Historia de Las Artes Decorativas

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Historia de las artes decorativas

La evolución histórica de las artes decorativas transcurre en paralelo a la historia del
arte en general, especialmente la arquitectura, a la que ha estado ligada usualmente la
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decoración y el interiorismo. Se denomina artes decorativas a todas aquellas actividades
Actualidad relacionadas con el arte o la artesanía destinadas a producir objetos con una finalidad a la
Cambios recientes vez utilitaria y ornamental. Son por lo general obras realizadas con una elaboración
Páginas nuevas industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta finalidad estética. El concepto es
Página aleatoria sinónimo de las llamadas artes aplicadas o artes industriales, también llamadas a veces
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artes menores en contraposición a las artes mayores o bellas artes. En cierto sentido, las
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artes decorativas es un término aplicado preferentemente a las artes industriales, así como
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a la pintura y la escultura, cuando su objetivo no es el de generar una obra única y
Imprimir/exportar diferenciada, sino que buscan una finalidad decorativa y ornamental, con una producción Interior de estilo modernista de la casa
Vicens (Barcelona, 1883-1888), de Antoni
Crear un libro generalmente seriada.1
Gaudí
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Las artes decorativas incluyen procedimientos y técnicas como la cerámica, el mosaico, la
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ebanistería, la orfebrería, la glíptica, el esmalte, la taracea, la metalistería, el textil, la
Herramientas tapicería, la corioplastia o la vidriería. También a menudo engloba las artes gráficas (grabado) y la miniatura, así como algunas obras de
Lo que enlaza aquí arquitectura, pintura y escultura destinadas a la ornamentación y concebidas en serie, no como obras individuales.2
Cambios en enlazadas
Las artes decorativas han estado presentes en mayor o menor medida en todos los períodos de la historia del arte en general, bien por
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Páginas especiales solitario o bien en conjunción con otras artes, especialmente la arquitectura. En muchos casos han marcado de forma determinante
Enlace permanente algún período histórico, como el arte bizantino, el islámico o el gótico, de tal forma que no sería posible valorarlo adecuadamente sin la
Información de la presencia de este tipo de realizaciones. En otros casos, especialmente el de culturas nómadas, es el único tipo de realización artística
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llevado a cabo por estos pueblos, como es el caso de los escitas o de los pueblos germánicos que invadieron el Imperio romano. En
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muchas culturas las artes decorativas han tenido un estatus similar al resto de las artes, como es el caso de la cerámica griega o la laca
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china. Cabe también valorar la estrecha relación entre las artes decorativas y la cultura popular, que a menudo ha tenido en este medio
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su principal vía de expresión.3
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Índice
1 Prehistoria
2 Arte antiguo
2.1 Mesopotamia
2.2 Egipto
2.3 Otras manifestaciones
3 Arte clásico
3.1 Grecia
3.2 Roma
4 Arte medieval
4.1 Arte paleocristiano
4.2 Arte bizantino
4.3 Arte germánico
4.4 Arte prerrománico
4.5 Arte románico
4.6 Arte gótico
5 Arte de la Edad Moderna
5.1 Renacimiento
5.2 Barroco
5.3 Rococó
5.4 Neoclasicismo
6 Arte contemporáneo
6.1 Siglo XIX
6.1.1 Romanticismo
6.1.2 Historicismo
6.1.3 Arts & Crafts
6.1.4 Modernismo
6.2 Siglo XX
6.2.1 Técnicas tradicionales
6.2.2 Art déco
6.2.3 Bauhaus
6.2.4 Diseño industrial
6.2.5 Nuevas tendencias
6.3 Siglo XXI
7 Arte no occidental
7.1 África
7.2 Oceanía
7.3 Arte precolombino
7.4 Asia
7.4.1 China
7.4.2 Japón
7.4.3 Corea
7.4.4 Sudeste asiático
7.4.5 India
7.5 Arte islámico
8 Véase también
9 Notas
10 Referencias
11 Bibliografía
12 Enlaces externos
Prehistoria [ editar ]
Artículo principal: Arte prehistórico
El arte prehistórico es el desarrollado por el ser humano primitivo desde la Edad de Piedra (Paleolítico superior, Mesolítico y Neolítico)
hasta la Edad de los Metales, períodos donde surgieron las primeras manifestaciones que se pueden considerar como artísticas por
parte del ser humano. En el paleolítico (25 000-8000 a. C.), el hombre se dedicaba a la caza y vivía en cuevas. Tras un período de
transición (mesolítico, 8000-6000 a. C.), en el neolítico (6000-3000 a. C.) se volvió sedentario y se dedicó a la agricultura y la ganadería,
con sociedades cada vez más complejas (estratificación social, religión). Comienza entonces la
producción de piezas de artesanía, ya que las obras manufacturadas solían tener una incipiente
decoración, si bien no había una conciencia plena de elaboración de productos artísticos. Por
último, en la llamada Edad de los Metales (3000-1000 a. C.), surgieron las primeras
civilizaciones protohistóricas.4
Las primeras manifestaciones que se podrían considerar artes decorativas proceden del
neolítico, período en el que aparecen las primeras decoraciones arquitectónicas y las primeras
obras de cerámica, así como el arte textil. Entre las primeras pueden citarse como más
relevantes el friso con decoración de espirales de Hal Tarxien (Malta) o el poste de piedra
igualmente decorado con espirales del túmulo de New Grange (Irlanda).5 En el milenio IV a. C.
apareció la llamada cerámica cardial, decorada con impresiones de conchas (cardium), Vaso campaniforme de
Ciempozuelos, de arcilla negra
realizadas en toda la superficie a modo de horror vacui. Ha sido encontrada en diversos puntos
pulimentada con una capa de barro
de Europa occidental y oriental.6 fino y decorada con motivos
geométricos incisos rellenos de pasta
El neolítico dio paso a la Edad de los Metales, pues la
blanca, Museo Arqueológico Nacional,
utilización de elementos como el cobre, el bronce y el Madrid
hierro supuso una gran transformación material para
estas antiguas sociedades. La metalurgia del bronce
apareció en Anatolia, desde donde pasó a Chipre y Creta y, posteriormente, el resto de Europa.
La mayoría de sus realizaciones eran de arte mobiliar, preferentemente joyas y armas,
decoradas con motivos geométricos abstractos. Surgió entonces la orfebrería, donde se
trabajaba el oro y piedras preciosas como el jade o el ámbar, con realizaciones como el collar de
jade de Poltalloch (Escocia), los vasos de oro de Rillaton (British Museum) y Glenisheen
Réplica del conjunto del tesoro de
El Carambolo (siglo VII a. C.-siglo (Irlanda), el casco de oro de Poiana (Rumanía) o la taza de oro de Borgbjerg (Dinamarca).7 En
V a. C.), Museo Arqueológico de cerámica surgieron en el calcolítico los vasos campaniformes con motivos ornamentales
Sevilla inspirados en la cestería, originaria de España y con una difusión posterior por toda Europa.8
En la Edad del Hierro destacaron las culturas de Hallstatt (Austria) y La Tène (Suiza). La primera
se dio entre el siglo VIII a. C. y el siglo V a. C., caracterizada por la cerámica polícroma, con decoraciones geométricas y aplicaciones de
adornos metálicos. La Tène se desarrolló entre el siglo V a. C. y el siglo I a. C., ligada a la cultura celta. Destacó por sus objetos en
hierro (espadas, lanzas, escudos, fíbulas), con diversas fases de evolución (La Tène I, II y III). Al final de esta era recibió las influencias
griega, etrusca y del arte de las estepas.9 Algunas realizaciones célebres son el caldero de plata de Gundestrup (Dinamarca), las
vasijas de bronce de Basse-Yutz (Metz) o el espejo de bronce de Birdlip (Gloucestershire).10 En España cabe mencionar en el seno de
la cultura tartéssica el tesoro de El Carambolo, compuesto por diversas piezas de oro y cerámica de depurada factura.11
Arte antiguo [ editar ]
Artículo principal: Arte antiguo
Puede llamarse así a las creaciones artísticas de la primera etapa de la historia, iniciadas
con la invención de la escritura, en las que destacan las grandes civilizaciones del Próximo
Oriente: Egipto y Mesopotamia. También englobaría las primeras manifestaciones artísticas
de la mayoría de pueblos y civilizaciones de todos los continentes. En esta época
aparecieron las primeras grandes ciudades, principalmente en cuatro zonas delimitadas por
grandes ríos: el Nilo, el Tigris y el Éufrates, el Indo y el río Amarillo.
Mesopotamia [ editar ] Cerámica esmaltada de la puerta de

Istar, que representa un animal fantástico
Artículo principal: Arte de Mesopotamia con cabeza de serpiente y patas de león y
águila, Museo de Pérgamo, Berlín
El arte mesopotámico se desarrolló en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates
(actuales Siria e Irak), donde desde el milenio IV a. C. se sucedieron diversas culturas
como los sumerios, acadios, amorritas, asirios, caldeos, etc. En Mesopotamia la carencia de piedra llevó a la construcción con ladrillo y
adobe, materiales pobres que requerían un revestimiento si se quería construir un edificio más o menos estético, lo que se lograba con
apliques cerámicos.12 Aquí se inventaron las primeras herramientas de alfarería, como el torno y el horno de dos cámaras, cerca del
3400 a. C.13 Las obras de cerámica esmaltada decoraban las paredes de los palacios y las puertas de las ciudades, como la de Istar en
Babilonia, con dibujos de leones y animales fantásticos. Un buen ejemplo es el templo de Eanna en Uruk, del que proceden las muestras
más antiguas de decoración cerámica, a través de unas piezas de colores rojo, blanco y negro, dispuestas a modo de mosaico
geométrico. Esta decoración evolucionará más adelante a motivos como rosetas o trenzados, como en los templos de Tell Halaf y El
Obeid. En los zigurats sumerios, asirios y babilónicos era tradicional recubrir cada uno de sus pisos de un color distinto, al tiempo que
evolucionaban las ornamentaciones hacia motivos cada vez más complejos, con representaciones mitológicas y escenas historiadas,
como en el templo de Eanna en Uruk.14
En la evolución de la cerámica decorativa se perciben por primera vez efectos estéticos y simbólicos que denotan una voluntad creadora
alejada de la realización meramente estructural. El aspecto estético se percibe especialmente en el cromatismo, a través de la búsqueda
de entonaciones no degradadas que contrastan entre sí. El aspecto simbólico se manifiesta en los efectos de luz y brillo conseguidos
mediante la cerámica vidriada, que se asocian en templos y palacios con los grandes seres que dominan el mundo, sean divinos o de la
realeza.15 Este rico cromatismo se aprecia asimismo en los mosaicos taraceados y en las obras de orfebrería, donde abundan el oro y
las piedras preciosas, como el nácar y el lapislázuli.16 Los mejores exponentes son los tesoros encontrados en las tumbas reales de Ur,
con obras como el llamado mosaico del Estandarte o las joyas de la reina Shubad, conservadas en el British Museum.17
En esta región se desarrolló notablemente la glíptica, a través de sellos de forma cilíndrica grabados en mármol, caliza o concha,
decorados con motivos geométricos, animales (reales o fantásticos), inscripciones cuneiformes o escenas históricas, religiosas o de la
vida cotidiana, como un cilindro sumerio del 2800 a. C. grabado con un banquete nupcial.18 En las artes del metal destacan las puertas
de Balawat, en la ciudad asiria de Imgur-Bel, realizadas en bronce entre el 860 y el 849 a.C., decoradas con escenas de las campañas
militares de Salmanasar III.19
Egipto [ editar ]
Artículo principal: Arte del Antiguo Egipto
En Egipto surgió una de las primeras grandes civilizaciones, con obras de arte elaboradas y
complejas que suponen ya una especialización profesional por parte del artista/artesano. Con un
sistema político fuertemente centralizado y jerarquizado, su arte era intensamente religioso y
simbólico. Iniciado alrededor del 3000 a. C., el arte egipcio perduró hasta la conquista de
Alejandro Magno, si bien su influencia persistió en el arte copto y bizantino.20
El arte egipcio se caracteriza por la unidad estilística mostrada

uniformemente durante toda su historia, que se manifiesta en aspectos
como el estatismo y la rigidez de sus figuras, la minuciosidad del detalle
o el sentido plano de la escena y el color, con una policromía de colores
sin degradaciones, con contornos marcados. Esto se percibe asimismo
en la orfebrería con el tabicado y embutido de distintos materiales, o en
el vidrio mediante la unión de bandas onduladas monocromas.21 Una
de sus mayores manifestaciones dentro del marco arquitectónico fue la Máscara funeraria de Tutankamón
pintura y el relieve policromado, que decoraba tanto interiores como (c. 1354-1340 a. C.), Museo Egipcio de
exteriores de edificios, como se percibe en el palacio de Tell el-Amarna El Cairo
(dinastía XVIII).22
Estatua de bronce Los egipcios lograron grandes avances técnicos, especialmente en orfebrería, como en el batido del oro, el
damasquinado de la cincelado, el grabado a buril, el granulado y la incrustación.23 Algunas realizaciones sobresalientes son: los
reina Karomama
Merimut I, Museo del brazaletes de la esposa del rey Djer (dinastía I), los brazaletes de Hetepheres I (dinastía IV), el collar usej de
Louvre, París Imthepy (dinastía VI), la cabeza de oro del dios Horus hallada en Hieracómpolis (dinastía VI), la diadema y el
cinturón de la princesa Sit-Hator (dinastía XII), el pectoral de Sesostris II (dinastía XII) y las joyas encontradas
en la tumba de Tutankamón (dinastía XVIII), entre las que destaca su máscara funeraria, de oro batido con
incrustaciones de pasta de vidrio y lapislázuli, cuarzo y feldespato, así como el sarcófago, de 1110 kg de oro puro.24
La ebanistería era de maderas importadas (ébano, cedro y ciprés), recubiertas a menudo de oro o marfil, como los muebles de las
tumbas de Yuya y Tuyu (Museo Egipcio de El Cairo).25 En piedra destacan las paletas de esquisto con formas de animales (Paleta de
los perros, Museo del Louvre), o los vasos de caliza, basalto o alabastro de diferentes formas (piriforme, cordiforme, esférica, cilíndrica,
de barrilete).26 La cerámica se dio en dos vertientes: alfarería y loza fina; en la primera, realizada con torno desde el 3200 a. C., se
encuentran múltiples formas y motivos decorativos, mientras que la loza es empleada como revestimiento arquitectónico —como se
puede percibir en Saqqarah, Tell el-Amarna o Medinet Habu— y en la elaboración de diversos objetos (collares, canopes, vasos, vasijas,
copas).27 La metalurgia egipcia se centró en el cobre y el bronce, ya que el hierro no se usó hasta época grecorromana. Los principales
objetos realizados eran vasos, espejos, fuentes y jarras, así como estatuillas de bronce a la cera perdida, como la de la reina Karomama
(dinastía XXII), damasquinada en oro.28 El tejido se centró en el lino, tanto en el vestido como en tapices y alfombras, como en el tapiz
decorado con flores de la tumba de Tutmosis IV (Museo de El Cairo) o la alfombra de la tumba del arquitecto Ja (Museo Egipcio de
Turín). Destacan los vestidos hallados en la tumba de Tutankamón, revestidos de cuentas de cerámica y plaquetas de oro. Los egipcios
también trabajaron el cuero, como se denota en las sandalias de Tutankamón, de cuero verde con hojas de oro, y en la tienda fúnebre
de la reina Isimjeb (dinastía XXI).29
Otras manifestaciones [ editar ]
Arte de las estepas: es el correspondiente a los pueblos nómadas que habitaban las llanuras euroasiáticas (cimerios, escitas, hunos,
sármatas, etc.), principalmente entre el II y el I milenio a. C. Su arte era preponderantemente mobiliar, fácil de transportar, al ser un
pueblo nómada. Ligado a la metalurgia, destacan los objetos en bronce, hierro y metales preciosos (armas, escudos, fíbulas,
cinturones, joyas), así como obras en madera, hueso, cuero, telas y alfombras. En sus obras destacan los motivos animalísticos,
posiblemente de origen totémico. El arte escita influenció al de los pueblos germánicos, vikingos y paleocristianos.30
Arte hitita: el Imperio hitita se desarrolló en Anatolia, Armenia y Siria entre los siglos XVII y XII a. C. Recibió influencia mesopotámica y,
a su vez, influenció al arte persa, minoico y etrusco. Los hititas elaboraban una cerámica monocroma de aspecto brillante y
pulimentado, además de productos más elaborados como vasos teriomorfos y recipientes policromados con decoración en relieve.
De los restos hallados cabe destacar unas jarras de pico largo encontradas en Kültepe y
Alişar Hüyük, así como un vaso con forma de león procedente de Kara Hüyük que el
arqueólogo Georges Contenau definió como «el antepasado de los aguamaniles».31
También destacaron en orfebrería, principalmente amuletos y colgantes de oro, y unos rytha
teriomorfos en plata conservados en la colección N. Schimmel.32
Arte fenicio: pueblo de tradición marinera, dedicados principalmente al comercio, navegaron
por todo el Mediterráneo y el norte de África, y fundaron la ciudad de Cartago en la actual
Tunicia. Transmitieron la influencia del arte oriental por todo el Mediterráneo. El arte fenicio
se dio también en distintas zonas del Mediterráneo, especialmente Chipre, Cerdeña e Ibiza.
Destacan especialmente en orfebrería, con notables hallazgos arqueológicos como la copa
de oro de Ras Shamra (siglo XIV a. C.) o el pectoral de oro de Byblos (Museo del Louvre).33
Arte ibérico: arracada de la
Arte ibérico: la cultura ibérica se desarrolló entre los siglos VI y I a. C. en la península ibérica.
Condomina (siglo VI a. C.), Museo
Se conservan diversas piezas de orfebrería, algunas de ellas de influencia griega, como las Arqueológico de Villena
del tesoro de Jávea (Museo Arqueológico Nacional, Madrid). En cerámica se distinguen tres
escuelas: la andaluza, de influencia griega, con motivos ornamentales de líneas y círculos; la
del sudeste, con escenas figuradas y temas de animales; y la del Ebro, con representaciones de pájaros y figuras humanas de gran
esquematismo.34
Arte persa: situado en Persia (actual Irán), se prolonga desde el siglo VI a. C. con la dinastía aqueménida hasta el siglo VII d. C. con
la dinastía sasánida. Muchas de sus realizaciones son herederas de las culturas mesopotámicas, lo que se denota en la arquitectura
con el empleo de azulejos, mosaicos y relieves policromados. En Persia tuvieron especial relevancia las artes textiles, tanto en
alfombras y cortinas como en tapices y bordados, que abundaban en la decoración interior. El textil persa influyó notablemente en el
bizantino e islámico, e incluso en el chino y japonés.35
Arte clásico [ editar ]
Artículo principal: Arte y cultura clásica
Se denomina arte clásico al arte desarrollado en las antiguas Grecia y Roma, cuyos adelantos tanto científicos como materiales y de
orden estético aportaron a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza y en el ser humano, donde preponderaba la armonía y el
equilibrio, la racionalidad de las formas y los volúmenes, y un sentido de imitación (mímesis) de la naturaleza que sentaron las bases del
arte occidental, de tal forma que la recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de
la historia en la civilización occidental.36
Grecia [ editar ]
Artículo principal: Arte de la Antigua Grecia
En Grecia se desarrollaron las principales manifestaciones artísticas que han marcado la evolución
del arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas minoica y micénica, el arte
griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico.37 Las artes decorativas
adquieren por primera vez una autonomía propia, desvinculada del marco arquitectónico que
condicionaba las realizaciones egipcias o mesopotámicas.38
En el arte minoico fue importante la pintura decorativa de los

edificios, con escenas figuradas de temáticas diversas —
generalmente inspiradas en la naturaleza—, con una inicial
influencia egipcia de la que se desmarca radicalmente en su Heracles en reposo, ánfora del
sentido rítmico del movimiento (frescos de la Taurocatapsia o pintor de Andócides, c. 520 a. C.,
Staatliche Antikensammlung de
los Delfines del megarón de la reina de Cnosos). Cabe Múnich
destacar también la cerámica, en dos etapas: la de Kamarés
(siglos XIX-XVIII a. C.), de colores claros sobre fondo oscuro, con
Cerámica minoica de Gournia representaciones de motivos geométricos; y la «cerámica de los segundos palacios» (c.
(Creta, siglo XVI a. C.) 1500 a. C.), más naturalista, de motivos vegetales y marinos.39
En el arte micénico se produjeron obras de orfebrería de gran valor artístico, como los vasos y las
máscaras funerarias de oro hallados en los círculos de tumbas de Micenas.37 En la cerámica aparece la figura humana, en escenas
representadas en bandas horizontales.40
Del arte griego propiamente dicho destaca la cerámica decorada con imágenes pictóricas, generalmente alusivas a la mitología griega
pero también a escenas históricas o incluso de la vida diaria, de la que hay dos variantes principales: de figuras negras sobre fondo rojo
y de figuras rojas sobre fondo negro.41 La primera surgió en Corinto en el siglo VII a. C. y, como su nombre indica, las escenas se
pintaban en negro sobre el color original de la arcilla, generalmente de un naranja rojizo. La segunda se atribuye a un pintor conocido
como pintor de Andócides, alrededor del 530 a. C., y consiste en el método contrario, pintar el fondo de negro y dejar la escena
representada del color de la arcilla. Menos usada fue la técnica de fondo blanco, aparecida en Atenas en el siglo VI a. C., en que a la
arcilla se le aplicaba un engobe blanco que posteriormente se pintaba.42 Los griegos idearon numerosas tipologías de objetos
cerámicos, cada uno para una función concreta, entre las que destacan: alabastrón, ánfora, cáliz, crátera, fuente, hydria, jarra, kalathos,
kantharos, kylix, kyathos, lekythos, lutróforo, pátera, plato, psykter, pyxis, rython, skyphos, stamnos, etc.42 La cerámica fue una de las
principales realizaciones materiales de la cultura griega y su copiosa producción hace que subsista en abundancia en la actualidad y
esté presente en la mayoría de museos europeos, entre los que destacan las colecciones de Atenas y del Louvre.43 Su equiparación
con el resto de las artes le otorgó un prestigio que se denota en la firma en muchas ocasiones de la obra por parte del pintor; algunos
ejemplo son: Amasis, Dúrides, Exequias, Eufronio, Midias, Sófilos, Aristófanes, Nearco, Onésimo, Polignoto, etc.44
Los griegos destacaron también en orfebrería, vidrio y mosaico, con innovaciones técnicas como el camafeo, aparecido en Alejandría en
el siglo II a. C., o el vidrio soplado, que surgió en la misma ciudad en el siglo I a. C.45 En mobiliario se encuentran diversas tipologías
como escabeles, sillas de respaldo inclinado sin brazos (klismos), camas de tablas colocadas sobre caballetes o cajas ambivalentes que
servían como contenedor de objetos o como asiento.46 En metal se empleó preferentemente el bronce, con el que se elaboraban todo
tipo de objetos, desde cascos y escudos hasta muebles, vasos, espejos y estatuillas; destaca la crátera de Vix (c. 525 a. C., Museo de
Châtillon-sur-Seine), de hojas de bronce batidas con decoración de relieves a la cera perdida en el cuello.47
Máscara funeraria de Crátera de Vix (c. Hipnos y Ánfora de oro La caza del ciervo, Medallón de Eros (250-
Agamenón (siglo 525 a. C.), Museo Tánatos, de mosaico de la casa del 200 a. C.), Museo del
XVI a. C.), Museo de Châtillon-sur- lekythos de Panagyurisht Rapto de Helena (Pella, Louvre, París
Arqueológico Nacional Seine fondo e (siglo Macedonia), siglo
de Atenas blanco (c. IV a. C.), IV a. C.
440 a. C.), Museo
British Nacional de
Museum Historia
(Bulgaria)
Kline y mesa de la
Illustrated History of
Furniture, from the
Earliest to the Present
Time, Frederick
Litchfield (1893)
Roma [ editar ]
Artículo principal: Arte de la Antigua Roma
Con un claro precedente en el arte etrusco, el arte romano recibió una gran influencia del
arte griego. Gracias a la expansión del Imperio romano, el arte clásico grecorromano llegó a
casi todos los rincones de Europa, norte de África y Próximo Oriente, y sentó la base
evolutiva del futuro arte desarrollado en estas zonas.48
Entre las artes decorativas romanas destaca el mosaico, elaborado generalmente en opus
sectile, opus vermiculatum u opus tessellatum, entre los que destacan la Batalla de Isos en
Nápoles, el Sacrificio de Ifigenia en Ampurias o Los músicos ambulantes de la villa de
Mosaico de la Batalla de Isos (c. siglo
Cicerón en Pompeya, firmado por Dioscórides de Samos.49 También destacó la terra I a. C.), Museo Arqueológico Nacional de
sigillata, un tipo de cerámica roja decorada con estampación o mediante relieves hechos a Nápoles
molde.50 Los romanos avanzaron notablemente en el arte lapidario, como sus vasos
realizados en ágata, sardónice y pórfido, así como en la glíptica, tanto en piedras grabadas
como en camafeos, con temas que van desde la mitología y el retrato hasta la animalística y las escenas de género; entre ellas cabe
destacar el Gran Camafeo del tesoro de la Sainte-Chapelle, que representa la glorificación de Germánico.51
En el seno de la arquitectura tuvo también gran importancia la pintura

ornamental, como se evidenció tras el hallazgo de los restos de
Pompeya. En las villas romanas la pintura asumió una nueva finalidad,
la modificación de lo tectónico a través del carácter ilusionista de la
pintura, tanto a través de escenas figurativas como mediante la
imitación de otros materiales, como el mármol, recreado
pictóricamente para tapar el uso edilicio de materiales pobres.52
También fue corriente el uso del estuco, una técnica en la que se
consiguió un alto grado de refinamiento en el modelado de figuras y
enmarques, como se percibe en la casa de Livia, en La Farnesina y en Gemma Augustea (c. 10-
la bóveda del Coliseo.53 30 d. C.), camafeo de sardónice,
Vasija de Portland Museo de Historia del Arte de
En el vidrio se generalizó la técnica del soplado, con variantes como el Viena
(siglo I), British Museum
soplado en moldes, y se obtuvo el vidrio transparente. La decoración
se hacía con hilos de vidrio de diferentes colores. Uno de los mejores
exponentes es el vaso Portland (siglo I), con dos capas de cristal, azul y blanco, imitando un camafeo.54 La orfebrería destacó por su
suntuosidad, con gusto por los contrastes cromáticos, en piezas de gran valor y pericia técnica destinadas solo a las élites con gran
poder adquisitivo.55 Un buen exponente es el busto de oro de Marco Aurelio hallado en Avenches (Suiza), del siglo II.56 El trabajo del
metal tuvo su máxima expresión en los vasos de bronce, a veces con incrustaciones de oro o plata; un buen ejemplo es el vaso de
Cornelia Chelidoni procedente de Pompeya, en forma de sístula con asas de plata y trípode de monstruos alados (Museo de
Nápoles).57
En mobiliario destaca el triclinium —de origen etrusco—, lecho donde los romanos se recostaban a comer. En época imperial se dieron
muebles con decoración helenística de gran lujo, con patas de mármol en forma de leones, grifos, esfinges y otros animales, a menudo
con adornos de bronce. Los muebles más usados eran: sillas de respaldo inclinado (cathedra), escabeles de sección redonda con patas
de tijera (sella) y armarios con estantes interiores cerrados por dos batientes.46 En el textil destacó el uso de la seda, importada de
China, que a menudo se decoraba con dibujos de hilos de oro (aurum phrygium).58
Arte medieval [ editar ]
Artículo principal: Arte medieval
La caída del Imperio romano de Occidente marcó el inicio en Europa de la Edad

Media, etapa de cierta decadencia política y social, pues la fragmentación del
imperio en pequeños estados y la dominación social de la nueva aristocracia militar
supuso la feudalización de todos los territorios anteriormente administrados por la
burocracia imperial. Las nuevas culturas dominantes —de origen germánico—
reinterpretaron el arte clásico, mientras que la nueva religión, el cristianismo,
impregnó la mayor parte de la producción artística medieval.59
Mosaico de la Pastoral celeste (primera mitad del
Arte paleocristiano [ editar ] siglo V), Mausoleo de Gala Placidia, Rávena
Artículo principal: Arte paleocristiano
Es el arte de los primeros tiempos del cristianismo, surgido en el seno del Imperio romano, primero en la
clandestinidad y posteriormente de forma oficial, tras la adopción del cristianismo por el emperador Constantino I el
año 313. Se desarrolló notablemente el mosaico, generalmente con temas bíblicos y de los santos. Unos primeros
ejemplos destacables se dan en las basílicas de Santa Pudenciana y Santa María la Mayor en Roma, tras los que
destacan por su excelencia los de Rávena, que influirán en el arte bizantino: en el siglo V destaca el mosaico de la
Cátedra de Pastoral celeste en el Mausoleo de Gala Placidia, así como las escenas evangélicas y las procesiones de santos de
Maximiano (c. San Apolinar el Nuevo.60
547), Museo
Arzobispal de Destacó igualmente la miniatura, de la que se distinguen dos escuelas: la helenístico-alejandrina, de formas
Rávena clásicas y cuidada ambientación (Rollo de Josué, Biblioteca Vaticana); y la siria, que otorga gran importancia a la
figura humana, generalmente sobre fondos purpúreos (Evangeliario de Rábula, Florencia).61
Del resto de artes aplicadas destacó la eboraria, cuya iconografía, de origen helenístico-alejandrino, influyó en el arte carolingio; uno de
los mejores ejemplos es la cátedra de Maximiano en Rávena, así como la lipsanoteca (caja de reliquias) de Brescia. Otro exponente
destacable son las ampollas con que los peregrinos traían agua del río Jordán, conservadas en la catedral de Monza, con temas
evangélicos de iconografía siria.62 El vidrio se dio especialmente en los vasos, copas y cálices a menudo destinados a la liturgia, a
veces con fondo de oro y grabados con escenas religiosas.63 El bronce fue empleado principalmente en lámparas, como la de Florencia
con forma de barco que simboliza la Iglesia, del siglo IV.64 El tejido se desarrolló especialmente en el arte copto, con telas de lana y
trama de lino en punto gobelino.65
Arte bizantino [ editar ]
Artículo principal: Arte bizantino
Pese a la caída del Imperio romano de Occidente, en Oriente perduró —conocido como Imperio
bizantino— hasta la conquista de Constantinopla en 1453 por los turcos otomanos. Heredero del
arte helenístico, el arte bizantino recogió las principales tradiciones artísticas orientales, de las
que fue puerta de entrada en Europa, donde el arte bizantino influyó en el arte prerrománico y
románico.66
El arte bizantino heredó del paleocristiano sus dos tradiciones musivarias, la helenística y la
siria; esta última, caracterizada por la concepción plana de las escenas y la idealización de las Justiniano y su séquito, mosaico de
figuras, es la que acabaría imponiéndose. Destacan los mosaicos de San Demetrio de Salónica, San Vital de Rávena (siglo VI)
los de Santa Sofía de Constantinopla (Cristo Pantocrátor del mosaico de la Déesis, escena de El
emperador León VI prosternado ante Cristo) y los de San Vital de Rávena, especialmente la
escena de Cristo entrega la corona del triunfo a san Vital y las representaciones de Justiniano y Teodora con sus séquitos. Los mosaicos
de la Italia bizantina ejercieron una notable influencia en el arte medieval europeo, especialmente los de la escuela veneciana (San
Marcos de Venecia, Torcello) y los de la siciliana (Cefalù, Monreale, capilla palatina de Palermo).67
Del resto de artes aplicadas sobresalieron las textiles, de inspiración sasánida, caracterizadas por las escenas enmarcadas en círculos;
y la orfebrería, en la que destaca el empleo del oro en abundancia y del esmalte tabicado o alveolado, con realizaciones como la Pala de
oro de San Marcos de Venecia o el tesoro del Monte Athos.68 El mobiliario era más lujoso que en Occidente, con incrustaciones de oro,
plata y nácar, y revestimientos con paños y cojines.46
Arte germánico [ editar ]
Artículo principal: Arte germánico
Los pueblos germánicos se asentaron en el antiguo Imperio romano de Occidente tras su caída
en el año 476, fecha en que se crearon numerosos reinos regidos por diversas tribus, como los
ostrogodos en Italia, los visigodos en España o los francos en Francia, cada uno con su propia
cultura y diversidad de estilos artísticos.69 Las principales realizaciones de estos pueblos eran
de arte mobiliar, generalmente de carácter suntuoso (fíbulas, armas, espuelas, broches de
cinturón) y con motivos ornamentales alejados del naturalismo, por lo general formas Corona de Hierro de la reina
geométricas y de entrelazo.70 Entre las obras realizadas por estos pueblos en el terreno de las Teodolinda (c. 590-600, catedral de
artes aplicadas destacan las piezas de orfebrería, en las que abunda la técnica del esmalte en Monza), realizada según la tradición
con el hierro de uno de los clavos de la
frío, unos trozos de pasta fría que se introducían en celdillas; otras técnicas eran la decoración
crucifixión de Cristo
por entalladura y cuña, la taracea alveolar, el burilado y cincelado, la filigrana y el
damasquinado.71 Merecen destacarse en este terreno el tesoro de Childerico (Biblioteca
Nacional de París) y el tesoro de la reina Teodolinda (catedral de Monza).72
En la península ibérica, el arte visigodo destacó en orfebrería, sobre todo en fíbulas, coronas y cruces,
como los hallados en los tesoros de Guarrazar (Museo Arqueológico Nacional) y Torredonjimeno (Museos
Arqueológicos de Madrid, Barcelona y Córdoba), de influencia bizantina.73
Arte prerrománico [ editar ]
Artículo principal: Arte prerrománico
Se denomina así a los múltiples estilos desarrollados en Europa desde la coronación de Carlomagno (año
800) hasta alrededor del año 1000, donde la aparición del románico supondrá la divulgación de un mismo
estilo unitario a lo largo de todo el continente europeo. Esta acepción es simplemente una forma de
englobar una serie de estilos independientes y con pocos o ningún Corona de Recesvinto
factor común, con el único aglutinante de ser predecesores de la del tesoro de Guarrazar,
Museo Arqueológico
internacionalización del románico.59 Nacional, Madrid
Arte carolingio: es el desarrollado en el Sacro Imperio Romano-
Germánico desde la coronación de Carlomagno el año 800. Se
Altar de San Ambrosio de Milán (c. desarrolló notablemente la miniatura, en la que se distinguen varias escuelas: la palatina, ligada
850), de Vuolvinus a los scriptoria del emperador, de figuras majestuosas y solemnes y abundante empleo de oro y
plata (Evangeliario de la Coronación, Viena; Evangeliario de Godescalco, Biblioteca Nacional de
París); la de Tours, vinculada al miniaturista Alcuino, de influencia irlandesa; la de Reims, de
fuerte carácter expresivo que apunta ya al románico (Salterio de Utrecht, Biblioteca de la Universidad de Utrecht; Evangeliario de
Ebo, Biblioteca de Épernay); y la de Saint-Denis, que recoge todos los avances de la miniatura carolingia.74 También destacó la
orfebrería, con diversas técnicas, desde el esmalte en frío hasta la filigrana y el nielado, con cierta influencia bizantina (cáliz de
Tassilo, Kremsmünster; altar de San Ambrosio de Milán, obra de Vuolvinus; tapa del Evangeliario de Lindau, The Morgan Library &
Museum; relicario de Sainte-Foy de Conques).75
Arte otoniano: se denomina así al desarrollado en el Sacro Imperio Romano-Germánico durante el reinado de la dinastía otoniana
(siglos X-XI). La miniatura fue heredera de la carolingia, especialmente de la escuela de Reims, de nuevo con influencia bizantina.
Destacan los scriptoria de Corvey, Echternach, Tréveris, Hildesheim, Salzburgo y, especialmente, Reichenau, donde trabajó el
miniaturista Liutardo (Evangeliario de Otón III, Biblioteca de Múnich) y donde se realizó el Codex Egberti (Biblioteca de Tréveris). En
orfebrería continuó la tradición del esmalte, con obras como el altar de Basilea (Museo de Cluny), la cruz de la abadesa Matilde
(Essen) y la corona de Conrado II (Viena). También cabe mencionar el manto de Enrique II (Bamberg), recamado en oro y seda y
decorado con motivos religiosos y del zodiaco.76
Arte celta: desarrollado en las islas británicas, se desarrolló una escuela de miniatura de influencia carolingia, con un principal centro
de producción en Winchester (Pontifical de San Aethelwold, British Museum). En orfebrería merecen destacarse la llamada joya del
rey Alfredo (Ashmolean Museum, Oxford) y el estuche de la campana de san Patricio (Museo de Dublín).77
Arte vikingo: los pueblos de Escandinavia elaboraron principalmente arte mobiliar, por lo general armas, fíbulas y cinturones, de los
que destacan las fíbulas con largas agujas y las espadas con botón terminal y anillos en la empuñadura, decorados en
damasquinado, tabicado y filigrana.78
Arte asturiano: con la invasión musulmana de la península ibérica (711-726) los cristianos se vieron reducidos a la región de Asturias.
El arte asturiano se dio en el siglo IX, en tres etapas: prerramirense, ramirense y posramirense, en función del reinado de Ramiro I
(842-850). Sobresale igualmente la orfebrería, donde se denota la influencia carolingia. Algunos
exponentes son: la cruz de los Ángeles (Cámara Santa de la Catedral de San Salvador de Oviedo),
donada en 808 por Alfonso II el Casto a la catedral ovetense, con labores de filigrana, camafeos y
piedras engastadas; la cruz de la Victoria (Cámara Santa de la Catedral de Oviedo), donada por Alfonso
III el Magno en 908, con piedras preciosas y placas de esmalte, símbolo representativo del Principado
de Asturias al figurar tanto en su bandera como en su escudo; la caja de las Ágatas (Cámara Santa de
la Catedral de Oviedo), donada en 910 por el infante Fruela de Asturias, de planchas de oro recortadas
en arquerías y láminas de ágata y ónice; y la arqueta de San Genadio (Museo de la Catedral de
Astorga), de plata dorada en repujado e incrustaciones de vidrio.79
Arte mozárabe: se denomina mozárabes a los cristianos que vivían bajo la dominación islámica y que, al
pasar de nuevo a territorio reconquistado por los cristianos, practicaban un tipo de arte de gran
influencia islámica. Se desarrolló sobre todo en el siglo X, principalmente al norte del Duero, en el alto
La cruz de los Ángeles
Ebro, sur de Galicia, Cantabria y Pirineos. Cabe destacar en miniatura los beatos, ilustraciones del
(arriba), la cruz de la
Comentario al Apocalipsis del Beato de Liébana, con ilustraciones expresivas y de carácter Victoria y la caja de las
eminentemente fantástico. Su iniciador fue el miniaturista Magio (Beato Morgan, The Morgan Library & Ágatas, Cámara Santa de
Oviedo
Museum, Nueva York), al que siguieron Emeterio (Beato de Tábara, Archivo Histórico Nacional) y la
monja Ende (Beato de Gerona, catedral de Gerona, en colaboración con Emeterio). Otras obras de
artes aplicadas son: la cajita del obispo Ariano (catedral de Oviedo), la cruz de Santiago de Peñalba (Museo Arqueológico de León),
la campana del abad Sansón (Museo de Córdoba), el ara de plata de San Pedro de Roda (Selva de Mar) y el cáliz de Santo
Domingo de Silos.80
Arte románico [ editar ]
Artículo principal: Arte románico
El arte románico representa el primer estilo de carácter internacional de la cultura europea

occidental, con una identidad plenamente consolidada tras el paso del latín a las lenguas
vernáculas. De carácter eminentemente religioso, casi todo el arte románico estaba dirigido a la
exaltación y divulgación del cristianismo. Surgido a mediados del siglo XI, se desarrolló
fundamentalmente durante el siglo XII, a finales del cual empezó a coexistir con el incipiente
gótico. En el románico culminaron los diversos estilos producidos por el prerrománico, a la vez
que se denota la influencia oriental del arte bizantino.81
En la miniatura predominaron dos escuelas: la italiana, de influencia bizantina, realizada sobre Tapiz de la Creación (siglo XI),
todo en rollos de pergamino; y la inglesa, caracterizada por sus elaboradas iniciales y por sus Museo Catedralicio de la Catedral de
Gerona
imágenes expresionistas, donde descuella la escuela de Winchester. En España se percibe aún
la influencia mozárabe, aunque se van introduciendo los cánones europeos, en obras como la
Biblia de San Pedro de Roda (Biblioteca Nacional de París), la Biblia de Ripoll (Biblioteca Vaticana), el Libro de los feudos (Archivo
Histórico de la Ciudad de Barcelona ) y el Libro de los testamentos (catedral de Oviedo).82
Dentro del marco arquitectónico tuvo una gran relevancia la escultura ornamental, especialmente la de los tímpanos de fachadas de
iglesias y la de los capiteles de columnas, decorados con motivos geométricos, vegetales, animales o monstruos, o bien con escenas
religiosas, con una fuerte influencia oriental.83 El mosaico continuó utilizándose especialmente en pavimentos, como el de la Ascensión
de Alejandro de la catedral de Orvieto (1163-1166) o los signos del zodíaco de la basílica de San Miniato al Monte (Florencia, 1207).84
En esta época sobresalió la orfebrería, con empleo abundante de oro y piedras preciosas, como en el Relicario de los Tres Reyes Magos
(catedral de Colonia), obra de Nicolás de Verdún, y el Cáliz de doña Urraca (San Isidoro de León). También destacó el esmalte, con un
importante centro productor en Limoges, donde se desarrolló la técnica del campeado, con ejemplos como la lauda funeraria de
Godofredo Plantagenet (Museo de Tessé, Le Mans) o los frontales de Santo Domingo de Silos (Museo Provincial de Burgos), de la
catedral de Orense y de San Miguel in Excelsis (Huarte-Araquil). También tuvieron relevancia las labores textiles, especialmente los
bordados, como el Tapiz de Bayeux (siglo XI), con escenas de la conquista de Inglaterra por los normandos, o el Tapiz de la Creación de
la catedral de Gerona (siglo XI), con escenas del Génesis.85
La vidriería se desarrolló como cerramiento de vanos entre finales del e inicios del XII, cuando fue objeto igualmente de soporte para la
plasmación de programas iconográficos relacionados con el cristianismo. Uno de los primeros exponentes es la Cabeza de Cristo de la
iglesia de San Pedro y San Pablo de Wissembourg (Musée de l'Œuvre Notre-Dame, Estrasburgo), a la que siguieron los vitrales de las
catedrales de Le Mans, Poitiers, Angers, Bourges, Chartres, etc.86
En metalistería predominó el uso del bronce, como en las puertas de la iglesia de San Miguel de Hildesheim, decoradas con escenas del
Génesis y de la vida de Cristo,87 o de la catedral de Verona, obra de Vigilelmus.88 Este material también se dio en lámparas, cruces,
candelabros, cálices, aguamaniles y pilas bautismales, como la de la iglesia de San Bartolomé de Lieja, obra de Renier de Huy.89 El
hierro se dio principalmente en las rejas para coros, como los de la iglesia abacial de Sainte-Foy de Conques, la colegiata de San Isidoro
de León o de las catedrales de Angers, Durham, Winchester, Jaca y Palencia.90
En ebanistería predominó la simplicidad y la severidad, como correspondía a la religión preponderante, el cristianismo, que propugnaba
la pobreza y la austeridad. En los monasterios nació el escritorio, mesa con puertecillas y estantes, con atriles y repisas para libros.
Proliferaron los arcones, que servían para guardar ropa y, a la vez, como asiento. Las camas ganaron en altura y se aislaron del suelo, a
menudo decoradas con baldaquinos con cortinas. Las mesas (mensae) eran largas y apoyadas en trípodes. Las sillas eran plegables
con patas curvadas (faldistorium).91
Cáliz de La Batalla de Hastings (c. 1066- Pila bautismal de la iglesia de Libro de los Relicario de los Tres Reyes
doña 1082), escena del tapiz de Bayeux, San Bartolomé de Lieja (1107- testamentos Magos (c. 1180-1181), obra
Urraca Museo del Tapiz de Bayeux, Bayeux 1108), obra de Renier de Huy (c. 1118), de Nicolás de Verdún,
(siglo XI), catedral de catedral de Colonia
Colegiata Oviedo
de San
Isidoro de
León
Olifante de Saint-Arnoul de
Metz, tallado en marfil del
siglo XII del sur de Italia
Arte gótico [ editar ]
Artículo principal: Arte gótico
El arte góticonota 1 se desarrolló entre los siglos XII y XVI, época de gran desarrollo económico y cultural. El
fin de la época feudal supuso el afianzamiento de los estados centralizados, con mayor predominio de las
ciudades sobre el campo, al tiempo que un sector cada vez mayor de la sociedad tenía acceso a la cultura,
que dejó de ser patrimonio exclusivo de la Iglesia. El auge de las universidades comportó un aumento de
los estudios científicos, filosóficos y literarios, y sentó las bases de la cultura moderna. Las artes
decorativas tuvieron gran relevancia durante el gótico, favorecidas por las nuevas clases urbanas de
mercaderes y artesanos.93
La miniatura gótica se desarrolló especialmente en Francia, con miniaturas caracterizadas por

encuadramientos de corte arquitectónico, influidas por las vidrieras de las catedrales, con un rico
cromatismo, empleo abundante del oro y orlas de tipo vegetal (Salterio de la reina Blanca de Castilla,
Biblioteca del Arsenal, París).94 Se pusieron de moda los libros de horas, decorados con gran suntuosidad,
como en las obras de Jean Pucelle o los hermanos Limbourg, con escenas de gran realismo y minuciosidad
que apuntan ya a la pintura renacentista.95
Una de las principales especialidades del gótico fue la vidriera, que a su función iluminadora unió un
aspecto simbólico de trascendencia divina. La arquitectura gótica tuvo una gran evolución desde el siglo XII:
ganó altura gracias a nuevos diseños y a la introducción de nuevos elementos arquitectónicos como el arco
ojival y la bóveda de crucería, junto al uso de contrafuertes y arbotantes para sustentar el peso del edificio, Custodia de la catedral
de Toledo (1517-1524), de
lo que permitió la apertura de amplios ventanales que colmaron de luz el interior, que ganó en transparencia
Enrique de Arfe
y luminosidad. Esta luz física cobró igualmente una trascendencia metafísica, dado el carácter simbólico de
los templos cristianos: para los teólogos, la iglesia era la ciudad de Dios, la Nueva Jerusalén.96 Los
amplios ventanales cubiertos de cristales de colores permitían matizar la luz que entraba por ellos, creando fantásticos juegos de luces y
colores, fluctuantes en las distintas horas del día, que se reflejaban de forma armónica en el interior de los edificios. Se realizaban sobre
cristales engarzados en madera, yeso, oro o plomo, los cuales se iban encajando con láminas de plomo. Desde 1340 ya no se hicieron
cristales de colores, sino que se coloreaba sobre cristal blanco.97 Algunos exponentes fueron los vitrales de las catedrales de Chartres,
Reims, Amiens o la Sainte-Chapelle de París, obra de Pierre de Montereau.98
En la orfebrería destacaron especialmente las custodias y los relicarios, donde sobresale el nombre de Enrique de Arfe (custodia de la
catedral de Córdoba, 1518; custodia procesional de la catedral de Toledo, 1517-1524). También continuaron con éxito las obras en
esmalte —en particular las procedentes de Limoges—, con una variedad de esmalte traslúcido sobre plata u oro surgida en el siglo XV
(Tablas alfonsíes de la catedral de Sevilla, Ajedrez de Carlomagno de Roncesvalles, retablo
de la catedral de Gerona).99 La cerámica destacó en Faenza y Manises, y el vidrio en
Venecia y Cataluña.99
La metalistería se dio especialmente en servicios de mesa, como platos, bandejas y

aguamaniles, en los que destacó el taller de Dinant (Bélgica). También cabe citar como obra
destacada las puertas de bronce del baptisterio de Florencia, de Andrea Pisano.87 Se
desarrolló notablemente la rejería, sobre todo en España, con dos escuelas: la catalana, de
un solo cuerpo con remates de motivos florales; y la castellana, de varios cuerpos con frisos
y remates de placas recortadas, como en las obras del toledano Juan Francés.100
A finales del siglo XII surgió en en las regiones

italianas del Lacio y Campania el llamado mosaico
La geometría (1200-1210), vitral del cosmatesco, un tipo de taracea realizado con
rosetón del transepto norte de la Catedral de mármoles de colores, pastas vítreas, pórfidos rojos,
Laon
serpentinas verdes y teselas doradas. Algunas de
las mejores obras en este campo fueron los
claustros de San Lorenzo Extramuros, San Juan de Letrán, Santa María in Aracoeli y Santa Capa pluvial Butler-Bowden (c.
María in Cosmedin, en Roma.101 1330-1350), bordado de opus
anglicanum, Victoria & Albert Museum,
También se desarrolló notablemente el tapiz, con dos principales talleres en París y Arrás. Una Londres
de las mejores producciones es el Tapiz del Apocalipsis (castillo de Angers), elaborado entre
1375 y 1379 por Nicolas Bataille a partir de un cartón de Jean Bondol. Desde finales del siglo XV
descollaron los talleres flamencos, como los de Bruselas, Tournai, Brujas, Valenciennes, Lille y Gante, confeccionados con mayor
riqueza cromática y gran variedad de temáticas.102 El bordado alcanzó cotas de gran calidad en Inglaterra, donde surgió una técnica
llamada opus anglicanum, así como en Florencia, cuya técnica es conocida como opus florentinum.103
En la ebanistería gótica se puso de moda una decoración inspirada en la arquitectura de las catedrales, con ojivas, rosetas y ventanillas
polilobuladas. Cabe destacar igualmente la riqueza decorativa desarrollada en las sillerías de los coros de catedrales y monasterios.104
El mueble más usado fue el arcón, que servía tanto de armario como de banco o mesa, confeccionados generalmente en roble y
armados con herrajes.105
De este período proceden los primeros grabados en Europa, realizados con xilografía: el primero conservado es el San Cristóbal del
Museo Germánico de Núremberg, de 1423. En la década de 1430 apareció la calcografía. El grabado contribuyó a la popularización y
abaratamiento del arte, y permitió al artista un nuevo medio de expresión.106
Moisés en el monte Sinaí y Puertas de Tapiz del Apocalipsis (1375- Las muy Arcón nupcial florentino Trofeo Jarrón de
Moisés ante el faraón bronce del 1379), de Nicolas Bataille, ricas horas con la Batalla de de vidrio mayólica
(siglo XIII), catedral de Colonia baptisterio de castillo de Angers del duque Anghiari (segunda mitad venecian de
Florencia de Berry: del siglo XV), Museo o (c. Manises
(1329), de Junio Arqueológico Nacional, 1450- (c. 1465-
Andrea (1412-16), Madrid 1500), 92), British
Pisano de los Kunstge Museum
hermanos werbem
Limbourg useum,
Berlín
Arte de la Edad Moderna [ editar ]
Artículo principal: Arte de la Edad Moderna
El arte de la Edad Moderna —no confundir con arte moderno, que se suele emplear como
sinónimo de arte contemporáneo—nota 2 se desarrolló entre los siglos XV y XVIII. La Edad
Moderna supuso cambios radicales a nivel político, económico, social y cultural: la
consolidación de los estados centralizados supuso la instauración del absolutismo; los
nuevos descubrimientos geográficos —especialmente el continente americano— abrieron
una época de expansión territorial y comercial, y supusieron el inicio del colonialismo; la
invención de la imprenta conllevó una mayor difusión de la cultura, que se abrió a todo tipo
de público; la religión perdió la preponderancia que tenía en la época medieval, a lo que
coadyuvó el surgimiento del protestantismo; a la vez, el humanismo surgió como nueva
tendencia cultural, dando paso a una concepción más científica del hombre y del Salero de Francisco I de Francia (1539-
universo.108 1543), de Benvenuto Cellini,
Kunsthistorisches Museum, Viena
Renacimiento [ editar ]
Artículo principal: Renacimiento
El Renacimiento fue un estilo surgido en Italia en el siglo XV (Quattrocento), que se expandió por el resto de Europa desde finales de ese
siglo e inicios del siglo XVI (Cinquecento). Los artistas se inspiraron en el arte clásico grecorromano, por lo que se habló de
«renacimiento» artístico tras el oscurantismo medieval. Estilo inspirado en la naturaleza, surgieron nuevos modelos de representación,
como el uso de la perspectiva. Sin renunciar a la temática religiosa, cobró mayor relevancia la representación del ser humano y su
entorno.108
En esta época el artista empezó a tener conciencia de sí mismo como creador y a firmar sus obras,
fenómeno presente igualmente en las artes decorativas. Surgieron diversas escuelas y talleres artesanales
que darían nombre a sus realizaciones, como en cerámica los talleres de Faenza, Gubbio, Urbino, Delft,
Saint-Porchaire, Talavera o Manises.109 Por otro lado, surgió una nueva conciencia de estudio,
investigación y difusión de los oficios artísticos; así, por ejemplo, el orfebre Juan de Arfe publicó los tratados
Quilatador de oro y plata (1572) y De varia conmesuración para esculptura y architectura (1587).110
Jacques Androuet du Cerceau publicó en 1566 su Livre des grotesques, donde exponía diseños para todo
tipo de oficios artísticos.111 Igualmente, Hans Vredeman de Vries publicó varias colecciones de grabados
con diseños de decoración arquitectónica y mobiliario.112 De igual manera, comenzó el estudio histórico de
las artes decorativas, como en Relación del descubrimiento y conquista de Nueva España de Bernal Díaz
La nef Burghley (1527- del Castillo (1568), donde relata los trabajos de orfebrería realizados por los aztecas.110 Cabe también
1528), de Pierre Le
destacar que muchos artífices de «artes mayores» realizaron obras de las consideradas decorativas:
Flamand, nautilus con
montura de plata muchos pintores hacen dibujos para grabados, como Durero, Tiziano o Gentile Bellini; Benvenuto Cellini o
semidorada, Victoria & Hans Holbein hacen diseños de orfebrería; Rafael confecciona cartones para tapices.113
Albert Museum, Londres
Las artes decorativas tuvieron un gran auge debido al gusto por el lujo de las nuevas clases adineradas. La
arquitectura tuvo un marcado componente ornamental, por lo que se desarrollaron ampliamente la pintura y
escultura aplicadas a la construcción. En los edificios renacentistas abundaban las guirnaldas, los grutescos, los florones, los candelieri,
los putti, los bucráneos, las cartelas, los clípeos, los motivos heráldicos y mitológicos, y otros elementos ornamentales. También se
desarrolló ampliamente la pintura en paredes y techos, a menudo con efectos de perspectiva y trompe-l'œil.114 En España, la
arquitectura plateresca —cuyo nombre deriva de la platería— puso una especial atención en los
elementos decorativos, principalmente candelabros, grutescos, festones y columnas
abalaustradas. Un buen exponente son los relieves de mármol del trascoro de la catedral de
Barcelona, de Bartolomé Ordóñez.115
El estuco tuvo un nuevo renacer desde la época romana, especialmente en el taller de Rafael,
donde fue magistralmente utilizado por uno de sus discípulos, Giovanni da Udine.
Posteriormente fue también utilizado asiduamente en la escuela de Fontainebleau,
especialmente por Primaticcio.116 En Florencia surgió en el siglo XVI el llamado «mosaico
florentino», un tipo de embutido de piedras duras colocadas sobre una placa mediante masilla o
cola, con una pulimentación final que le otorgaba un brillo como de espejo; las piedras más
utilizadas eran el cuarzo, la calcedonia, el granito, el pórfido, el jaspe y el ágata. Esta técnica La dama y el unicornio, tapiz
flamenco de finales del siglo XV, Museo
estuvo de moda hasta el siglo XIX.117
Nacional de la Edad Media de París
La tapicería destacó en Flandes, con obras basadas en bocetos desarrollados por pintores como
Quentin Metsys o Bernard van Orley. En la técnica de mille-fleur (milflores) se realizó a finales
del siglo XV el ciclo de La dama y el unicornio.118 Entre 1515 y 1519 se realizó para el papa León X la serie de tapices de Los Hechos de
los Apóstoles, según cartones de Rafael.119 En España destacó el bordado popular, con varios centros de producción, los principales
en la provincia de Toledo.120
El vidrio continuó con cotas de gran calidad en Venecia (Murano), decorado a veces con hilos de oro o con filamentos de vidrios de
colores. En España destacó en Andalucía y Cataluña. La cerámica se elaboró en Italia con barnices vidriados, consiguiendo tonos
brillantes de gran efecto y rico cromatismo, como la cerámica decorada alla madreperla de Deruta, la de reflejos rojos de Gubbio, la
veneciana de color azul semejante a la porcelana o la de Urbino, de color sobre fondo blanco con motivos frecuentemente rafaelescos.
En Francia, Bernard Palissy creó una cerámica con relieves de motivos vegetales y animales.121 En España, el italiano Francisco
Niculoso introdujo la cerámica vidriada pintada (retablo del oratorio del Alcázar de Sevilla), de la que surgirá un importante taller en
Talavera de la Reina. En Manises continuó la tradición de cerámica de reflejos dorados al estilo morisco, y destacó también la loza
catalana.122
La orfebrería fue cultivada por escultores como Lorenzo Ghiberti, Andrea del Verrocchio o Benvenuto Cellini, con piezas de gran
virtuosismo y elevada calidad, como el salero de Francisco I de Francia de Cellini, de traza escultórica. El esmalte pervivió en Limoges
con la familia Penicaud, autores de plaquetas esmaltadas que eran auténticos cuadros.123 En España, la familia Arfe (Antonio, hijo de
Enrique, y su hijo Juan) continuaron la confección de custodias, ahora en estilo plateresco
(custodias de Santiago de Compostela y Medina de Rioseco, de Antonio, y de Ávila, Sevilla y
Valladolid, de Juan).122
En metalistería continuó el trabajo en bronce

especialmente en puertas decoradas con relieves
escultóricos, como las segundas y terceras puertas del
baptisterio de Florencia, obra de Lorenzo Ghiberti, o las
puertas de los pies de la catedral de Pisa, de
Giambologna.87 La rejería continuó en España con
motivos platerescos, como en la obra de fray Francisco
de Salamanca (reja del presbiterio de la catedral de Júpiter y Leda (c. 1530-1540), de
Guido Fontana, mayólica del género
Arcón con escenas del Nacimiento Sevilla) y Cristóbal de Andino (reja de la capilla del
istoriato, Metropolitan Museum of Art,
y la Epifanía (c. 1525-1550), Museo del Condestable de la catedral de Burgos); o puristas, como Nueva York
Diseño de Barcelona
la reja del presbiterio de la catedral de Toledo, de
Francisco de Villalpando.124
La ebanistería incorporó materiales preciosos como el marfil y la madreperla, apliques en hueso, pinturas al temple con motivos
heráldicos o alegóricos, o relieves con panes dorados y plateados. Buen ejemplo de ello eran los studioli, las estancias que los grandes
magnates renacentistas de vocación humanista dedicaban al estudio y al coleccionismo, como el del duque Federico de Urbino, con
paredes revestidas de grandes estanterías con trabajos de taracea, realizado hacia 1450 por Baccio Pontelli según un boceto de
Botticelli. Cabe remarcar que en esta época se introdujo el uso de bocetos para el diseño del mueble, claro ejemplo del carácter a la vez
intelectual y artístico de este trabajo. Destacaron especialmente los diseños de Francesco Salviati. Continuaron las mismas tipologías
que en el periodo medieval (camas, mesas, arcones, armarios), pero con una composición basada en paneles y molduras, y una
decoración de estilo clásico. En el Cinquecento predominó el entallado, con mesas y sillas en forma de X, como la sella curulis
romana.125
Se desarrollaron notablemente las artes gráficas, especialmente gracias a la invención de la imprenta. Aparecieron o se perfeccionaron
la mayoría de las técnicas de grabado: calcografía (aguafuerte, aguatinta, grabado al buril, grabado a media tinta o grabado a punta
seca), linograbado, xilografía, etc. En Italia se desarrolló el grabado en metal, practicado especialmente por los orfebres florentinos
durante los siglos XV y XVI, mientras que en el Cinquecento se perfeccionó el aguafuerte gracias a la obra del Parmigianino. En Alemania
destacó la obra de Durero, especialista en la técnica del buril, aunque también realizó xilografías. En Francia, el grabado fue practicado
por la escuela de Fontainebleau, en la que destacó Jean Duvet, famoso por su serie del Apocalipsis (1561). En Flandes surgieron
notables grabadores en la ciudad de Amberes, como los hermanos Wierix, autores de estampas de excelente técnica y detallismo,
aunque basadas en composiciones ajenas; o Hieronymus Cock, que reprodujo numerosas obras de Brueghel.126
Puerta del Cáliz de Melancolía I Jarra de Tapiz de La batalla de Pavía (1528-1531), de Ilustración del
Paraíso del plata (1514), grabado vidrio Bernard van Orley, Museo de Capodimonte, Apocalipsis
baptisterio sobredorada de Alberto veneciano Nápoles (1561), de
de Florencia de Saint- Durero, Galería (1520), Jean Duvet
(1425-1452), Jean-du- Nacional de dorado y
de Lorenzo Doigt Arte de esmalte
Ghiberti (siglo XVI) Karlsruhe sobre vidrio
soplado,
Museo del
Louvre, París
Jarra de loza Custodia de

vidriada de la catedral de
plomo con Sevilla
decoración (1587), de
aplicada (1580- Juan de Arfe
1600), de
Bernard Palissy,
Victoria & Albert
Museum,
,
Londres
Barroco [ editar ]
Artículo principal: Barroco
El Barroconota 3 se desarrolló entre el siglo XVII y principios del XVIII. Fue una época de
grandes disputas en el terreno político y religioso, en la que surgió una división entre los
países católicos contrarreformistas, donde se afianzó el estado absolutista, y los países
protestantes, de signo más parlamentario. El arte se volvió más refinado y ornamentado,
con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con formas más dinámicas y
efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecdótico, por las ilusiones ópticas y los golpes
de efecto.128
Tal como se inició en el período anterior, el artista fue cobrando una mayor relevancia como La fábula de Aracne (Las hilanderas) (c.
1657), de Diego Velázquez, Museo del
creador, y se fue forjando la figura del artista polifacético que intervenía en todos los Prado, Madrid. La escena representa el
aspectos de una obra. Así, muchos arquitectos se ocuparon de la decoración interior de sus trabajo de unas bordadoras de la fábrica de
edificios, faceta realizada incluso por pintores como Velázquez o Charles Le Brun, que tapices de Santa Isabel de Madrid
dirigieron la decoración de los palacios reales en sus respectivos países.129 En la época

del absolutismo y de la normativización de las artes a través de las academias, se produjo el fenómeno de la intervención real en las
manufacturas de muchas especialidades decorativas: en Francia se crearon la Manufactura Real de Muebles de la Corona, la
Manufactura Real de Tapices de los Gobelinos y la Manufactura Nacional de Porcelana de Sèvres; en España, la Real Fábrica de
Cristales de La Granja, la de porcelana del Buen Retiro, la de tapices de Santa Bárbara y el Real Laboratorio de Mosaicos y Piedras
Duras del Buen Retiro; en Dos Sicilias, la Real Fábrica de Porcelanas de Capodimonte, la Real Fábrica de Tapices de Nápoles, la Real
Fábrica de Mayólicas de Caserta y el Real Laboratorio de Piedras Duras de Nápoles; y, en Rusia, la Fábrica Imperial de Porcelana de
San Petersburgo.130
En general, las artes decorativas barrocas destacan por su recargamiento, suntuosidad y carácter pomposo, con predominio de la línea
curva frente a la recta, gusto por los contrastes lumínicos y los efectos ilusionistas, un cierto carácter escenográfico y de apariencia,
minuciosidad del detalle, uso de materiales diversos y mixtificación de técnicas, y un gusto por lo exótico que se pone de manifiesto en la
importación de productos del Lejano Oriente y, posteriormente, en su imitación (chinoiseries y japonesairies).131 En algunos países
surgieron variedades estilísticas concretas, como los estilos Luis XIV y Regencia en Francia o los estilos jacobino, Restauración,
Guillermo y María y Reina Ana en Inglaterra.
Las artes decorativas tuvieron una gran expansión en el siglo XVII, debido principalmente al
carácter decorativo y ornamental del arte barroco, y al concepto de «obra de arte total» que
se aplicaba a las grandes realizaciones arquitectónicas, donde la decoración de interiores
tenía un papel protagonista, como medio de plasmar la magnificencia de la monarquía o el
esplendor de la Iglesia contrarreformista. En Francia, el lujoso proyecto del palacio de
Versalles conllevó la creación de la Manufacture Royale des Gobelins —dirigida por el
pintor del rey, Charles Le Brun—, donde se manufacturaban todo tipo de objetos de
decoración, principalmente mobiliario, tapicería y orfebrería. La confección de tapices tuvo
La batalla de Zama (1688-1690), tapiz
gobelino diseñado por Giulio Romano, un significativo incremento en su producción y se encaminó a la imitación de la pintura, con
Museo del Louvre, París la colaboración en numerosos casos de pintores de renombre que elaboraban cartones
para tapices, como Simon Vouet, el propio Le Brun o Rubens en Flandes —país que
también fue un gran centro productor de tapicería, que exportaba a todo el continente,
como los magníficos tapices de Triunfos del Santo Sacramento, confeccionados para las Descalzas Reales de Madrid—.132
La orfebrería también alcanzó niveles de elevada producción, especialmente en plata y piedras preciosas. En Italia surgió una nueva
técnica para revestir telas y objetos como altares o tableros de mesa con piedras semipreciosas como el ónice, el ágata, la cornalina o el
lapislázuli. En Francia, como el resto de manufacturas fue objeto de protección real y fue tal la profusión de objetos de plata que en 1672
se promulgó una ley que limitaba la producción de objetos de este metal. La cerámica y el vidrio continuaron generalmente con las
mismas técnicas de elaboración que en el período renacentista: destacaron la cerámica blanca y azul de Delft (Holanda) y el vidrio
pulido y tallado de Bohemia.133 El vidriero de Murano Nicola Mazzolà fue artífice de un tipo de vidrio que imitaba la porcelana china.
También continuó la elaboración de vidrieras para iglesias, como las de la iglesia parisina de Saint-Eustache (1631), diseñadas por
Philippe de Champaigne.134 En metalistería destacaron los trabajos de forja franceses, especialmente rejas y barandillas, decoradas
con motivos como zarcillos, roleos, guirnaldas y flores de lis, como en los palacios de Versalles, Saint-Cloud y Chantilly. En bronce
destacan el baldaquino de San Pedro y la cátedra de San Pedro, ambos de Gian Lorenzo Bernini. También se emplearon en decoración
escultórica el estaño y el plomo.135
En esta época destacó especialmente la ebanistería, que se caracterizó por las superficies onduladas (cóncavas y convexas), con
volutas y diversos motivos como cartelas y conchas. En Italia destacaron: el armario toscano de dos cuerpos, con decoración de taracea
de piedras duras; el escritorio ligur de dos cuerpos, con figuras talladas y superpuestas (bambochos); y el sillón entallado veneciano
(tronetto). En España surgió el bargueño, cofre rectangular con asas, con numerosos cajones y compartimentos, así como el sillón
llamado frailero (o misional en Hispanoamérica). A finales del siglo XVII se desarrolló en los Países Bajos la técnica del revestimiento,
finas planchas de madera empelechada que forman una taracea decorativa, llamada marquetería. Esta técnica se difundió gracias al
aumento del comercio transoceánico, que permitió la llegada de maderas exóticas, como el
amaranto, la caoba, el sicomoro, etc. La edad de oro de la ebanistería se produjo en la
Francia de los Luises, donde se alcanzaron altos niveles de calidad y refinamiento, sobre
todo gracias a la obra de André-Charles Boulle, creador de una nueva técnica de aplicación
de metales (cobre, estaño) sobre materiales orgánicos (carey, madreperla, marfil) o
viceversa. Entre las obras de Boulle destacan las dos cómodas del Trianón, en Versalles, y
el reloj de péndulo con el Carro de Apolo en Fontainebleau.136 Además de Boulle, cabe
citar como ebanistas de renombre a Charles Cressent, Antoine Gaudreaux, Pierre Migeon y
Jean-François Oeben.137
Las artes gráficas tuvieron una gran difusión durante el Barroco, continuando el auge que Diseños de mobiliario de André-Charles
este sector tuvo durante el Renacimiento. La rápida profusión de grabados a todo lo largo Boulle
de Europa propició la expansión de los estilos artísticos originados en los centros de mayor
innovación y producción de la época: Italia, Francia, Flandes y Países Bajos, decisivos, por ejemplo, en la evolución de la pintura
española. Las técnicas más empleadas fueron el aguafuerte y el grabado a punta seca.138 En el siglo XVII los principales centros de
producción de grabados estaban en Roma, París y Amberes. En Italia fue practicado por Guido Reni, con un dibujo claro y firme de corte
clasicista; y Claude Lorrain, autor de aguafuertes de gran calidad. En Francia destacaron: Abraham Bosse, autor de unos 1500
grabados, generalmente escenas de género; Jacques Bellange, autor de representaciones religiosas, influido por Parmigianino; y
Jacques Callot, formado en Florencia y especializado en figuras de mendigos y escenas de la novela picaresca y la commedia dell'arte
(su serie de Grandes miserias de la guerra influyó en Goya).139 En Flandes, Rubens fundó una escuela de burilistas para divulgar más
eficazmente su obra, entre los que destacó Lucas Vorsterman I; también Anton van Dyck cultivó el aguafuerte. En España el grabado fue
practicado principalmente por José de Ribera, Francisco Ribalta y Francisco Herrera el Viejo.126 Uno de los artistas que más empleó la
técnica del grabado fue Rembrandt, que alcanzó cotas de gran maestría no solo en el dibujo sino también en la creación de contrastes
entre luces y sombras.138
Baldaquino de Historia de La educación de Cristo curando a un enfermo Cómoda Mazarino, de André-
San Pedro (1623- Semíramis (1627- Luis IX (1631), (1648-1650), aguafuerte de Charles Boulle, palacio de Vaux-
1634), de Gian 1638), tapiz vitral de la Rembrandt, Rijksmuseum, le-Vicomte
Lorenzo Bernini, flamenco de iglesia de Saint- Ámsterdam
Basílica de San Abraham van Eustache, París
Pedro, Ciudad Diepenbeeck,
del Vaticano Museos
Capitolinos, Roma
Victoria de la Eucaristía Vista de varias de las Reloj

sobre el Paganismo, vitrinas en las que se alemán de
tapiz sobre un cartón de expone el Tesoro del bronce y
Rubens, monasterio de Delfín, Museo del Prado, latón
las Descalzas Reales Madrid dorado,
(Madrid) Museo
Nacional de
Artes
Decorativas
, Madrid
Rococó [ editar ]
Artículo principal: Rococó
El rococónota 4 se desarrolló en el siglo XVIII —en convivencia a principios de siglo con el

Barroco y, a finales, con el neoclasicismo—, y supuso la pervivencia de las principales
manifestaciones artísticas del Barroco, con un sentido más enfatizado de la decoración y el
gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo de riqueza, sofisticación y elegancia. El
progresivo auge social de la burguesía y los adelantos científicos, así como el ambiente
cultural de la Ilustración, conllevaron el abandono de los temas religiosos a favor de nuevas
temáticas y actitudes más mundanas, en las que destacaban el lujo y la ostentación como
nuevos factores de prestigio social.141 Algunos historiadores del arte como Fiske Kimball
establecen la génesis del rococó en diversos decoradores franceses, como Claude Audran Gabinete de Porcelana del Palacio Real
de Aranjuez, de Giuseppe Gricci (1765)
III, Pierre Lepautre y Gilles-Marie Oppenordt.142 Estilísticamente, en Francia se dieron los
estilos Luis XV y Luis XVI. En 1766 se fundó en Francia la École Nationale Supérieure des
Arts Décoratifs, el primer centro de formación en artes decorativas de renombre.
Las artes decorativas tuvieron especial relevancia, ya que, como se ha señalado, el rococó fue un arte de aire burgués dedicado a la
ostentación y el lujo. Uno de los recursos principales de ornamentación fue la rocalla, unos motivos que imitaban rocas, caracolas u
otros elementos naturales, usados profusamente en arquitectura y jardinería. Su carácter móvil y asimétrico hizo que se adaptasen a
todas las formas de arte, por lo que se encuentran en casi todas las obras rococó.143 Se desarrolló notablemente el interiorismo, con
especial énfasis en el mobiliario, los espejos, las sedas, los tapices y los objetos de porcelana. Esta última tuvo una gran difusión, sobre
todo la de Meissen y la de Sèvres, con delicados motivos ornamentales, preferentemente de estilo oriental. Otros centros de producción
de relevancia fueron los de Viena, Berlín, Nymphenburg, Chelsea, Capodimonte y, en Madrid, la Real Fábrica del Buen Retiro. En
porcelana se fabricaron también pequeñas tallas escultóricas con motivos galantes, pastorales o de la Commedia dell'arte.144 En
España continuó la producción de cerámica en Talavera, Alcora y Manises, donde se puso de moda un tipo de zócalo de azulejos con
escenas de caza o paisajes.145
El vidrio tuvo igualmente un gran auge, con Venecia todavía al frente de la producción, así como Bohemia, donde se consiguió un vidrio
transparente e incoloro que sustituyó al cristal de roca usado desde el Renacimiento. En España se creó la Real Fábrica de Cristales de
La Granja (1734), especializada en espejos, lámparas y piezas de vajilla. El tapiz tuvo un gran centro de producción en Lyon, donde se
pusieron de moda los motivos orientales y exóticos (chinescos, indianos, turquescos).146 En España adquirieron notoriedad los tapices
de la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara (creada en 1720), algunos de ellos diseñados
por Goya.147
La orfebrería tuvo igualmente un centro difusor en Francia, donde se encuentra la obra de Juste-
Aurèle Meissonnier, que destaca por la profusión de la línea curva; se conservan pocas obras
suyas, pero su labor es conocida gracias a los grabados realizados de sus diseños. Otros
orfebres de relevancia fueron: Thomas Germain, su hijo François-Thomas Germain y François
Joubert.148 En metalistería destacan las rejas de hierro para la plaza Stanislas de Nancy, obra
de Jean Lamour (1750-1758).149
Pareja de bustos de porcelana de
Alcora (c. 1750), de Julián López, En ebanistería, el estilo Luis XV francés fue una etapa de transición entre Barroco y rococó, de
Museo del Diseño de Barcelona carácter más íntimo y reservado, con proliferación de saloncitos y tocadores con mobiliario de
líneas suaves y tamaño más reducido, decorados con bronce y palisandro, con motivos
ornamentales de conchas, palmetas y hojas de acanto, y marqueterías de formas geométricas
de color claro sobre fondo oscuro; uno de sus mejores exponentes fue Jean-Henri Riesener.150 En el Reino Unido destacó la obra de
Thomas Chippendale, quien dio origen al llamado «estilo Chippendale» (segunda mitad del siglo XVIII), caracterizado por el eclecticismo,
con mezcla de elementos góticos, rococó, palladianos y chinescos. Era un mobiliario en maderas exóticas como la caoba, adornadas
con incrustaciones de otras maderas o con guarniciones de bronce dorado, con motivos decorativos de diversa procedencia, desde las
ojivas y rosetones góticos hasta las máscaras y conchas rococó, pasando por motivos chinescos como pagodas y aves. Las sillas y
sillones estaban revestidos de terciopelo o brocados en seda, mientras que las camas eran con dosel y cabeceros esculpidos.151
En esta época apareció la litografía, nueva modalidad de grabado sobre piedra caliza, inventada por Aloys Senefelder en 1796. Fue
usada por pintores como Goya, Gainsborough o Géricault.152 Continuó la calcografía, a la que se dedicó incluso el regente Felipe de
Orléans, quien ilustró en 1718 el libro Dafnis y Cloe. Muchos de los libros de la época eran ilustrados por grabadores partiendo de
diseños de pintores, como las obras de Molière, ilustradas con dibujos de François Boucher y grabados de Laurent Cars.153
Cornucopia Jarra de Escritorio Candelabro de Plato de porcelana Fuente de Anfítrite con rejería de
con espejo cerámica de Chippendale Juste-Aurèle de Vincennes Jean Lamour (1750-1758), plaza
decorado, Talavera, de madera Meissonnier (1745), (1749-1753), Stanislas, Nancy
Real Fábrica Museo del pintada y Metropolitan Museo de las Artes
de Cristales Diseño de dorada con Museum, Nueva Decorativas de
de La Barcelona motivos York París
Granja chinescos
Bureau du Roi, Vista de Bermeo (c. 1783), según una

escritorio de Luis XV pintura de Luis Paret, Real Laboratorio
de Francia (1760), de de Mosaicos y Piedras Duras del Buen
Jean-François Retiro
Oeben y Jean-Henri
Riesener
Neoclasicismo [ editar ]
Artículo principal: Neoclasicismo
El auge de la burguesía tras la Revolución francesa favoreció el resurgimiento de las formas
clásicas, más puras y austeras, en contraposición a los excesos ornamentales del Barroco y
rococó, identificados con la aristocracia. A este ambiente de valoración del legado clásico
grecorromano influyó el hallazgo arqueológico de Pompeya y Herculano, junto a la difusión de un
ideario de perfección de las formas clásicas efectuado por Johann Joachim Winckelmann, quien
postuló que en la antigua Grecia se dio la belleza perfecta, lo que generó un mito sobre la
perfección de la belleza clásica que aún condiciona la percepción del arte hoy día.154 En Francia
se dieron los estilos Directorio e Imperio, mientras que en el Reino Unido se desarrolló el estilo
georgiano —llamado así por los reinados de Jorge I, Jorge II y Jorge III—, seguido por el estilo
Regencia. Su equivalente en Estados Unidos fue el estilo federal. Las artes decorativas vuelven a
los temas clásicos (laurel, guirnaldas, esfinges) y al colorido austero, muchas veces monocromo,
con volúmenes compactos y formas sencillas.155
En el marco arquitectónico, la escultura y pintura ornamentales estaban regidas por la sobriedad y Trono de Napoleón en el
la sencillez clásicas. El propio Napoleón manifestó en una ocasión a sus artistas: «simplificad la Senado francés (1804, François-
Honoré-Georges Jacob-
ornamentación, es para el Emperador». En 1785, Jean-Baptiste Réveillon fundó una manufactura
Desmalter), exponente del estilo
de papeles pintados que tuvo mucho éxito y que permitió una decoración parecida a la pictórica Imperio
accesible para todos los bolsillos.156
En cerámica destaca la obra de Josiah Wedgwood, que creó un tipo de

loza de color crema que tuvo gran éxito internacional —realizó una vajilla de 452 piezas para la emperatriz
Catalina II de Rusia—; también imitó motivos de la tradición grecorromana, como la vasija de Portland, de la
que hizo varias copias. Continuó también la porcelana de Sèvres, esta vez imitando temas antiguos.157 En
vidrio, la francesa Vidriería Real de San Luis elaboró piezas de cristal potasa a imitación de la cristalería
bohemia (façon de Bohême), mientras que en la propia Bohemia continuó con éxito su producción de
cristalería de gran calidad, con un estilo más sobrio que en la época rococó. También prosperó el vidrio
veneciano, especialmente con unas opalinas blancas que imitaban la porcelana.158
La orfebrería evolucionó como el resto de las artes a formas más austeras y temáticas de inspiración
Detalles de Derby clásica. Destacó la obra de Robert Auguste, su hijo Henri Auguste y Martin-Guillaume Biennais, quien fue
House en Grosvenor proveedor oficial de Napoleón. En 1742, Thomas Bolsover inventó el chapado de cobre recubierto de plata,
Square, un ejemplo de los lo que puso la platería al alcance de las clases menos pudientes.159 En las artes del metal cabe destacar la
diseños realizados por los
hermanos Robert y James reja del Palacio de Justicia de París (1783-1785) y la reja del coro de Notre-Dame de París (1809), mientras
Adam
que en el cobre destaca la obra de Pierre Gouthière y Pierre-Philippe Thomire, fundidores-doradores.160
La ebanistería retornó a formas más clásicas, representada principalmente en el Reino Unido por Robert
Adam, George Hepplewhite y Thomas Sheraton. El primero diseñó interiores inspirados en la tradición grecorromana, con cierto aire
arqueológico, como en Syon House (Middlesex, 1762) y Home House (Portman Square, Londres, 1777). Hepplewhite tiene un estilo más
ligero y elegante, y Sheraton sigue el estilo Luis XVI con formas más áridas y moderadas.161 En Francia, con el llamado estilo Directorio
(1795-1805) se volvió a un tipo de mueble más sobrio, con preponderancia de lo constructivo sobre lo decorativo y el uso de los colores
puros de la madera frente a los tonos pastel del rococó. El estilo Imperio se desarrolló en la Francia napoleónica, de donde pasó al resto
de Europa, sustituyendo la sobriedad por la ostentación y el lujo, con un estilo suntuoso, con preferencia por temas exóticos y orientales,
preferentemente egipcios (égyptiennerie), debido a la campaña napoleónica en Egipto (1798-1801).162
En el tapiz, diseñado cada vez más a imitación de la pintura, se puso de moda el retrato, así como las escenas de historia,
preferentemente la antigua. También estuvieron de moda las telas estampadas, a imitación de las de India y Persia.163 En el grabado
descolló la obra de Jean-Michel Moreau, quien ilustró las obras de Rousseau de 1774 a 1783, con dibujos tomados del natural que
muestran la sociedad de su época con un estilo elegante y veraz. También cabe destacar la colección de grabados de la Descripción de
Egipto (1809-1828), realizada por diversos autores que acompañaron a Napoleón en su expedición.164
Arte contemporáneo [ editar ]
Artículo principal: Arte contemporáneo
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se sentaron las bases de la sociedad
contemporánea, marcada en el terreno político por el fin del absolutismo y la instauración de
gobiernos democráticos —impulso iniciado con la Revolución francesa— y, en lo económico, por
la Revolución Industrial y el afianzamiento del capitalismo, que tendría respuesta en el marxismo
y la lucha de clases. En el terreno del arte, comienza una dinámica evolutiva de estilos que se
suceden cronológicamente cada vez con mayor celeridad, que culminará en el siglo XX con una
atomización de estilos y corrientes que conviven y se contraponen, se influyen y se enfrentan.
Habitación egipcia, del libro
En esta época se inicia en el terreno de las artes decorativas el diseño moderno. La nueva era Household Furniture & Interior
industrial había puesto al alcance de la población multitud de objetos que antes eran Decoration, de Thomas Hope, Londres
manufacturados, construidos en serie sin un especial interés en su ornamentación. En reacción (1807). En esta obra Hope acuñó el
a ello, movimientos como el Arts & Crafts y el modernismo revalorizaron de nuevo el objeto
como obra singular e iniciaron una nueva forma de elaboración de los mismos basada en un término «decoración de interiores»,
dando inicio al interiorismo165
diseño previo, lo que les confería, pese a su posterior fabricación industrial en muchos casos, un
nuevo valor de origen intelectual. Uno de los factores que propiciaron la rápida difusión del
diseño fue el gran aumento de los medios de comunicación de masas, junto a la celebración de eventos especiales como las
exposiciones universales. Estos factores, unidos al incremento de un número cada vez mayor de público capaz de adquirir obras de arte
y artesanía, propició un ambiente cada vez más dinámico e interrelacionado que comportó un aspecto de popularización del gusto,
propiciando las corrientes de moda que tanta importancia tendrían en el siglo XX.166
Siglo XIX [ editar ]
Artículo principal: Historia del Arte del siglo XIX
Romanticismo [ editar ]
Artículo principal: Romanticismo
El romanticismo fue un movimiento de profunda renovación en todos los campos artísticos,

con una especial valoración de la cultura popular, lo exótico y el retorno a formas artísticas
menospreciadas del pasado, especialmente las medievales. En Francia coincidió con el
estilo Restauración y el Luis Felipe, en el Reino Unido con el primer victoriano, en Alemania
el Biedermeier y en España con el fernandino y primer isabelino.
En Francia, el estilo Restauración (1815-1830) sucedió al

estilo Imperio, con el que mantuvo una cierta línea de
continuidad, como se denota en la labor de muchos de sus
Salón estilo Biedermeier (c. 1825), de
artífices que pasaron de uno al otro, como Pierre-François-
Leopold Zielcke, Berlín
Léonard Fontaine, François-Honoré-Georges Jacob-
Desmalter, Jean-Baptiste-Claude Odiot y Félix Rémond. Su
principal rasgo estilístico continuó siendo el clasicismo, aunque de líneas más pesadas y toscas, como se
denota en el mobiliario de Louis-Édouard Lemarchand. Los principales motivos ornamentales fueron cisnes,
liras, flores y roleos de acanto, de colores vivos y chillones. En mobiliario se dio la variedad conocida como
estilo Duquesa de Berry, de maderas claras con incrustación de arabescos de maderas oscuras.167 Le
sucedió el estilo Luis Felipe (1830-1848), que heredó sus premisas pero con un aire más pesado y
ostentoso, más declaradamente burgués. El mobiliario era de inspiración gótica y renacentista, y sus
Sillón de haya dorada mejores exponentes siguieron siendo Jacob-Desmalter y Lemarchand. En platería destacaron Jacques-
estilo Restauración (c. Henri Fauconnier y François-Désiré Froment-Meurice.168
1830), Museo del Louvre,
París Se denomina estilo victoriano al arte realizado durante el reinado de Victoria I (1837-1901), aunque
estilísticamente fue evolucionando del romanticismo al neogótico y Arts & Crafts. Durante este primer
momento se mantuvieron en buena medida las premisas del estilo Regencia, aunque con tendencia a una
ornamentación más compleja y recargada, con gusto por el brillo (de vidrio o latón) y, en mobiliario, predilección por la curva y las
superficies mullidas.169
En Alemania y Austria surgió el estilo Biedermeier (1820-1840),nota 5 inspirado en estilos anteriores como el gótico, el Renacimiento, el
rococó, el pompeyano y el Luis XVI.171 En mobiliario presentó un diseño más práctico y cómodo, de líneas sencillas y hogareñas, con
predilección por las maderas claras como la del cerezo y ornamentos sobrios como palmetas y columnillas. Sus principales exponentes
fueron Josef Danhauser, Johann Nepomuk Geyer y Michael Thonet. Se dio también en alfombras, porcelanas, vidrios y otros
objetos.170
En España los estilos fernandino e isabelino coincidieron con los reinados de Fernando VII e Isabel II. Se dieron sobre todo en
mobiliario. El primero recibió la influencia del Restauración francés y el Regencia inglés, aunque más pesado y con mayor énfasis por la
practicidad, y gusto por las formas rectangulares.172 El segundo se inspiró en el Biedermeier, con gusto por el lujo y la ostentación,
aunque sin renunciar al confort y la funcionalidad. En una segunda fase se inspiró más en el victoriano inglés y el Segundo Imperio
francés.173
Historicismo [ editar ]
Artículo principal: Arquitectura historicista
La arquitectura historicista se basó en el eclecticismo y en el revival de estilos anteriores

reinterpretados según conceptos modernos, lo que produjo movimientos como el neorrománico,
el neogótico, el neobarroco, etc. La inspiración en estos estilos del pasado llevó a una mayor
preocupación por la exactitud histórica, por imitar a la máxima perfección todos los detalles del
estilo replicado. Para ello se acudió con asiduidad tanto a referencias bibliográficas como a
exponentes museísticos de esos estilos. En 1857 se fundó el Victoria & Albert Museum de
Londres con el objetivo de establecer los parámetros fundamentales para definir las premisas
fundamentales del diseño contemporáneo.174 Armario de roble tallado con
escudos pintados y paneles y manijas
Una de las mayores fuentes de inspiración fue el pasado de latón, diseñado por Augustus Welby
Northmore Pugin (1850)
medieval, como se denota en la decoración del castillo
de Neuschwanstein, promovido por el rey Luis II de
Baviera.174 El neogótico surgió en Reino Unido ya a mediados del siglo XVIII, pero se desarrolló
especialmente en el XIX, con variedades locales como el estilo Troubadour y Segundo Imperio en
Francia y el isabelino en España. Se dio especialmente en el mobiliario, pero también en otros
detalles ornamentales aplicados a la arquitectura. El mobiliario era de formas macizas y severas,
con una ornamentación a base de arcos y formas polilobuladas, con profusión de pináculos y
Indiscret estilo Segundo Imperio, elementos verticales. El neogótico influyó en el modernismo de finales de siglo, especialmente
Museo del Louvre, París en Cataluña.175
Uno de los mayores teóricos de este movimiento fue Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, mientras
que como diseñador destacó el arquitecto Augustus Welby Northmore Pugin, quien diseñó muebles, joyas y platería basados
estrictamente en precedentes medievales.175 También cabe mencionar la obra de los ebanistas Ferdinand Barbedienne, Louis-Auguste-
Alfred Beurdeley y Luigi Frullini, los orfebres François-Désiré Froment-Meurice, Charles Christofle, Antoine Vechte y Carl Wagner, y los
vidrieros Antonio Salviati y Georges Bontemps.174
En Reino Unido hubo a mediados de siglo un revival del estilo Reina Ana, que consistió en la elaboración de reproducciones —
especialmente mobiliario y platería— de aquel período, como se denota en las sillas y mesas de patas cabriolé.176 Uno de sus máximos
exponentes fue Edward William Godwin, arquitecto y diseñador vinculado al movimiento esteticista, muy influido por el arte japonés,
hasta el punto que diseñó un tipo de mobiliario llamado «anglo-japonés».177
Arts & Crafts [ editar ]

Artículo principal: Arts & Crafts
En el último tercio del siglo XIX tuvo especial relevancia el movimiento británico Arts & Crafts (Artes y Oficios), promovido por John Ruskin
y William Morris. Esta corriente defendía una revalorización del trabajo artesanal y propugnaba el retorno a las formas tradicionales de
fabricación, estipulando que el arte debe ser tan útil como bello.178 En 1857, Morris amuebló su propia casa (Red House, Bexley Heath,
Kent), en un estilo austero, primitivista, remarcando el carácter práctico y sencillo de las obras. Tras los planteamientos de Ruskin y
Morris, Charles Robert Ashbee fue el principal organizador del movimiento. En 1888 fundó la Guild and School of Handicraft en Toynbee
Hall (Londres), donde diseñó mobiliario, platería y metalistería en un estilo cercano al modernismo.179 Otro propagandista del
movimiento fue el pintor Walter Crane, quien escribió que «la raíz y base auténtica de todo arte está en la artesanía» y que había que
«convertir a nuestros artistas en artesanos y a nuestros artesanos en artistas».180
En la órbita de Morris trabajó Arthur Heygate Mackmurdo, fundador del taller Century Guild de decoración de
interiores, donde elaboró muebles que destacaron por las líneas y ángulos rectos, como su famosa silla de
1881.181 En Estados Unidos, este movimiento —llamado allí American Craftsman— estuvo representado por
Gustav Stickley, diseñador de un tipo de mobiliario sencillo y funcional, sin adornos, que empezó a construir en
serie, con vistas a una mayor comercialización de sus productos.182
En general, estos artistas abandonaron el neogótico por un estilo más sencillo, ligero y elegante, inpirado en
parte en el estilo Reina Ana. En la década de 1890 se recibió la influencia modernista, pero poco después
Philip Webb retornó a un estilo más rústico y austero. Hacia 1900 el movimiento se fue diluyendo,
principalmente por la contradicción generada por el hecho de que su producción artesanal encarecía el
producto y solo podían vender a clientela selecta, lo que chocaba con su ideario cercano al socialismo utópico,
mientras que para llegar a las masas habrían tenido que recurrir a la fabricación seriada, lo que contravenía su
defensa de la artesanía manual.180 Silla de Arthur
Heygate Mackmurdo
Modernismo [ editar ] (1883), Museo de Arte
del Condado de Los
Artículo principal: Modernismo (arte)
Ángeles
El modernismo fue un movimiento arquitectónico que surgió hacia 1880 en varios países, en función del cual
recibió distintos nombres: Art Nouveau en Francia, Modern Style en Reino Unido, Jugendstil en Alemania,
Sezession en Austria, Liberty en Italia y modernismo en España, país en el que destacó el modernismo
catalán. Perduró hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial.183 Este estilo, por su carácter ornamental,
supuso una gran revitalización de las artes decorativas, con una nueva concepción más enfocada en el acto
creador y en la equiparación con el resto de artes plásticas, hasta el punto de que sus artífices plantearon
por primera vez la «unidad de las artes». El diseño modernista planteaba en general la revalorización de las
propiedades intrínsecas de cada material, con unas formas de tipo organicista inspiradas en la
naturaleza.184 Se solían utilizar motivos ornamentales como flores, hojas, zarcillos tentaculares, curvas
sinuosas y figuras humanas —preferentemente mujeres— de aspecto delicuescente. Se valoraba la
asimetría, la originalidad y el trabajo artesanal, concepto este último heredado del Arts & Crafts. Aunque
teóricamente se oponía al historicismo, se inspiraron en numerosos estilos del pasado, especialmente el Alegoría de la III
Exposición de Bellas
arte medieval, el celta, el oriental y el rococó. Por otro lado, algunos diseños de Hector Guimard apuntaban Artes e Industrias
al arte abstracto, mientras que Henry Van de Velde, iniciado en el modernismo, supone la transición entre el Artísticas de Barcelona
modernismo y el diseño industrial.185 (1890-1903), de Antoni
Un claro exponente de arquitecto preocupado por el interiorismo fue Antoni Gaudí, que diseñó muchos de Rigalt, vidrio emplomado
con pintura de grisalla y
los muebles para sus obras, tanto civiles como religiosas (casas Vicens, Calvet, Batlló y Milà, del palacio
esmalte, Museo del
Güell y de la torre Bellesguard, mobiliario litúrgico de la Sagrada Familia). También realizó diseños de forja, Diseño de Barcelona
como su famoso dragón de los pabellones Güell, mientras que innovó en el terreno del mosaico con su
técnica del trencadís, un tipo de aplacados de cerámica hecha con piezas de desecho que disponía en
combinaciones originales y fantasiosas, como su banco ondulante del parque Güell.186
Otro arquitecto que diseñó mobiliario para sus proyectos constructivos fue Victor Horta, del
que son características las lámparas con forma de flor de tallo largo con corolas de pétalos
de vidrio o metal, que influyeron poderosamente en otros creadores modernistas.187
Hector Guimard fue otro arquitecto referente del modernismo, hasta el punto que algunos
contemporáneos denominaron a este movimiento style Guimard. Diseñó muebles,
mamparas metálicas y paneles de lincrusta (un revestimiento de paredes de linóleos).188
Fue el creador de la reja para las estaciones de metro de París, que se convirtió en uno de
los iconos visuales del art nouveau.189 También influyó en este estilo el escocés Charles
Rennie Mackintosh, fundador de la llamada escuela de Glasgow, quien en sus
Muebles del salón principal de la casa construcciones diseñaba desde el mobiliario hasta la cubertería, con un estilo de fuerte
Calvet (1898-1900), de Antoni Gaudí, Casa- influencia celta. Otros miembros destacados de la escuela de Glasgow fueron Margaret
Museo Gaudí
MacDonald, Frances MacDonald y Herbert McNair.190 Josef Hoffmann, uno de los
fundadores de la Secesión vienesa, apostó por un estilo más severo y funcional, que
apuntaba ya al diseño industrial; diseñó muebles, vidrio, joyas y metalistería.191 Otro de los fundadores de la Secesión fue Joseph
Maria Olbrich, autor de muebles, lámparas, platería y metalistería de líneas fluidas y formas irregulares y redondeadas de tendencia
abstracta.192
Otros referentes procedieron de la pintura y la ilustración, como Alfons Mucha, quien diseñó
vestuario, joyas, muebles y papeles pintados de estilo naturalista, exuberante y estilizado;193
Koloman Moser, uno de los fundadores con Josef Hoffmann de los talleres Wiener Werkstätte,
fue ilustrador de libros y diseñador de joyas, muebles, vidrio, cerámica, platería y tejidos de estilo
clasicista;194 y Émile-Victor Prouvé, escultor y diseñador de muebles, joyas y vidrio.195
En vidrio, Émile Gallé realizó piezas con incrustaciones de hojas de oro o plata, placas de mica y
fibras de asbesto, inspiradas en la naturaleza. Elaboró obras individuales y en serie,
especialmente servicios de mesa y tulipas para lámparas eléctricas.196 Louis Comfort Tiffany El ángel de la Resurrección (1904),
recibió la influencia de Gallé, desde la que innovó técnica y estilísticamente, como en su Favrile vidriera de Louis Comfort Tiffany, First
Presbyterian Church, Indianapolis
Glass, una técnica de vidrio soplado y posteriormente irisado por exposición a humos de metal
fundido. Realizó vidrieras, opalinas y vasos ligeros policromos.197 René Lalique elaboró obras
más sencillas, lejos de las formas sinuosas de moda hasta entonces, generalmente con una producción seriada; se centró sobre todo en
vasos, vajillas, lámparas, candelabros y, especialmente, frascos de perfume, cuyo éxito obligó a los perfumistas desde entonces a
presentar sus productos en recipientes de diseño artístico.197
En orfebrería destacó Peter Carl Fabergé, creador de piezas de gran fantasía entre las cuales destacan sus «huevos de Pascua», que
confeccionaba para la familia real rusa.198 René Lalique, también orfebre además de vidriero, elaboró piezas de formas ondulantes
inspiradas en la naturaleza —uno de sus motivos más empleados fue el pavo real—, especialmente peines y broches de cinturón de oro,
plata, piedras preciosas y semipreciosas, con decoración de esmalte.199 Georg Jensen destacó en platería, con un estilo de líneas
sencillas y sólidas, con perfiles netos y gran sentido del equilibrio, y con una característica superficie recocida en un baño de ácido
sulfúrico.200 En España, destacó la obra de Lluís Masriera.
El mobiliario destacó por su diseño armonioso y proporcionado, con predominio de las formas ondulantes. Algunos de sus mejores
exponentes fueron: Arthur Liberty —quien dio nombre al modernismo italiano—, Henry Van de Velde, Gustave Serrurier-Bovy, Émile
Gallé, Eugène Vallin, Louis Majorelle, Carlo Bugatti y Gaspar Homar.201 En cerámica destacó Auguste Delaherche, autor de porcelana y
jarrones de gres decorados con barnices,202 así como Lluís Bru y Paco Durrio. En tapicería, Hermann Obrist diseñó bordados de
formas vegetales que tuvieron gran éxito, especialmente el conocido como El látigo.203
Estufa Vaso con Biscuits Huevo de la Coronación Tiara con forma de gallo (1897- Entrada a la
ornamental lirios y Lefèvre-Utile imperial (1897), de Peter 1898), de René Lalique, estación de
alemana margaritas (1896), Carl Fabergé, Museo Fundación Calouste metro
(1890-1900), (1896), de litografía de Fabergé, San Gulbenkian, Lisboa Abbesses en
Museo del Émile Gallé, Alfons Mucha Petersburgo París (1900-
Diseño de Petit Palais, 1913), de
Barcelona París Hector
Guimard
Dragón de trencadís del Libélula (1902), colgante Colgante de

parque Güell (1900-1903), y broche de esmalte, oro, oro y plata
de Antoni Gaudí rubí, ópalo y diamante, de con esmalte
Philippe Wolfers y piedras
preciosas,
de Lluís
Masriera
Siglo XX [ editar ]
Artículo principal: Arte del siglo XX
En el siglo XX las artes decorativas tuvieron una rápida evolución, marcada por el uso de
nuevos materiales y tecnologías más avanzadas. Con una clara apuesta por el diseño
como base creadora, en esta centuria se remarcó el aspecto intelectual de estas creaciones
frente a la mera realización material otorgada tradicionalmente a la artesanía. Sin embargo,
la producción en serie de los objetos ornamentales llevó a afirmar a expertos como Gérald
Gassiot-Talabot que «las artes decorativas han muerto», circunstancia que sitúa en los
años 1930, con movimientos como la Bauhaus y los primeros diseños industriales.204 Un
elemento coadyuvante sería el factor moda resultante del consumismo como motor de Póster de la Prima Esposizione
cambio y evolución del nuevo diseño industrial, que resultaría en el nuevo concepto del Internazionale d'Arte Decorativa Moderna
styling —representado fundamentalmente por Raymond Loewy—, que incide en el aspecto (Turín, 1902)
comercial del producto.205
Técnicas tradicionales [ editar ]
Las artes decorativas tradicionales continuaron en más o menos medida, aunque a menudo relegadas al
concepto de artesanía frente al nuevo diseño industrial. El mosaico tuvo un nuevo renacer en Italia gracias
a la obra del escultor Gino Severini, quien fundó un taller en París en 1951 que posteriormente se
convertiría en la Escuela de Bellas Artes Gino Severini; algunas de sus obras más remarcables son los
mosaicos de la iglesia de Tavannes en Suiza (1930) y los de la Universidad de Padua (1930-1950).206
En cerámica también se exploraron nuevas técnicas y materiales. Como en otros campos, se vinculó con
artistas de reconocido prestigio, como Georges Rouault, Raoul Dufy, Pablo Picasso y Joan Miró. Este
último, en colaboración con el ceramista Josep Llorens i Artigas, realizó grandes murales cerámicos como
los de la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard, la Fundación Maeght y el aeropuerto de
Barcelona.207 Otro nombre destacado es Antoni Cumella, autor también de murales y de vasijas de gres de
Silla roja y azul, de gran calidad. Cabe citar igualmente como ceramistas de renombre a Bernard Leach, Michael Cardew y
Gerrit Thomas Rietveld Shōji Hamada.208
(1923)
La vidriera seguió dos vías: la tradicional y la que utiliza nuevas técnicas y materiales, como el cemento
armado en vez del emplomado y el plástico o el poliéster en vez del vidrio. Sus representaciones también
varían de la temática figurativa —ligada a menudo a obras de artistas actuales— o la abstracción, en la que se busca la combinación de
luces y colores. Fueron figuras destacadas: Jean Bazaine, Nicolas Untersteller y Alfred Manessier.209
En cuanto a cristalería, perduró el vidrio de Murano (Venecia), así como el de Bohemia, que hizo un esfuerzo de renovación a través del
vidrio tallado. En Finlandia, Tapio Wirkkala fabricó vidrios con burbujas y, en Suecia, se elaboró vidrio con decoración grabada figurativa
o abstracta. En el Reino Unido se creó un tipo de vidrio con tallas en motivos geométricos.210
En la orfebrería el material más utilizado fue el diamante, así como las piedras preciosas. Las nuevas tendencias se decantaron por
formas sobrias y geométricas, depuradas de toda ornamentación superficial, aunque esta línea convivió con otra de formas más
barrocas. Cabe citar a Edmond Henri Becker, Niel Steenbergen, Raymond Templier, Georges Fouquet y Manuel Capdevila.211 El pintor
surrealista Salvador Dalí también diseñó joyas, como El ojo del tiempo (1949), de esmalte, diamantes y rubíes; Los labios color rubí
(1950), de rubíes, perlas y oro; y El corazón real (1953), de oro, rubíes, diamantes y esmeraldas.212
El mobiliario siguió un diseño más funcional, con utilización de nuevos materiales como el acero, el aluminio y el plástico. Algunos
exponentes, como la silla cantilever de Mart Stam, el sillón de acero tubular de Marcel Breuer o la silla-corola de plástico diseñada por
Eero Saarinen, iniciaron el diseño industrial en mobiliario. Un claro ejemplo del nuevo mobiliario de diseño innovador fue la famosa silla
roja y azul de Gerrit Thomas Rietveld (1923), de formas geométricas y colores primarios. La madera fue nuevamente revalorizada en los
países nórdicos, con artífices como Alvar Aalto, Kaare Klint y Børge Mogensen, así como en Estados Unidos con Charles Eames.213
Salvador Dalí también diseñó algún mueble, como el famoso Mae West Lips Sofa (1936-1937), un sofá de armazón de madera y
tapizado de color rosa inspirado en los labios de la actriz Mae West.214
En hierro forjado destacó la obra de Raymond Subes, quien introdujo la soldadura autógena y otras técnicas modernas, combinando en
ocasiones distintos metales en una sola pieza, como el hierro, el bronce y el acero; fue autor principalmente de apliques y rejas de gran
sentido decorativo y perfección formal.189
La tapicería se acercó notablemente a la pintura, ya que muchas obras de pintores como Georges Rouault, Pablo Picasso, Georges
Braque, Raoul Dufy, Henri Matisse, Fernand Léger o Joan Miró fueron llevadas al telar. Por contra, Jean Lurçat renovó el tapiz y lo
devolvió a su concepto inicial, ligado a la arquitectura —que es su marco original— y alejado de la pintura. Así, limitó los colores a los
básicos de la lana, suprimió las orlas y eliminó los efectos de perspectiva o volumen. Sus obras se basan en su mundo interior, con un
gran componente onírico y poético. A lo largo del siglo se fueron incorporando a la tapicería nuevos materiales como el nylon, el lino y
los hilos sintéticos. También se han realizado tapices sin temática, donde se remarca la textura y la forma, con obras cercanas a la
escultura, como en las obras de Magdalena Abakanowicz, Jagoda Buić y Josep Grau-Garriga.215
El grabado fue practicado por numerosos pintores, como Pierre Bonnard, Maurice Denis, André Derain, Max Slevogt, Henri Matisse,
Marc Chagall, Vasili Kandinski, Paul Klee, Pablo Picasso, Joan Miró, Salvador Dalí, Willem de Kooning, Jackson Pollock, Andy Warhol,
Roy Lichtenstein, Eduardo Chillida y Antoni Tàpies. Los métodos más empleados fueron la xilografía, la litografía y el aguafuerte, y se
desarrollaron nuevas técnicas como el aguatinta al color y la serigrafía, así como la impresión offset.216
Art déco [ editar ]

Artículo principal: Art déco
En 1925 se celebró en París la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels

Modernes, que supuso el punto de arranque del art déco.nota 6 En realidad, la exposición de
1925 fue la oficialización de un movimiento que se llevaba gestando hacía unos años —desde el
fin de la Primera Guerra Mundial— como estilo sucesor del modernismo: en 1919 Louis Süe y
André Mare crearon la Compagnie des Arts Français, caracterizada por un mobiliario de
inspiración tradicional pero exuberante decoración, como su sala de música para el pabellón Un
Musée d'Art Contemporain de la exposición de 1925. Este estilo, que perduró hasta el inicio de
la Segunda Guerra Mundial, supuso una revolución para el interiorismo y las artes gráficas e
industriales. Se caracterizó por la predilección por la línea curva y el floreado simétrico en artes
gráficas, y las formas cuadradas y geométricas en mobiliario y decoración interior. Dirigido
principalmente a un público burgués, destacó por la ostentación y el lujo, y se desarrolló
notablemente en ilustración publicitaria (Erté) y cartelismo (Cassandre).218 Sin embargo, el
aspecto kitsch de muchas de sus producciones provocó que fuese denostado por las corrientes
de vanguardia y no fue hasta los años 1960 cuando fue revalorizado por movimientos como el
pop art, que buscó inspiración en algunas de sus obras.219
Diseño de objetos de uso art déco
Uno de los terrenos donde más floreció este estilo fue el mobiliario, donde destacó Jacques Pal-Bell, de Maurice Ascalon
Émile Ruhlmann, decorador y diseñador de muebles de gran sentido comercial, siempre atento
en captar lo último en tendencias de moda. Realizó piezas de aspecto chic, formas sencillas y
materiales costosos, con predilección por el ébano y embutidos de marfil.220 Otros exponentes fueron Pierre Chareau, Paul Follot,
André Groult, Eileen Gray, Pierre Legrain, Paul Iribe y Armand-Albert Rateau.221
En orfebrería destacan algunas producciones del modernista René Lalique realizadas en esta época, mientras que otro nombre
destacable fue Jean Puiforcat, que realizó piezas de platería de gran calidad, de aspecto austero pero lujoso.222 En metalistería cabe
citar a Jean Dunand, autor de piezas de metal y laca, con un diseño geométrico, generalmente jarrones incrustados de oro, plata,
esmalte u otros materiales.223 En vidrio, Maurice Marinot realizó preferentemente cuencos y frascos de concepción más ornamental que
práctica, con formas escultóricas de aspecto macizo, con o sin color, a veces esmaltados y, en ocasiones, con dibujos realizados al
aguafuerte.224
Cuando este estilo languidecía ya en Europa floreció con éxito en Estados Unidos entre finales de los años 1920 y principios de los
1930. Su mejor representante fue el diseñador Donald Deskey, autor de la decoración del Radio City Music Hall del Rockefeller Center
de Nueva York (1930-1932), donde diseñó desde el mobiliario y el papel pintado hasta los apliques de luz, con utilización de nuevos
materiales como la fórmica, la baquelita, el aluminio y el cromo.225
Bauhaus [ editar ]
Artículo principal: Bauhaus
Uno de los movimientos más innovadores en el terreno del diseño fue la Escuela de la
Bauhausnota 7 que, frente a la excesiva ornamentación del art déco, introdujo un concepto de
diseño más racional y funcional, más adaptado a las necesidades reales de la gente. Esta
escuela pretendía romper las barreras entre arte y artesanía, con una clara apuesta por la
producción industrial. Nació en 1919, cuando el arquitecto Walter Gropius asumió la dirección de
la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, que rebautizó como Das Staatliche Bauhaus Weimar.
Su objetivo era «la obra de arte colectiva, el Edificio, dentro de la cual no haya barreras que
separen las artes estructurales de las artes decorativas».227 Los estudiantes de la escuela
aprendían teorías de la forma y del diseño, así como talleres de piedra, madera, metal, barro,
La silla Wassily, de acero cromado,
vidrio, tejido y pintura. Gropius rechazaba la producción industrial, con una postura cercana al
diseñada por Marcel Breuer en 1925
movimiento Arts & Crafts, y defendía el trabajo cooperativo, así como la responsabilidad social
del diseñador. La Bauhaus se trasladó a Dessau en 1925 y a Berlín en 1932. A Gropius sucedió
en la dirección Hannes Meyer en 1928 y, a este, Ludwig Mies van der Rohe en 1930. La escuela fue cerrada por los nazis en 1933.227
Su diseño se basaba en la simplicidad, la abstracción geométrica y el uso de colores primarios y de nuevas tecnologías, como se hizo
patente en el mobiliario de acero tubular creado por Marcel Breuer, la silla Barcelona de Ludwig Mies van der Rohe, los muebles de
conglomerado de Alvar Aalto, o las lámparas diseñadas por Marianne Brandt. En esta escuela destacaron creadores como László
Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, Vasili Kandinski, Lilly Reich, Gerhard Marcks o Wilhelm
Wagenfeld.228
Diseño industrial [ editar ]
Artículo principal: Diseño industrial
En el siglo XX el diseño industrial llevó al interiorismo a la vía de la creación intelectual y el

diseño funcional, con un progresivo aumento de la experimentación con nuevos materiales
(plástico, fibra de vidrio) y una mayor atención a las necesidades de mercado.229 Aunque no
hay una definición unánimemente aceptada, por lo general se considera el diseño industrial
como el diseño de productos concebidos para ser fabricados en serie mediante procesos
mecánicos (cadenas de montaje). De forma intrínseca, un diseño industrial debe ser planificado
en su totalidad antes de entrar en el proceso de fabricación, sin posteriores manipulaciones.230
Sillón Eames Lounge, de Charles y
La base del diseño industrial se encuentra en el funcionalismo, teoría que argumenta que un Ray Eames (1955)
objeto que cumple su función y está elaborado con economía de materiales es intrínsecamente
bello. Ello excluiría la estética en el diseño de objetos, aunque tal extremo rara vez se lleva a la práctica en su totalidad. Uno de los
precedentes de esta teoría fue el arquitecto Louis Sullivan, quien afirmaba que «la forma se sigue de la función», así como Otto Wagner,
quien estipuló que «nada que no sea práctico puede ser hermoso».231 En Alemania, arquitectos y diseñadores como Peter Behrens,
Richard Riemerschmid y Bruno Paul, y talleres y asociaciones como Deutsche Werkstätten y Deutscher Werkbund, sentaron las bases
del diseño industrial en una primera fase. Tomó el relevo la Bauhaus, donde el diseño industrial pasó al ámbito académico, y sus
postulados fueron igualmente adoptados por la arquitectura racionalista (o Estilo Internacional). Tras la clausura de la Bauhaus por los
nazis en 1933 la mayoría de sus componentes se trasladó a Reino Unido o Estados Unidos, países que recogieron el testigo del diseño
industrial. Tras la Segunda Guerra Mundial, los ideales de la Bauhaus fueron retomados en Alemania por Max Bill, fundador de la
Hochschule für Gestaltung en Ulm (1951).232
En el Reino Unido el diseño tenía su precedente en los talleres de Arts & Crafts. En 1915 se fundó la
Design and Industries Association con el objetivo de fomentar el diseño y, en 1930, se creó la Society of
Industrial Artists para agrupar a los profesionales del sector.233 En Francia el pionero fue el arquitecto Le
Corbusier, quien proclamó la «absoluta autonomía expresiva de los objetos producidos industrialmente» y
señaló como aspectos básicos del nuevo diseño la pureza de líneas, la funcionalidad de los materiales y la
luminosidad de las superficies.234 También cabe citar a Charlotte Perriand, colaboradora de Le Corbusier y
una de las impulsoras de la arquitectura interior moderna. En la Unión Soviética, en 1920 se fundó el
Vjutemás (Talleres de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica), una escuela de formación artística e
industrial de corte multidisciplinar, mientras que en 1962 se creó el VNIITE (Instituto Científico y de
Investigación de Estética Técnica), para la enseñanza del arte aplicado a la industria.235
Reloj de cocina En Estados Unidos el pionero fue el arquitecto Frank Lloyd Wright, hasta la eclosión del diseño en los años
diseñado por Max Bill en 1930 con figuras como Henry Dreyfuss, Raymond Loewy y Walter Dorwin Teague. En esa década se
la Hochschule für
Gestaltung establecieron también algunos maestros de la Bauhaus como Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y
László Moholy-Nagy, quienes enseñaron a una nueva generación de diseñadores. Posteriormente
destacaron Charles Eames, George Nelson y Harry Bertoia. En 1944 se fundó la Society of Industrial
Designers, en 1948 la National Association of Schools of Design y, en 1957, la Industrial Design Educational Association.233
Posteriormente, en Europa el diseño industrial tuvo dos corrientes principales: la escandinava y la italiana. La primera, representada por
Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Eero Saarinen y Poul Kjærholm, tenía sus raíces en el arte popular y se basaba en la naturalidad y sencillez
de las formas como premisa fundamental del diseño, así como en la utilización de materiales naturales, aunque sin desdeñar el acero,
que empleaban con asiduidad. Los principales campos tratados por el diseño escandinavo fueron el mobiliario, la cerámica, la orfebrería
y el vidrio. Por su parte, el diseño italiano era más audaz y extravagante, con predilección por el colorido vivo, uso de materiales
artificiales como la resina, el plástico y el conglomerado, así como el acero y materiales más «nobles» como el mármol, y con una
libertad creativa que iba desde la austeridad de Ettore Sottsass, pasando por el racionalismo de Joe Colombo, hasta el refinamiento de
Gae Aulenti.236
En España, el principal centro del diseño industrial fue Barcelona, donde en 1903 se fundó el FAD (Fomento de las Artes Decorativas),
una asociación de decoradores y artesanos que en 1959 impulsó una escuela y, al año siguiente, el ADIFAD (Agrupación de Diseño
Industrial del FAD), que posteriormente creó sucursales en Madrid y Valencia. En los años 1930 el GATCPAC (Grupo de Artistas y
Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea), cuyo principal exponente fue Josep Lluís Sert, también se
internó en el diseño de estilo funcionalista. En 1973 se fundó la Fundación Barcelona Centro de Diseño (BCD), más vinculada a la
política industrial del estado. En 1977 se fundó la Asociación de Diseñadores Profesionales.237
Sillón de Le Corbusier, Pierre Silla Paimio, de Alvar Aalto Silla Útero (1947- Sillón (1940), Coconut Chair (1958), de
Jeanneret y Charlotte Perriand (1929-1933) 1948), de Eero de Frank Lloyd George Nelson, Brooklyn
(1928) Saarinen, Museo Wright, Museum, Nueva York
Brooklyn Nelson-Atkins
Museum of Art,
Kansas City
(Misuri)
12° Triennale de Milán Silla de hamaca PK24 Boby 3

(1960), muebles para (1965), de Poul Kjærholm (1969),
interiores diseñados por sistema de
Ettore Sottsass almacenamie
nto portátil,
de Joe
Colombo,
MoMA,
Nueva York
Nuevas tendencias [ editar ]
Desde la Segunda Guerra Mundial las artes decorativas tradicionales y el diseño industrial han convivido
con nuevas corrientes de la vanguardia artística que, ocasionalmente, han hecho incursiones en el campo
del diseño. Uno de los estilos artísticos que se internaron en este terreno fue el pop art, surgido en Reino
Unido y Estados Unidos en torno a 1955 como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, con un
marcado componente de inspiración popular (publicidad, fotografía, cómic, medios de comunicación de
masas). Aunque su principal vía de expresión fue la pintura, también destacaron en artes gráficas —como
las famosas serigrafías de Andy Warhol— y en diseño, con cierta influencia del Arts & Crafts y el art déco.
Así, por ejemplo, destaca el mobiliario diseñado por Verner Panton o el del equipo italiano formado por
Jonathan de Pas, Donato d'Urbino y Paolo Lomazzi, creadores de la silla inflable Blow (1967) y el Sofá de Silla diseñada por
Joe (1971), con forma de guante de béisbol, inspirado en el jugador Joe DiMaggio.238 Verner Panton (1960)
Otro movimiento interesado por el diseño fue el arte abstracto

orgánico, que se caracteriza por la utilización de formas redondeadas inspiradas en la
naturaleza. En realidad, no fue una escuela o estilo, sino una tendencia presente en artistas de
distinto signo, remontable incluso a la obra de Vasili Kandinski o Constantin Brâncuși, pero que
se suele aplicar a varios artistas de los años 1940 y 1950. Uno de sus principales representantes
fue Isamu Noguchi, autor de muebles, lámparas y otros objetos elaborados con una concepción
escultórica, como su famosa mesa de café con base madera y tablero de cristal (1947).239
Entre las décadas de 1950 y 1960 se dio el Italia el

estilo llamado Neoliberty —en alusión al modernismo
italiano, llamado Liberty en ese país—, inspirado tanto
Mesita de Isamu Noguchi (1947-
49), Milwaukee Art Museum en ese precedente como en el pop art, con predominio
de las líneas curvas, representado por Gae Aulenti,
Franco Albini, Vittorio Gregotti y Carlo Mollino.240
También en esas fechas se dio en Italia el llamado techno-chic, un estilo lujoso y brillante Sofá Superonda (1967), de
Archizoom, Indianapolis Museum of Art
aplicado sobre todo al mobiliario y la iluminación, con empleo de materiales como el cuero, el
cromo y el plástico.241
Entre los años 1960 y 1970 hubo una tendencia en la arquitectura y el diseño conocida como «antidiseño» (también «contradiseño» o
«diseño radical»), representada por el estudio británico Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio. Influidos por el pop art y el
kitsch, y con un antecedente en el art déco, rechazaban los principios del Estilo Internacional y el diseño estético por encima del
funcional, así como la injerencia política o económica en el diseño. Una de sus mejores realizaciones fue la silla Mies de Archizoom
(1969).242
Desde 1975 predominó el arte posmoderno, llamado así por oposición al arte moderno, ya que se asume el fracaso de los movimientos
de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno. Este movimiento supone el retorno a las formas y estilos tradicionales del arte
que, sin embargo, son reinterpretados y mezclados de forma libre y arbitraria. Se rechazan los postulados racionalistas derivados de la
Bauhaus y se experimenta de nuevo con las texturas y los colores, así como se adoptan motivos ornamentales del pasado, una
tendencia conocida igualmente como «adhocismo». Destacaron diseñadores como Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Michele de
Lucchi y Philippe Starck, así como en las artes gráficas Wolfgang Weingart, Neville Brody y Javier Mariscal.243
Siglo XXI [ editar ]
El nuevo milenio se inició con un hilo de continuidad con la centuria anterior, tanto en la pervivencia de las
técnicas tradicionales, cada vez más relegadas a la consideración de artesanía, como en la evolución del
diseño industrial. Estilísticamente, al inicio del siglo continuó predominando el arte posmoderno, aunque
también se notó la influencia de movimientos arquitectónicos como el high-tech y el deconstructivismo. Un
fenómeno social de la transición de siglo fue el nuevo concepto de mobiliario automontable y venta de
productos de diseño por catálogo o en grandes almacenes, que tuvo su paradigma en la empresa sueca
Ikea, fundada en 1943 por Ingvar Kamprad. En general, la tendencia del nuevo milenio ha sido la del
eclecticismo, la mezcla de estilos, así como la búsqueda de la sencillez y el confort. En el interiorismo se
denotó asimismo una mayor preocupación por la sostenibilidad medioambiental y un gran auge del uso de Silla Clover (2006), de
nuevas tecnologías. Entre los diseñadores más destacados de la transición de siglo cabe citar a Ron Arad, Ron Arad, Indianapolis
Museum of Art
cercano al deconstructivismo, quien elabora obras de materiales reciclados con una apariencia escultórica;
y Andrée Putman, diseñadora de estilo ecléctico que mezcla elementos rococó, high-tech y
posmodernos.244
Arte no occidental [ editar ]
África [ editar ]
Artículo principal: Arte africano
El arte africano ha tenido siempre un marcado carácter mágico-religioso, destinado más a ritos y
ceremonias de las diversas creencias animistas y politeístas africanas que no a fines estéticos, aunque
también hay producciones de signo ornamental. La mayoría de producciones en el terreno de las artes
decorativas se han dado en cerámica, joyería y tejidos, así como objetos de metalurgia.245
En la región sudanesa (desde la sabana de la costa hasta el Chad) destacan las urnas funerarias, vasos de
terracota y joyas de bronce (pendientes, pectorales, brazaletes y anillos). El arte de la madera fue
practicado por los dogon de Malí, los bobo de Burkina Faso y los senufo, especialmente unos taburetes con
patas con forma de figuras humanas.246
En la región guineana (Costa de Marfil, Ghana, Benín, Nigeria y Camerún) se han producido interesantes
Cabeza moldeada en
obras de cerámica, especialmente en Benín, con vasijas modeladas a mano y cocidas de forma precaria —
bronce (siglo XII), obra del
pueblo yoruba, Ife, Nigeria por lo que son muy frágiles—, de color rojo o blanqueadas con cal y decoración lineal. También destaca en
esta región la orfebrería, especialmente en las tribus ashanti, como la máscara funeraria del rey Kofi Kalkali
(1870, Colección Wallace, Londres), de oro fundido a la cera perdida de 1,5 kg de peso, o un anillo con la
figura en bulto redondo de un león conservado en el British Museum. Otros objetos eran pendientes, anillos, cascos, collares, brazaletes,
platos, vasos, etc. También elaboraban objetos de hierro, cobre, bronce y latón. En cuanto a la madera, fue practicada en todo tipo de
objetos y mobiliario, especialmente los tronos y asientos rituales de Camerún y Benín, como el trono del rey Glelé de Dahomey (Musée
de l'Homme, París). Otras artes practicadas en la región fueron la eboraria, el tejido y la cestería.247
En el área congoleña (República Centroafricana, Congo, República Democrática del Congo y Angola) se practicó la metalistería, en la
que destacan los jarros mangbetu (Congo central) de forma globular y cuello en forma de cabeza humana femenina. Destacó también el
trabajo de la madera, presente en máscaras, tambores, cabeceras, asientos, copas, peines, cofres, cubiletes y otros objetos. En el tejido
destaca el llamado «terciopelo de Kasai» practicado por los bakuba, elaborado con palma y decorado con cuadrados, rombos y
triángulos. En cestería son remarcables las canastillas para plátanos de los bakwele del Congo.248
Oceanía [ editar ]
Artículo principal: Arte de Oceanía
El arte oceánico está marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el océano Pacífico, donde destacan las islas de
Australia y Nueva Zelanda, así como tres principales áreas de islas y archipiélagos: Polinesia, Melanesia y Micronesia. La primera
cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1500-500 a. C.), originada en Nueva Caledonia y extendida por Nueva Guinea y Polinesia
occidental (islas Salomón, Vanuatu, Fiyi, Tonga y Samoa, principalmente). Se caracteriza por su cerámica decorada con motivos
dentados hechos con peines o púas, así como objetos de obsidiana y conchas. Entre el 500 a. C. y el 500 d. C.
continuó la colonización hacia Micronesia, Melanesia y Polinesia oriental (islas Sociedad, Marquesas, isla de
Pascua, Hawái), aunque en estas primeras fases no se han hallado numerosos vestigios, excepto algunos
utensilios y abalorios, principalmente de conchas.249
Con posterioridad, cada área regional desarrolló distintas formas de arte: en Nueva Guinea se producía un tipo de
cerámica decorada con espirales incisas, así como muebles de madera, mosaicos de plumas de ave, cajas de
bambú y calabazas pirograbadas; en las islas Salomón se han encontrado pendientes de concha con
incrustaciones de nácar, maderas talladas usadas como adorno en piraguas y vasos de madera con dibujos
grabados; en Nueva Zelanda era característico en los objetos ornamentales el uso de espirales y el horror vacui,
encontrados en maderas talladas usadas en piraguas, cajas y bajorrelieves de las casas, así como los pendientes
de jade llamados hei tiki; en las islas Samoa destaca la producción de tejidos de corteza vegetal (tapa) decorados Hei tiki de
con dibujos, generalmente losanges o ajedrezados; en las islas Hawái se confeccionaban cuencos y platos de Nueva Zelanda
madera sostenidos por cariátides, así como vestidos y cascos adornados con plumas, como el manto del rey
Kamehameha, de 3,50 m de largo por 2,50 m de ancho.250
En sus viajes por el océano Pacífico (1768-1780), James Cook reunió una serie de obras de arte que incluían tejidos, esculturas, joyas,
muebles, armas, herramientas, instrumentos musicales y otros productos manufacturados.251
Arte precolombino [ editar ]
Artículo principal: Arte precolombino
Se denomina arte precolombino al producido en el continente americano antes del

descubrimiento de América por Cristóbal Colón en 1492. Aquí florecieron a lo largo del tiempo
diversas culturas, entre las que destacan los mayas y aztecas en México y los incas en Perú.
Estos pueblos trabajaron la piedra con finalidad ornamental, como se denota en el templo tolteca
de Coatepantli, decorado con un friso de serpientes devorando hombres, o el templo mixteca de
Mitla, con decoración de relieve en forma de grecas; también son remarcables los altorrelieves
de Uxmal y Chichén Itzá. Estas culturas también trabajaron piedras preciosas y semipreciosas
como turquesa, jade, ónice, ágata, jaspe, serpentina y cristal de roca, así como nácar, coral y
obsidiana.252
Una de sus principales manifestaciones fue la cerámica, Cerámica escultórica con motivos
realizada sin torno, en modelado o vaciado. Presenta eróticos de la cultura moche, Museo
Larco Herrera, Lima, Perú
diversas morfologías —una de las más típicas la de
trípode—, con decoración por incisión con punzón,
mediante estampado con bloques de piedra o terracota grabados, pintada o bien mediante
alveolado o ahuecado. En México se han hallado urnas funerarias y vasos con cabeza de forma
caricaturizada entre los toltecas, vasos mixtecas, vasos y trípodes mayas o las máscaras de
terracota totonacas. Pero las mejores realizaciones son del Perú, con unos primeros exponentes
en la cultura de Chavín, en la de los mochicas, los chimús y en Nazca, hasta desembocar en los
mayas, entre los que destacan las ánforas puntiagudas con dos asas, con decoración pintada de
Colgante tairona de tumbaga
(aleación de oro y cobre), Museo del tipo geométrico.253
Oro, Bogotá
La orfebrería tuvo gran relevancia en las culturas precolombinas, especialmente en Perú, donde
está constatado el trabajo del oro desde el siglo IX a. C. y la plata desde el siglo V a. C.254
Dominaban diversos procedimientos, como el repujado, el batido en frío, el cincelado, el ahuecado, el recocido, el estampado sobre
alma de madera y la soldadura. En México destaca el tesoro hallado en la tumba 7 de Monte Albán, donde se halló un pectoral de oro
que representa al dios de los muertos Mictlantecuhtli, junto a un conjunto de unas quinientas piezas de oro. En Colombia, donde se halla
una buena muestra en el Museo del Oro de Bogotá, floreció notablemente la orfebrería, donde destacan los pectorales antropomorfos de
la cultura quimbaya, así como figuras zoomorfas, anillos, alfileres, collares, cascabeles, etc. También hacían piezas de tumbaga, una
aleación de oro y cobre. En Ecuador se trabajó por primera vez el platino.255
En Perú surgió una notable industria textil, quizá la primera del mundo —hay vestigios del siglo
VII a. C.—, hilada con telar con hilos de casi doscientos colores distintos.256 En Paracas se
elaboraban mantos de lana de guanaco, alpaca o vicuña, adornados con escenas mitológicas.
Además de tejidos se elaboraban tapices, gasas y brocados. Los tapices eran de urdimbre de
algodón y trama de lana, coloreados en tonos amarillos y pardos de base vegetal, azul de índigo
y rojo de cochinilla, así como verde y violeta por combinación de los anteriores y negro por
inmersión del rojo en barro. Los motivos ornamentales eran tanto figurativos como abstractos y
geométricos.257 También se elaboraron obras notables de plumería, especialmente entre los
olmecas, los mayas y los aztecas, por lo general mosaicos de plumas elaborados por costura o Cerámica mimbre
ensamblaje. Se conservan algunos regalos de Moctezuma a Carlos V, como un escudo
ceremonial, un casco, un estandarte y un abanico.258
En América del Norte vivieron diversas tribus adaptadas a los múltiples hábitats de este continente, tales como regiones árticas, selvas,
desiertos, bosques y praderas. Aunque cada una de ellas tenía su propia idiosincrasia artística, en general practicaban un arte mobiliar
confeccionado con materiales como pieles, fibras vegetales, plumas, piedra, madera, cobre, mica, conchas, púas de puerco espín, etc.
Las principales técnicas practicadas eran la cerámica, el textil y la cestería. En Florida algunas tribus elaboraban delantales
confeccionados de musgo y liquen. Uno de los elementos típicos de las tribus nómadas eran los tipis, unas tiendas realizadas
generalmente de piel de búfalo y dibujadas con emblemas tribales y familiares. La cerámica se desarrolló especialmente en el suroeste
americano, con piezas notables entre la tribu de los mimbres, autores de unos cuencos decorados con pinturas de pájaros, animales y
seres humanos.259
Asia [ editar ]
China [ editar ]
Artículo principal: Arte de China
El arte chino ha tenido una evolución más uniforme que el occidental, con un trasfondo cultural y
estético común a las sucesivas etapas artísticas, marcadas por sus dinastías reinantes. Como la
mayoría del arte oriental tiene una importante carga religiosa (principalmente taoísmo,
confucianismo y budismo) y de comunión con la naturaleza. Al contrario que en Occidente, los
chinos valoraban por igual la caligrafía, la cerámica, la seda o la porcelana, que la arquitectura,
la pintura o la escultura, a la vez que el arte está plenamente integrado en su filosofía y cultura.
Las artes decorativas chinas tienen en general ciertos rasgos comunes: gusto por el colorido y Vasija china de porcelana de la
los materiales bellos, amor por el trabajo bien realizado, sentido del ritmo, estilización y dinastía Qing (1723-1735), British
persistencia de ciertas formas y motivos en todas las técnicas decorativas, generalmente de Museum, Londres
carácter simbólico: cielo, tierra, sol, estrellas, animales míticos como el dragón o el fénix, signos
del zodíaco, flores y otros elementos de la naturaleza; los colores y algunos caracteres o palabras también pueden tener un significado
simbólico.260 Cabe mencionar que las manufacturas chinas influyeron en la decoración del rococó europeo, las llamadas
chinoiseries.261
El arte en China se suele periodificar según sus dinastías gobernantes: Shang (1600-1046 a. C.), Zhou (1045-256 a. C.), Qin (221-
206 a. C.), Han (206 a. C.-220 d. C.), período de las Seis dinastías (220-618), Tang (618-907), Song (960-1279), Yuan (1280-1368),
Ming (1368-1644) y Qing (1644-1911).
Una de las principales expresiones de las artes decortivas chinas es la cerámica: los primeros
vestigios son de época neolítica, alrededor del 2500 a. C., en que se elaboraban urnas y vasijas
decoradas con pinturas de varios motivos, como espirales, triángulos y zigzags. En época Shang
se hacían vasijas de arcilla fina decorada por incisión, con adornos generalmente de grecas.
Durante la dinastía Zhou apareció una protoporcelana de gres vidriado con feldespato y un
caolín impuro. En época Han se dio un tipo de cerámica esmaltada con un barniz plomífero y
coloreada en verde con óxido de cobre, como el típico vaso hu, que se decora en su parte
superior con un relieve de frisos. En el período Tang se elaboraban vasos, tiestos, jarros, ánforas
Placa de cinturón de jade con y escudillas, algunos de influencia occidental, así como figurillas votivas, y surgió un tipo de
dragón, dinastía Yuan (siglo XIV) porcelana blanca y gruesa. Durante el período Song destacan dos tipologías: la cerámica de
esmalte blanco de Ting-cheu y la cerámica de esmalte rosa o azul de Kin-cheu. La época Yuan
fue de mantenimiento de las formas anteriores, quizá con menos calidad; la principal innovación fue la introducción del azul cobalto. La
dinastía Ming supuso un renacimiento de la cerámica y el arte en general, favorecida por la creación de la manufactura imperial de
Jingdezhen. La porcelana se elaboró en grandes cantidades, un tipo de porcelana blanca translúcida de gran perfeccionamiento técnico,
decorada con vivos colores. Por último, en época Qing continuó una producción abundante —en Jingdezhen había tres mil hornos
trabajando continuamente—, y se recuerda a Tang Ying como el más grande ceramista de su tiempo, director de la fábrica imperial de
1736 a 1749. En este período se introdujo el azul zafiro, y se elaboraron piezas tanto monocromas como policromas, con una
predilección temática por las escenas pintorescas.262
El trabajo de las piedras duras está representado sobre todo por el jade, que se trabaja en China desde el milenio III a. C. Suele ser de
color verde o azul, aunque hay variedades en amarillo o blanco. Se solía pulir con piedras abrasivas como el corindón, aunque su
dureza conllevaba un trabajo de varios años para una sola pieza. El sello imperial chino, grabado en época Han, era de jade. Los jades
eran usados como objetos rituales, como el disco Bi (símbolo del cielo) o el bloque Tsong (la tierra), o bien como ornamentos,
generalmente joyas, amuletos, adornos de espadas o hebillas de cinturones.263
La orfebrería es escasa, debido a la pobreza del territorio chino en oro y plata. De época Zhou se conservan diversas piezas de plata,
como copas y alfileres para el pelo. En época Han se hacían objetos de plata para uso ritual o doméstico, mientras que en oro destaca
un broche de cinturón con turquesas incrustadas hallado en una tumba de Loland (Pyongyang). Un punto álgido de la orfebrería china
fue durante la dinastía Tang, donde se denota la influencia del Próximo Oriente debido a la llegada de orfebres sasánidas expulsados de
Irán por los musulmanes; también se denota la influencia india en la introducción de la forma de flor de loto. Eran frecuentes los collares,
pendientes y brazaletes con abundancia de perlas. De época Song destacó el uso de la filigrana, y los Yuan destacaron en platería. De
época Ming destaca el tesoro hallado en la tumba del emperador Wanli (1572-1620). La dinastía Qing mantuvo los estilos anteriores, en
piezas de gran suntuosidad con abundancia de perlas, jade, coral y otros materiales
preciosos.264
En el trabajo del metal sobresalen las obras en bronce, del que se

crearon notables realizaciones ya desde el 1700 a. C. Durante la
dinastía Shang se produjeron vasijas decoradas en relieve, como
las halladas en la zona de Chengdu, en el alto Yangtsé, de
alrededor del 1200 a. C. Además de vasos, se elaboraban cascos y
armas, campanas, calderos-trípode (jue), espejos, cuchillos y
cubiertos, con una rica decoración gráfica de la que destacan los
motivos zoomorfos. En época Zhou proliferó el vaso hu, de grandes
dimensiones, así como espejos redondos con decoración en el
reverso. En época Han el bronce se volvió más suntuoso, con Incensario de cloisonné con forma
incrustaciones de oro, turquesa, malaquita y otros materiales de qilin, dinastía Qing
Bodhisattva Manjusri preciosos. Durante la dinastía Ming comenzó la decoración de
de porcelana, dinastía
Ming (siglo XVII)
vasijas de bronce en esmalte cloisonné.265
El mobiliario presenta dos tipologías principales: el cofre o caja y el bastidor, generalmente con un diseño
de corte arquitectónico y estructura rectangular, de formas simples y austeras. En época Han se encuentran
sillas, mesas, taburetes, camas y otros tipos de muebles, de formas sencillas y con decoración ocasional de motivos geométricos. Los
Tang tenían un mobiliario más lujoso, con incrustaciones de oro, plata, nácar o marfil, en ocasiones lacados. Durante las dinastías Ming
y Qing se emplearon maderas como el sándalo, la teca, el cedro y el palo de rosa, con utilización de ébano para incrustaciones.266
Otro gran exponente de las artes decorativas chinas es la laca, que se remonta tradicionalmente al mítico emperador Shu (c. 2850 a. C.)
Los objetos más antiguos conservados son de época Zhou, aunque el apogeo de la laca fue durante la dinastía Han, período en el que
se perfeccionó la técnica, con barnizados de más de treinta capas que requerían semanas de trabajo. Se hacían lacados en color
blanco, negro, rojo, verde, azul, amarillo, marrón y otras tonalidades, y se empleaban también el oro y la plata, así como incrustaciones
de nácar. Se crearon varios talleres imperiales en los que trabajaron artesanos mcuhas veces conocidos, ya que solían firmar sus obras.
La laca floreció también en época Song, período en el que se exportó al sudeste asiático y el Próximo Oriente, así como durante la
dinastía Ming, en que las manufacturas imperiales llevaban un sello de oro incrustado.267
En cuanto al arte textil destaca la seda, descubierta en China en el milenio III a. C., cuya invención se atribuye a Lei-Tsu, concubina del
emperador Huang-Ti. La sedería floreció especialmente desde la dinastía Han, período en el que comenzó a exportarse a través de la
ruta de la seda. Ya en aquel entonces había diversas técnicas, como el damasco, el muaré, el piqué, la gasa, el tapiz y el bordado. La
decoración solía ser de losanges, celosías, motivos animales y vegetales, dragones y otros animales míticos, con policromía de ricos
colores. La seda también destacó en las dinastías Tang, Song, Yuan y Qing.268
Vaso de cerámica Zhou, siglos Describiendo la Celadón de Jue dorado de la dinastía Ming Caja de laca con con
IV-III a. C. doctrina bajo un la dinastía (1411-1441) incrustaciones de nácar,
árbol, pintura Song dinastía Ming
sobre seda (siglo XIII),
(siglo VIII), British colección
Museum Nantoyōsō,
Japón
Cuenco de cloisonné, dinastía Ming Cama de la dinastía Ming Túnica

imperial de la
dinastía Qing
Japón [ editar ]
Artículo principal: Arte de Japón
El arte japonés ha estado marcado por su insularidad, aunque a intervalos ha ido recibiendo la
influencia de las civilizaciones continentales, sobre todo de China y Corea. Gran parte del arte
producido en Japón ha sido de tipo religioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japonesa,
formada alrededor del siglo I, se añadió el budismo en torno al siglo V, forjando un sincretismo
religioso que aún hoy perdura. Como el arte chino, el japonés está imbuido de un profundo amor
a la naturaleza, lo que se ha traducido en ocasiones en algunos objetos artísticos en una
austeridad decorativa motivada por su imitación de los objetos naturales. Otras muestras son el
gusto por la jardinería y el arte del ikebana. Otros elementos perceptibles en las artes
decorativas son el gusto por materiales bellos, la repetición de motivos ornamentales y la
ausencia de profundidad.269
El arte japonés se divide en períodos históricos: Jōmon (5000-200 a. C.), Yayoi Porcelana de Imari (siglo XVIII)
(200 a. C.-200 d. C.), Kofun (200-600), Asuka (552-646), Nara (646-794), Heian (794-1185),
Kamakura (1185-1392), Muromachi (1333-1573), Momoyama (1573-1615), Edo (1615-1868) y
Meiji (1865-1911).
En Japón, durante el período Jōmon, se produjo la cerámica más antigua producida por el ser
humano (7000 a. C.), hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda.270 En
época Kofun (hacia el siglo V) aparece el trabajo en torno, probablemente por influencia coreana.
En época Asuka aparece la cerámica Sue, elaborada con esmalte ceniciento. Del período Nara
son características las piezas de tres colores, copiadas de la cerámica china Tang. Durante el
período Kamakura se inició la producción de la que sería la cerámica más típicamente japonesa,
con un centro productor de gran relevancia, el taller Seto en Owari. En época Muromachi los
Biombo de seis paneles del
siglo XVII conflictos bélicos con Corea provocaron la llegada a Japón de numerosos alfareros coreanos,
que llevaron la cerámica japonesa a cotas de gran calidad. En ese período la influencia del
budismo zen y la estética wabi-sabi conllevaron a la creación de la ceremonia del té, que motivó
un gran auge de la cerámica: para esa ceremonia se utilizan cuencos, botes, jarras de agua, platos, floreros, cajas y quemadores de
incienso. En el período Momoyama la cerámica alcanzó un momento de gran apogeo: Seto continuó siendo uno de los primeros centros
de producción, mientras que en Mino nacieron dos escuelas muy importantes: Shino y Oribe. Como autor destaca Ōgata Kenzan. En el
período Edo la cerámica tuvo uno de sus mayores centros de producción en Kioto, con influencia del arte chino y coreano; su principal
artista es Nonomura Ninsei. En este período se produjeron las primeras porcelanas, con un primer centro productor en Arita; destacan
las escuelas de Kakiemon, Nabeshima y Kutani.271
En orfebrería, los japoneses utilizaron el oro y la plata principalmente para dorar o platear el bronce, ya que
lo tenían en pequeñas cantidades. En época Nara se utilizó la plata para confeccionar aureolas de estatuas
búdicas. En cambio, destacaron notablemente en el trabajo del bronce, empleado desde la época Yayoi en
la elaboración de campanas, armas, espejos y otros objetos litúrgicos y utilitarios. En los períodos Asuka y
Nara se empleó preferentemente en objetos dedicados al culto budista. En esta época apareció una
aleación llamada shakudo, compuesta por un 95 % de cobre, un 4 % de plata y un 1 % de oro.272 El
trabajo del hierro se dio principalmente en armas: florecieron especialmente en el período Kamakura, en
que se elaboraban armaduras y espadas (katana) confeccionadas con dos capas de hierro y acero
sometidas a ignición e inmersión, con una característica marca templada al vapor denominada ni-e.273
Algunos de los principales fabricantes fueron los Goto, los Myochin y los Humetada. Las épocas Armadura samurái
datada entre la segunda
Momoyama y Edo marcaron el apogeo del hierro, cada vez más ornamentado, con decoración por calado,
mitad del siglo XVIII y la
cincelado o con incrustación de cobre, oro, plata o esmalte.274 primera del XIX, con
kabuto del siglo XVI, hierro
La madera se usó escasamente para muebles, ya que la tradición japonesa es sentarse o estirarse en
lacado con aplicaciones
esteras de paja de arroz, aunque se dan mesas de escasa altura, cofres, estanterías, escritorios y otras de bronce, seda y algodón
modalidades menores.275 Un elemento relevante es el biombo, una mampara movible de armazón de
madera y paneles de tapicería, papel, cuero, laca u otros materiales, decorados con pinturas de paisajes o
escenas costumbristas.276 Como en China, el arte japonés destacó en la laca, confeccionada generalmente con una madera recubierta
de cáñamo (en ocasiones metal, cuero, barro o papel) sobre la que se aplica una laca basta y, sobre esta, unas treinta capas de barniz
fino; posteriormente se decora con diversas técnicas: dorado (maki-e), espolvoreado (togidashi maki-e), relieve (taka maki-e),
incrustación de nácar (raden), metal (hypomon) o pintura (shitsuga). Aplicadas sobre la laca húmeda, estas técnicas crean dibujos de
gran finura y sutil tonalidad. Se solían elaborar armarios, relicarios, biombos, cajas y cofres, máscaras, instrumentos musicales, etc.
Como autores, en época Momoyama destaca el nombre de Honami Kōetsu y, en el período Edo, Ōgata Kōrin.277
En arte textil destaca el trabajo de la seda. Aunque se introdujo procedente de Corea hacia el año 200, parece ser que hacia el siglo XI
se perdió la técnica y no se recuperó hasta el XVI, importándose entre mientras sedas chinas. El principal centro productor se estableció
en Nishijin, un suburbio de Kioto. La principal tipología es el kimono.278 Hay que citar también en Japón el abanico, donde ya en el
siglo XII se decoraban con pinturas o poemas. Durante el período Heian se decoraban con textos de los sūtras budistas y con escenas de
género.279 Posteriormente, el abanico pasó a China y, en el siglo XVI, a España y Portugal, desde donde pasó a toda Europa.280
Recipiente de Vaso Yayoi (c. Vasija negra chawan Porcelana de Kutani (siglo XVII) Incensario de cerámica
terracota del período siglos I-III), estilo raku utilizada esmaltada con decoración de
Jōmon (hacia 3000- Museo Nacional para té grueso flores, hierbas y mariposas,
2000 a. C.) de Tokio (siglo XVI), Museo de Honami Kōetsu (siglo XVII),
Nacional de Tokio Museo Metropolitano de Arte
Tarro de té de Kimono
Nonomura Ninsei Furisode
(c. 1660-1670)
Corea [ editar ]
Artículo principal: Arte coreano
El arte coreano ha recibido en numerosos períodos de su historia la influencia china, aunque también ha dado pruebas de gran maestría
en la producción autóctona. Su mejor aportación a las artes decorativas ha sido en el terreno de la cerámica, con unas primeras
muestras de relevancia en el reino Silla entre los siglos V y VIII, tanto en tejas y baldosas como en urnas funerarias, vasos y lámparas,
generalmente con decoración floral. La mejor producción fue durante la dinastía Koryo (936-1392), con obras de gran refinamiento
comparables a la cerámica Song, tales como celadones, vasos, boles, teteras y pebeteros, a veces con forma de flores o frutos. En esta
época se inventó una técnica ornamental de incrustación por vaciado de la pasta y relleno de arcilla blanca llamada punch'ong (en
Japón, donde fue muy admirada, la llamaron mishima). Durante la dinastía Joseon se inició la producción
de porcelana (siglo XVII), de color opaco y formas macizas, un tanto rudas, con decoración de tipo
abstracto.281
En orfebrería hubo una copiosa producción de piezas de oro, relativamente abundante en el país. En las
tumbas reales se han encontrado coronas, pendientes, cinturones, collares, alfileres, brazaletes, pomos de
espada y otras piezas de gran habilidad técnica, con motivos ornamentales en los que predominan flores,
pájaros y dragones. También trabajaron el bronce, especialmente en estatuillas budistas, espejos, coronas y
campanas.282
Sudeste asiático [ editar ] Incensario de cobre y

Artículo principal: Arte del Sudeste Asiático oro del antiguo reino de
Baekje (c. 538-660),
En el sudeste asiático el arte estuvo a caballo entre la tradición hinduista y budista, así como el islamismo, Museo Nacional de Buyeo
introducido en el siglo XV principalmente en Indonesia. En las culturas autóctonas de la edad del bronce y
del hierro —de las que se conservan escasos restos— se denota la influencia china, mientras que a partir
del siglo VI comienza progresivamente la influencia india.
Arte indonesio: se recibió una primera influencia india, principalmente gupta. En la decoración arquitectónica se dieron bajorrelieves
que denotan un gran detallismo y amor a la naturaleza, como en el templo de Borobudur. En metalistería destacan las campanas y
tambores de bronce, así como los puñales kris, de hoja adamascada y mango tallado, a veces con incrustaciones de oro, plata, marfil
o piedras preciosas. En orfebrería se practicó especialmente el oro cincelado, como el adorno de tres ruedas, el sol y la serpiente
nāga de la dinastía Madjapahit (Java, siglo XIV). Quizá la principal manifestación de las artes decorativas indonesias sea la textil: aquí
se inventó el batik, realizado con un tejido impregnado de cera al que luego se le da un baño de colorante, preservando el fondo o el
dibujo para conseguir distintos efectos y combinaciones cromáticas. Otra técnica, usada principalmente en Bali y Sumatra, es el ikat,
en que se tiñen los hilos que luego se tejen en forma de dibujo. Cabe mencionar también las marionetas wayang, en tres
modalidades: wayang golek, de madera; wayang kulit, de piel; o wayang klitik, de madera con brazos de piel.283
Arte thai: es el desarrollado en Siam (Tailandia), de corte principalmente budista. La cerámica fue inicialmente monocroma, en tonos
blanco, verde, gris y marrón, mientras que posteriormente pasó a la policromía. Se dieron varios tipos: Ban Chiang, de época
prehistórica, cocida sin horno y con decoración elaborada con cuerdas; Sawankhalok (siglos XIV-XV), de influencia china y vietnamita,
realizada con gres duro recubierto a veces de un vidriado de celadón de tono verde o azul; Sukhothai, contemporánea de la anterior
y bastante parecida, aunque de calidad inferior; y Bencharong, de los siglos XVIII-XIX, elaborada en China para comercializarse en
Siam, generalmente con motivos budistas.284 Destacó la orfebrería, en la que se elaboraron
notables obras como adornos de Buda, principalmente coronas. En el Museo de Bangkok se
conserva el tesoro de la pagoda de Ayuhya (siglo XV), que contiene sortijas, brazaletes y
pectorales formados por tablillas de oro, plata y estaño con formas de animales (cisne,
caballo, vaca y elefante). En el trabajo del bronce se dieron objetos ceremoniales y
estatuillas de Buda. En madera se elaboraron en el siglo XVIII armarios y cofres de laca negra
con decoración de flores y personajes en oro.285
Arte jemer: el reino jemer se situó en Camboya y tuvo su apogeo entre los siglos VIII-XII. Su
principal manifestación es el magnífico conjunto de Angkor Wat (1113-1150), una ciudadela- Soporte de gong, Mandalay,
Birmania (siglo XIX), Museu de Cultures
templo dedicada a Vishnú, de la que destaca la decoración esculpida en relieve. También se
del Món, Barcelona
dieron objetos de bronce como adornos de carros, cascabeles de elefante y estatuillas de
dioses hindúes. En orfebrería destacan los collares de apsaras con ornamentación floral de
Angkor Wat. En el textil destaca la tipología del sampot, un tipo de vestido realizado en ikat de aspecto suntuoso.286 La cerámica
destacó entre los siglos XI-XII, contemporáneamente a la cultura de Angkor, época en que se dieron unos jarros con forma de cabeza
de elefante y barniz de color chocolate.287
Arte cham: se dio en el reino de Champa (Vietnam). En los siglos VIII-IX recibió la influencia hindú, mientras que en el siglo XII
predominó la influencia jemer. Destacó la cerámica, de influencia china pero con una fuerte personalidad propia: los primeros
vestigios son de los siglos I-III, aunque su mejor época fue entre los XIV-XVII, con varios tipos de gres y semiporcelana en tonos azul y
blanco o con colores al esmalte en rojo y verde, de gran refinamiento.288
Arte birmano: en Birmania es más palpable la influencia china, así como del budismo Theravada. Destacaron especialmente en
orfebrería, al ser un país con abundancia de oro y piedras preciosas, sobre todo zafiros, esmeraldas y rubíes. Pese a la austeridad
budista, la nobleza birmana gustaba de hacer ostentación de joyas y abalorios, como se denota en el fabuloso tesoro del reino de
Mandalay. También cabe mencionar los recipientes esmaltados, las tallas de madera, las latas lacadas y las marionetas yokthe-pwe,
realizadas en madera y ataviadas con ricos tejidos y metales preciosos.289
Cerámica de Ban Jarra con forma Matraz de Porcelana de Paño del altar de Contenedor de Marionetas
Chiang, Tailandia de elefante, peregrino Bencharong, batik de nueces, oro wayang golek de
(2300 a. C.), Camboya (siglos de Tailandia Peranakan, con rubíes y Java
Museum für XI-XII), Art Gallery Vietnam (siglo XIX), Jim Indonesia (finales esmeraldas, (Indonesia),
Indische Kunst, of New South (siglo XV), Thompson del siglo XIX) Mandalay Asian Art
Dahlem (Berlín) Wales gres con Museum, Bangkok (Birmania, Museum, San
vidriera siglo XIX), Francisco
azul, Victoria & (California)
Honolulu Albert
Academy Museum,
of Arts Londres
Bailarina jemer
vestida con un
sampot
India [ editar ]
Artículo principal: Arte de la India
El arte indio tiene un carácter principalmente religioso, que sirve como vehículo de transmisión
de las distintas religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo y
cristianismo, principalmente. El subcontinente indio no ha dado una producción tan copiosa en
artes decorativas como las vecinas China o Japón, por un lado por su historia de división en
pequeños reinos, a menudo con ocupaciones extranjeras, así como el hecho de que la mayoría
de la población no podía permitirse la posesión de productos suntuosos, reservados a una élite
aristocrática; y, por otro lado, por el carácter perecedero de muchas de sus producciones,
especialmente madera y tejido, en unas condiciones climatológicas no muy favorables, debido a
los monzones.290 Olla y bandeja con estampado de
flores, cristal de roca, oro y gemas (c.
La cerámica es de escasa relevancia, principalmente utensilios de barro de carácter utilitario. Lo 1800), Museo Walters, Baltimore
más renombrable son los vasos pintados de la cultura del Indo (Harappa, Mohenjo-Daro), con
una decoración en friso de motivos geométricos o animales. En época Gupta se dieron relieves y
baldosas de terracota para decorar templos. Ya en época mogol se introdujo la porcelana de tipo islámico.291
Destacó más la orfebrería: en la cultura del Indo se hallan collares y brazaletes de oro y perlas; era
frecuente adornar las estatuas de la diosas con collares, pendientes y cinturones de oro y plata. Las joyas y
piedras preciosas eran usadas con abundancia porque, según la tradición, protegían de los malos espíritus,
especialmente cinturones, brazaletes y diademas. También se hacían objetos domésticos de metales
preciosos, como vasos, espejos, abanicos y palmatorias. En Gandhāra se han encontrado joyas de
influencia helenística, realizadas por incisión, repujado, alveolado, incrustación o filigrana. En la India
también hubo una gran producción de jade que, a diferencia del chino, suele llevar incrustaciones de
esmalte o piedras preciosas con una montura de oro.292
El bronce fue trabajado desde la época de la cultura del Indo: en Mohenjo-Daro se halló una estatuilla de
Jarra de la cultura del

bailarina de bronce vestida de joyas. Desde el siglo II a. C. se trabajó también el acero, principalmente en
Indo (c. 2500-1900 a. C.), armas, a veces damasquinadas de oro y plata. En época Gupta se elaboraban estatuillas de Buda de
Royal Ontario Museum bronce, a veces con aleaciones de plomo, cinc, antimonio, oro y plata. Otros objetos habituales eran vasos,
lámparas y peines.293
La madera se empleó poco en mobiliario, ya que eran más habituales las esteras o los asientos de caña o bambú. La presencia del
mueble se dio más en el ámbito religioso, especialmente mesas y cofres, donde se denota una cierta influencia del Oriente Próximo. En
época Gupta destacan los tronos, de teca, ébano o sándalo, con incrustaciones de oro, plata, marfil o gemas. Durante la dinastía mogol
la madera se dio sobre todo en puertas, ventanas y paneles de madera calada, con taraceas o
incrustaciones de nácar o latón. En época colonial se dio un tipo de mobiliario de estilo indoportugués,
caracterizado por el empleo de maderas oscuras con incrustaciones de oro o marfil, así como el
indoholandés, de ébano y maderas claras lacadas, también en ocasiones con incrustaciones de oro.
También se practicó la eboraria, especialmente placas para cofres y asientos, trabajados en alto o
bajorrelieve, con representación de plantas y monstruos, así como escenas cortesanas. También se hacían
en marfil estatuillas, cofrecillos, piezas de ajedrez, mangos de espejo y otros objetos.294
En cuanto al tejido, se trabajó la lana y el algodón para vestidos y tapices, mientras que la seda se
importaba de China. También se hacían bordados, en ocasiones con incrustaciones de hilos de seda, plata Shah Jahan cazando
un león, camafeo de
y oro. Los tejidos se solían teñir, con batik o con algodón grabado por impresión con planchas de madera.
ónice, oro y esmalte,
En el arte textil se denota la influencia irania, especialmente saris y chales de Cachemira con adornos siglo XVIII
florales.295
Cabe destacar también de época mogol la miniatura, que se desarrolló en libros lujosamente decorados,
que eran considerados objetos de gran valor. Por lo general se dibujaba sobre el papel con grafito o con tinta, se recubría con una capa
de pintura blanca translúcida y se aplicaba la pintura, confeccionada con pigmentos vegetales o minerales mezclados con aglutinante o
goma arábiga. Uno de los mejores miniaturistas fue Basawan, creador del estilo clásico de la miniatura mogol, de corte narrativo. El
emperador Akbar fue un gran mecenas de la miniatura, especialmente de crónicas e historias ilustradas, como las 1400 ilustraciones del
Hamzanama (Historias de Hamza). Más adelante, Abu'l Hasan creó un estilo más refinado y aristocrático, de menor tamaño. También
aparecieron entonces las escenas de género y la representación de animales y plantas, donde destacó la princesa Sahifa Banu, autora
por ejemplo de un Retrato del shah Tahmasp (principios del siglo XVII).296
Arte islámico [ editar ]
Artículo principal: Arte islámico
Con la Hégira de Mahoma en el año 622 surgió una nueva religión, el islamismo, que tuvo una rápida difusión desde el Próximo Oriente
por el norte de África hasta la península ibérica, así como por la zona de los Balcanes tras la caída del Imperio bizantino en 1453. Con el
tiempo, la nueva religión aglutinó a una gran diversidad de pueblos y culturas, por lo que su arte fue el reflejo de esta disparidad, lo que
produjo numerosas manifestaciones y variantes estilísticas según la región donde se produjese.297 Los principales períodos históricos y
artísticos dentro del Islam fueron el omeya, abásida, selyúcida, timúrida, safávida y otomano en Próximo Oriente; tuluní, fatimí, ayubí y
mameluco en Egipto; y omeya, almorávide, almohade y nazarí en Al-Andalus.298
En el arte islámico tuvieron un gran desarrollo las artes decorativas, debido principalmente a la prohibición
de la representación de seres vivos, que restó uno de los motivos principales de la pintura y la escultura. A
ello se añade la consideración de la arquitectura como un mero oficio, no como un arte, por lo que las artes
decorativas se convirtieron en la principal manifestación artística islámica.299 Por otro lado, el arte islámico
sigue la premisa de que «solo Dios permanece», por lo que sus realizaciones artísticas tienen una cierta
apariencia de fragilidad, debido a lo cual se suelen emplear únicamente materiales modestos; por ello,
apenas existe orfebrería o piezas suntuosas.299 Los motivos decorativos islámicos se centran en la
representación geométrica o vegetal, frecuentemente abstractizada (arabesco), o en la epigrafía —
generalmente versos coránicos—, con dos modalidades: caligrafía cúfica (formas rectas) y nasji (formas
curvas).300 Todos estos motivos suelen repetirse de forma rítmica y simétrica, con un sentido lineal que
excluye los efectos plásticos, y con una cierta tendencia al horror vacui, lo que da por resultado un cierto
recargamiento y abarrocamiento de las artes. En cambio, se persiguen efectos estéticos como el brillo y los Bote de Zamora (964),
reflejos de luz, y se valora positivamente la policromía y el contraste de colores.301 píxide de marfil omeya,
Museo Arqueológico
En arquitectura se empleó mucho el estuco, que llegó a cotas de gran Nacional, Madrid
perfección técnica, especialmente en la época abásida y en el norte de África,
así como en la España musulmana, donde se encuentra en la Aljafería de
Zaragoza y en la Alhambra de Granada, y donde influyó en el arte mudéjar.116
La cerámica fue heredera del ladrillo esmaltado del Próximo Oriente, al tiempo que también denota la
influencia china. Los abásidas importaron cerámica Tang y Song, e impulsaron un tipo de cerámica
monocroma y brillante, de reflejos metálicos conseguidos con esmalte de estaño y una decoración de
arabescos, follaje o palmetas. En época safávida se hizo más evidente la influencia china, con tonos azules
y blancos y motivos ornamentales de dragones y aves fénix. Dentro del arte otomano la cerámica es
heredera de la irania: en el siglo XV se dio una loza fina con decoración de flores o inscripciones cúficas,
seguida en el XVI por una cerámica de rica policromía con motivos florales. Destaca también la azulejería,
Vaso sirio o egipcio de
vidrio, dorado y esmalte empleada profusamente en las mezquitas de Estambul. En Al-Andalus se da una loza fina de reflejo
(c. 1350), Victoria & Albert metálico, con una especial calidad en los talleres de Málaga de los siglos XIII-XIV. Destacan también los
Museum, Londres platos de Paterna y Manises, centros de producción activos entre los siglos XIV-XV, donde se entronca con el
arte mudéjar.302
El vidrio islámico fue de mucha mayor calidad que el elaborado coetáneamente en la Europa
medieval, al ser heredero de los talleres de soplado de Egipto y Siria, de tradición helenística. Se
elaboraban vasos, copas, botellas, lámparas y frascos para perfume, translúcidos o esmaltados
de colores, con decoración pintada o incisa. También se hacían jarrones de cristal de roca, como
el llamado de al-Aziz del Tesoro de San Marcos (Venecia), del siglo X.303
La orfebrería fue escasa, principalmente sortijas y pendientes, de influencia irania. En platería se

elaboraban cofres de plata dorada sobre madera, como el conservado en la catedral de Gerona,
confeccionado para Hišām II en 976. También se dio el esmalte, como la jofaina de cobre
esmaltada en alveolado del Museo de Innsbruck (siglo XII).304 La metalistería se dio Arqueta de Hišām II (976), de
madera recubierta de plata repujada,
principalmente en cobre y bronce, en menor medida en hierro. En cobre se elaboraban nielada y dorada, catedral de Gerona
lámparas, vasos, jarras, cajas, bandejas, pies de candelabro y jofainas. En bronce destacan los
espejos, cofres, lámparas y aguamaniles, a veces con incrustaciones de plata. El hierro se usó
principalmente para las armas, como la espada de Boabdil, con pomo de oro esmaltado y marfil, y funda de cordobán con esmalte, plata,
seda y oro.305
El mobiliario ha sido escaso en el ámbito musulmán, debido a su predilección por la alfombra. La mayoría de muebles eran para el
ámbito religioso, como mesas, pupitres para la lectura del Corán y púlpitos (almimbares). La madera también se trabajaba para el ámbito
arquitectónico (puertas, paneles), generalmente con forma de lacerías. También se practicó la eboraria, especialmente en cofres y urnas,
como el llamado bote de Zamora (964, Museo Arqueológico Nacional, Madrid).306
Otra de las artes de relevancia en el mundo islámico fue la textil, heredera del arte bizantino y sasánida. Desarrollaron y perfeccionaron
numerosas técnicas, como el damasco, el tiraz, el terciopelo y la muselina.307 Elaboraban vestidos, alfombras, tapices, telas
estampadas y otros tejidos, con decoraciones generalmente geométricas, epigráficas, medallones con forma de media luna o motivos de
origen vegetal o animal pero llevados casi a la abstracción. En Siria también elaboraban brocados de seda. En Bagdad —antiguamente
Baldac— se creó el baldaquín, un dosel hecho de seda. También destacó la seda de Al-Andalus, como el tiraz de Hišām II (Real
Academia de la Historia, Madrid) o un tapiz de seda y oro originario de Almería conservado en el Museo Cooper Union de Nueva
York.308 Otro terreno de relevancia fue la corioplastia, especialmente en Córdoba, donde se creó la técnica del cordobán, que junto al
guadamecí fueron las principales modalidades producidas en la España musulmana y exportadas a toda Europa.309
Colgante en forma Aguamanil fatimí Aspersorio de Tiesto de las aves, Siria Azulejo esmaltado Plato mudéjar del Silla persa
de media luna con con leones, cristal vidrio soplado (principios del siglo XIII), del camello, Irán siglo XV, Burrell del
pájaros de roca y oro ayúbida (siglos Museo del Louvre, (siglo XIV), Museo Collection, Glasgow siglo XIX,
enfrentados, oro, esmaltado (siglos XII-XIIII), Museo París del Louvre, París Doris Duke
esmalte cloisonné, X-XI), Museo de del Louvre, Foundation
turquesa y filigrana Pérgamo París , Diamond
(siglo XI) Head
(Hawái)
Alfombra
persa de
seda, Museo
Metropolitano
de Arte,
Nueva York
Véase también [ editar ]
Portal:Arte. Contenido relacionado con Arte.
Historia del arte
Teoría del arte
Artesanía
Museos de Artes Decorativas
Artes decorativas del Museo del Prado
Notas [ editar ]
1. ↑ La denominación «gótico» fue introducida por los artistas italianos del Renacimiento, en sentido despectivo, pues lo veían como algo bárbaro y
atrasado, como las realizaciones de los «godos» que acabaron con el Imperio romano.92
2. ↑ El término arte moderno proviene del concepto de modernidad, una teoría filosófico-cultural que postula la actual vigencia de un período
histórico marcado en lo cultural por la Ilustración, en lo político por la Revolución Francesa y en lo económico por la Revolución Industrial, y que
supondría la raíz social propia de la Edad Contemporánea. El proyecto moderno se caracteriza por el fin del determinismo y de la supremacía de
la religión, sustituidos por la razón y la ciencia, el objetivismo y el individualismo, la confianza en la tecnología y el progreso, en las propias
capacidades del ser humano. Esta «era moderna» habría llegado hasta la actualidad y estaría plenamente vigente según unos expertos,
mientras que otros defienden que es actualmente una fase superada en la evolución de la humanidad y postulan una posmodernidad como
período sucesor de este proyecto moderno.107
3. ↑ El término «barroco» proviene de un vocablo de origen portugués, donde a las perlas que tenían alguna deformidad se las denominaba perlas
barruecas, siendo en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, grandilocuente, excesivamente recargado.127
4. ↑ El término rococó se formó con la conjunción del italiano barocco y rocaille, elemento decorativo parecido a una concha, muy usado en la
ornamentación durante este período.140
5. ↑ El nombre proviene de un personaje de ficción llamado Gottlob Biedermeier, inventado por los escritores Ludwig Eichrodt y Adolf Kussmaul en
algunas poesías satíricas publicadas por un diario de Múnich en 1855.170
6. ↑ Diminutivo de arts décoratifs, «artes decorativas» en francés. De hecho, el término art déco no empezó a usarse hasta los años 1960, cuando
fue revalorizado por el pop art; contemporáneamente era conocido como style moderne o estilo París 1925.217
7. ↑ Literalmente, «casa de construcción», aunque en alemán bau puede querer decir también crecimiento o educación.226
Referencias [ editar ]
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75. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Lorente y Álvaro Zamora, 101. ↑ Borrás Gualis, Esteban Lorente y Álvaro Zamora,
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Historia de Las Artes Decorativas

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