La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la

definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación
coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía
y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música
ha ido evolucionando desde su origen en la Antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la
poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más
compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el
marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían
considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un producto cultural. El fin de este arte es
suscitar una experiencia estética en el oyente, y expresar sentimientos, emociones, circunstancias,
pensamientos o ideas. La música es un estímulo que afecta el campo perceptivo del individuo; así,
el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación,
ambientación, diversión, etc.).

Definición de la música:

Las definiciones parten desde el seno de las culturas, y así, el sentido de las expresiones musicales
se ve afectado por cuestiones psicológicas, sociales, culturales e históricas. De esta forma, surgen
múltiples y diversas definiciones que pueden ser válidas en el momento de expresar qué se
entienden por música. Ninguna, sin embargo, puede ser considerada como perfecta o absoluta.

Una definición bastante amplia determina que música es sonoridad organizada (según una
formulación perceptible, coherente y significativa). Esta definición parte de que —en aquello a lo
que consensualmente se puede denominar "música"— se pueden percibir ciertos patrones del
"flujo sonoro" en función de cómo las propiedades del sonido son aprendidas y procesadas por los
humanos (hay incluso quienes consideran que también por los animales).

Hoy en día es frecuente trabajar con un concepto de música basado en tres atributos esenciales:
que utiliza sonidos, que es un producto humano (y en este sentido, artificial) y que predomina la
función estética. Si tomáramos en cuenta solo los dos primeros elementos de la definición, nada
diferenciaría a la música del lenguaje. En cuanto a la función "estética", se trata de un punto
bastante discutible; así, por ejemplo, un "jingle" publicitario no deja de ser música por cumplir una
función no estética (tratar de vender una mercancía). Por otra parte, hablar de una función
"estética" presupone una idea de la música (y del arte en general) que funciona en forma
autónoma, ajena al funcionamiento de la sociedad, tal como la vemos en la teoría del arte del
filósofo Immanuel Kant.

Jean-Jacques Rousseau, autor de las voces musicales en L'Encyclopédie de Diderot, después

recogidas en su Dictionnaire de la Musique, la definió como el «arte de combinar los sonidos de
una manera agradable al oído».
Según el compositor Claude Debussy, la música es «un total de fuerzas dispersas expresadas en un
proceso sonoro que incluye: el instrumento, el instrumentista, el creador y su obra, un medio
propagador y un sistema receptor».

La definición más habitual en los manuales de música se parece bastante a esta: «la música es el
arte del bien combinar los sonidos en el tiempo». Esta definición no se detiene a explicar lo que es
el arte, y presupone que hay combinaciones "bien hechas" y otras que no lo son, lo que es por lo
menos discutible.

Algunos eruditos han definido y estudiado a la música como un conjunto de tonos ordenados de
manera horizontal (melodía) y vertical (armonía). Este orden o estructura que debe tener un grupo
de sonidos para ser llamados música está, por ejemplo, presente en las aseveraciones del filósofo
Alemán Goethe cuando la comparaba con la arquitectura, definiendo metafóricamente a la
arquitectura como "música congelada". La mayoría de los estudiosos coincide en el aspecto de la
estructura, es decir, en el hecho de que la música implica una organización; pero algunos teóricos
modernos difieren en que el resultado deba ser placentero o agradable.

Parámetros del sonido:

La música está compuesta por dos elementos básicos: los sonidos y los «silencios».

El sonido es la sensación percibida por el oído al recibir las variaciones de presión generadas por el
movimiento vibratorio de los cuerpos sonoros. Se transmite por el medio que los envuelve, que
generalmente es el aire de la atmósfera. La ausencia perceptible de sonido es el silencio, aunque
es una sensación relativa, ya que el silencio absoluto no se da en la naturaleza.

El sonido tiene cuatro parámetros fundamentales:

La altura es el resultado de la frecuencia que produce un cuerpo sonoro; es decir, de la cantidad

de ciclos de las vibraciones por segundo o de hercios (Hz) que se emiten. De acuerdo con esto se
pueden definir los sonidos como "graves" y "agudos". Cuanto mayor sea la frecuencia, más agudo
(o alto) será el sonido. La longitud de onda es la distancia medida en la dirección de propagación
de la onda, entre dos puntos cuyo estado de movimiento es idéntico; es decir, que alcanzan sus
máximos y mínimos en el mismo instante.

La duración corresponde al tiempo que duran las vibraciones que producen un sonido. La duración
del sonido está relacionada con el ritmo. La duración viene representada en la onda por los
segundos que esta contenga.

La intensidad es la fuerza con la que se produce un sonido; depende de la energía. La intensidad

viene representada en una onda por la amplitud.

El timbre es la cualidad que permite distinguir los diferentes instrumentos o voces a pesar de que
estén produciendo sonidos con la misma altura, duración e intensidad. Los sonidos que
escuchamos son complejos; es decir, son el resultado de un conjunto de sonidos simultáneos
(tonos, sobretonos y armónicos), pero que nosotros percibimos como uno (sonido fundamental).
El timbre depende de la cantidad de armónicos o la forma de la onda que tenga un sonido y de la
intensidad de cada uno de ellos, a lo cual se lo denomina espectro. El timbre se representa en una
onda por el dibujo. Un sonido puro, como la frecuencia fundamental o cada sobretono, se
representa con una onda sinusoidal, mientras que un sonido complejo es la suma de ondas
senoidales puras. El espectro es una sucesión de barras verticales repartidas a lo largo de un eje de
frecuencia y que representan a cada una de las senoides correspondientes a cada sobretono, y su
altura indica la cantidad que aporta cada una al sonido resultante.

Elementos de la música:

La organización coherente de los sonidos y los silencios (según una forma de percepción) nos da
los parámetros fundamentales de la música, que son la melodía, la armonía y el ritmo. La manera
en la que se definen y aplican estos principios, varían de una cultura a otra (también hay
variaciones temporales).

La melodía es un conjunto de sonidos —concebidos dentro de un ámbito sonoro particular— que

suenan sucesivamente uno después de otro (concepción horizontal), y que se percibe con
identidad y sentido propio. También los silencios forman parte de la estructura de la melodía,
poniendo pausas al "discurso melódico". El resultado es como una frase bien construida semántica
y gramaticalmente. Es discutible —en este sentido— si una secuencia dodecafónica podría ser
considerada una melodía o no. Cuando hay dos o más melodías simultáneas se denomina
contrapunto.

La armonía, bajo una concepción vertical de la sonoridad, y cuya unidad básica es el acorde o
tríada, regula la concordancia entre sonidos que suenan simultáneamente y su enlace con sonidos
vecinos.

La métrica, se refiere a la pauta de repetición a intervalos regulares, y en ciertas ocasiones

irregulares, de sonidos fuertes o débiles y silencios en una composición.

El ritmo, es el resultado final de los elementos anteriores, a veces con variaciones muy notorias,
pero en una muy general apreciación se trata de la capacidad de generar contraste en la música,
esto es provocado por las diferentes dinámicas, timbres, texturas y sonidos. En la práctica se
refiere a la acentuación del sonido y la distancia temporal que hay entre el comienzo y el fin del
mismo o, dicho de otra manera, su duración.

Otros parámetros de la música son: la forma musical, la textura musical y la instrumentación.

Cultura y música:

Buena parte de las culturas humanas tienen manifestaciones musicales. Algunas especies animales
también son capaces de producir sonidos en forma organizada; lo que define a la música de los
hombres, pues, no es tanto el ser una combinación "correcta" (o "armoniosa" o "bella") de sonidos
en el tiempo como el ser una práctica de los seres humanos dentro de un grupo social
determinado.

Independientemente de lo que las diversas prácticas musicales de diversos pueblos y culturas

tengan en común, es importante no perder de vista la diversidad en cuanto a los instrumentos
utilizados para producir música, en cuanto a las formas de emitir la voz, en cuanto a las formas de
tratar el ritmo y la melodía, y, sobre todo, en cuanto a la función que desempeña la música en las
diferentes sociedades: no es lo mismo la música que se escucha en una celebración religiosa, que
la música que se escucha en un anuncio publicitario, ni la que se baila en una discoteca. Tomando
en consideración las funciones que una música determinada desempeña en un contexto social
determinado podemos ser más precisos a la hora de definir las características comunes de la
música, y más respetuosos a la hora de acercarnos a las músicas que no son las de nuestra
sociedad.

La mayoría de las definiciones de música solo toman en cuenta algunas músicas producidas
durante determinado lapso en Occidente, creyendo que sus características son "universales", es
decir, comunes a todos los seres humanos de todas las culturas y de todos los tiempos[cita
requerida]. Muchos piensan que la música es un lenguaje "universal", puesto que varios de sus
elementos, como la melodía, el ritmo, y especialmente la armonía (relación entre las frecuencias
de las diversas notas de un acorde) son plausibles de explicaciones más o menos matemáticas, y
que los humanos en mayor o menor medida, estamos naturalmente capacitados para percibir
como bello. Quienes creen esto ignoran o soslayan la complejidad de los fenómenos culturales
humanos. Así, por ejemplo, se ha creído que la armonía es un hecho musical universal cuando en
realidad es exclusivo de la música de Occidente de los últimos siglos; o, peor aún, se ha creído que
la armonía es privativa de la cultura occidental[cita requerida] porque representa un estadio más
"avanzado" o "superior" de la "evolución" de la música.

Otro de los fenómenos más singulares de las sociedades occidentales (u occidentalizadas) es la

compleja división del trabajo de la que es objeto la práctica musical. Así, por ejemplo, muchas
veces es uno quien compone la música, otro quien la ejecuta, y otro tercero quien cobra las
regalías. La idea de que quien crea la música es otra persona distinta de quien la ejecuta, así como
la idea de que quien escucha la música no está presente en el mismo espacio físico en donde se
produce es solamente posible en la sociedad occidental de hace algunos siglos; lo más común (es
decir, lo más "universal") es que creador e intérprete sean la misma persona.

La notación musical occidental:

Desde la antigua Grecia (en lo que respecta a música occidental) existen formas de notación
musical. Sin embargo, es a partir de la música de la edad media (principalmente canto gregoriano)
que se comienza a emplear el sistema de notación musical que evolucionaría al actual. En el
Renacimiento cristalizó con los rasgos más o menos definitivos con que lo conocemos hoy, aunque
-como todo lenguaje- ha ido variando según las necesidades expresivas de los usuarios.
El sistema se basa en dos ejes: uno horizontal, que representa gráficamente el transcurrir del
tiempo, y otro vertical que representa gráficamente la altura del sonido. Las alturas se leen en
relación a un pentagrama (un conjunto de cinco líneas horizontales) que al comienzo tiene una
"clave" que tiene la función de atribuir a una de las líneas del pentagrama una determinada nota
musical. En un pentagrama encabezado por la clave de Sol en segunda línea nosotros leeremos
como sol el sonido que se escribe en la segunda línea (contando desde abajo), como el sonido que
se escribe en el espacio entre la segunda y la tercera líneas, como si el sonido en la tercera línea,
etc. Para los sonidos que quedan fuera de la clave se escriben líneas adicionales. Las claves más
usadas son las de Do en tercera línea (clave que toma como referencia al Do de 261,63 Hz, el Do
central del piano), la de Sol en segunda (que se refiere al Sol que está una quinta por encima del
Do central), y la de Fa en cuarta (referida al Fa que está una quinta por debajo del Do central).

El discurso musical está dividido en unidades iguales de tiempo llamadas compases: cada línea
vertical que atraviesa el pentagrama marca el final de un compás y el comienzo del siguiente. Al
comienzo del pentagrama habrá una fracción con dos números; el número de arriba indica la
cantidad de tiempos que tiene cada compás; el número de abajo nos indica cuál será la unidad de
tiempo.

Para escribir las duraciones se utiliza un sistema de figuras: la redonda (representada como un
círculo blanco), la blanca (un círculo blanco con un palito vertical llamado plica), la negra (igual que
la blanca pero con un círculo negro), la corchea (igual que la negra pero con un palito horizontal
que comienza en la punta de la plica), la semicorchea (igual que la corchea pero con dos palitos
horizontales), etc.. Cada una vale la mitad de su antecesora: la blanca vale la mitad que una
redonda y el doble que una negra, etc..

Las figuras son duraciones relativas; para saber qué figura es la unidad de tiempo en determinada
partitura, debemos fijarnos en el número inferior de la indicación del compás: si es 1, cada
redonda corresponderá a un tiempo; si es 2, cada blanca corresponderá a un tiempo; si es 4, cada
tiempo será representado por una negra, etc.. Así, una partitura encabezada por un 3/4 estará
dividida en compases en los que entren tres negras (o seis corcheas, o una negra y cuatro
corcheas, etc.); un compás de 4/8 tendrá cuatro tiempos, cada uno de ellos representados por una
corchea, etc.

Para representar los silencios, el sistema posee otros signos que representan un silencio de
redonda, de blanca, etc...

Como se ve, las duraciones están establecidas según una relación binaria (doble o mitad), lo que
no prevé la subdivisión por tres, que será indicada con "tresillos". Cuando se desea que a una nota
o silencio se le agregue la mitad de su duración, se le coloca un punto a la derecha (puntillo).
Cuando se desea que la nota dure, además de su valor, otro determinado valor, se escriben dos
notas y se las une por medio de una línea arqueada llamada ligadura de prolongación.

En general, las incapacidades del sistema son subsanadas apelando a palabras escritas más o
menos convencionales, generalmente en italiano. Así, por ejemplo, las intensidades se indican
mediante el uso de una f (forte, fuerte) o una p (piano, suave), o varias efes y pes juntas. La
velocidad de los pulsos se indica con palabras al comienzo de la partitura que son, en orden de
velocidad: largo, lento, adagio, moderato, andante, allegro, presto.

Beneficios de la música a nivel psicológico y neurológico:

La práctica de la ejecución musical sobre la base de un instrumento, promueve un mejor

rendimiento a nivel cerebral. Las lecciones musicales activan a ambos hemisferios cerebrales. Por
esta actividad, la concentración, memoria y disciplina de un estudiante se ven a duelo a
ejercitarse, y este ejercicio suele mejorar la capacidad de las aptitudes mencionadas. En el
momento en el que el cerebro se ve retado a dividirse en varias funciones que requieren
concentración y precisión, como al tocar instrumentos ya sea piano, guitarra, violín, contrabajo,
entre otros, mejora sus funciones. Estudios realizados por la Universidad de Harvard y la
Universidad de California han comprobado que la práctica de instrumentos musicales hace que los
dos hemisferios cerebrales formen nuevas conexiones, cuya realización produce que el cerebro
tenga un mejor rendimiento en los campos de la concentración, memoria y aprendizaje. El
legendario científico español de la neurociencia moderna, Santiago Ramón y Cajal, descubrió que
la única actividad que hacía más conexiones en las células cerebrales era tocar el piano, ya que en
este instrumento se emplea cada dedo en una tecla distinta, enfocándose cada mano en distintos
ritmos y velocidades, y en adición, los pies, que también tienen una importante función al
utilizarse los pedales.

A nivel mental, también se denomina muy útil la teoría musical para facilitar el aprendizaje en
otros idiomas. Características importantes de la música, como el tono, el timbre, la intensidad y el
ritmo, tienen mucho que ver con las variaciones del habla de los distintos idiomas. Cada uno de
estos tiene un acento distinto, y en la música descubrimos los diversos tonos, timbres, y ritmos
que se podrían acoplar a los diferentes idiomas.

4. Indicé <Que es la Música? Tipos de la música <Música Clásica >Instrumental >Música Jazz
>Música Blues >Música Rock and Roll >Música Rap >Música Hip-Hop >Música Reggae >Música
Mambo >Música Chachachá >Música Techno >Música Cumbia >Música Salsa >Música Merengue
>Música Ranchera >Música Duranguense >Música Banda >Música Bachata >Música Reggaetón
>Música Pop >Música Trance

6. Los Tipos de música y su emoción o respuesta correspondiente puede variar según la edad,
etnia, cultura y sexo. Por ejemplo, en Estados Unidos la música rock la escuchan preferentemente
varones blancos, mientras que los varones adolescentes de color tienden a preferir a los grupos de
rap o soul.

Hay numerosos tipos de música, entre otros: alternativa, clásica, folclórica, heavy-metal, jazz, rap,
rock, pop, electrónica, salsa, grunge, house, techno...

Es interesante conocer que desde 1985 las compañías de discos se han adherido a indicar
mediante tarjetas en las que se previenen a los padres de los contenidos de los textos, discos,
cintas, cd...que se consideren violentos, con letras de contenido sexual explícito o que pueden ser
ofensivas.

A continuación algunos ejemplos:

7Música instrumental (o sólo Instrumental) es, en oposición a una canción, una composición
musical o pieza sin letra u otra suerte de música vocal; toda la música es producida por
instrumentos musicales. Éstos incluyen cualesquiera del orden de los de cuerda, madera, metal y
percusión.

Específicamente, Instrumental es usado cuando se refiere a la música popular; algunos géneros

musicales hacen poco uso de la voz humana, tales como el jazz, la música electrónica, y gran
cantidad de la clásica. En música comercial, algunas pistas de un álbum incluyen pistas
instrumentales. Estas pistas son entonces copias exactas de la canción correspondiente, pero sin la
parte vocal o cantada.

En música clásica, la música instrumental se define por oposición a la música vocal. Ya desde el
canto gregoriano hasta el renacimiento, la música vocal dominó todas las formas posibles de
música, relegando la instrumental generalmente a la danza y a realizar introducciones a la vocal;
desde el barroco la música instrumental experimentó el gran desarrollo que posibilitó todas las
formas y géneros exclusivamente instrumentales, además del gran virtuosismo instrumental y el
afianzamiento de conjuntos instrumentales desde pequeños (dúos, cuarteto de cuerdas) hasta la
orquesta.

8. La música Clásica comienza aproximadamente en 1750 (muerte de J.S. Bach) y termina en 1820
aproximadamente. La música Clásica propiamente dicha coincide con la época llamada clasicismo,
que en otras artes se trató del redescubrimiento y copia de los clásicos del arte greco romano, que
era considerado tradicional e ideal.

En la música no existió un clasicismo original, ya que no había quedado escrita ninguna música de
la época griega o romana. La música del clasicismo evoluciona hacia una música extremadamente
equilibrada entre armonía y melodía.

Sus principales exponentes son Haydn, Mozart y el primer Beethoven, ya que en su segunda época
se volvió más romántico.

9. La Música Jazz es un estilo musical que nace a finales del siglo XIX en Estados Unidos y que se
extiende de forma global a lo largo de todo siglo XX.

La Historia del Jazz se caracteriza por dos rasgos fundamentales:

Por su constante asimilación de otras tendencias musicales estilística o culturalmente ajenas a él;
por otro, por su capacidad de generar otros estilos musicales como el rock and roll, que
terminarán por evolucionar de forma independiente al Jazz.
Por la sucesión de forma interrumpida de un numeroso conjunto de subestilos que vistos en
perspectiva, manifiestan entre algunos de ellos enormes diferencias musicales.

10. La Música Blues es un estilo musical vocal instrumental, basado en la utilización de notas de
blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases.

En Estados Unidos se desarrolló en las comunidades afroamericanas, a través de los espirituales,

canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas
narradas y gritos de campo.

La utilización de las notas de blues y la importancia de los patrones de llamadas y respuesta, tanto
en la música como en las letras son indicativos de la herencia africana-occidental en general,
llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues,
rock and roll, hip-hop, música country y canciones pop.

11. La Música Rock and Roll (o rocanrol en algunos lugares) emergió como un estilo musical
definido en Estados Unidos en la década de 1950, algunos elementos del rock and roll pueden ser
escuchados en las grabaciones de blues tan lejanas como de los años 1920. Los inicios del rock and
roll combina elementos del blues, boogie woogie, y jazz con influencias de la música folclórica
Apalache, góspel, country y western especializado.

Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su
grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con” Crazy Man Crazy” (1954) y su gran
éxito “Rock Around The Clock” (1955), que tanta influencia tendría en John Lennon. Otros
consideran como creador a Little Richard o a Elvis Presley y eligen también como fecha del
comienzo del rock and roll el 1954, año en el que Presley editó su primer disco.

Cada uno de sus subgéneros puede mezclarse sutilmente entre sí y pueden además recoger
elementos de cada una de sus sub-ideologías, lo que hace al rock una cultura variada y rica en
pensamientos y sonidos. Este movimiento implica actitud, compromiso y radicalidad, lo que lo
hace más que una simple opinión, un estilo de vida, una razón.

12. La Música rap (también conocido como emceeing) es un tipo de Sprechgesang o recitación
rítmica de rimas, juegos de palabras y poesía surgido a mediados del siglo XX entre la comunidad
negra de los Estados Unidos de América.

Es uno de los cuatro pilares fundamentales de la cultura hip-hop, de ahí que a menudo también se
lo llame metódicamente (y de forma imprecisa) hip hop. Aunque puede interpretarse a capella, el
rap va normalmente acompañado por un fondo musical rítmico conocido con la voz inglesa beat.
Los intérpretes de rap son los MC’ sigla en inglés de “maestro de ceremonias”. La palabra
polisémica “rap”-raep-aparece en el inglés británico durante el siglo XVI y a partir del XVIII y se
emplea como sinónimo del verbo “decir”. A mediados del siglo XX se comienza a utilizar como
equivalente “conversar” en el dialecto del inglés hablado por los afroamericanos de Estados
Unidos y de ahí pasa a usarse para designar al estilo musical.
En ocasiones se propone también como etimología alternativa que la palabra se trata de un
acrónimo de Rhythm and Poetry “ritmo y poesía”) o incluso un apócope de rapid (“rápido”).

13. La Música hip hop es un movimiento artístico y cultural que surgió en Estados Unidos a finales
de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares
neoyorquinos como Bronx, Queens y Brooklyn, desde el principio se destacaron manifestaciones
características de los orígenes del hip hop; por ejemplo, la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile
(hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political
graffiti).

14. La Música reggae es un género musical de origen jamaicano. El término reggae algunas veces
se usa para referirse a la mayoría de los ritmos típicos de Jamaica, incluyendo ska, rocksteady y
dub. Con reggae se denomina más a un estilo particular que se originó después del desarrollo del
rocksteady. En este sentido, el reggae incluye tres sub-géneros: el Skinhead Reggae, el roots
reggae y el dancehall.

El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de raggamuffin, que
en inglés significa literalmente harapiento. Este topónimo se usó para designar a los pobres de
Jamaica, y también a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Actualmente
se llama generalmente ragga o raggamuffin a algunos subestilos del reggae. Otras fuentes señalan
que el término reggae proviene de una canción de The Maytals, llamada “Do the reggay”, en la
que la palabra “reggay” significaría “regular”, es decir, gente común y corriente. Actualmente está
muy difundido por todo el mundo e inclusive habitantes de varias islas vecinas como la isla de San
Andrés y la de Providencia, en Colombia, lo interpretan como música propia.

El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de
fondo tocada por la batería rítmica, conocida como “Beat”, y la batería, que se toca en el tercer
tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae
como el ska y el rocksteady.

15. La Música mambo es un baile originario de África y desarrollado en Cuba el cual se convirtió en
uno de los estilos musicales latinoamericanos más populares a mediados de la década de 1780.

El mambo se baila en tríos siguiendo un ritmo sincopado, mezcla de música africana,

hispanoamericana y jazz. Otro de los principales motivos de su inicialización es por crear un tipo
de nueva música y con ello de nuevo baile. Se caracteriza por presentar un tiempo de silencio en
cada compás, que se representa con una pausa en el movimiento de los bailarines con el fin de
acentuar la síncopa (desplazamiento del acento rítmico del tiempo fuerte al tiempo débil del
compás).

En la actualidad es uno de los ritmos latinos que se enseñan en clases de Baile de Salón.

16. La Música chachachá es un género musical originario de Cuba creado a partir del Danzón por el
compositor y violinista Enrique Jorrín en 1953.
Los danzones eran interpretados tan solo por instrumentos, mientras que Jorrín le introdujo las
voces de los músicos cantando a coro para darle más potencia. Este estilo gustó a los que bailaban,
que ahora podían improvisar más e inventaron nuevas figuras. Durante sus primeros años como
compositor, Jorrín sólo componía danzones, respetando sus cánones musicales, pero poco a poco
fue modificando algunas de sus partes. Estos fragmentos modificados gustaron tanto al público
que decidió independizarlos del danzón hasta llegar a lo que él llamó chachachá

17. La Música techno (o tecno) es un género musical de música electrónica que se caracteriza por
el compás de 4/4, cuyos tiempos (negras) son marcados por un bombo (habitualmente llamado
kick o bassdrum), y la consecuente utilización de instrumentos electrónicos, como sintetizadores y
samplers. A diferencia de otros géneros como el electro pop, el techno no utiliza la estructura de
una canción, sino que es estructurado de manera repetitiva, para maximizar el efecto bailable de
la música.

Junto con el house, que es semejante al techno en muchos aspectos pero generalmente más lento
y con mayor influencia del funk, el techno es uno de los estilos de música electrónica más
populares. Su origen generalmente se lo ubica en Detroit a principios de los años 80, aunque los
antecedentes se pueden remontar hasta fines de los años 60.

18. La Música Cumbia es un estilo de música tradicional de Colombia y Panamá, y un baile popular
de distintos países latinoamericanos. La etimología del vocablo es muy controvertida, sin embargo,
la hipótesis más generalmente aceptada sobre su origen es que el término es de origen bantú y
deriva de cumbé, ritmo y danza de la zona de bata, en Guinea Ecuatorial.

19. La Música Salsa es un género de música afro caribeña latinoamericana, que surgió en New
York. Fue creado por inmigrantes latinoamericanos, especialmente de Cuba, Puerto Rico y
República Dominicana, que en los años sesenta mezclaron ritmos tradicionales latinos con
elementos del jazz según el ejemplo del mambo y del chachachá, con lo que dieron fondo de la
música con varios tipos de instrumentos de percusión, el estilo salsa es la principal música tocada
en los clubes latinos y es el “pulso esencial de la música latina”, de acuerdo con el autor Ed
Morales. Y cuya figura precursora fue, el dominicano Johnny Pacheco al crear la pauta a seguir con
su empresa, Fania Records.

20. La Música Merengue es un estilo musical y de baile originado en el caribe, específicamente en

la República Dominicana a fines del siglo XIX.

En sus orígenes, el merengue era interpretado con guitarras. Años más tarde, las guitarras fueron
sustituidas por el acordeón conformándose, junto con la güira y la tambora, la estructura
instrumental del conjunto de merengue típico.

Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que
conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar
representada por el acordeón, la africana por la tambora (tambor de dos parches), y la taína o
aborigen por la güira.
Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la Línea
Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo
fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos
instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas secciones
de vientos. Este ritmo ha tenido actores notables como Luis Alberti, Johnny Ventura, Félix del
Rosario, Wilfrido Vargas, Olga Tañón, y Juan Luis Guerra.

21. La Música Ranchera es un género musical popular de la música mexicana. Sus orígenes datan
del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de
1910 y se convirtió en el ícono de la expresión popular de México, un símbolo del país, que fue
difundo con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano
de las décadas de 1940, 1950 y 1960, causando profundo arraigo entre los sectores populares y
medios.

Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional,

una de cuyas características consiste en sostener largamente una nota al final de una estrofa o
línea, culminando en una “terminación fundida”.

En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la
Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias
amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y
como sucede con todo ritmo que se “internacionaliza” su capacidad para contar historias
populares se ha debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.

Las rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música
latinoamericana, evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista
internacional.

Representantes famosos del género han sido por ejemplo Jorge Negrete, Pedro Infante, Tito
Guízar, José Alfredo Jiménez, Javier Solís, Antonio Aguilar (años 30-60) y en las décadas de 1970-90
Vicente Fernández, su hijo Alejandro Fernández, Juan Gabriel, Pedro Fernández y Pepe Aguilar.
Entre las damas, se destacan Lucha Reyes, Lola Beltrán, Flor Silvestre, Lucha Villa, Amalia Mendoza
“La Tariácuri”, María de Lourdes, Chavela Vargas, Ana Gabriel y la cantante española más
mexicana Rocío Dúrcal.

22. La Música Duranguense también conocido como el pasito duranguense es un género de

música que tiene sus orígenes en el estado de Durango en México. Es uno de los estilos musicales
más populares entre las comunidades México-estadounidenses.

El género duranguense está muy relacionado con la música de Banda y norteña mexicanas.
Algunas veces se hace referencia a los conjuntos de pasito duranguense como bandas, aunque su
estilo musical, sin embargo, es distinto y tiene varias características que lo diferencian de los dos
géneros mencionados. En primer lugar, los conjuntos de pasito duranguense tienen muchos
menos integrantes que los de banda y algunos más que los de música norteña. Además, el ritmo
es notoriamente más rápido que el de la música norteña y depende considerablemente de
percusiones. Cualquier canción de pasito duranguense tendrá muy probablemente fuertes
redobles y sonoras percusiones.

Aunque este estilo musical probablemente se originó en Durango décadas atrás, no fue sino hasta
la primera década del siglo XXI que se volvió tan popular como la música norteña y de banda, si no
es que más. El Grupo Montéz de Durango, uno de sus más conocidos exponentes, han alcanzado
los primeros lugares de las listas de popularidad de música latina en EE.UU. Su disco De Durango a
Chicago fue uno de los más vendidos y en Chicago alcanzó la categoría de Top 10 music bestseller
en Amazon.com. Canciones como Como Pude Enamorarme de Ti y No Aprendí a Olvidar, ambas de
Patrulla 81, fueron también éxitos notables en la radio mexicana.

Se originó en Durango, un estado del noroeste mexicano (de ahí su nombre). Sin embargo, debido
a que en el área metropolitana de Chicago, Illinois existe una comunidad grande de inmigrantes
procedentes de Durango, el pasito duranguense es más popular en ese lugar. Muchos de los
conjuntos de pasito duranguense fueron fundados en Chicago por inmigrantes procedentes de
Santiago Papasquiaro, Guanaceví, Canatlán, Tepehuanes, Santa María del Oro y la ciudad de
Durango (la capital del estado). Y extendiéndose así hasta rebasar todo tipo de fronteras siendo
agrupaciones como “Picudos Duranguenses” el primer grupo de este género en llegar a otros
países como Costa Rica, Perú, Venezuela y algunos más.

Tiempo después con la repatriación y la emigración proliferaron grupos a ambos lados de la

frontera, tanto en Chicago como en Durango, fusionando ya el tipo de música y el tipo de baile
como uno solo.

23. La Música Banda sinaloense es un género musical tradicional surgida a finales de los años 30
en el Estado de Sinaloa en la región occidental de México. Se caracteriza por la presencia
predominante de instrumentos de viento y por un repertorio de origen europeo en el que
predominan los corridos, polkas, valses, mazurcas y chotis, todo adaptado a la sensibilidad de los
habitantes de esta región de México y con clara influencia de las Big Bands norteamericanas.

Las primeras grabaciones con Banda sinaloense datan de principios de los años 50 y fueron
realizadas por Los Guamuchileños y por la Banda El Recodo. Pero estos primeros registros eran
solamente instrumentales pues para cantar con Banda sinaloense en los años 40-60 era necesaria
una voz potente y educada como la de Luis Pérez Meza.

Fue hasta después de los años 80 -a la muerte del Trovador del Campo-, que surgió una nueva
generación de cantantes quienes, apoyados por modernos recursos tecnológicos, dieron un nuevo
impulso a la Banda sinaloense, para entonces ya conocida en todo México y el sur de Estados
Unidos: entre ellos se puede mencionar a Antonio Aguilar y al Gallo Elizalde.

Con el tiempo, el género Banda sinaloense se ha ido combinando con otros géneros musicales a
través ya sea de su fusión rítmica o lírica, con géneros como el bolero, Ranchera, Mariachi,
Norteña, Pop y Cumbia. A finales de los años 80`s surgió la Technobanda, que prescindía de
algunos instrumentos tradicionales (trompetas, trombones, percusiones, batería) para reproducir
electrónicamente un sonido similar. Destacan en esta época agrupaciones como Banda Vaqueros
Musical, Banda Machos, Banda Zeta, Banda Maguey, Banda Jabalí, Students Band, etc. que
popularizaron un ritmo llamado “Quebradita” como fusión de cumbia y cumbión con Banda
sinaloense. Sin embargo no dejaron de compartir público con las Bandas de instrumentación
original como la Banda El Recodo de Cruz Lizárraga, la original Banda El Limón, La Costeña, y otras.
Se dice que entre los desarrolladores de este género fueron entre Banda La Mentira, Banda Móvil
y Banda Camino.

De esta época proviene la tercera generación de cantantes reconocidos por acompañar su voz con
Banda Sinaloense aunque su repertorio está definido más bien por exigencias mercadotécnicas:
José Ángel Ledezma 'El Coyote' y su Banda Tierra Santa, Valentín Elizalde, Julio Preciado y su Banda
Perla del Pacífico, y Lupillo Rivera, todos dentro de un género musical ambiguo que abarca a
grupos norteños, bandas sinaloenses, techno bandas y grupos duranguenses: el género grupero.

24. La Música Bachata es un ritmo bailable originario de República Dominicana. Se considera un

híbrido del bolero (sobre todo, el bolero rítmico) con otras influencias musicales de origen africano
y con otros estilos como el son, el merengue, el chachachá y el tango.

En el pasado reciente, era desdeñada como música de las clases pobres y era conocida como
“música de amargue”. Apenas era escuchada en las estaciones de radio (con excepción de unas
pocas). Pero el interés surgió a partir de los años 80, con la expansión de los medios masivos de
comunicación, con el auge del turismo, y con el esfuerzo de algunos compositores que vieron que
había surgido un género diferenciado de expresión de lo popular. Autores como Juan Luis Guerra y
Víctor Víctor en los años 90 y de Luis Días desde los 80, aportaron una visión diferente que
articulaba esta expresión musical con lo urbano marginal. La expansión del turismo en República
Dominicana a partir de los 80, le hizo ganar popularidad, y la convirtió en un género que ha
penetrado todos los estratos y espacios del país e internacionalmente.

El llamado bolero rítmico latinoamericano de los años 30 al 50, penetró en el gusto popular de los
dominicanos. Estos boleros se mezclaron con otras expresiones latinoamericanas que fueron muy
populares en los años 50 en Dominicana (el corrido mexicano, el huapango, el bolero cubano, el
pasillo, el vals peruano, entre otros), y fue el cante de autores y cantantes como Julio Jaramillo y
Olimpo Cárdenas (de Ecuador); Paquitín Soto, Odilio González (El Jibarito de Lares), el Gallito de
Manatí, José Antonio Salamán, Felipe Rodríguez y Daniel Santos (de Puerto Rico); Rolando Laserie,
Bienvenido Granda, Orlando Contreras, Celio González, Orlando Vallejo y Antonio Machín (de
Cuba); Guty Cárdenas, Luis y Tony Aguilar, y Cuco Sánchez (de México); y Felipe Pirela (de
Venezuela) quienes inspiraron a músicos populares como José Manuel Calderón (músico),Tommy
Figueroa , Inocencio Cruz, y Rafael Encarnación, para articular una expresión propia de la
República Dominicana a partir los años 1960.

25. La Música Reggaetón es un género musical variante del raggamuffin, que a su vez desciende
del reggae jamaiquino, influenciado por el hip-hop de las zonas de Miami, Los Ángeles y Nueva
York Latino. Las particularidades del reggaetón son sus letras en las hablas locales del español y su
influencia de otros estilos latinos, como la bomba y la salsa. Nace a partir de las fiestas en las que
el Dj pinchaba la cara B instrumentales de los vinilos de reggae poniéndolos a 45 bpm en vez de
30, haciéndolos más movidos para bailarlos.

26. La música pop es un género musical que, al margen de la instrumentación y tecnología

aplicada para su creación, conserva la estructura formal “verso - estribillo – verso”, ejecutada de
un modo sencillo, melódico, pegadizo, y normalmente asimilable para el gran público. Sus grandes
diferencias con otros géneros musicales están en las voces melódicas y claras en primer plano y
percusiones lineales y repetidas. Empezó en el siglo XX en Inglaterra, en la década de los 60.

Históricamente, la expresión “música pop” no era entendida como un género musical con
características musicales concretas. Lo catalogado como música “Pop”, apócope de “música
popular”, era entendida como lo contrario a la música de culto, a la música clásica. Bajo esta
definición entraban géneros como, el funky el folk o incluso el jazz. El pop era entendido como ese
gran grupo de música para la gente de escasa cultura musical. Con el tiempo, el pop ha ido
ganándose su acepción como género musical independiente, librándose, además, del sentido
peyorativo y negativo al que se le vinculaba.

El pop, recibe el nombre de música popular, es el género musical más extendido entre la cultura
juvenil de principios del siglo XXI. Dejando atrás al género rock, aunque éste tenga muchos
seguidores y haya servido de influencia, sea directa o indirecta, a muchos intérpretes o grupos de
música pop. También podemos decir que dentro del amplísimo género del rock existen intérpretes
y bandas que en cierto momento suelen ser considerados música pop.

A pesar de ser un género absolutamente híbrido (noise-pop, Britpop, electro-pop, tweed pop), las
clasificaciones más conocidas y aceptadas son: indie pop y pop comercial; pop electrónico y pop
tradicional. La proliferación del pop y sus múltiples subgéneros hace imposible que estas
clasificaciones representen divisiones puras.

27. La Música Trance El trance es un género de la música electrónica, compuesto por sonidos
sintéticos, acordes largos con progresión larga, atmósferas envolventes, arpegios, en ocasiones
sonidos ácidos, base rítmica de percusión, graves redondos y melodías muy elaboradas.

Existen 3 teorías o tres focos principales de inicio: uno de ellos sería una evolución del ambient
house de Ibiza; otra teoría seria colocar sus inicios en Frankfurt y Berlín, en el contexto de la caída
del muro de Berlín; otros opinan que la escena procede de la IDM. Lo único claro es que se trata
de un género postrave.

Suele tener una frecuencia de percusión mayor de 130 BPM, las melodías son largas y evolucionan
a lo largo del tiempo. Es habitual la polifonía.

En la composición de este estilo de música se suelen utilizar diversos efectos acústicos, como el
eco, la reverberación, el flanger, el delay y el filtrado. Estos efectos son aplicados a los acordes, a
la melodía, a la percusión y, en general, a todas las secuencias musicales que puede tener una
composición de música electrónica.
El trance tiene varias ramas, entre ellas está el progressive trance, este es un subgénero con
ritmos y plugs más lentos que el trance puro, se caracteriza por tener progresiones y percusiones
constantes; en la mayoría del progressive trance el beat o bombo que utiliza es tomado del
psytrance, también conocido como goa trance. Otras ramas del trance son el uplifting trance, que
actualmente es el que más nos recuerda a los sonidos enérgicos de la época de finales de los 90,
con artistas como Above & Beyond, Stoneface & Terminal, Aly & Fila, Menno de Jong.

También existen ramas más fuertes como el hard trance y el tech trance, básicamente el hard
trance es una rama con percusión muy ruda, melodías que pueden ser muy llamativas y de tipo
club, bajos chispeantes y rudos. En cambio, el tech trance se caracteriza por presentar una
percusión muy bien trabajada y melodías eufóricas, que causan presencia en una pista de baile.
Sus iniciadores son Nic Chagall y DJ Bosi, conocidos como el dúo Cosmic Gate. Otros artistas de
esta misma corriente son Martin Röth, Jesselyn, Vadim Zhukov, etc. Otras ramas del trance son el
acid trance, caracterizado por sonidos trance con melodías ácidas y con efectos de filtrado y delay.
Su representante más conocido es Kai Tracid. El goa trance o psytrance, con sonidos muy
psicodélicos y penetrantes, existen varios artistas reconocidos como Astral Projection,
Protoculture, 1200 Micrograms e Infected Mushroom.

Cabe mencionar que los inicios del trance se remontan también con el inicio del psytrance, con sus
padres iniciales electrónicos Jean Michel Jarre, Sven Väth, etc.