El Arte Rupestre en el Perú

Situamos el sitio de Pusharo en el marco más general del arte rupestre en el Perú. Se encuentran en efecto en el
antiguo territorio inca figuras rupestres y pictogramas, o inscripciones jeroglíficas, por miles, realizadas sobre la
roca, en diferentes regiones del país, a partir de las primeras olas de asentamientos, o sea varios miles de años
antes de la era cristiana. Se trata generalmente de pinturas (44 %), de petroglifos (44 %), de geoglifos (1 %) y de
arte mobiliario de tradición rupestre (8 %).
El Perú además sólo reúne una parte del patrimonio escriturario sudamericano, presente también en gran número
en el conjunto de los países andinos, desde Colombia hasta Chile. Es más que hora de examinar hoy seriamente
estos mensajes de piedra, amenazados de desaparición por causas naturales o más simplemente humanas.
Debemos, en efecto, deplorar la desaparición de numerosos sitios, desde
estas últimas décadas, bajo la acción estúpida del hombre, debida a la
ignorancia, a la codicia, al vandalismo o al espíritu enfermo de algunos
traficantes o coleccionistas que no dudan en “extraer” roca para enriquecer
colecciones privadas de aficionadosde arte precolombinos, a costa de una
destrucción definitiva de los sitios así violados.
Una parte importante del patrimonio histórico y artístico de la humanidad
desaparece así cada año incluso antes de haber sido objeto del menor
estudio científico para conservar por lo menos aunque sea un recuerdo. En
el Perú, el interés por los sitios rupestres y petroglíficos conoció un período
de popularidad sin precedentes en los años noventa, gracias al desarrollo
de las actividades turísticas, fomentadas por el Gobierno, bajo el control
del Instituto Nacional de Cultura, que fija las normas de ellas.
Ese interés por los petroglifos , sin embargo, no es nuevo. Efectivamente, Cieza de León relata ya en la época
que había en Viñaque varias "letras" sobre cerámica; pero añade “no lo afirmo ni lo considero como cierto”.
Fray Antonio de la Calancha relata el hecho que el visitador de las idolatrías, Duarte Fernández, encontró cerca
de Lima, en Calango, una piedra cubierta de inscripciones jeroglíficas, que fue destruida, pero el cronista
conservó el dibujo de la piedra de Calango, que es llamada "Llumiska Lautakaura", lo que significa un "vestido de
estrellas".
Mucho más tarde, el famoso naturalista alemán, Alexander von Humboldt afirmó haber encontrado un libro de
jeroglíficos recogidos por el Padre Narciso Girbal, un misionero de Ucayali; y Tschudi certificó que la comunidad
india de los Panós del Ucayali representaba el día y la hora del nacimiento de un niño por jeroglíficos pintados en
hojas.
Según el mismo Tschudi, el Doctor Mariano Eduardo de Rivero, descubrió cerca
del tambo de Corralones, en el distrito de Uchumayo, cerca de Arequipa, los
petroglifos, dichos, de laCaldera. Están grabados en granito y representan figuras
antropomórficas (bailarines, máscaras) y zoomorfas (camélidos, cérvidos,
serpientes bicéfalas, batracios, perros, etc.), motivos geométricos (líneas rectas,
círculos, curvas, laberintos, flechas, cruces, soles, estrellas, etc.), flores y letras.
Estos glifos fueron descritos más tarde por Raimondi y por Forbes en su libro,
titulado "On the Aimara Indians" y el agrónomo austríaco Rainer Hostnig, en un
reciente inventario publicado en Lima en el 2003, también lo menciona .
El gran viajero Raimondi descubrió él mismo importantes figuras jeroglíficas en
las rocas de Yonan, no lejos del río Jequetepeque y señaló la presencia de otros
signos en Huarmey y en Tarapacá, entre Iquique y la Noria.
En el valle de Lares, en un lugar denominado Mantto, Christian Bües sacó a luz en los años cuarenta varias
paredes de granito cubiertas de pinturas rupestres de color ocre que representaban llamas, cuervos, culebras y
caracoles. Se descubrió más tarde, en el mismo sector, otros cinco sitios, cubiertos de pinturas con motivos
variados. El lugar es en realidad un conjunto de cavernas y viviendas trogloditas. Los Incas se habrían refugiado
allí un tiempo para escapar a los Españoles. No lejos de allí se levanta una enorme catarata, la Catarata de la
Mamá, así nombrada por su forma extraña, que evoca la silueta de una mujer que tiene a un niño en brazos.
El sitio de Mantto habría sido saqueado, hace algunos años, por un grupo
de huaqueros muy potente. Como lo he constatado personalmente durante
una visita del sitio en septiembre del 2003, ¡ciertas paredes parecen haber
sido atacadas a la dinamita! En el lugar, no podemos sino constatar los daños.
Uno de los sitios de Mantto ha sido efectivamente parcialmente destruido. Una
parte de la pared se derrumbó, atacada al explosivo. Montones de roca de
varios centenares de kilos yacen aún directamente en el suelo.
Los huaqueros ni siquiera se dieron la molestia de tapar sus escondrijos.
Observamos cantidad de animales, rebaños de llamas, felinos y hombres a
caballo. El conjunto es muy interesante y parece remontarse a la época de la
conquista. Se refiere obviamente al levantamiento de Manco Inca. No se trata
aquí, verdaderamente, de "jeroglíficos", sino de pinturas rupestres más bien expresivas.
Luis Valcárcel estudió, en cuanto a él, los petroglifos de La Convención, de Chirumbia, del Pongo de Mainique, de
Ulcobamba, de Yucay y los pictogramas de Patallacta, de Tampu, de Salapunco, de Q'enqo y los de Incapintay.
Estos últimos parecen contemporáneos de Mantto y se remontan sin duda alguna a la época de la conquista.
Existen aún muchos otros lugares en el Perú donde se pueden contemplar importantes pinturas parietales, o
petroglifos : en Río Grande, en Nasca (los famosos geoglifos ), en la hacienda San Antonio en Locumba, en
Paipay, entre Pacasmayo y Contumaza, en Checta, en Quebrada Honda, entre Cajamarca y Chola; en las alturas
de Collantes; en Chavin, en Juli, en Machu Picchu, etc.
En la Isla de Coaque, en el lago Titicaca, varios petroglifos son descritos por Wiener, Falb y Lafone Quevedo, en
Huaylara, Huánuco, en Huaraz, Tiawanaco (Bolivia), Saibili (Abancay) y en las montañas de Llauca, carretera a
Cushmu, en Aija. Algunas de estas figuras han sido estudiadas más particularmente. El Doctor Francisco Mostajo
examinó sobre todo los de La Caldera en "Apuntes Etnológicos". Wolf por su parte estudió los petroglifos
ecuatorianos, Sivirichi los de Checta; y el Doctor Zúñiga Quintana algunas figuras de la región de Arequipa
(Sabandía).
Es naturalmente imposible elaborar aquí el catálogo completo de los distintos lugares de petroglifos, de pinturas
rupestres y de geoglifos censados en el Perú. Más aún cuando se descubren unos nuevos casi cada año.
¿Qué representan estas figuras pintadas o grabadas en la roca?
En lo que se refiere a las pinturas, se trata sobre todo de las representaciones expresivas o figurativas de
animales, de plantas o de personajes, estáticas o en acción. Este método de expresión, difundido en todas las
partes del mundo, es relativamente antiguo y ha sido objeto de muchos estudios y publicaciones. Algunas
pinturas, en particular en el Perú, se remontan a varios milenios antes de la era cristiana. Es un arte bastante
primitivo que demuestra la voluntad de los hombres de transmitir ideas, pero estamos muy lejos aún del lento
proceso que conduce a la escritura fonética.
Los investigadores modernos consideran en efecto que hay tres etapas en la instauración de un sistema escrito:
La primera etapa sería la del método pictográfico. Se trata de figuras o de dibujos que representan cosas o
símbolos que expresan el espíritu humano.
La segunda etapa, que sería una transición, ya comienza a representar sonidos, no solamente por medio de
dibujos, sino también por medio de abreviaturas de dibujos. Casi se parecen ya a una escritura convencional y
fonética. Es la etapa capital.
Por último, la tercera etapa es la fase fonética, en la que los símbolos utilizados ya no representan en adelante los
objetos o las ideas más que de manera abstracta, o conceptual, en forma de sonidos o representaciones de
sonidos: las palabras, las sílabas o los sonidos elementales de las letras.
En la mayoría de los sitios de pinturas rupestres, estamos en la primera de las tres etapas, la del método
pictográfico. Se trata de figuras o de dibujos que representan cosas o símbolos que expresan de manera muy
evidente el espíritu humano. Muchos de ellos se remontan a la época neolítica y se relacionan con las pinturas
rupestres europeas. Se ignora aún exactamente cuál era el destino. Fue seguramente por lo general de carácter
ceremonial o religioso.
En cuanto al estudio de los petroglifos aparece algo más complejo. Se los encuentra distribuidos un poco por
todas partes en el Perú. En ausencia de todo material orgánico, es más difícil datar estas figuras grabadas en la
roca, a la inversa de las pinturas, realizadas a base de pigmentos más fácilmente identificables. Los temas
abordados son a veces del mismo orden, pero cierto número de ellos parece querer expresar ideas más
simbólicas y abstractas.
Es pues posible clasificar una parte de estas figuras en la segunda etapa: aquélla dicha de transición. Algunos
grabados, en particular en Pusharo, podrían en efecto evocar sonidos. Casi se emparentan ya a una escritura
convencional y fonética.
Con todo, se considera hoy, de una manera casi definitiva, que ninguna civilización del área andina habría estado
en condiciones de llevar a buen término esta fase última de la expresión escrita. Pero los trabajos realizados por
mi grupo desde hace varios años en Pusharo podrían llevarnos a matizar mucho esta afirmación.
Gracias a la interpretación parcial de estos signos grabados, tenemos pues la
impresión de que un antiguo sistema de escritura ideográfica quizás habría salido
a luz en el continente sudamericano en el comienzo de la civilización. Esta
escritura, de la que hablan todas las tradiciones andinas, habría nacido muchos
siglos antes de los Incas y se habría perdido en la época del Tawantinsuyu, por
razones aún mal conocidas.
Corroborando esta hipótesis, el Doctor Luis E. Valcárcel cree también haber
encontrado rastros de una antigua escritura jeroglífica en los tejidos incas y en los
vasos de madera, keros.Menciona, en particular, una tela conservada en el Museo
de la Universidad del Cusco en la cual aparecen ochenta y ocho signos diferentes
o tocapus, que podrían constituir un alfabeto jeroglífico y confirmarían las
conclusiones inesperadas de nuestras propias investigaciones.
 Arte Egipcio
El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha
subyugado al hombre moderno.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de

impresionante belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a
investigadores, literatos y personas corrientes, donde se funde lo histórico, lo
mítico y lo misterioso.

El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que
se desarrolla. Este medio influye en diferentes aspectos: por un lado el
medio geográfico determina una cultura cerrada que hace un arte
impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y cuando lo
va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de
comunicación con el exterior.

Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una
despreocupación por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del
difunto y del dios, por lo que el arte muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está
relacionado con los dos factores determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la
monarquía y la religión.

Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser losprincipales clientes. Se trata de un arte aúlico y
oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está vinculado el faraón. No es
por tanto un arte autónomo.

El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono, tan
homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acabado que la originalidad.
Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.

Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se conocen algunos artistas
ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan del Imperio Nuevo. De los artistas los más
considerados son los arquitectos, que se relacionan con los clientes. Sin embargo, los pintores y escultores
son considerados como simples artesanos.

Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y los templos y es
donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados, destinados a clientes que no
estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la religión. De éstos últimos se han conservado muy
pocas obras, entre otros motivos debido a que utilizaban materiales más endebles que los talleres oficiales.
El Arte Egipcio reúne lo histórico, lo misterioso y lo mítico de la historia del arte.

Esta civilización fue capaz de crear una arquitectura, una escultura y una pintura de belleza
desbordada.

Este arte está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Destacamos su geografía,
que hace de Egipto un lugar de difícil acceso y comunicaciones, por lo que su arte se ve
cerrado a influencias exteriores.

Los materiales que utilizaron

también son parte de las
características propias del medio.

El arte egipcio no es un arte

independiente o autónomo sino
que está vinculado
continuamente al faraón, es decir
a la religión que existía en la
época.
La religión es un factor
fundamental de la cultura y el
arte egipcio. Se trata de una
religión con muchos dioses, es
decir politeísta, pero con
tendencia al monoteísmo ya que
en cada pequeña región se
rendía culto principalmente a uno
y de forma secundaria a los
demás.

Estas divinidades se representaban como figuras humanas con algunos símbolos, aunque luego
algunos se sincretizan. A veces tienen cabeza de animal y otras son un animal por completo.

Las formas de expresión de los egipcios están siempre supeditadas a unas normas, se trata de
un arte estereotipado en el que se valora más la precisión y perfección del acabado que la
propia originalidad. Por eso que sea bastante monótono y homogéneo.
Además, este arte tiene un gran sentido mágico y simbólico.
 Arte de Mesopotamia

El arte mesopotámico es una división cronológica y geográfica de la historia del arte que trata
de Mesopotamia durante la Edad Antigua. Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas
que florecieron en las riberas de los ríos Tigris y Éufrates desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.)
hasta la caída de Babilonia ante los persas en el año 539 a. C

Entre ambas fechas se desarrollaron las civilizaciones sumeria, acadia, babilonia (o caldea), casita,
hurrita (Mittani) y asiria(arte asirio).

Tras milenios pendulando entre el predominio de la Baja Mesopotamia y la Alta Mesopotamia, la

región, al formarse el imperio persa, se incorporó a una dimensión espacial de orden muy superior, que
el imperio de Alejandro Magno y el helenismo conectaron con la época romana (arte persa, arte
helenístico). Incluso en la época anterior a los persas, el arte mesopotámico tuvo varias vías de
contacto, a través de la guerra, la diplomacia y el comercio a larga distancia, con el de las demás
civilizaciones del Antiguo Oriente Próximo (arte de la civilización hitita y otras del Asia Menor; arte
fenicio, del antiguo Israel y de otras civilizaciones del Levante mediterráneo; y el arte egipcio), e incluso
con el arte de la India y del Asia central.

La incorporación por difusión cultural o el desarrollo endógeno de múltiples materiales y técnicas

artísticas y artesanalesfue parejo tanto a los avances tecnológicos (desarrollo de hornos cada vez más
eficaces, del torno de alfarero, de lacerámica vidriada o de la metalurgia) como sociales y
culturales (nacimiento de la ciudad, de la escritura, de las religiones institucionalizadas y del Estado -lo
que se denomina sociedad compleja o civilización-).
La evolución estilística de las formas, géneros y temas, mantiene una notable continuidad a pesar de lo
amplio del periodo.

La conservación del patrimonio artístico de la Mesopotamia antigua es una cuestión polémica.

Explotado por los primeros arqueólogos ("orientalistas", "asiriólogos") desde el siglo XIX, las piezas
más valiosas nutrieron las colecciones de los museos europeos (British Museum -Londres-, Museo del
Louvre -París-, Museo de Pérgamo -Berlín-). Más recientemente, los nuevos hallazgos se han dirigido
a los museos iraquíes (Museo Nacional de Irak -Bagdad-). In situ se han realizado reconstrucciones de
algunos edificios monumentales. La reciente guerra de Irak ha producido saqueos y deterioros.

Pintura

Son muy pocos los ejemplos conservados de pintura mesopotámica. La policromía de estatuas y
relieves se ha perdido en su mayor parte; mientras que los frescos no son tan abundantes como en
la pintura egipcia y sólo aparecen excepcionalmente (palacio de Zimri-Lim en Mari -siglo XVIII a. C.-,
palacio de recreo de Tiglatpileser III en Til Barsip -siglo VIII a. C.-)35

El mosaico y la taracea, técnicas de gran durabilidad, sí tienen algunos ejemplos significativos en

el arte mueble, como las espectaculares piezas halladas en las tumbas reales de Ur (estandarte de
Ur, arpas de Ur, juego real de Ur -III milenio a. C.-)

El ladrillo vitrificado fue utilizado con criterios decorativos en ciertas construcciones, incluso en algunos
casos se le moldeaba en relieve para formar figuras (puerta de Ishtar de Babilonia, siglo VI a. C.)
 ARTE GRIEGO

El arte griego se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana, no sólo en el aspecto
formal, sino también en la manera de expresar el movimiento y las emociones. El cuerpo humano, tanto en
las representaciones de dioses como en las de seres humanos, se convirtió así en el motivo fundamental
del arte griego, asociado a los mitos, la literatura y la vida cotidiana.

La función principal de la arquitectura, la pintura y la escultura monumental hasta aproximadamente el año

320 a.C., se ocupó de asuntos religiosos y de la conmemoración de los acontecimientos civiles más
importantes, como las competiciones atléticas. Los ciudadanos sólo utilizaron las artes plásticas para la
decoración de sus tumbas. Sin embargo, las artes decorativas se dedicaron sobre todo a la producción de
objetos de uso privado. El conjunto de muebles doméstico contenía un gran número de vasijas de terracota
pintadas, con elegantes acabados, y las familias más ricas eran propietarias de vasijas de bronce y espejos.

Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus edificios en mármol o piedra caliza, y utilizaban la
madera y las tejas para las techumbres. Los escultores trabajaron el mármol y la piedra caliza, modelaron la
arcilla y fundieron sus obras en bronce. La escultura en piedra y en arcilla se pintaba total o parcialmente
con pigmentos* brillantes. Los artistas griegos empleaban colores al agua para pintar grandes murales o
decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en tornos de alfarero y cuando se secaban las pulían,
pintaban y cocían.

TIPOS DE ARTE GRIEGO

EL ARTE JÓNICO:

Los griegos de Jonia tomaron de la tradición Cretense la inclinación a la ornamentación, es decir, a los
adornos, al sentido de lo pintoresco y el gusto por el naturalismo; de la tradición oriental el temor a la
desnudez completa, la afición a la representación a los seres fantásticos, las proporciones rechonchas de
los personajes y la pintura de jarrones.

Así nace el arte Jónico que emplea por primera vez el bronce y el mármol. Su arquitectura de vida al orden
Jónico, buscando más la elegancia y el lujo que la fuerza. Introdujo el sentimiento de la gracia, del atractivo
y de la elegancia.

EL ARTE DORIO:

Los Dorios impusieron tendencias y gustos especialmente helénicos, es decir, la perfecta armonía, la
corrección de las formas, la austera* contención *y el desprecio por lo que no es esencial. Las esculturas
del arte Dorio revelan la fuerza corporal de los atletas, con sus cuerpos musculosos y sus rostros serios y
austeros. Por su color sombrío se prefirió el bronce que el mármol. La arquitectura es precisa, simétrica y
lógica. La misma precisión se observa en las pinturas que, en vez del naturalismo Jónico, vemos la visión
geométrica y abstracta* de la realidad.

EL ARTE CLÁSICO:

El arte griego clásico es justo el equilibrio entre el arte Dorio y el Jónico, tomará de ambos los elementos
más preciosos para crear un canon ideal que será “una adquisición para siempre”. La estética evoluciona
hacia el idealismo, los cambios del hombre y de la naturaleza ya no interesan al artista, al sabio o al filósofo,
todos ellos buscan un general deseo de abstracción. Tal deseo de abstracción llevó a los artistas clásicos al
perfil griego y a la serenidad Helénica.

 Perfil griego: es el cual la frente y la nariz se representan como la prolongación de una línea recta.

 Serenidad Helénica: es el deseo de lograr un exacto equilibrio entre la vida física, intelectual y moral.
Los dioses y hombres notables fueron representados en profunda serenidad y en perfecto dominio de sí
mismos.

Características fundamentales del arte griego:

 Florecimiento de un idealismo estético que busca representar una visión idílica de la belleza.
  Representación de la proporcionalidad y el equilibrio en las obras de arte que contribuyan a
destacar su concepto de la perfección estética.
 No tiene carácter práctico y realista sino decorativo.
 Preocupación por representar una visión idílica y perfecta de la belleza del cuerpo humano.
 Representación de la naturaleza y el mundo circundante con realismo y detalle pero con una
visión idealizada de estos.
 No busca este arte griego ser instrumento de propaganda sino solo vehículo de placer estético.
 Utilizan la racionalidad de las medidas matemáticas para representar la proporción ideal en las
obras de arte.

PINTURA

Para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que precisamente en la
decoración de ánforas, platos y vasijas,cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua
Grecia, fue donde pudo desarrollarse este arte.

Al comienzo los diseños eran elementales formas geométricas -de ahí la denominación de geométrico que
recibe este primer período ( siglos IX y VIII a. C. )- que apenas se destacaban sobre la superficie.

Con el correr del tiempo, éstas se fueron enriqueciendo progresivamente hasta cobrar volumen.
Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas
"meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico ( siglos VII y VI a. C. ), se incluyó la figura
humana, de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias naturalistas, ésta cobró mayor
importancia al servicio de las representaciones mitológicas.

Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de
cerámica. Con el reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más exactos y detallistas. Las
piezas de cerámica pintadas comienzan a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo
(siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el períodohelenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas
de color y ricamente decoradas.
 ARTE ROMANO
Las artes romanas se concibieron en una época en la cual las obras
griegas habían llegado a su máximo esplendor. Fue difícil entonces librarse
de tan magnífica influencia, complementada por ciertos
elementos etruscos que marcaron la base del posterior desarrollo artístico.
No obstante los aportes recibidos, a comienzos del siglo II a.C. comenzó a
manifestarse un verdadero arte romano. Sus obras se enriquecieron con el
correr de los siglos y tomaron la uniformidad característica de un arte
propio. En sus creaciones prevaleció un carácter técnico y práctico, resultante del espíritu del pueblo
romano. No se persiguió, como en Grecia, un fin estético en sí mismo.
Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se
desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo consideran
inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más flexible y en ciertos aspectos se acerca más al
arte moderno; así, su influencia en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores
logros los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio
de esta, predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes,
marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes pictóricas o estilos: el
estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana, resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el
estilo Helenístico – Alejandrino, que pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el
paisaje y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan
cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
El arte romano toma como referencia los modelos griegos de la época
helenística. Debido a su carácter práctico, el pueblo romano desarrollará la
arquitectura para establecer un sensacional programa constructivo que primero
afectará a la ciudad de Roma y luego se extenderá por todo el Imperio. El arco y
la bóveda tendrán un papel principal en la concepción de la arquitectura romana.
Se utiliza el ladrillo y el mortero, realizado con cantos rodados o piedras
pequeñas, con una consistencia eterna. Su aspecto pobre exige un revestimiento
de apariencia opulenta como suelen ser mosaicos o simplemente ricas pinturas.
Otra importante aportación romana será la amplia difusión del arco de medio
punto que frecuentemente es encajado entre las columnas y el dintel, estableciendo un sistema constructivo
de gran originalidad que aporta solidez al edificio.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos mostraron mayor interés
por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador
de un vasto imperio, el romano tuvo por preocupación fundamental mantener el dominio sobre los territorios
colonizados, para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó los
lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado
repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus dos grandes realizaciones
fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito principal es haber extendido la civilización grecolatina
por una vasta parte del mundo conocido.
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y
públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector de la vida
privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para
resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la robustez, por lo que se
muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que
todos los pueblos sujetos a su dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe.
Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda
(tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros,
los anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de
idealismo y realismo y su tema casi central es el retrato. En sus
comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos
bronces, luego la influencia griega a través de los escultores
helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de
las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma,
impulsa la corriente idealista. El enfrentamiento de ambas
tendencias se advierte en obras del período republicano.

Principales características
 No es arte, es una especie de artesanía a la que se encargan bustos y
esculturas para cumplir una función.
 Utilidad. Cumple una función narrativa, descriptiva o conmemorativa.
 Obra anónima y extremadamente naturalista.
 Temática habitual el retrato tratando de lograr la excelencia en la
identificación del modelo.
 La escultura romana muestra energía y movimiento para mostrar poder de
los generales y los emperadores.
Aunque la mayoría de trabajos esculpidos son estatuas y monumentos, también hay
que mencionar los relieves que los romanos trabajaban en columnas y edificaciones
más grandes en los que se narraban historias de campañas militares.

Pintura romana
Se distinguen dos corrientes pictóricas o estilos bien diferenciados:
 Estilo Neoático. Preocupado por la forma humana, resalta temáticas
mitológicas y epopeyas.
 Estilo helenístico-Alejandrino. Preocupación por la pintura rural,
paisajes y marinas.
En ciertos periodos de la historia de Roma se hizo una pintura arquitectónica
que retrataba los elementos constructivos. Lo que se conoce de la pintura
romana en nuestros días es gracias a los frescos hallados en Pompeya.
Por lo general, las obras pictóricas romanas son imitaciones o variaciones de
las griegas. Un elemento distintivo de la pintura romana es la técnica de
manchas de color al temple. Con un estilo casi impresionista ya en esa época.
La temática predominante es siempre realista, paisajes, personas o escenas bélicas.
 EL ROMANTICISMO.

LA PINTURA DEL SIGLO XIX: EL ROMANTICISMO.

La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de
Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad
que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición,
la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.
El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas
de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas. Algunas causas
como la guerra de la independencia griega gozan de un gran predicamento entre los románticos. Entre
sus máximos exponentes se encuentran los franceses Géricault y Delacroix, los ingleses Constable y
Turner, que anticipa el impresionismo, y el germano Friedrich.
Los términos “clásico” y “romántico” son utilizados como términos críticos al arte de cada época. A
mediados del siglo XVIII, aparece una división entre lo clásico y lo romántico a partir de la obras de Burke y
Winckelmann. Los clasicistas creían que el arte debía buscar la noble simplicidad y la sosegada
grandeza. Los románticos, por el contrario, creían que el arte debe sustentar emociones. El término
románticotiene diferentes interpretaciones: peyorativas o laudatorias. El término se acuñó a finales del siglo
XVIII para definir una nueva actitud artística que quería poner de relieve lo local y lo individual frente al
universalismo, y lo emotivo frente a lo racional. Se propugna la experiencia y romper con el arte mimético y
las copias.
Aunque los historiadores suelen separar los estilos, lo cierto es que el Romanticismo y el Clasicismo se
combinan. El fin podría fijarse con el comienzo del Realismo,
aunque resurgían con el Simbolismo.
El Romanticismo es un movimiento artístico y literario que
apareció al final del siglo XVIII y principios del XIX, que dio fuerza,
emoción, libertad e imaginación a la clásica corrección de las
formas del arte, fue una rebelión contra las convenciones
sociales. El siglo XIX es políticamente bastante comprometido se
producen movimientos independentistas, se desarrolla el
nacionalismo, la industrialización, el nacimiento de la burguesía. En
el campo del arte se renueva la arquitectura con la aparición del
hierro que ofrece nuevas posibilidades y surge la arquitectura
utilitaria. También aparece la fotografía que pone de moda la realidad.

La pintura romántica: características generales. La pintura romántica rechaza las convenciones

neoclásicas y sus rígidas reglas; supone un momento de renovación técnica y estética de importantes
consecuencias para el futuro:
• Utiliza diferentes técnicas: el óleo, acuarelas, grabados y litografías.
• La textura comienza a ser valorada en sí misma y aparecen las superficies rugosas junto con las formas
más sutiles. La pincelada es libre, viva y llena de expresividad.
• Desaparece la línea frente al color. Se recupera la potencia sugestiva del color, liberándose las formas y
los límites excesivamente definidos. Es el agente emocional de primer orden
• La luz es importantísima y se cuidan sus gradaciones dando un carácter efectista y teatral.
• Las composiciones tienden a ser dinámicas, marcadas por las líneas curvas y los gestos dramáticos.
lgunos autores como Friedrich prefieren esquemas geométricos más reposados.
• En cuanto a los temas lo característico es la variedad, aunque existen características generales sobre el
tratamiento de los temas. Surge el exotismo de la memoria de un misterioso y glorioso pasado que
incluye desde la antigua Grecia hasta la edad Media, en especial la época gótica. El gótico es el estilo por
excelencia. En la pintura se recogen arquitecturas góticas, leyendas, momentos históricos, etc.

El exotismo también en una amplitud geográfica que incluye el mundo desconocido del norte de Africa y
la nueva América salvaje. Se descubre Oriente, que ofrece la luz y el color, así como nuevos temas. Por
último la fantasía , y sobre todo el drama con un obsesivo sabor por la muerte, la noche y las ruinas, así
como por los monstruos y las criaturas anormales.
Otro gran descubrimiento del Romanticismo es la Naturaleza y el cultivo del género delpaisaje, que será
exhaustivo. Se pintan paisajes fantásticos, imaginativos, de estudio, evocados, etc. El pintor se enfrenta a la
realidad del paisaje, salen al exterior. Por ejemplo los paisajistas alemanes, con Friedrich a la cabeza,
proponen el paisaje espiritual, que ayuda a la evocación religiosa por medio de su grandeza. Valoran los
estados atmosféricos, como la niebla.

También reivindican la individualidad, el culto al individualismo. El artista prefiere su libertad a la de la

colectividad. Por eso son pocos los artistas comprometidos. Por ejemplo Delacroix con la “Libertad guiando
al pueblo” donde aparecen pintadas por primera vez las barricadas como testimonio de reivindicación
política. Aunque, en general, las reivindicaciones son más exóticas, temas de bandoleros como héroes
románticos, etc.

Dentro de la individualidad surge una nueva relación entre cliente y artista. Es un trato de igual a igual.
Cambian un bien por un bien. El artista ya no es el artesano. Se crean grupos de artistas que trabajan en
común sin romper la individualidad, como el grupo Prerrafaelista inglés o los nazarenos alemanes.

El Romanticismo francés.Théodore Géricault (1791-

1842) Géricault es un artista puente que durante su corta vida
pasa de su formación neoclásica en el taller de Pier Guérin a un
planteamiento romántico y antecesor del realismo.
Eugène Delacroix (1798-1863) Delacroix fue un artista de gran
éxito en su época, guardando aún su obra alguna reminiscencia
del Clasicismo a la vez que del Romanticismo más claro. Siendo
un supuesto hijo de Talleyrand, estudio también con Guérin,
especializándose en 1815 en cuadros de grandes dimensiones.
Conoció a Géricault en 1817, quien influirá en su pintura. Delacroix
estudió a los grandes maestros del Barroco en el Louvre,
interesándose por los grandes artistas venecianos y por Rubens y Rembrandt. También conoce la
producción contemporánea, especialmente la de los ingleses Bonington y Constable, y la obra de pintores
próximos como Wappers, y le influyen Turner y los retratistas ingleses, de Reynolds a Lawrence. En 1825
viajó a Inglaterra, yendo en 1832 a Marruecos, donde se pone en contacto con el colorismo, la
sensualidad y la luz de la pintura norteafricana. En 1833 recibe la protección del primer ministro Thiers.
En 1847 visita a Corot, pintor realista, a quien admirará, pero seguirá pintando grandes encargos
decoraciones y no obras realistas. En estos momentos también le influirá notablemente Poussin. Delacroix
escribió un diario, en el que se presentan vínculos con el Impresionismo "las sombras de un objeto son del
color complementario a éste". Esta también en contacto con Chopin, a quién retratará, así como con otros
músicos.

El romanticismo inglés. En los últimos años del siglo XVIII, Inglaterra

aporta su contribución a la pintura del paisaje romántico a través de las
figuras de Constable y Turner. Los paisajes de Constable transpiran
autenticidad y verdad. Están llenos de manchas de colores y se preocupa
sobre todo por captar los efectos de la luz y las cambiantes condiciones
atmosféricas a través de una técnica rápida y precisa. La obra
de William Turner expresa la preocupación por el color y la luz, que
utiliza de manera revolucionaria al representar los medios por los que el
color parece propagarse a través de la atmósfera: niebla, vapor y humo.
Con su obra Lluvia, vapor y velocidad, se convierte en abanderado de la
pintura moderna. Viajará por Europa, donde le influirá la tradición del paisajismo clasicista. Preocupado por
la la luz, que en sus lienzos cobra gran esplendor y que será su objetivo último en el final de su vida,
antecediendo al Impresionismo. En cuanto al color, acude al círculo cromático que ya intuyó Delacroix. Al
igual que Goethe se preocupó también por la teoría del color, reuniendo en ella un afán científico y
humanista.
 Arte árabe
El arte árabe se desplazó por muchos países europeos y por esta
razón hoy en día se pueden observar muchos monumentos
creados por los antiguos árabes y su arte. Probablemente, este
estilo de arte fue muy destacado, en la historia del arte, ya que
creaba obras de arte (sobre todo de arquitectura) muy grandiosas.

Sociedad y el arte árabe

La península arábica se localiza al sudoeste de Asia, esta
península tiene más de 3 millones de kilómetros de tamaño. De la
península arábica salió una cultura global, sin contar con la región
de Yemen y de Hejaz. Sin embargo, en todas las demás zonas
esta cultura y su imperio se instalaron, se puede considerar que fueron una población semita que aunque
estaba establecida en esta región estaba dividida en varios estados. En el periodo cristiano la judaica y la
religión obtuvieron existo con el proselitismo en la población árabe, pero la gran mayoría de ellos eran
adoradores de sus dioses.
Mahoma fue el creador de un unitario imperio musulmán y con él se impartió el Islam y sus creencias.
Gracias a la doctrina del islam se pudo hallar el libro sagrado del Corán. El libro del Corán es una obra que
no solo hablaba sobre temas religiosos sino que
también de temas políticos, administrativos y
civiles.
La arquitectura religiosa estuvo dedicada
casi en esencia al pueblo. El pueblo árabe no
solo fue conquistador, sustituyó todo aquello
que en el siglo VIII d de C. sólo era ya un reflejo
de la cultura clásica. La agricultura, la industria,
el comercio, las religiones e incluso el latín
fueron sustituidos por todo lo que representa el
Islam.
El árabe concibió el arte en una forma
materialista, la policromía, la fastuosidad, la combinación entre arquitectura y espacio de jardín
fueron como sus antecedentes de aquél paraíso que se esperaba.

Características generales del arte árabe

 Los materiales más utilizados eran el ladrillo, la sillería y la argamasa.
 En la arquitectura destacó las columnas que en un principio tenían un carácter parecido al arte
bizantino y al arte clásico pero poco después evolucionaron influenciadas por la Sasánida y con
esta influencia se construyeron nuevas columnas compuestas por una decoración de lacería o
arabesco.
 Existían dos tipos de arcos los peraltados y los de medio punto sin embargo, con la influencia
artística española se adquiere una nueva clase de arco llamado “arco de herradura”.
 Otro de los elementos destacados del arte árabe era la cúpula de media esfera que se estará sobre
pechinas, sin embargo estas cúpulas se adornara extremadamente.
 El arte árabe, sobre todo la arquitectura, se caracteriza por ser sencillo y austero ya que la
decoración solo está reservada para los interiores de los edificios.
El arte árabe en el mundo
El arte árabe, como hemos comentado anteriormente, se ha podido observar en diferentes tipos de zonas.
El desplazamiento de este tipo de arte se debe sobre todo a la conquista que realizaron los árabes, es por
esta razón por la que podemos observar monumentos u obras de este estilo de arte en Siria y Egipto, en
Persia, en Turquía, en la india, en España, en Italia, entre otros países más. De todas las zonas
conquistadas podemos destacar:
 Egipto y Siria: existió una gran relación entre estos países ya que fueron una de las primeras
zonas conquistadas. En este grupo también podemos incluir a Palestina. Siglos después de la
conquista los fatimitas comenzaron a dominar tanto Túnez como Egipto y es en ese momento
cuando se comenzaron a construir edificios de tamaños extraordinarios como por ejemplo la
mezquita de El- Ashar ubicada en el Cairo. En estos edificios se utilizaba principalmente los
materiales usados en la arquitectura clásica que eran arcos lobulados y de medio punto y ladrillos.
Sin embargo, apartir del siglo XI las mezquitas que se construían en Egipto tenían dos propósitos el
primero era de oración y el segundo para los funerarios.
 Persia y Mesopotamia: ambas zonas estaban enlazadas por las influencias que tenían de
Sasánida. En estos lugares las mezquitas poseían un gran patio cuadrado y numerosas salas de
oración. Además los edificios funerarios toman un gran protagonismo.
 Turquía: en Turquía se pueden distinguir dos períodos: los selyúcidas y los otomanos. Los
otomanos se inclinarían más por el arte Bizantina aunque supieron cómo combinar decorativos
mosaicos y la policromía con la arquitectura.
 España: en arte árabe en España se puede separar en cuatro grandes etapas: la primera de ella es
el califato de córdoba, la segunda los reinos de taifas, la tercera de Amorabides y Almohades y la
última la etapa del arte múdejar.

Pintura del arte Árabe

En cuanto a la pintura usaron la técnica del fresco, pero también la miniatura tiene gran importancia en
los libros coránicos e históricos. La decoración árabe es monótona, pero de gran policromía; tuvieron la
llamada lacería o decoración geométrica, el ataurique o decoración vegetal y la escritura.
La pintura, como otras disciplinas del arte, es un reflejo de las personas, su cultura y el contexto bajo el
que nacieron y todo aquello que los fue rodeando a lo largo de sus vidas. Como ejemplo del arte Árabe
tenemos a cinco de los mejores pintores de origen árabe y/o musulmán:
Salwa Zeidan: Nacida en el Valle de la Bekaa , Líbano, se trasladó en la década de 1980 a los Emiratos
Árabes Unidos, donde continuó trabajando como pintora y comisariado de exposiciones. En 1994 abrió su
primera galería de arte, la primera galería de arte en la capital de aquel país, Abu Dhabi. Su trabajo se
extiende desde pintura, técnica mixta y esculturas de arte conceptual. Su trabajo oscila en el campo del arte
minimalista abstracto y contiene nociones de la caligrafía. Su trabajo se puede encontrar en galerías de todo
el mundo.
Ismail Shammut: Nacido en la Palestina ocupada, el 12 de julio de 1948, fue uno de los pintores árabes
contemporáneos más influyentes, que junto a su familia fueron parte del grupo de 25.000 residentes de
Lydda expulsados de sus hogares por el ejército de Israel. La tragedia padecida por los palestinos desde
1948 nos ha llegado a través de innumerables formas: la historia, la literatura, la música, el cine, el teatro y
la política, entre otros. El arte como forma de expresión se ha empleado al servicio de la causa nacional
desde los inicios del conflicto. La vida y la obra de Shammut van de la mano y han evolucionado en
paralelo al desarrollo del enfrentamiento. Sus estilos van desde el realismo, pasando por el simbolismo
expresivo hasta los murales, al final de su carrera y vida en el año 2006.
 Arte gótico
El Arte gótico es un estilo artístico europeo con unos límites cronológicos que
encontramos aproximadamente entre el año 1140 y las últimas décadas del siglo XVI,
según las áreas geográficas.
Se aplicó en el campo de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la
pintura mural y sobre tabla, los manuscritos y las diversas artes decorativas.
El término gótico fue empleado por primera vez por los tratadistas del Renacimiento, en
sentido peyorativo, para referirse al arte de la edad media, al que ellos consideraban
inferior y bárbaro (godo, de ahí el término gótico) comparado con el arte clásico.
En el siglo XIX se produjo una revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y
románticos. El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad media, y hoy día se
considera uno de los momentos más importantes desde el punto de vista artístico en Europa.
El estilo gótico encontró su gran medio de expresión en la arquitectura. Surgió en la primera mitad del siglo
XII a partir de la evolución de precedentes románicos y otros condicionantes teológicos, tecnológicos y
sociales. La arquitectura gótica perduró hasta bien entrado el siglo XVI en diversos países europeos como
Inglaterra, mucho después de que el estilo renacentista hubiera penetrado en otros campos artísticos. Las
mayores realizaciones del gótico se manifestaron en el terreno de la arquitectura religiosa.
En contraste con la arquitectura del románico, cuyas características esenciales son los arcos de medio
punto, las estructuras macizas con escasos vanos y las bóvedas de cañón o arista, la arquitectura gótica
empleó el arco apuntado, agujas, chapiteles y gabletes, reforzando el sentido ascensional que pretende
transmitir el edificio, amplios vanos con tracerías caladas para conseguir la máxima luminosidad y
estructuras reducidas al mínimo.

Gótico temprano
En Francia, durante la primera mitad del siglo XII, la bóveda de crucería apareció
esporádicamente en cierto número de iglesias. Sin embargo, la fase que iba a
conducir a la construcción de las grandes catedrales francesas comenzó en 1137,
con motivo de la construcción de la girola de la iglesia abacial de Saint-Denis,
panteón real en las afueras de París.
En el deambulatorio de Saint-Denis, las finas columnas que sustentan las bóvedas
de crucería y la ausencia de muros divisorios entre las distintas capillas radiales
proporcionó un nuevo sentido de espacio continuo, fluido, que anticipaba las
creaciones posteriores.
Saint-Denis fue el modelo para la primera de las grandes catedrales, Notre Dame de
París (comenzada en 1163), así como para un periodo de experimentación orientado
a la desmaterialización del muro por medio de la apertura de grandes ventanales
traslúcidos. El añadido de un cuarto piso en los alzados interiores incrementó la
altura de forma vertiginosa. Este piso adicional, denominado triforio, consiste en un estrecho pasadizo con
arquerías situado entre la tribuna que se halla sobre las naves laterales y el nivel de los ventanales
superiores (claristorio). Las catedrales francesas de Laon y Noyon también corresponden a esta primera
etapa.

Gótico clásico
La fase experimental del gótico temprano se resolvió finalmente en la catedral de
Chartres (comenzada en 1194). Eliminando la tribuna del segundo piso heredada del
románico, pero manteniendo el triforio, recupera la sección longitudinal de tres pisos o
niveles. En su defecto se gana altura a través de un amplio claristorio o piso de
ventanales, nivel de las arquerías, que proporciona una luz casi vertical. Cada vano
se organiza mediante una estructura geminada, dividido por un parteluz y decorado
con motivos de tracería como tréboles, óculos o cuadrifolios. La catedral de Chartres
sirvió de modelo para las siguientes catedrales góticas.
Este periodo del gótico clásico culminó en la catedral de Reims (comenzada en
1210).
En torno a 1220, la nave de la catedral de Amiens retomó el sentido clásico y ascensional de Chartres y
Reims, enfatizando la verticalidad y la estilización de los pilares. De este modo Amiens supuso una
transición hacia la más elevada de las catedrales góticas francesas, la catedral de Beauvais. En ella
aparece un gigantesco piso de arquerías (derivado de Bourges) bajo un piso de ventanales del mismo
tamaño, que permite alcanzar la altura sin precedentes de 48 metros.
Gótico radiante o rayonnant
La catedral de Beauvais se comenzó en 1225, un año antes de que Luis IX de Francia ascendiese al trono.
Durante su largo reinado, de 1226 a 1270, la arquitectura gótica entró en una nueva fase denominada
radiante o rayonnant. El término rayonnant deriva de los elementos radiales, como los de una rueda, que
conforman los enormes rosetones característicos de este estilo. La altura dejó de ser el principal objetivo, y
en su lugar se extremó la desmaterialización del muro reduciendo el espesor de la mampostería,
extendiendo los ventanales y reemplazando el muro exterior del triforio por vanos de tracería. Los muros de
este periodo radiante asumieron el carácter de membranas traslúcidas.
Todas estas características del gótico radiante fueron incorporadas en la primera empresa importante
llevada a cabo durante esta nueva fase, la reconstrucción (comenzada en 1232) de la iglesia abacial de
Saint-Denis.
En la evolución de la arquitectura gótica, el progresivo aumento de los vanos acarreó la posibilidad de crear
un ambiente interior sacralizado y simbólico a través de la luz coloreada que pasaba a través de las
vidrieras. Los colores dominantes fueron el azul oscuro y el rojo rubí brillante.

Pintura
Dentro de la evolución pictórica del siglo XV se distinguen dos estilos,
el estilo gótico internacional y el estilo flamenco. El primero
corresponde a los dos últimos decenios del siglo XIV y perduró en la
mayor parte de Europa durante la primera mitad del siglo XV. El estilo
flamenco surgió en Flandes en el primer tercio del siglo XV,
paralelamente al renacimiento italiano, y se difundió por el resto de
Europa durante la segunda mitad del siglo.
El estilo internacional apareció en el centro del continente como
consecuencia de la fusión de elementos y formas del gótico lineal con
las innovaciones técnicas e iconográficas aportadas por los pintores
italianos del trecento (Giotto, Duccio, Simone Martini y los hermanos Lorenzetti).
El estilo se caracteriza por la valoración expresiva de lo anecdótico, la estilización de las figuras, el
predominio de las líneas curvas tanto en los pliegues como en las posturas corporales, la introducción de
detalles naturalistas con fines simbólicos y el empleo de una técnica minuciosa.
El estilo flamenco se inició en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. La principal aportación de
esta escuela es la utilización de la técnica al óleo, que permite una mayor viveza y enriquecimiento de la
gama cromática, la realización de veladuras y la obtención de colores compuestos.
Los rasgos más definitorios del estilo flamenco fueron el mayor naturalismo, el gusto por el detalle a través
de una técnica minuciosa y, en ocasiones, la codificación simbolista de la gama cromática y de ciertos
objetos. Los iniciadores de la escuela flamenca son los hermanos Huberto y Jan van Eyck, cuya primera
obra célebre fue el retablo de El cordero místico de la iglesia de San Bavón de Gante. Sin embargo, dentro
de la escuela destacó una figura excepcional, avanzada para su época: Hieronymus van Aken, llamado El
Bosco, que desarrolló en sus obras un universo surrealista en clave moralizante. Entre sus obras cabe citar
El jardín de las delicias (Museo del Prado, Madrid).
A lo largo del siglo XV la influencia flamenca se extendió por toda Europa, considerada como un
renacimiento nórdico ajeno al punto de vista conceptual de la edad media.
 ARTE RENACENTISTA
El arte renacentista es uno de los más destacados, no solo
por los artistas famosos que aparecen en esa época sino
también por las obras de arte que nos dejaron. Por eso, es
posible que este sea uno de los tipos de arte más conocidos
de hoy en día.
El término renacimiento se refiere al periodo artístico que
se inicia en la Edad Moderna y surgió por la obra de
Giorgio Vasari “Vida de arquitectos, escultores y pintores
famosos”que fue sacada a la luz en 1570 pero no fue hasta el
siglo XIX cuando el término no obtiene una interpretación
artística- histórica. Aun así, Giorgio Vasari había enunciado una
idea concluyente y fue la del origen de un nuevo arte antiguo, que poco después supuso una conciencia
marcada histórica particular, es decir, esa idea sería un nuevo fenómeno en la postura espiritual que
tomaría el artista.
El Renacimiento surgió en la ciudad de Florencia, fue una consecuencia de la progresiva apertura de las
ciudades al comercio, donde nacieron nuevos grupos sociales conocidos como burgueses que invertían su
capital en la compra de obras de arte, esto permitió al hombre de la época comenzar a dejar de lado el
teocentrismo que lo ponía al completo e indiscutible servicio de Dios para pasar a observar la naturaleza,
todo lo que lo rodeaba y, especialmente, a sí mismo.
Es por eso, por lo en el Renacimiento se rompe las tradiciones artísticas que habían en la Edad
Media, según los artistas del renacimiento a esas tradiciones artísticas la calificaran con mucho desprecio y
dirigiéndose a ella como un arte hecho por godos y bárbaros, también con el mismo pensamiento se
enfrenta al arte contemporáneo que había en el Norte de Europa. Desde el punto de vida del desarrollo
artístico que en general sufre Europa, el Renacimiento significara una rotura con entidad estilística que
hasta ese instante fue supranacional.

Características del Arte Renacentista

 Cabe destacar por encima de todas que el cuerpo humano recupera su importancia.
 Se crea una imitación en la escultura y la
arquitectura realizada en Roma y Grecia.
 Quiere hacer representaciones de una belleza ideal.
 Busca el equilibrio, la armonía y la tranquilidad para
crear una obra armónica.
 Se crean obras, cuya perfección y claridad
están dirigidas por la razón universal.
 Su interés principal será el cuerpo humano y en
particular será el desnudo.
 Es realista ya que las obras creadas son realizadas con
sumo cuidado y con la máxima realidad posible.
 Los cuadros poseen una vista geométrica y se crea una ilusión de profundidad.
 Se recupera la escultura exenta y entre los principales materiales que se usan destaca el mármol y
el bronce.
 Se recuperaron los temas mitológicos y aunque en menos medida que en el gótico, también
encontramos temas religiosos.
 También apareció la figura del mecenas que eran los que patrocinaban las obras, fomentando el
arte.
 Aparecerá un arte que producirá la ruptura de los cánones formales y buscarán nuevos métodos
de expresión, naciendo el Manierismo, que se caracterizó por la distorsión de las figuras, la
creación de espacios irreales y la utilización de colores muy claros o muy vivos.
Con estas características la sociedad cambia y se vuelve materialista, más interesada en la objetividad y
tiene un punto de vista capitalista y del desarrollo de las ciudades.
La pintura en el Renacimiento
En la pintura renacentista no veremos ninguna referencia de la romana ya que comienza desde cero. Sus
características principales son:
 Se crean obras tridimensionales, es decir, volumen, color y luz.
 Tiene una visión lineal y aérea.
 La técnica más usada es la pintura al óleo.
 Se suelen representar temas humanos, mitológicos y religioso.
 Se introducen fondos arquitectónicos.
Los artistas destacados en la pintura renacentista son: Fra Angélico, Botticelli, Rafael, Alberto Durero y
Domenico Theotocopulos más conocido como el Greco.
Aquí podemos ver un breve vídeo explicativo sobre el Arte Renacentista
 Arte barroco
El arte barroco se caracterizada básicamente por el color, la luz
y el movimiento. Sin embargo, el movimiento y la luminosidad
son los protagonistas de cada obra; la luz acaba dibujando los
contornos, definiendo el ambiente, las formas, la atmosfera de la
pintura, en cuanto el movimiento es resaltado por los efectos de
profundidad, perspectiva y volumen utilizado por los artistas.
Utilizan también la técnica conocida como “claroscuro”.

Las pinturas también ganan más contrastes de luz y distintas tonalidades de color, podremos ver
contornos asimétricos, imágenes insólitas y composiciones donde las figuras, a fin de cuentas pierden
su relevancia y se acaban mezclando con el escenario donde se encuentran.

La pintura barroca surgió en oposición al arte renacentista; la

grande diferencia entre ambas es que mientras el artista
renacentista retracta el momento anterior a un acontecimiento, el
artista barroco resalta el drama, el punto más dramático.

Debemos tener en cuenta que el arte barroco se sitúa en pleno

periodo de reforma protestante, donde el poder de la iglesia
católica era cuestionado por medio de muchos movimientos
revolucionarios.

La palabra barroco tiene origen portuguesa y significa “perla de forma irregular”, o “joya falsa”. Entre
los principales artistas podremos destacar Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Velázquez y Poussin.

Pintura
El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus
límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de
primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas
violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran
dinamismo.
Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos,
el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como
tema nuevo el bodegón.
No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos
estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo.
 El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en
penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano.
 El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una estética
decorativa efectista y teatral.
Características de la pintura
La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes:
 Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.
 Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una
mayor mobilidad y fuerza a las representaciones.
 Se utilizaba una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizaron los fuertes efectos
luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.
 Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy
intensamente.
 La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos,
mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse
también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”.
Para diferenciar la pintura barroca de la pintura renacentista, vamos a analizar algunos cuadros de la
época, y a resaltar las características que los diferencien.
Esta imagen es de Bartolomé Esteban Murillo. Un pintor que
nació en Sevilla en el 1617. Su pintura es de tonos suaves y
expresión amable, que se ve claramente en sus Inmaculadas
Una de las más importantes de Murillo es la Inmaculada
Concepción. Este cuadro no tiene simetría, e incluye la técnica
que se denomina claroscuro, que se basa en realizar grandes
efectos luminosos, es decir, que mezclaban zonas de sombras
con otras de intensa luz. Utiliza una pincelada muy suelta y
ligera y un uso más vaporoso de los colores. El tema se percibe
claramente que es la religiosidad, puesto que, la Contrarreforma
exaltaba a la Vírgen como respuesta de la Reforma.
Ésta obra la pintó Rigaud. El arte del Barroco Francés estuvo al servicio de la monarquía, y las
características de este retrato son prácticamente las características del sistema de gobierno de Luis
XIV. El rey aparece de cuerpo entero, dominando una perspectiva de paisaje sobre una ciudad que
están atacando sus tropas. Como jefe militar, aparece con armadura pulida y con peluca negra. Lleva
la banda blanca de general y la banda de seda azul, colocadas en la cadera arremolinadas. Empuña el
bastón de mando, que apoya con soberbia sobre el casco. Avanza con elegancia una de sus piernas,
en una pose absolutamente de aparato. Las espuelas ciñen sus zapatos de tacón. Mezcla su condición
de guerrero con la de cortesano en la síntesis que pretende el Absolutismo. Destaca de nuevo la
técnica claroscuro.
Ésta es una pintura renacentista. La Gioconda, es una obra de Leonardo da Vinci. Este señor no nos
dejo una extensa obra, pero si una que nos puede impresionar bastante. La Gioconda, también
llamada la Madonna Lisa, tiene una mirada enigmática, y este gran pintor le ha dado el efecto óptico
necesario para obtener que el retrato de Lisa parezca muy real, e incluso que se va a salir del cuadro.
Tiene un hermoso paisaje del fondo, de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un
degradado invisible. En este cuadro se ha utilizado la técnica del sfumato. Ésta es una técnica que
difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos, mediante el uso de tonos
vagos y juegos de sombras. Su objetivo es potenciar la sensación de profundidad y potenciar la
inmersión de las figuras de su entorno.
 ARTE NEOCLÁSICO

El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros movimientos revolucionarios que
sacudieron a toda Europa a partir de mediados del siglo XVIII y hasta el siguiente siglo. Surgió con el
pensamiento de oponerse a la estética ornamental y recargadísima del movimiento Barroco, al que sucedió.
Fue el final de los movimientos y representaciones artísticas de manera universales, decir, este estilo
de arte afecto a todo el mundo y a todos los estilos de arte. Se podría decir que el arte neoclásico es un
movimiento social, moral, filosófico e intelectual que está unido y enlazado a ideales ilustrados. Esta clase
de arte se podía observar en todo el mundo pero este estilo de arte se asentó en Francia, principalmente en
Paris, reemplazando a Roma como la nueva capital artística.
Se caracterizaba por fundarse con la cultura clásica y es por esto por lo que todos los artistas del
neoclasicismo intentaban inspirarse con la arquitectura antigua. Además el objetivo de este tipo de arte era
representar los sentimientos y el movimiento, un arte absolutamente pensado y racional, con reglas y muy
sencillo y que se propone imitar al arte griego, romano y renacentista.
El arte Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente contrarias al arte
medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo Régimen.
En lo que llamamos arte Neoclasicismo hay que distinguir dos corrientes: Una primera que responde a
pura reacción estética contra el barroco, intentando buscar la desnudez en lo que el barroco encubría y
ocultaba, aunque sigue atado a la exaltación del poder, como el barroco. La otra corriente responde a los
postulados ilustrados: funcionalidad, racionalidad, claridad… símbolo de una nueva sociedad que está en
ciernes.

Características del arte neoclásico

 Los modelos en este estilo de arte son claramente grecorromanos: frontones, columnas, cúpulas,
prefiriendo el estilo dórico griego para realzar la severidad, la solidez y la horizontalidad.
 Se utiliza el estatismo, que es utilizar un ritmo muy pausado frente al movimiento de las curvas y
contracurvas.
 Es un arte comprometido con la problemática de su tiempo. Los arquitectos buscan lo funcional
contando con el desarrollo social
 Los escultores se definen con el retrato, porque es un modo de analizar y aclarar la relación entre
la naturalidad y la sociabilidad de la persona, entre el sentimiento y el deber.
 Se acompaña la transformación de las estructuras sociales con la transformación de las
costumbres.
 Los artistas usan una nueva técnica, la de proyectar, la realización es la traducción del proyecto
mediante instrumentos operativos.
 El arte neoclásico cumple una tarea de educación cívica, en lugar de antigua función que era la
religiosa. El artista ya no aspira al privilegio del genio, sino al rigor de lo teórico; los proyectos son
realizables.
 Esta época indicó el momento en que lo se separó la tecnología de la producción artesanal.
 El arte neoclásico se sirve: del principio de la correspondencia de la forma con la función estética
que en arquitectura; del estudio de la resistencia de los materiales en las artes figurativas y de la
base de todo dibujo.
 Se reduce a lo esencial, no da lugar a crear interpretaciones.
 A la función narrativa se le añadió una intención moralizante.
 Los temas utilizados son los dioses mitológicos que se alzan imponentes por encima de los
mortales. Los héroes aparecen victoriosos.
 Los personajes históricos son pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos morales de
conducta.
 El paisaje se pone de moda: parajes con restos arqueológicos reales, en especial se quiere
recrear las vistas de ciudades con recreaciones costumbristas.
La arquitectura neoclásica
Puede ser clasificada como una ramificación de las artes morales y
sociales. Por esta razón, destacan las construcciones y edificios que tiene
como fin poder mejorar la calidad de vida humana como por ejemplo los
teatros, bibliotecas, museos, parques, hospitales, entre otros edificios que
tiene una naturaleza monumental. Esta nueva tendencia hace que se
rechace el
Con este nuevo desarrollo se crean nuevas ideas y movimientos entre
ellos destacamos la crítica que defiende la funcionalidad que tienen
dichas construcciones y además defiende también la necesidad de
construir un edificio que no solo sirva para decorar el entorno sino que
además sea constructivo y con una oficio practico y fundamental. Todas estas nuevas ideas crean una
nueva imagen e idea de la arquitectura, es decir, la arquitectura de verdad es aquella que se construye con
sentido común . Sin embargo, durante el periodo neoclásico aparecieron unos nuevos arquitectos
denominados como utópicos, innovadores e idealistas que pasaron a representar las construcciones
basándose en las formas geométricas. Estos grupos traen como consecuencia una tercera clasificación de
arquitectura llamada “arquitectura pintoresca” en el siglo XVIII.

Escultura neoclásica
La escultura neoclásica se trabajaba, principalmente con varios materiales pero el más destacado
siempre fue el mármol blanco, no eran demasiado llamativas ya que querían darle un aire de esculturas
con gran antigüedad y por ello lo que destacó de la escultura neoclásica fue la sencillez y la tranquila
belleza que tenían sus obras. Los temas más destacados de la escultura en estos siglos fueron el desnudo
y el retrato que tomó un importante lugar en la escultura neoclásica.

Pintura neoclásica
Entre la pintura neoclásica podemos destacar a un gran artista llamado
Jacques-Louis David, tanto este artista como otros pintores intentaban imitar
imágenes de la revolución y realzaron los mitos romanos. La luminosidad
estructural y el dominio del dibujoson las principales características de la
pintura neoclásica

Música neoclásica
En la actualidad cuando hablamos de música neoclásica nos basamos en el concepto de “música clásica”
que estaba referido a la música del periodo clasicismo. Sin embargo, la música neoclásica hace referencia
al final del siglo XVIII donde la música intento inspirarse en el canon estético de los grecorromanos.

Artistas del arte Neoclásico

Giovanni Battista Piranesi: es un artista italiano nacido en el 1720, arquitecto y grabador. Fue un grabador
importante en esta época por realizar el registro de todos los descubrimientos arqueológicos romanos de la
época. Sus reproducciones e interpretaciones de los antiguos monumentos romanos recién descubiertos
fueron fuente de inspiración para los demás artistas neoclásicos. Sus obras más importantes fueron, las
Antonio Canova: artista italiano que nació en el 1757, fue escultor de algunos papas de la época, en el
culmen de su carrera fue escultor de Napoleón Bonaparte y su familia.
 Sus obras
más importantes son la Venus Victrix
 , Psique y Cupido
 y por última Hércules y
Lica.
Anton Raphael Mengs: artista Checo que nació en el 1728, fue pintor fue pintor de la
nobleza, realizo muchos retratos de reyes y sus familias. Sus ideas sobre los modelos
clásicos influyeron en los demás artistas neoclásicos. Su técnica toma modelo de la
obra del artista renacentista Rafael. Sus obras más importantes son, El Parnaso en el
techo de la Villa Albani en Roma, La Adoración de los pastores que se encuentra en el
Museo del Prado, el Retrato de Carlos IV de España
 y el Retrato del Papa Clemente XIII.

ARTE ABSTRACTO

El arte abstracto es más fácil de entender y apreciar cuando se sabe

qué es más allá de una escueta definición superficial, cuáles son sus
características y su historia: origen, desarrollo e importancia.

La abstracción es el acto y el resultado de abstraer (del

latín abstrahĕre: extraer, resumir lo más sustancial). El adjetivo
abstracto califica lo que no se puede percibir directamente a través de
los sentidos, aquello que excluye lo concreto y se aleja del aspecto
exterior de una realidad.
Es decir, algunos de los sinónimos de abstracto son: indefinido, general
o conceptual. Y algunos de sus antónimos: definido, particular o
figurativo.

La abstracción en el arte es un lenguaje visual independiente de

larepresentación del natural cuya expresividad reside en el valor y organización de sus elementos.
Por lo tanto, el arte abstracto es un concepto opuesto al de arte figurativo que se aplica a
varias disciplinas artísticas.

Características del arte abstracto

 Se aleja de la mímesis de la apariencia externa. La obra de arte abstracta existe

independientemente de la realidad.
 El grado de abstracción puede ser parcial o absoluto. En el arte abstracto puro no existen
rastros reconocibles figurativos, mientras que la abstracción parcial conserva partes del
referente a la vez modifica otras.
 Énfasis en la propia expresividad de los elementos esenciales del arte y su organización.
 También los materiales y procedimientos adquieren significado más allá de su aspecto
técnico.
 El título de las obras puede ser explicativo y ayudar a transmitir un mensaje.

Origen del arte abstracto

La abstracción no es un invento del arte moderno occidental. Hay una

infinidad de muestras de formas geométricas y estilizadas empleadas desde
el origen del arte en la prehistoria y otras culturas llevan siglos practicando y
admirando artes visuales abstractas como la caligrafía. ¿Entonces por qué
se considera un punto de inflexión la aparición de la pintura abstracta pura a
principios del siglo XX?
Volviendo al arte occidental, desde el Renacimiento en adelante la
preocupación por recrear la ilusión de la realidad tangible domina artes
visuales como la pintura o la escultura. No será hasta la llegada del
Impresionismo que los pintores inviertan las prioridades en la representación
y den una mayor importancia al procedimiento pictórico que los aleja de las
apariencias externas de la realidad.
La abstracción se va abriendo camino a medida que el arte figurativo entra
en crisis con las mejoras en el joven campo de la fotografía y la difusión de
este nuevo procedimiento para captar la realidad. Los movimientos de
vanguardia del siglo XX, como el expresionismo o el cubismo, reaccionan
contra el realismo explorando distintas maneras en que pueden manipular los elementos de una
obra independientemente de la realidad.
Se considera que el arte abstracto puro nace en 1910 en Munich de la mano del artista ruso
Wasily Kandinsky quien expone las primeras ideas sobre el arte abstracto en “De lo espiritual en el
arte”.
Varias teorías contemporáneas y posteriores han intentado explicar por qué surge la abstracción
pura:
 El deseo de alejamiento de la realidad por motivos tan diversos como que ella estaba dicho
todo lo que había que decir sobre la representación de la realidad, como consecuencia del
deseo de evasión de la crisis y el desorden social del momento o como manifestación de la
perplejidad e impotencia del artista en contexto histórico dado.
 El ansia de representación de lo absoluto. Una vuelta a la esencia del arte con elementos
más limitados y constantes que los que se pueden encontrar en la realidad, la creencia de
que el arte no se podrá identificar con otra realidad que no sea el propio arte o el anhelo
utópico de crear y comunicar a través de un lenguaje visual universal.

Artistas Abstractos

Vasily Kandinsky (1866-1944) es el gran teórico del arte abstracto. Escribe "De lo espiritual en el
arte", donde expone sus ideas y reflexiones sobre el arte, lo que es y lo que es la obra de arte. En
él realiza una declaración de principios. Su pintura tiene como objetivo despertar la emoción del
espectador, en el que deben actuar sólo los sentimientos.

Pone a sus cuadros títulos abstractos, intrascendentes, actitud que más tarde imitaron los demás
pintores. entre sus obras, destacamos Puntas de arco, En alto, Lírica, Impresión V, Improvisación,
Juicio universal; Amarillo, rojo, azul.

Paul Klee (1879-1940) tiene un carácter más simbólico. Transforma las figuras hasta hacerlas
irreconocibles. Entre sus obras, El niño en el paisaje, Composición, En el gris de la noche, Puerto
y veleros.

Pintura abstracta

El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto

figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado
propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por
completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la
combinación de líneas y colores.

Surge en torno a 1910, pero fueron varias las tendencias de la vanguardia

histórica las que acabaron desembocando en creaciones no figurativas. La
abstracción es el resultado de una tendencia a resumir y sintetizar que
comienza a finales del S. XIX, con Gaugain, Van Gogh y Cézanne, y que
continúa con la simplificación del tema a través del Fauvismo, Cubismo y el
Futurismo. Así pues, nos encontramos ante un movimiento que ya se iba perfilando desde el siglo
anterior y que busca la renovación absoluta de la pintura.

La abstracción no es un movimiento único, tampoco obedece a un

programa estético común. Ha ella podemos llegar a través de dos
vías, ambas nacen de la búsqueda de un orden y de una
racionalidad exentos de referencias inmediatas al mundo exterior.
La primera se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas
y expresionistas que exaltan la fuerza del color y se denomina
abstracción lírica. La segunda, llamada abstracción geométrica, se apoya en la estructuración
cubista.

ANIMALES DE GRANJA
(FARM ANIMALS)
Español Inglés

Vaca Cow

Caballo Horse

Gallina Chicken

Oveja Sheep

Pato Duck

Cerdo Pig

Pato Duck

Conejo Rabbit

Paloma Pigeon

Chivo Goat

Gato Cat

Toro Bull

Pavo Turkey
 Pollo Chicken

Perro Dog

Tiendas
Shop/ Store

Español Inglés

Panadería Bakery

Heladería Ice Cream Shop

Supermercado Market

Ferretería Hardware Store

Peluquería The Hair Salon

Tienda de ropa Clothing Store

Zapatería Shoe Shop

Tienda de
Shop for appliances
electrodomésticos

Florería Flowers shop

Juguetería Toy store

 Comidas
Foods

Español inglés

Arroz con Pollo chicken rice

Pollo horno Baked chicken

Arroz con pato Chick with duck

Ceviche Ceviche

Chaufa Chaufa

Ocopa Ocopa

Tallarines Noodles

Pescado frito fried fish

Lomo saltado Lomo Saltado

Sopa Soup
 PROFESIONES
PROFESSIONS

Español inglés

Abogado/a
Lawyer

Actor/actriz Actor/actress

Ingeniero/a Engineer

Albañil Bricklayer

Bombero Fireman

Cantante Cantante

Postman (U.K.);
Cartero
mailman (USA)

Carpintero Carpenter

Dentista Dentist

Profesor/a Teacher