su desarrollo y socialización. Esta definición
de los contenidos rompe con la tradicional interpretación transmisiva, pasiva y
acumulativa de la enseñanza y del aprendizaje, plantea una concepción
constructivista de estos procesos y mantiene el papel decisivo de los contenidos en
la educación. (Currículo básico nacional de Venezuela. Aspectos relevantes, página
libre) Tipos de Contenidos: Se consideran tres tipos de contenido (conceptual,
procedimental y actitudinal) que no deben ser abordados por el docente de manera
aislada: Los conceptos guardan una estrecha relación con las actitudes y a la
inversa. Un concepto puede ser aprendido de formas muy diversas en función de
las actitudes con que se relacione. Los conceptos, para ser adquiridos, necesitan
de un procedimiento. Los procedimientos facilitan el aprendizaje de los conceptos y
favorecen el desarrollo de actitudes. Las actitudes a su vez facilitan la selección de
los procedimientos adecuados.

- Los contenidos Conceptuales: se refieren al conocimiento que tenemos

acerca de las cosas, datos, hechos, conceptos, principios, y leyes que se
expresan con un conocimiento verbal
- Los contenidos Procedimentales: el conocimiento procedimental es el
referido a cómo ejecutar acciones interiorizadas como las habilidades
intelectuales y motrices; abarcan destrezas, estrategias y procesos que
implican una secuencia de acciones u operaciones a ejecutar de manera
ordenada para conseguir un fin.

- Los contenidos Actitudinales: están constituidos por valores, normas,

creencias y actitudes dirigidas al equilibrio personal y la convivencia social.
 Estos tipos de contenido abarcan el Saber qué, Saber cómo y el Saber hacer
y se relacionan con los tipos de capacidades: cognitivas- intelectuales,
cognitivas motrices y cognitivas-afectivas.

5 Tratamiento pedagógico

Situaciones vivenciales de formación

Las situaciones vivenciales de Formación (S.V.F.), son una herramienta

fundamental para el desarrollo del aprendizaje integral. Las ( S.V.F.) contiene una
serie de contenidos, conocimientos y momentos entre los cuales están: situación
inicial natural (S.I.N), situación genésica conceptual (S.G.C.), Situación Genésica
procedimental ( S.G.P.) y Situación genésica post-vivencial (S.G.PV.).

Se busca que los niños y niñas de un grado de Educación básica,

comprendan de manera lúdica algunas nociones básicas del área en estudio,
relacionándolos con la elaboración de la formación estética, con esto se pretende
generar un aprendizaje integral en los niños (as), ofreciéndoles situaciones
significativas para proporcionar nuevos conocimientos.

Da la oportunidad de brindarle al niño (a) un desarrollo en las áreas. siendo

el maestro generador de problemas y el animador pedagógico, para así poder lograr
en el niño (a) un desarrollo integral en todos los aspectos que puedan contribuir
satisfactoriamente en su vida diaria. El estudiante comprenderá y analizara un
problema o situación determinado haciendo uso de sus conocimientos, esto le
permitirá hacer predicciones, comparaciones, análisis, observaciones y exposición
de argumentos acerca de las interrogantes que se le presentaran en torno a los
contenidos, a la vez procurara darle una respuesta de acuerdo al nivel de
comprensión que haya logrado.

Situación inicial natural

Momento o parte 1: En esta situación, se pondrá de manifiesto el

conocimiento previo que tiene el niño (a) a través de textos de completación y
relación, ya que el generador de problemas que es el docente da inicio al diseño
con las diferentes dificultades o problemas, esta situación le permite al estudiante
enfrentarse a una serie de incógnitas reflejadas a través de sus procesos cognitivos
en donde el alumno hará uso de su potencial creativo e imaginativo para el
desarrollo de sus estructuras de conocimiento previo y a las adquiridas en base a
las nuevas experiencias que le permitirán construir nuevos modelos y diseños
donde se destaque la productividad de sus trabajos.

Tipo de conocimiento: aquí el niño(a) pone de manifiesto el conocimiento

espontaneo a partir del cual forma y construye algo como él mismo piensa, es decir
su propia voluntad o impulso interior sin indicación de otro.

Situación genésica conceptual

Momento o parte 2: En esta parte o momento de la Situación Vivencial de

Formación el alumno(a) confronta el conocimiento previo con sus compañeros, ya
que el animador pedagógico o docente les presenta las actividades planteadas en
la situación inicial natural para que ellos construyan conocimientos lógicos formales
sobre el tema ordenando y estructurando su conocimiento.

Tipo de Conocimiento: Esta situación consiste en darles al niño y la niña

las posibles soluciones de las actividades preliminares y que las confronte con su
labor realizada para obtener el conocimiento ordenado y estructurado, con el
objetivo de que el niño(a) exponga su punto de vista, de forma individual, además
defienda su opinión para que pueda llegar a construir su propio conocimiento, lo
internalice y quede como un aprendizaje significativo.

Situación genésica procedimental

Momento o parte 3: Se pone de manifiesto el conocimiento lógico formal

adquirido a través de la realización de lo expuesto, es decir, el (la) niño (a) pone en
práctica sus nuevos conocimientos, en el aula de clases.

Tipo de conocimiento: aplicado-práctico.

Situación genésica post-vivencial

 Momento o parte 4: En esta situación los alumnos (as) transfieren a la
comunidad, escuela, amigos y familiares los conocimientos adquiridos, ya que
estarán en condiciones de ejecutar otras praxis que le permitirán resaltar y elevar
el conocimiento de acuerdo a la realidad contextual en la que está inmerso. Cabe
resaltar que el éxito del conocimiento que transferirá dependerá de las estrategias
que utilice para que ese conocimiento llegue a la comunidad y así crear una cadena
de aprendizajes que se multipliquen.

Tipo de conocimiento: transferido o transportado.

6 PENSADORES FILOSÓFICOS

MARTIN HEIDEGGER

Filósofo alemán. Discípulo de Husserl, su

indiscutible preeminencia dentro de la filosofía
continental se ha visto marcada siempre por la
polémica, sobre todo la de su adhesión al
régimen nacionalsocialista, manifestada en el
discurso que pronunció en la toma de posesión
de la cátedra en la Universidad de Friburgo (1933). La renuncia a la cátedra,
muy poco después de ocuparla, no evitó que en 1945 fuera destituido como
docente en Friburgo, tras la ocupación de Alemania por los aliados.

Heidegger reflexiona a partir del concepto de la mirada del artista, es decir,

acerca de esa peculiar visión de los objetos que el “creador” o “imitador de la
naturaleza” lanza sobre las cosas con el fin de dignificarlas y extraer de ellas todo
su valor como formas.

El objeto de experiencia estética sólo llega a ser tal cuando el artista que lo
plasma o el observador que lo contempla lo hace de un modo especial,
considerándolo como algo más interesante de lo que pudiera parecer a simple vista.
De este modo un objeto que en principio podía presumirse como carente de
cualquier valor estético, como es el caso de un par de botas viejas, una vez es
escrutado por la mirada de un artista como Van Gogh adquiere el valor de objeto
digno de despertar una experiencia estética en aquel observador que se acerca a
la obra con una postura receptiva.

Heidegger propone la dignificación del objeto que lleva a cabo el artista a

partir de verter sobre él su mirada estética; una mirada que combinada con la
técnica empleada por el pintor, el escultor, el fotógrafo, el cineasta o el poeta llega
a devenir una obra de ar

GADAMER

Filósofo alemán. Se licenció con una tesis

doctoral en filosofía que dirigió Martin Heidegger en
Friburgo (1922). Enseñó estética y ética en su ciudad
natal (1933), en Kiel (1934-1935) y de nuevo en
Marburgo, donde fue nombrado profesor
extraordinario (1937). Dos años más tarde consiguió
una cátedra en la Universidad de Leipzig, para trasladarse luego a las universidades
de Frankfurt del Main (1947-1949) y Heidelberg (1949). Llegó a ser profesor emérito
en 1968.

Su obra más importante, Verdad y método. Elementos de una hermenéutica

filosófica (1960), fijó los presupuestos y objetivos de la corriente hermenéutica,
según la cual no existe el mundo, sino diversas acepciones históricas de mundo. A
pesar del relativismo que conlleva esta concepción, Gadamer remite siempre en sus
escritos a una convergencia última en la que es posible la comunicación y la
expresión de un sentido.

Verdad y método es, al mismo tiempo, la exposición más sistemática de la

filosofía hermenéutica y el trabajo más significativo de Gadamer; en este ensayo se
muestra su adhesión a la hermenéutica del ser de Heidegger y a la filosofía de
Dilthey en su análisis del problema de la verdad. La historia de la verdad que
Gadamer reconstruye está marcada, a partir de Descartes, por el concepto de
"adaequatio": la noción de verdad se explica, en realidad, como método para
alcanzar la correspondencia "adecuada" entre hechos y proposiciones. La tarea de
Gadamer consiste, en neta contraposición con dicha postura, en un intento de
descripción de las posibilidades reales de la experiencia humana de la verdad.

Los principios hermenéuticos que el autor elabora no se limitan al estricto

ámbito filosófico, sino que son susceptibles de aplicación a disciplinas tan diversas
como la sociología o la crítica literaria. La búsqueda de la verdad exige una
redefinición de la hermenéutica (interpretación de los textos), entendiendo por tal no
una mera técnica de comprensión, aunque ésta sea cabal, sino una reflexión
fundamental sobre las condiciones en que se llega a toda comprensión en general.

En este ámbito adquieren particular relieve los problemas que se desarrollan

en torno a la experiencia estética. Según Gadamer, en tal tipo de experiencia se
deja entrever una circunstancia de la verdad en la cual el propio sujeto de la
experiencia resulta modificado. La contraposición a las teorías filosóficas en las que
la noción de verdad se identifica con el saber de las ciencias positivas se acompaña,
pues, de una reivindicación de la aportación de verdad de aquellas experiencias del
sujeto en contacto con la obra de arte, con la historia o con el diálogo personal.

Para Gadamer, en la idea casi intuitiva según la cual en la experiencia del

arte nos enfrentamos a algo que parece hablarnos de un modo inmediato, como si
no hubiera ninguna distancia que salvar entre nosotros que comprendemos y la
obra, como si se creara allí una simultaneidad que no se ve en modo alguno
perturbada por el “aumento” de la conciencia histórica, es decir, por la conciencia
de la distancia cada vez mayor que nos separa de la obra. A primera vista, entonces,
parece no ser necesaria una especial hermenéutica de la obra de arte. Sin embargo,
esta idea no debe inducirnos a creer que la obra de arte no plantee efectivamente
una tarea de comprensión, y que, por lo tanto, no haya que “encontrar” su origen
histórico. Este origen histórico es lo que funda la necesidad y legitima la función de
una hermenéutica histórica.

“La realidad de la obra de arte y su fuerza declarativa no se dejan limitar al

horizonte histórico originario en el cual el creador de la obra y el espectador eran
efectivamente simultáneos. Antes bien, parece que forma parte de la experiencia
artística el que la obra de arte siempre tenga su propio presente, que sólo hasta
cierto punto mantenga en sí su origen histórico y, especialmente, que sea expresión
de una verdad que en modo alguno coincide con lo que el autor espiritual de la obra
propiamente se había figurado” (Gadamer, 1998: 55).

KARL MAX

Pensador socialista y activista revolucionario de

origen alemán. Raramente la obra de un filósofo ha tenido
tan vastas y tangibles consecuencias históricas como la
de Karl Marx: desde la Revolución rusa de 1917, y hasta
la caída del muro de Berlín en 1989, la mitad de la
humanidad vivió bajo regímenes políticos que se
declararon herederos de su pensamiento. Contra lo que pudiera parecer, el fracaso
y derrumbamiento del bloque comunista no habla en contra de Marx, sino contra
ciertas interpretaciones de su obra y contra la praxis revolucionaria de líderes que
el filósofo no llegó a conocer, y de los que en cierto modo se desligó proféticamente
al afirmar que él no era marxista.
Los temas del arte en relación con la ideología y a la superestructura, de la
literatura como reflejo y descripción de las relaciones sociales o como escapismo y
sublimación imaginaria, junto a la predilección por el realismo social como contenido
para una literatura y un arte socialistas y revolucionarios, están ya en Marx
perfectamente perfilados.

Es el Marx poeta y clasicista el que se encuentra a la base del Marx teórico

de la economía política. La antinomia entre el hecho del arte y las condiciones
favorables o desfavorables para su florecimiento, en el sentido del surgimiento
artístico en medios desfavorables, se resolverá en su proposición no parcial, elitista
o puntual, sino en la exigencia de generalizar los bienes humanos (y no cabe duda
de que el Arte es uno de ellos) a toda la humanidad en su totalidad. La reflexión
sobre las condiciones de posibilidad del comunismo coincide, punto por punto, con
la reflexión sobre las condiciones de posibilidad del desarrollo y expresión de la
creatividad de los seres humanos en su totalidad; ya que sin una base material que
garantice la vida de los individuos los goces de la producción y la recepción artística
permanecen arruinados o imposibilitados para la mayor parte de los hombres.

Marx fue un pensador ilustrado que asumió la creencia en la linealidad

progresiva del tiempo histórico y que se opuso a la corriente romántica en aquellos
lugares en los que las ideologías centraron las batallas intelectuales del siglo XIX.
Ese es el motivo de que el Arte supusiese una aporía para su quehacer teórico y
fuese tratado con ambigüedad, pero también lo que marcaría la dirección de la
estética marxista hacia el realismo social y su crítica de la cultura y del arte
escapista, de evasión y sublimación, cuando no meramente reflejo del capitalismo
triunfante, complacencia o lavado de cara de la sociedad dominante y peor aún,
militante acto de moldeamiento de la conciencia, producción de la subjetividad y
dominio ideológico.
 Conclusión

Tener a niños que se sientan capaces de crear y transformar desde cosas

muy simples y además que puedan encontrar en cualquier expresión artística un
medio donde ellos puedan decir qué piensan, qué quiere, qué sueñan, con qué
están de acuerdo o con qué no. Primero podrán decir las cosas con las que conviven
cotidianamente y dar la opinión de su pequeño mundo y conforme vayan creciendo
lo harán ya con una conciencia colectiva. Otro beneficio es el gozo que dan las
actividades artísticas: un niño que goce del proceso creador, creativo, cualquier
disciplina artística, ya lo ganamos porque seguramente lo buscará constantemente,
buscará nuevas formas, nuevos materiales y será sensible para admirar lo que otros
hacen. A través del arte los niños van evolucionando, van nivelando hemisferios y
todo esto les va siendo de provecho para su aprendizaje, es una manera de abrirse
más a su futura preparación”, agregó la también galerista. En el primer contacto hay
que sondear con el niño cómo es su capacidad de percibir, de plasmar, cómo es
hasta su fuerza de manipular, este proceso tiene que ser individualizado, pues la
percepción y la capacidad para expresarse tienen una evolución muy particular, no
es como en otras disciplinas, donde, por ejemplo, los niños pueden aprender a leer
de manera simultánea Para lograr buenos resultados, es necesario que los niños
se encuentren en un ambiente en el que se sientan cómodos. Los papás son
los primeros responsables de la formación de sus hijos, ya sea que los dejen
expresarse con crayones y hojas de papel o dejarlos que ellos exploten su
creatividad, pues ella deja que su hija, de cuatro años de edad, intervenga en sus
obras.