Escuela de Arte y comunicación visual- Universidad Nacional

Historia del Arte Occidental Siglo XX-

El arte contemporáneo desde la

propuesta artística de Damien Hirst

Por:

Pamela Brenes Ramírez

Tayna Morales
Luis Gabriel Piché

2012
Justificación del tema

La historia del arte como tal se centra en el estudio de movimientos artísticos

específicos seleccionados con características en común, que se dan a través del
tiempo. Sin embargo a partir de los años 80 Hans Betling y Arthur Danto exponen dos
tesis sobre la imposibilidad de crear nuevo arte dentro de ese marco histórico; es decir
se habla del Fin del Arte. Esta situación llevó a un cambio en las posibilidades de
interpretación histórica, y ha una serie de cambios en la producción y en la recepción
del arte que domina la actualidad.

Ante este contexto, es importante conocer cómo se vive hoy el mundo del arte y cuales
características de la historicidad han cambiado o cuáles aún permanecen. Es
determinante relacionarse con estos nuevos artistas que dominan en la actualidad
artística; pues permite lograr un acercamiento al panorama de nuestra sociedad e
historia.

Ante estas razones, este eje investigativo sirve para complementar lo aprendido en el
curso “Historia del Arte Occidental Siglo XX 1900-1950”; el cual debido a sus grandes
temáticas y el factor tiempo, no permite una indagación más desarrollada sobre esta
materia; sin embargo logra incentivar con este tipo de trabajos a conocer más sobre
esta materia.

Es por ello que una indagación más específica y determinada en un artista como
Damien Hirst del arte contemporáneo, brindará un panorama más amplio e integral de
estos conocimientos, analizando el pasado para poder comprender el porqué de la
actualidad. Asimismo permitirá realizar un aporte crítico como futuros artistas ante las
nuevas concepciones visuales propias del contexto inmerso en que vivimos.
Delimitación del Problema

¿Cuáles son las estrategias teórico-conceptuales y los recursos visuales de la

propuesta artística de Damien Hirst, en el contexto actual del arte contemporáneo?

Objetivos

Objetivo general:

Investigar, conocer, analizar y evaluar las estrategias teórico-conceptuales y los

recursos visuales de la propuesta artística de Damien Hirst, en el contexto actual del
arte contemporáneo.

Objetivos específicos:

v ​Conocer y evaluar el concepto-argumento de la obra de Damien Hirst de acuerdo al

contexto actual del arte contemporáneo y el estudio de la biografía del artista.

v ​Identificar y analizar los cambios teóricos, prácticos y sociológicos que se han

producido en el arte contemporáneo; y conocer sus repercusiones en la obra de
Damien Hirst.

v ​Analizar las características visuales y semánticas aplicadas en la obra de Damien

Hirst, por medio de una investigación hacia los intereses del artista y la crítica con
respecto al contexto.

v ​Desarrollar una posición crítica ante la controversia de arte y negocio que se plantea
en la obra del artista.
Marco Metodológico

A. Tipo de Investigación

La investigación está ubicada dentro del análisis de la postmodernidad y el arte

contemporáneo como tema central. También pretende realizar un estudio en el campo
de la biografía del artista; determinando las razones que encarnan las características
de sus propuestas. Realizando así un análisis general social, psicológico, e histórico de
los hechos.

B. Recopilación y validez de la información

En función del logro de los objetivos de este estudio, se realizaron dos revisiones
documentales de fuentes secundarias, para recopilar el corpus de imágenes a analizar
y las fuentes bibliográficas como apoyo teórico en el trabajo:
1.​ ​Criterios para la selección de imágenes:
1.1.​ ​Características semánticas de la obra:​ se enfoca la búsqueda en obras que marcan
la pauta sobre la obra de Damien Hirst, con el fin de analizar sus recursos conceptuales
más representativos.
1.2.​ ​Posición controversial de la obra: ​se enfoca el análisis de la crítica sobre la obra y
su importancia en el mercado del arte

2.​ ​Criterios para la selección de fuentes de información:

2.1.​ ​Su autor:​ tanto corporativos como individuales se buscan autores críticos con
conocimiento en la historia del arte y con validez comprobada ante su información
2.2.​ ​Posición crítica:​ Se buscan textos con argumentos sólidos ante el contexto y la
biografía del artista que permitan generar una posición propia con respecto a la
evaluación de su obra
2.2​ ​ Relación al Tipo de metodología y temas de estudio: ​se centra en la búsqueda
metodológica de la biografía del artista, así como la historia del arte contemporáneo;
con el fin de que la metodología de las fuentes se apegue a la nuestra y nos facilite el
estudio investigativo.
Introducción

El arte Contemporáneo cuenta con la herencia de las vanguardias artísticas: la constante

búsqueda de diferentes formas de expresión. Entre los recursos más utilizados en este
“movimiento” ha sido la abstracción y las tendencias conceptuales. Esta fusión de corrientes
artísticas junto con la originalidad, la experimentación artística y la huella del propio autor,
caracteriza al arte contemporáneo.

El medio, el instrumento o la herramienta para producir obras artísticas está en constante

cambio, los artistas recurren a la aplicación de nuevas tecnologías y la pluralidad de las obras
aumenta cada vez más.

En cuanto a Damien Hirst, podemos decir que esta pluralidad se hace visible, ya que
desde finales de la década de 1980, Hirst ha incursionado en áreas artísticas como la
instalación, la escultura, la pintura y el dibujo para explorar las complejas relaciones
entre el arte, la vida y la muerte. Su arte ha sido muy controversial por utilizar animales
reales en sus obras y por el valor tan elevado que han adquirido.

Actualmente es uno de los artistas mejor pagados de la historia del arte y en especial
del Reino Unido. Esto hace que muchas de sus obras sean criticadas, no sólo por su
valor estético y semántico, sino por su valor económico y excentricidad.

En este trabajo vamos a estudiar la biografía del artista, sus motivaciones, temas, entre
otros, para poder analizar su obra y crear un ambiente de crítica neutra a través de la
propuesta artística desarrollada.
Sobre Damien Hirst

Damien Hirst nació en Bristol, suroeste de Inglaterra, en 1965. En 1984 se trasladó a

Londres y de 1986 a 1989 estudia para sacar una licenciatura en Bellas Artes en el
Goldsmiths College, Universidad que se especializa en la enseñanza y la investigación
de disciplinas creativas, culturales y cognitivas.

Según Hirst, en su libro “I Want to Spend the Rest of My Life Everywhere, with
Everyone, One to One, Always, Forever, Now” (2005), su obra investiga y desafía a los
sistemas de creencias contemporáneas, y analiza las tensiones e incertidumbres en el
corazón de la experiencia humana.

Cave resaltar que desde 1984 Inglaterra vive momentos de luchas sociales como la
Huelga de Mineros, movimientos que se empezaron a desencadenar en diferentes
partes del mundo, se empieza a cuestionar el valor de la vida humana y por ende los
derechos humanos. En medio Oriente se desencadena una serie de guerras que dejan
millones de muertes. La hambruna en​ ​Etiopía​ comienza y mata a un millón de personas
para finales del año 1984. El​ ​crack​, una forma de cocaína que se puede fumar, aparece
por vez primera en el área de​ ​Los Ángeles​ y pronto se difunde por todo Estados Unidos
en lo que pasa a ser conocido como "​epidemia de crack​".

La cultura de la muerte anda en el aire y esta serie de acontecimientos pudieron

incentivar al artista a cuestionar el valor de la vida y la muerte, lo efímero y lo eterno, lo
que estuvo y que ya no está, pero deja un recuerdo. En un artículo de la version del
diario español La Vanguardia, según la galería londinense Tate Modern, donde se llevó
a cabo una exposición de retrospectiva del artista, afirma que "el conflicto entre la vida
y la muerte así como la belleza y el horror son realzados, dualidades que prevalecen en
buena parte de la obra del artista."

Desde la edad de dieciséis años, hizo visitas regulares al departamento de anatomía

de la Facultad de Medicina de Sevilla, con el fin de hacer dibujos de vida. La
experiencia sirvió para establecer las dificultades que se perciben en la conciliación de
la idea de la muerte en la vida, ya que la gente relaciona siempre la temática de la
muerte con tristeza, pérdida y dolor.

En su Segundo año en Goldsmiths Hirst crea la serie de los "​botiquines​ " donde
combina la estética del minimalismo con el pensamiento de Hirst de que la ciencia es la
nueva religión para muchas personas. Esto fue una introducción a su obra realizada en
1992 conocida como Pharmacy, la cual fue mostrada por primera vez en la​ ​Galería de
Cohen​ , Nueva York en 1992.

En este mismo año Hirst participa de la exposición denominada​ Freeze​ una exposición
colectiva en tres fases, en la cual participaron varios artistas, entre los cuales se
encuentran: Steven Adamson, Bulloch Angela, Collishaw Mat, Ian Davenport, Fairhurst
Angus, Gallaccio Anya, Damien Hirst, Gary Hume, Michael Landy, Lane Abigail, Sarah
Lucas, Lala Meredith-Vula, Parque Stephen, Richard Patterson, Simon Patterson y Rae
Fiona. Gran parte de ellos contemporaneos de Hirst en Goldsmiths, punto de partida
para una gran generación de artistas británicos. En esta exposición aparece una de las
series más reconocidas del artista, conocidas como: “Spot Painting”.

Desde 1987, más de 80 exposiciones individuales de Damien Hirst han tomado lugar
en todo el mundo y su obra ha sido incluida en más de 250 exposiciones colectivas. Su
contribución al arte británico en los últimos dos decenios y medio fue reconocida en la
exposición retrospectiva de su obra puesta en escena en​ ​la Tate Modern​ .

La serie “Natural History”, ha sido una de las más controversiales del artista, desde
1991, con la creación de “The Physical Impossibility of Dead in the Mind of Someone
Living”, obra compuesta por un tiburón Tigre encerrado en una caja de cristal y flotando
en formol. Su venta por 10 millones de dólares, en​ ​2004​, hizo de él el segundo artista
vivo más caro, después de​ ​Jasper Johns​.

Por estas y muchas otras razones se le coincidiera a Hirst como un: “Autor irreverente,
cabeza de Young British Artists, cercano a Charles Saatchi, desarrolla su carrera junto
al dealer Jay Jopling en la mítica galería londinense White Cube y logra un fuerte
reconocimiento apartar de “Sensation” Pionero también en la implantación de un
espacio en Chelsea tas el declive como escenario galerístico del Soho, lleva a cabo
exposiciones propias de museo y maneja la mayor cartera de coleccionistas del mundo
(Ruiz, 2012)
Marco teórico:

En este apartado se busca explicar brevemente el contexto del arte contemporáneo,

para ello se analiza la era de la postmodernidad y sus cambios desde la concepción
artística, la estética, ideología y finalmente la sociedad como tal; con el fin de enlazar el
entorno y las relaciones de este, con el artista Damien Hirst.

La Postmodernidad:

La postmodernidad artística surge tanto en Europa como en Estados Unidos desde los
años 1970, enmarcando los movimientos de la transvanguardia italiana, los neos estilos
y el arte contemporáneo. El concepto como tal, ha encontrado bastantes problemas en
su significación, pues como indica Calabrese (1994), no se pueden determinar o
encasillar las características específicas del periodo; como en el resto de los tiempos
de la historia del arte, ya que este tiempo aún no ha terminado y existe gran
heterogeneidad en las artes visuales. “…todavía no es posible por buena distancia,
distinguir que es importante de lo que no lo es” (Calabrese, 1994, pág. 20) razón por la
cual su libro se denomina la era neo barroca, pues indica que el termino postmoderno
es incorrecto.

Igualmente Foster, impone en su texto una serie de cuestionantes sobre la necesidad

de definir si el postmodernismo se refiere a una fase, política, periodo y otros.
(Baudrillard, 2008) Finalmente lo que queda claro entonces, es que hay poca teoría de
comprobación sobre la postmodernidad y esta no puede encasillar debido a que
todavía permanece por lo que en cualquier momento puede cambiar, sin embargo si se
pueden determinar ciertas características que han marcado el contexto actual; las
cuales se pretenden desglosar en este apartado:

El contexto social:

Primeramente, según Ana M. Guash (2000), la era postmoderna esta centrada en un

contexto multicultural, definido por una era en donde las culturas, conocimientos y
movimientos artísticos se unen y se aceptan. Así mismo Calabrese (1994) define esta
época como la búsqueda de formas en las que se produce una perdida de la integridad,
de la globalidad, de la sistematización ordenada, a cambio de la inestabilidad, y la
polidimensionalidad.
Es decir esta etapa está marcada por la era de la globalización, donde convergen y se
mezclan las ciencias, las nuevas tecnologías, las industrias y el orden económico
capitalista. Sin embargo ante esta invasión cultural y de imágenes, el individuo pierde
individualidad; pues desconoce lo propio y hay un gusto por lo ajeno en el sentido de
que se convierte en algo exótico.

La sociedad entonces se vuelve en una sociedad más compleja, determinada por el

papel que ejercen en ella los mass media y la revolución tecnológica. Generando una
sociedad de consumo, donde estos medios masivos y la industria se convierten en los
centros de poder. Razón por la cual la imagen adquiere gran relevancia y veracidad
afectando las relaciones de los individuos, convirtiendo a la sociedad en una sociedad
del espectáculo, donde las apariencias son lo único que interesa y deja de importar el
contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de
convicción que pueda producir. Se pierde la intimidad y la vida de los demás se
convierte en un espectáculo:

“El espectáculo no es un conjunto de imágenes, sino una relación social entre personas
mediatizada por imágenes.” (…) “la praxis social global que se ha escindido en realidad
y en imagen” (Deboard, 1974)

Así mismo esta problemática se puede observar en el documental de Hughes “La

maldición de la Mona Lisa” cuando hace referencia a una sociedad de falsedades que
se vale de la imagen y la información en vez de experiencias reales “Ellos no vinieron a
ver a la Mona Lisa, vinieron a decir que la vieron, la diferencia es una experiencia real y
otra fantasía”. (Huges, 2011)

Por otra parte el individuo postmoderno muestra una serie de desencanto con el
estado, la religión y lo colectivo; hay una perdida de fe en la razón y la ciencia, pero en
contrapartida se rinde culto a la tecnología. Se rechaza la totalidad y se preocupa por
lo subjetivo, se interesa únicamente en el mismo, el individuo se refugia en el
espectáculo y el valor de su propia imagen:

“El espectáculo es la realización técnica del exilio de los poderes humanos en un más
allá; la escisión consumada en el interior del hombre.” (Deboard, 1974)

El contexto artístico:

Ante esta era multicultural, el arte pasa a ser tan amplio en variedad de temas y estilos
que no tiene una definición limitada y no hay un concepto que determine la realización
de la producción artística; creando una crisis de identidad y reconocimiento ante lo que
es arte o no.

Sin embargo ante esta ponencia, Foster indica que tampoco las posiciones de
aperturas deben ser tan apocalípticas “Creo que deberíamos ponernos en guardia con
esta combinación, pues el postmodernismo no es pluralismo” (…) “Tal vez la mejor
manera de concebir el postmodernismo sea pues la de considerarlo como un conflicto
de modos nuevos y antiguos” (Baudrillard, 2008). Es decir se debe entender esta
mezcla de estilos artísticos no como unión sino como una contraposición entre sí.

Este dilema ocurre debido a que se considera el postmodernismo como una era
después del fin del arte (Danto, 1999), “Los artistas de hoy ya no podrán inventar
nuevos estilos y mundos y es que ya han sido inventados” (Baudrillard, 2008). Es decir
que cualquier arte que surgiera debería crearse sin el beneficio de fortalecer ningún
tipo de narrativa en la que pudiera ser considerado como su etapa siguiente.

La estética y el papel del artista postmoderno:

En este contexto, Guash (2000) se refiere a la utilización de una estrategia basaba en

la “deconstrucción”; determinada por Joan Derrida, en donde los artistas básicamente
descomponen los objetos del arte de las vanguardias pasadas. Igualmente Danto
(1999) reivindica esta posición desde el arte contemporáneo: “En cierto sentido lo que
define al arte contemporáneo es que dispone del arte del pasado para el uso que los
artistas le quieran dar”.

Cambiando el papel del artista, el cual ahora tiene una libertad para transitar en
cualquier época o estilo del pasado, tomando cualquier referencia, utilizando imágenes
desde el arte clásico hasta de los medios de comunicación de masas. También con la
posibilidad de recurrir a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a las
derivadas de la nuevas tecnologías.

“Así lo contemporáneo es, desde cierta perspectiva, un período de información

desordenada, una condición perfecta de entropía estética, equiparable a un período de
una casi perfecta libertad” (Danto, 1999)

Constando una ponencia importante desde la subjetividad del artista, indicando un arte
autónomo, en donde no interesa acercar el arte a la sociedad sino más bien
reflexionarlo desde lo intrínseco, identificando una incapacidad del arte para
transformar la vida cotidiana o su realidad cultural circundante.

Así mismo el artista ya no necesita encajar en el sistema según su forma de vida, es

libre tanto en su realización artística como en su persona: “En el panorama
contemporáneo ya no es necesaria una postura ascética y marginal” (…) “…no es
necesaria la adscripción a una tendencia o forma de actuar y en definitiva de vivir”
(Ruiz, 2012)

Llevando con ello, a una problemática de la estética en el arte contemporáneo, Danto

(1999) menciona que este período es definido por “una suerte de unidad estilística (…)
no hay en consecuencia una posible directriz”. Pues al no existir lineamientos sobre la
época artística, cualquier cosa puede ser arte.

Sin embargo, ante esta postura Jameson indica ciertas tendencias similares en el arte
que permiten una visión más comprensiva sobre la posmodernidad estético-artística.
Estas son: El pastiche y la experiencia esquizofrénica. (Baudrillard, 2008)

El Pastiche “es la imitación de un estilo peculiar o único, llevar una máscara estilística,
hablar de un lenguaje muerto (…) sin el motivo ulterior de la parodia, sin el impulso
satírico, sin la risa…” (Baudrillard, 2008). Ante esta imitación también toma gran
relevancia lo que se conoce como el término de Kitsch; el cual ante tanta variedad
estilística en el postmodernismo se mezcla libremente con el arte. Y aparece también el
concepto de Camp, el cual a diferencia del pastiche si posee una apreciación irónica.

Con respecto a la ​experiencia esquizofrénica​, esta se utiliza como término ante la

mezcla de estilos: “materiales aislados, desconectados, discontinuos que no pueden
unirse en una secuencia coherente” (Baudrillard, 2008), interpretando la esquizofrenia
como cuando se quiebra la relación entre estos materiales y sus significantes,
dejándose dominar la visualidad por la materialidad: “Este nuevo arte, que en su
libertad de las convenciones culturales casi se fusiona con la realidad, valora más que
todo la materialidad concreta, independientemente de cualquier modelo filosófico y de
cualquier interés, aquella materialidad que sin reservas domina la vida de un
esquizofrénico” (Santches, 2011)

Por otra parte, también el concepto de abyecto y liminal toma fuerza como valor
estético en la obra artística contemporánea. “La fascinación por heces, esperma y
menstruo constituyen uno de los fenómenos más notables del arte reciente (…) lo
abominable se volvió un rasgo central en la plástica contemporánea” (Mechelen)
El arte abyecto consiste en una tendencia artística que pretende provocar al
observador mediante la alusión o utilización de fluidos corporales, comida y signos
sexuales. Tiene como referencia a Fuente de Marcel Duchamp (1917), Merda d’ artista
(1961) de Piero Manzoni, asi como los performances de las décadas de los 60 y 70. Es
decir, al arte abyecto muestra aquello que al público no le agrada, incomoda y produce
sensaciones perturbadoras y de repulsión “quieren perturban tanto el orden del sujeto
como el de la sociedad” (Foster en Mechelen).

Asi mismo, el arte liminal se produce cuando los códigos en la obra de arte generan
una inderterminancion y ambigüedad, debido a que es dificl determinar el limite entre
uno y otro, por lo que interactuan entre sí y convinan sus ámbitos. Las principales
tendencias artisticas que impulsaron este fenomeno fueron el futurismo,el Dadaismo y
el Modernismo, por sus diversas concepciones esteticas que permitieron la
combinacion de codigos.

El mercado del arte:

Con respecto al mercado, en el pasado, la mayoría de artistas lograban fama y riqueza

después de su muerte; y aún en la época de los 60’s y 70’s la mayoría de artistas
debían de realizar otras actividades ajenas al arte para poder sobrevivir y suplir sus
necesidades económicas. Sin embargo en el arte contemporáneo ocurre un cambio en
este sistema, pues “el mercado del arte ha dejado de ser local, para transformarse en
global, acrecentando el número de compradores” (Tovar, 2012).

Actualmente, el mercado del arte se caracteriza por las subastas el cual “es un eficaz
método para la afloración a la opinión publica de obras de arte” (Ruiz, 2012)es decir va
de acuerdo a la sociedad de espectáculo explicada anteriormente. En este panorama
existe un duopolio por las casas de Sothebys y Christies; en donde las ventas de arte
contemporáneo se estiman alrededor de 80 billones de dólares por año. (Huges, 2011)

Por lo que en el mundo del arte contemporáneo aparece un sistema nuevo de mercado
compuesto por seis elementos, según Ruiz: artista que crea (productor), la galería que
distribuye y promueve, el museo que conserva, el crítico que interpreta y traduce y la
revista de arte y los mass media que informan y sacralizan.

En ese contexto, el documental “La burbuja del arte contemporáneo” de Lewis nos da
una muestra de cómo funciona hoy la comercialización del arte, en donde el arte
aumenta su valor con el fin de tener una base sólida de mercado que nunca decaiga.
Generando un aumento o control sobre el valor de las obras por medio del préstamo de
dinero a los postores; ya sea por las casas de subasta e incluso por préstamos
monetarios del mismo artista. Lo que genera esta “una burbuja” económica, en donde
los coleccionistas, las casas de subasta y los artistas controlan e inflan el valor de las
obras de arte por un largo periodo de tiempo; sin ninguna limitante o reglamentación
sobre este mercado, generando una especie de monopolio que finalmente algún día
ante tanta sobrevaloración llegará a estallar.

Y es que este mercado a diferencia de otros, no tiene ninguna legislación: “Aparte de

las drogas el mercado del arte es el mercado mas grande y no reglamentado del
mundo” (Huges, 2011). Por lo que hay una manipulación y falta de la información,
aparte de ellos los principales coleccionistas de arte y las casas de subasta poseen
gran cantidad de obras, monopolizando el mercado sin ningún problema: “En el
mercado del arte los actores son pocos y el vendedor y comprador se encuentran en
una situación de monopolio” (Ruiz, 2012, pág. 42)

Razón por la cual, el mercado se distingue por una información en muchos casos
manipulada y en otros por falta de ella. “se caracteriza por gran incertidumbre y hay
inestabilidad del medio a largo plazo en la jerarquía de los valores estéricos” (Ruiz,
2012, pág. 38). Hay un engaño desde la compra de las obras, para quedar bien con los
medios de comunicación y aumentar el valor del arte en el mercado internacional: “Ese
millón lo pagan entre todos, pero para el mercado internacional, nuestro artista ha
rebasado la cotización de un millón de dólares” (Ruiz, 2012, pág. 38)

Por otra parte; se puede observar con este nuevo mercado, un cambio en el concepto
de los museos, los cuales ya no pueden competir contra los grandes coleccionistas y
ahora deben expandirse por medio de la publicidad y el espectáculo: “los museos han
adoptado estrategias de los medios masivos, con énfasis en el espectáculo”. (Huges,
2011)

Lo que afecta directamente a la concepción de la obra de arte y a la producción de los

artistas: “la asociación de grandes sumas con el arte se convirtió en una maldición
sobre el quehacer de los artistas y sobre todo en la manera que se experimenta”
(Huges, 2011). Por lo que el artista debe insertarse en el mercado del espectáculo,
cambiar sus formas de producción y dar lo que la oferta demanda, si quiere ingresar a
este sistema.
El valor de la obra artística:

En este panorama, el valor de la obra artística postmodernista cambia, así como el

concepto de arte, pues como se mencionó anteriormente no es fácil definirlo en un
tiempo de tanta permisividad.

“La pintura modernista, como Greenberg la ha definido, sólo podía responder a la

siguiente pregunta: «¿Qué es esto que tengo y que ninguna otra clase de arte tiene?').
La escultura se hacía el mismo tipo de preguntas. Pero esto no nos da ninguna imagen
de qué es el arte, sino solamente qué fueron esencialmente algunas de las artes, quizá
las más importantes históricamente. ¿Qué pregunta formula la Brillo Box de Warhol o
uno de los múltiples cuadrados de chocolate pegados en una hoja de papel de Beuys?”
(Danto, 1999)

Es por ello, que los valores de la obra se dan por medio de dos factores: valor artístico;
determinados por el tiempo, la historia y el consenso social, también por los mass
media, el artista, la producción y el valor invertido en la obra de arte; y valor de cambio,
basado en la oferta y la demanda. Es decir que el valor autónomo de la obra no sólo
depende de la calidad intrínseca de la obra de arte, sino de un sistema (Ruiz, 2012)
Repercusiones de la postmodernidad y el arte contemporáneo en la
obra de Hirst: Análisis de imágenes y crítica

With Dead Head:

Esta obra es una fotografía de Damien Hirst a los 16 años con una cabeza cortada y
fue tomada en una morgue en Leeds donde Hirst se colaba, gracias a un amigo que
estudiaba microbiología. Además de estar fascinado por el lado “gore” del cuerpo
humano. Uno de sus referentes en este ámbito fue Francis Bacon, quien utilizaba la
muerte y cuerpos destrozados para darle simbolismo a sus obras. Por lo que el artista
se vale del arte abyecto ante la utilización de un cuerpo muerto que sin duda genera
repulsión cuando el espectador se da cuenta del contenido real de la imagen, teniendo
sentimientos encontrados ante la sonrisa de Damien y el muerto que le acompaña.

Lo curioso de esta imagen es que fue tomada mucho antes de que Hirst iniciara su
carrera artística formalmente, y fue expuesta como una obra, solamente hasta que
obtuvo fama. Esto es una característica del arte contemporáneo, como citamos
anteriormente: el artista, ahora tiene una libertad para transitar en cualquier época o
estilo del pasado, tomando cualquier referencia, utilizando imágenes desde el arte
clásico hasta de los medios de comunicación de masas.

Se puede observar el uso de la tecnología y las nuevas formas de representación

artística por medio de la fotografía, el cual toma la posición de obra como tal: “es un fin
en si mismo, es la obra o es la documentación de un proceso artístico que no
necesariamente tiene como fin la fotografía” (Ruiz, 2012, pág. 97)

Críticas y argumentos de la obra:

“Todos estamos preocupados por nuestra existencia. La gente cree que mi trabajo esta
centrado en la muerte, pero apenas es así; lo que pasa es que vivimos en una
sociedad que prefiere ignorar la muerte”, así se refirió el artista a sus obras.

En The Telegraph del 4 de abril de 2012 Brian Dillon argumenta “en la fotografía hay un
joven que sonríe ampliamente, ya que a su lado en la mesa se encuentra la cabeza de
un gordo calvo. Esta personificación se establece como la comedia y la tragedia”.
“Damien está destinado a hacernos ver lo fascinante de la muerte y la adopción de una
actitud alegre a la mortalidad”

Parte de las críticas negativas que prosperan bajo esta obra son los términos de
“chocante y escandaloso”. El choque que se genera resulta precisamente de la
repulsión cognitiva y empática que experimentamos al ver la cara de la muerte. En el
mejor de los casos su arte no hace temer más profundamente lo que significa ser seres
sentimentales, y sentirnos vulnerables y amenazados por otros organismos. Este es el
significado sustancial de la fascinación permanente de su arte”

A diferencia de los aspecto negativos la obra con fin positivo lleva como fin “lograr un
provocación y una rebelión artística, que tiene como tópicos principales el asco, la
muerte, la incomodidad y lo políticamente incorrecto. Es una expresión de las
inherentes dificultades que tiene el ser humano al tratar de entender y lidiar con la idea
inaceptable de su propia muerte. (Art Now), publicado el día 23 de marzo de 2012

Pharmacy:
 En su Segundo año en Goldsmiths Hirst crea la serie de los "​botiquines " donde
combina la estética del minimalismo con el pensamiento de Hirst de que la ciencia es la
nueva religión para muchas personas. Esta temática se manifiesta más
significativamente en la instalación Pharmacy (1992). Obra de la cual Damien hace
referencia en su libro del 2005, citando en el:

“I can’t understand why most people believe in medicine and don’t believe in art, without
questioning either.” (Hirst, 2005, pág. 24).
Pharmacy fue mostrado por primera vez en la ​Galería de Cohen , Nueva York en 1992.
En los trabajos de instalación, Hirst explora las diferencias entre el arte y la vida, y el
poder otorgado a los productos farmacéuticos por nuestra fe ciega en ellos.

En el caso de Pharmacy observamos una característica muy marcada de la modalidad

artística contemporánea conocida como instalación, que es la creación de un espacio
ficticio dentro de la galería, que es lo que Ilya Kabakov llama Istalación Total, el
espectador se ve manipulado por la obra y se convierte en su víctima, ya que se logra
crear un espacio que pone en duda la verdadera realidad.

Un aspecto a tomar en cuenta para realizar una instalación es que en la mayoría de

ellas se utilizan materiales del entorno que rodea al espectador, materiales conocidos,
dotados ya de un significado específico, tratando de unificar el arte y la vida. Logrando
una interacción entre el contexto, el significado y la recepción de la obra por parte del
usuario.

En Pharmacy, First crea un espacio aislado al significado de la galería, en el cual el

espectador no sabe si se acabó la exposición y entró a una farmacia o si la habitación
es parte de la galería. Todos los elementos son frascos de medicamentos de marcas
reales con las que el espectador se encuentra familiarizado.

Lo que que Hirst intenta con esta obra es hacer un dialogo de pensamiento entre lo que
es la cultura de la vida y de la muerte. Y como dice él: resaltar la nueva religión "la
medicina", la cual es exaltada por la población actual. Sin embargo nos hace pensar
mucho sobre lo que realmente es estar muerto, y si las medicinas nos mantienen con
vida o simplemente retardan algo que es inevitable. Según Damien Hirst “no se puede
detener la decadencia, pero estos botiquines sugieren que puedas ".

Critica y argumentos

Nuevamente vemos una columna dedicada hacia Damien Hirst, en el controversial The
Guardian del dia 2 de abril del 2012. Esta vez Adrian Searle se expresa decepcionado
hacia las obras del artista; mencionando “uno quiere escribir un opinión directa, pero
esto es casi imposible. ¿Como seria para alguien que no tuviera un conocimiento de
arte opinar sobre este show?”

Arthur C. Danto en un artículo Damien Hirst´s Medicine Cabinets: Art, Death, Sex,
Society and Drugs publicado en el años 2010 en la página de Demian Hirst; explica
tanto los argumentos del artista como las críticas que ha recibido sobre la obra. El
botiquín “proyecta una arte Pop de los últimos días, colorido, descarado y familiar para
los consumidores; y al mismo tiempo conecta con las preocupaciones filosóficas del
artista sobre el nacimiento y la muerte, así como su profunda creencia que el arte cura”

Supongo que el “botiquín” ejemplifica un tipo de fantasía de una cultura de la droga

despenalizada, donde lo que los franceses llaman stupefiants se muestran como los
cigarrillos o las barras de chocolate, incluso sin ellos requiere la adquisición de
medicamentos”

Los gabinetes de medicina, se prestan como “una metáfora política de orden y de

cómo deberían ser las cosas” “Hasta donde yo se, el quería hacer gabinetes de la
medicina que eran exactamente lo que vio en las farmacias, igual que Andy Warhol
 hizo cajas simulaban cajas comestibles reales” así se expreso Danto

Hirst explica que el “eligió un tamaño y una forma de la caja como un cuerpo. Yo quería
que fuera de tipo humano, al igual que con el abdomen y el pecho y las entrañas.
Había algo humano sobre la forma y el tamaño cuando lo hice con un poco mas
pequeño en la parte superior de la cabeza. Despues jugué un poco con la idea de
poner la cabeza en la parte superior y los sus pies en el fondo. Por ultimo busque
averiguar los medicamentos que los componían”

Un doctor del cual se desconoce el nombre, después de mirar el armario menciono que
“no tienen ningún sentido clínico para alguien que entiende de medicamentos” pero el
arte puede curar? Hirst respondió “creo que a todos se nos olvida que vamos a morir,
solo pueden sanar por un minuto. No busco emular a alguien que coloca los
medicamento de cierta manera debido a su practica; pero no voy a dejar de intentar
curar”

Serie Natural History

En 1991, Hirst comenzó a trabajar en " ​Historia Natural ", podría decirse que su serie
más famosa. Según el artista a través de la preservación de las criaturas en acero
minimalista y tanques de cristal llenos de solución de formaldehído, tenía la intención
de crear un "zoológico de animales muertos".
La serie consiste en su mayoría en animales muertos preservados y en ocasiones
diseccionados, y preservados en​ ​formol​.

1. The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991)

Este tiburón es uno de los símbolos más emblemáticos del arte moderno británico y la
cultura popular en los años 90. Las cajas de cristal actúan para definir el espacio de la
obra, mientras que al mismo tiempo expresan según Hirst en su libro “I Want to Spend
the Rest of My Life Everywhere, with Everyone, One to One, Always, Forever, Now “ la
"fragilidad de la existencia".
Se compone de un tiburón tigre de 14 pies (4 metros estimadamente) conservado en
un tanque de formol, con un peso total de 23 toneladas. El tiburón está contenido
dentro de una vitrina de acero y cristal tres veces más largo que alto y dividido en tres
cubos. Según varios reportajes realizados después de la exposición de esta obra, se
dice que el título fue: "sólo una declaración que había utilizado para describir la idea de
la muerte a mí mismo".

Es curioso que el arte antes se consideraba inreproducible y no sustituible, ahora con

todos los cambios y la aperture del arte contemporáneo, la obra cambia su valor, por
ejemplo es esta obra se tuvo que sustituir el Tiburón 15 años después (en el 2006),
debido a la descomposición del animal.
Críticas y Argumentos

En el contexto de esta obra, se podría establecer que el ​ready made ya no son cosas
tan nuevas, y que hoy en día se busca generar nuevas tendencias. El elemento
temático puede prestarse a diversas interpretaciones; según Dalinda Peña en su
artículo el arte de hacerse rico “el autor busca crear un arte inesperado, que refleje esa
búsqueda generalizada de muchos artistas por marcar un línea en la historia del arte,
pero en realidad es un objeto descontextualizado o posiblemente recontextualizado,
que se remonta a la idea original de Marcel Duchamp”

María Minera menciona en su artículo La imposibilidad de Demian Hirst “lo novedoso

de esta pieza no es meter el tiburón en el tanque de formaldehido, ni parece un simple
demostración “duchampiana” de que el contexto defino lo artístico. La cuestión se trata
de anticipar cómo va a verse y que efecto va a tener en el espectador; con sus
variaciones se busca volver lo ordinario terrorífico”
Sin embargo Huges (2011) muestra su parte negativa con el siguiente comentario: “La
obra más sobrevalorada del mundo (…) para mi es un objeto bastante carente de
sentido. Este pobre, triste y arrugado tiburón en formol, no me llena con la sensación
de asombro, con la que se supone que se llenan los espectadores de los museos. Es
un sólo un enorme pescado incomible, desintegrándose en su tanque de formol. Es un
objeto de lujo, pero de mal gusto, que desnuda la manera en que pensamos el arte y
como se hace. Lo gracioso es que este tiburón funciona como una marca comercial,
para el rey de los “Young British Artists” es una manera astuta de hacer marketing pero
como obra de arte es absurda” Aludiendo a sus sentimientos sobre la obra, mostrando
una posición muy subjetiva que se basa en la sensaciones y finalmente ligándola al
ámbito mercadológico del artista debido a que esta es una de las obras más
representativas.

2.​ ​ The Golden Calf, 2008

The Golden Calf fue la pieza central en la subasta de Sotheby' s en el 2008. Encerrado
en una vitrina de oro y montado sobre un pedestal de mármol de Carrara, posa el
conservado toro con cuernos y pezuñas fundidas en oro macizo de 18 quilates.

El título de la obra hace referencia al relato del Éxodo de la adoración de los israelitas
 idólatras del becerro de oro durante la ausencia de Moisés. Como en las tradicionales
representaciones artísticas del ídolo, el becerro de Hirst se corona con un disco solar
de oro macizo, un símbolo de la deificación pagana.

“el objeto de oro es un objeto de lujo, propio de las clases acomodadas y no

necesariamente noble” (…) “el artista utiliza oro y plata por motivos concretos que
tienen mucho que ver con su condición de objeto inalcanzable” (Ruiz, 2012, págs. 95,
97)

​ other and child divided: ​Esta me falto :(

3.​ M

For the Love of God:

Esta obra consta de una calavera de platino engastado con diamantes, es una de las
obras más importantes y reconocidas de Hirst. Sus materias primas lo definen como
una obra de magnitud sin precedentes. El molde de la calavera, fue sacado de un
cráneo real, lo que dota de un simbolismo tenebroso a la obra. Los dientes insertados
en la mandíbula son reales y pertenecen al cráneo original.

La calaca original fue comprado a un taxidermista de Londres y posteriormente se

sometieron a un análisis cuyo resultado reveló que data de alrededor de 1720 - 1810, y
es probable que sea la de un hombre de 35 años de edad, de ascendencia europea /
mediterránea.

Según la página oficial de Demian Hirst, el título proviene de exclamaciones que madre
de Hirst daba, al conocer los planes para las nuevas obras del artista. Como él mismo
explica: "Ella solía decir: '¡Por el amor de Dios, ¿qué vas a hacer ahora!"​.

Se podría decir que el mensaje que Hirst quiere transmitir con la obra y su proceso de
construcción es un recordatorio de que nuestra existencia en la tierra es transitoria. En
cuanto a los diamantes, el artista tomó como referencia la cultura Mexicana, en la que
adornan los cráneos para ocasiones festivas, y no le ven su lado oscuro como otras
culturas, sino que lo asocian con colores y motivos alegres.

Un aspecto que cambia este artista es que hasta ahora los artistas vendían sus obras
en la mayor parte de los casos a través de galerías o marchantes que recibían un
porcentaje del precio de venta. Por el contrario Hirst, ha sabidoorganizarr las subastas
de sus propias obras para aumentar más su fortuna. Se dice que la obra “For the Love
of God” no fue vendida en su totalidad a una persona o institución, sino que fue
comprada por varios inversionistas, entre ellos el mismo artista; esto gracias a su valor
excesivo. (Unos 75 millones de euros, cerca de 106 millones de dólares)

Criticas y argumentos

“Por el amor de Dios valuada en 100 millones de dólares, es la obra mas cara de un
artista contemporáneo, ¿que es lo que une a la Mona Lisa con esta burbuja de
brillantes? Ambas iniciaron un gran cambio en el mundo del arte, ese cambio es todo
de dinero” (Huges, 2011)

“Es una obra acerca de la trasmutación de la materia, como de las imágenes que se
adhieren a nuestra ideas o experiencias de la muerte. El cráneo es ni más ni menos
que un objeto alquímico: una sublimada calavera de la materia orgánica y de base en la
materia de la riqueza y el glamour, pero también de una materia inmoral inhumana. El
cráneo de diamantes es una imagen, o más bien una forma de realización de la
fragilidad humana y la esperanza extrema”; así se refirió Brian Dillon en The Telegrafh
del dia 4 de abril de 2012

Hugues juzga esta obra como “una interesante obra de arte que es absurda” al
contrario de las personas que afirman que esta “refleja y subvierte la decadencia
moderna”. Eduardo Villar en su polémica publicación ¿Que tiene en común Leonardo y
Demian Hirst? Menciona “este trabajo de Damien Hirst, es un emblema de aquello en
que se ha convertido el arte; he visto con creciente asco la sobrevaloración del arte, la
inflación de precios y los efectos de todo”. Ya no se busca ese valor estético de la obra
sino, se convirtió en un icono del consumo de masas, el solo verla o estar en presencia
de la misma tiene más valor, que el trasfondo de la misma obra.

Hockney en la publicación El arte de Provocación: Demian Hirst del dia jueves 5 de

enero de 2012 menciona: “ difiero en cuanto la critica que la obra debe ser realizada
enteramente por el propio artista; a mi juicio lo más importante es el resultado, no el
proceso como afirman los conceptos y los medios empleados” en el caso de Demian
Hirst “ Aquí creo que ya no cabe la creación ni la emoción que requiere una obra de
arte que se aprecie, que nos da a entender que se desentiende con “su aburrimiento”
de esta emoción; el artista debe emocionarse y plasmarse estas
sensaciones”Posteriormente en ABC. Es. del día 10 de enero de 2012, Hockney se
negó haber criticado la forma de producción de Hirst, el solo establece “es un poco
insultante para los artistas” pero no hubo crítica alguna.

Serie spot painting

Estas obras consisten en una serie de puntos cromáticos con un orden armónico de
color, ubicados en una reticula formal. Hirst describe estas pinturas como un medio de
"la fijación de la alegría del color". De estas obras hay más de 1000 en existencia, que
data de 1986 a 2011, de las cuales muy pocas a pintado Damien, ya que utiliza
asistentes sumamente estrictos y delicados, que ayudan a que las obras parezcan
haber sido construidas mecánicamente, o por una persona que trata de pintar como
una máquina.

Para satisfacer la demanda, ​Hirst produce en cadena​. Aunque para ello ha dejado de
ser el único responsable del proceso de creación, es pore so que tiene todo un taller en
el que trabajan varias personas que le ayudan a hacer una cantidad incontable de
obras que se venden en cantidades absurdas.

En su exposición individual “The Complete Spot Paintings 1986-2011” en la Gagosian

Gallery, durante los meses de enero a marzo del 2012, expuso varias de las obras con
esta temática y el artista asegura que todos los problemas que había tenido
anteriormente con el color fueron desechados por el artistas tras estas obras.

Crítica y Argumentos
A diferencia de las obras anteriores, spot painting presenta más un crítica a la
realización de las obras, más que el significado de las mismas, o la polémica que estas
pudieran generar. En una entrevista realizada dia 12 de junio de 2012 al artista Demian
Hirst por parte de Reuters, periodista de The Telegrafh afirma “cada pintura tiene mi
ojo, mi mano y mi corazón. Pero yo controlo todos los aspectos, mas que diseñar y
ordenarlos por teléfono” “En lugar de pensar si un pintura es importante o intelectual, yo
quería una manera de utilizar el color en la pintura que no fuera de manera
expresionista, por lo que genere pinturas al contacto hechas por máquinas”

Pero parte de ese positivismo se ve opacado con un crítica hacia sus obras en el New
York Time el dia 12 de enero de 2012 por parte de Roberta Smith, quien menciona “es
una falta de imaginación, de modo burdamente comercial, el cual no es un verdadero
artista. Hirst es el post Warhol, post Barnum; es el empresario, estratega de relaciones
pública, diseñador gráfico y director de arte, que robo y desordenó las galerías, al
extremo de volver a la gente loca” “sorprende la falta de uniformidad, las variaciones de
tacto y acabado. Algunos son maravillosos pero otros no son realmente pinturas, son
solo extensiones de lugares inertes que pasan a ser colgadas en una galería”

A pesar de la fuerte crítica, sale a la luz lo positivo; “hasta cierto punto es interesante
ordenar a través de las obras de forma coherente los puntos y pulsarlos. En algunas
obras los colores son de rutina y son insípidos, pero en otros parecen realmente cantar,
formar un ritmo a pesar de repetirse. Su aleatoriedad y variedad simbolizan esa hecho
de no ser hecho por una sola persona, sino de diferentes mentes lo que lo hace
interesante”

In and Out Love (1991):

In and Out of Love (1991) es una instalación en donde las personas interactuan con
animals vivos y muertos, en este caso Mariposas. La pieza se se compone de dos
obras, un invernadero donde vuelan mariposas; en oposición a una serie de pinturas
con mariposas muertas.

La instalación fue descrita por Hirst como uno de sus trabajos más complicados
conceptualmente hasta la fecha. Él explica: "Es sobre el amor y el realismo, los sueños,
los ideales, los símbolos, la vida y la muerte. He trabajado muchas trayectorias posibles
para estas cosas, como la forma de la mariposa real puede destruir el ideal
(cumpleaños-card) clase de amor, el símbolo existe aparte de la cosa real. O las
mariposas sigue siendo bella, incluso cuando se mueren. Todas estas cosas están
completamente desestabilizada por una comparación Traté de hacer entre el arte y la
vida, en las instalaciones arriba y abajo, una locura hacer cuando al final todo es arte "
(Damien Hirst citado en 'Damien Hirst & Sophie Calle', 'Asuntos Internos' (Jay Jopling /
ICA, 1991)

Crítica y argumentos

Mariposas: “el conflicto entre la vida y la muerte así como la belleza y el horror son
realizados” menciona el artista.

Nuevamente en The Guardian sale a relucir una crítica un tanto contradictoria hacia el
artista con unas de sus polémicas obras. Esta vez Patrick Barckam el dia 18 de abril de
2012 menciona “siempre me han gustado las mariposas, y sobre todo, me gusta verlas
donde deben estar, volando a lo largo de los setos en la primavera o flotando a través
de un bosque en verano. Las mariposas muertas pueden ser macabras teniendo en
cuenta que dos tercios de las especies de mariposas están en extinción. Pero las
mariposas influyen en la estética y en el diseño; uniéndose a nuestra niñez de nuestra
conciencia creativa.” “La mariposas son símbolo de libertad, la encarnación de vivir la
vida al máximo; en muchas culturas representa el alma humana, representan el escape
y la muerte. Estas mariposas nos animo a reflexionar sobre cómo la vida es efímera
para cada insecto y para sus espectadores humanos”

A pesar de los aspectos casi positivos de la obra, los activistas de los derechos de los
animales fueron parte de una columna en el diario La Vanguardia del dia 15 de octubre
de 2012. Los activistas denuncian que las mariposas han sobrevivido pocas horas o
semanas, mientras que al aire libre pueden durar meses. Las mariposas “son bellas
partes de la naturaleza que deben ser disfrutadas en la libertad, en lugar de ser
destruidas por algo predecible y poco imaginativo” protesto un portavoz de Peta. Fuera
de protectoras de la vida silvestre, la obra no a presentando crítica de su fundamento.

In and Out of Love: Butterfly Room 2

Conclusión

Finalmente desde nuestra posición consideramos que Damien Hirst es un artista que
más que muerte basa su obra en la vida, cuestionando materiales, espacios y tiempos
de existencia.

Se vale sin duda del arte abyecto para provocar a las masas, lo cual le ha valido
críticas tanto positivas como negativas pero sobre todo le ha permitido ingresar al
mundo de la comunicación para dar a expandir su obra y su papel como artista.

Sin embargo, también consideramos que si bien su arte es de contenido relevante, la

manipulación de masas y la imposición de sus precios ante sus obras son
verdaderamente exagerados, lo que demuestra una posición de espectáculo en donde
el artista provoca para ser crítica, así ser promocionado y finalmente vender.

Bibliografía

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Hirst, Damien (2001) , On the Way to Work, Ediciones Faber and Faber.

Hirst, Damien & Calle, Sophie (1991) ​Asuntos Internos​, Jay Jopling / ICA.
-​ P
​ harmacy:
-​ Serie spot painting
​
In and Out of Love: Butterfly Room 2

In and Out of Love: Butterfly Room 1