Historia Clarooscuro

El claroscuro es una técnica de pintura al óleo, desarrollada durante el Renacimiento, que usa
fuertes contrastes tonales entre la luz y la oscuridad para modelar formas tridimensionales, a
menudo con un efecto dramático. El principio subyacente es que la solidez de la forma se logra
mejor con la luz que cae contra ella. Los artistas conocidos por desarrollar la técnica incluyen a
Leonardo da Vinci, Caravaggio y Rembrandt. Es un pilar de la fotografía en blanco y negro y de bajo
perfil.
Claroscuro, en una imagen de dos dimensiones, tal como una pared, un panel, una pintura, papel de
impresión fotográfica, da la ilusión de profundidad, volúmenes en imitando los efectos producidos por
la luz en estos volúmenes en el espacio real. El modelado, esta representación de los volúmenes
que se pueden hacer por otros medios que por el claroscuro, como fue el caso en la Edad Media.
Con el claroscuro, las partes más o menos iluminadas son claras o están a la sombra. Dependiendo
de la superficie iluminada, lisa o angulares, y si la luz es más suave o más brillante si la sombra es
más profundo o más intensos contrastes, claroscuros produce transiciones imperceptibles, más
nítida o brutal y disparos yuxtapuestos, el brillo general puede ser claro u oscuro. Esto es, en
general, para hacer gradaciones oscuras en un medio más o menos clara, pero a veces, por el
contrario, para los colores claros en un sustrato oscuro. Por lo tanto, este proceso es diferente de
una imagen obtenida por el contorno o la silueta.
El proceso de la pintura claroscuro se practicaba en la antigua Grecia, al menos al final del siglo IV
antes de Cristo, con la pintura helenística. El claroscuro se utiliza nuevamente con precisión desde
los comienzos del Renacimiento. Pero fue Le Caravage que desarrollará la práctica, tanto en las
artes del dibujo, la escritura o la pintura. Desde la década de 1840, la fotografía ofrece a los artistas
nuevas formas de utilizar el claroscuro en “blanco y negro”, a continuación, en el color. Por
extensión, la naturaleza de un espacio más o menos bien iluminada, cine o el teatro, puede dar la
oportunidad de trabajar en el claroscuro, como cuando los selecciona pintor o fotógrafo y compone el
espacio que desea reproducir o crear
El claroscuro se originó durante el Renacimiento como el dibujo en papel de color, donde el artista
trabajó desde el tono de la base del papel hacia la luz con gouache blanco, y hacia la oscuridad con
tinta, cuerpo o acuarela. A su vez, se basaron en las tradiciones de los manuscritos iluminados que
se remontan a los manuscritos tardorromanos imperiales sobre la vitela teñida de púrpura. Tales
obras solían llamarse “dibujos de claroscuro”, pero se describen con más frecuencia en la
terminología moderna de los museos con fórmulas tales como “pluma sobre papel preparado,
realzada con un cuerpo de color blanco”. Las xilografías de claroscuro comenzaron como imitaciones
de esta técnica. Cuando se habla de arte italiano, el término a veces se usa para referirse a
imágenes pintadas en monocromo o en dos colores, más conocido generalmente en inglés por el
equivalente francés, grisaille. El término se amplió en significado desde el principio para cubrir todos
los fuertes contrastes en la iluminación entre las áreas claras y oscuras en el arte, que ahora es el
significado principal.
El uso más técnico del término claroscuro es el efecto del modelado de luz en pintura, dibujo o
grabado, donde el volumen tridimensional es sugerido por el valor gradación del color y la división
analítica de formas de luz y sombra, a menudo llamado “sombreado” . La invención de estos efectos
en Occidente, “skiagraphia” o “pintura de sombras” para los antiguos griegos, se atribuyó
tradicionalmente al famoso pintor ateniense del siglo V aC, Apolodoro. Aunque pocas pinturas
griegas antiguas sobreviven, su comprensión del efecto del modelado de la luz aún puede verse en
los mosaicos de Pella, Macedonia, de finales del siglo IV aC, en particular el Mosaico de la caza del
ciervo, en la Casa del rapto de Helena, inscrita gnosis epoesen, o ‘el conocimiento lo hizo’.
La técnica también sobrevivió en forma estandarizada bastante burda en el arte bizantino y se refinó
de nuevo en la Edad Media para convertirse en estándar a principios del siglo XV en pintura e
iluminación manuscrita en Italia y Flandes, y luego se extendió a todo el arte occidental.
La pintura de Rafael ilustrada, con luz proveniente de la izquierda, muestra un delicado claroscuro
modelado para dar volumen al cuerpo del modelo y un fuerte claroscuro en el sentido más común, en
el contraste entre el modelo bien iluminado y el fondo muy oscuro de follaje Sin embargo, para
complicar aún más las cosas, el claroscuro composicional del contraste entre el modelo y el fondo
probablemente no se describa usando este término, ya que los dos elementos están casi
completamente separados. El término se usa principalmente para describir composiciones donde al
menos algunos elementos principales de la composición principal muestran la transición entre la luz
y la oscuridad, como en las pinturas Baglioni y Geertgen tot Sint Jans ilustradas arriba y abajo.

Las xilografías de claroscuro son copias maestras antiguas en talla de madera con dos o más
bloques impresos en diferentes colores; no necesariamente presentan fuertes contrastes de luz y
oscuridad. Primero se produjeron para lograr efectos similares a los dibujos de claroscuros. Después
de algunos experimentos tempranos en impresión de libros, el verdadero grabado en madera de
claroscuro concebido para dos bloques probablemente fue inventado por Lucas Cranach the Elder
en Alemania en 1508 o 1509, aunque retrocedió algunas de sus primeras impresiones y agregó
bloques de tono a algunas copias producidas por primera vez. para impresión monocromática,
seguida rápidamente por Hans Burgkmair the Elder. A pesar del reclamo de Vasari por la
precedencia italiana en Ugo da Carpi, está claro que los primeros ejemplos italianos datan de 1516,
pero otras fuentes sugieren que el primer grabado en madera de claroscuro fue el Triunfo de Julio
César, creado por Andrea Mantegna. un pintor italiano, entre 1470 y 1500. Otro punto de vista afirma
que: “Lucas Cranach retrocedió dos de sus obras en un intento de alcanzar la gloria” y que la técnica
fue inventada “con toda probabilidad” por Burgkmair “, que fue comisionado por el emperador
Maximiliano encontró una forma barata y efectiva de difundir ampliamente la imagen imperial, ya que
necesitaba recaudar dinero y apoyo para una cruzada “.

Zonas del claroscuro

Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre
ellas:
Zona de iluminación clara.
Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa
Zona de penumbra.
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la
zona oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.
Zona oscura.
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.
Zona proyectada.
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde
se encuentra.
Zona de reflejo.
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza
por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones
faciales, da más vida al dibujo.

Dibujo
Que es el dibujo
El dibujo es un arte visual en el que se utilizan diferentes medios para representar algo en un medio
bidimensional. Para realizar el dibujo, se utilizan diversos materiales, siendo los más comunes los
lápices de grafito, la pluma estilográfica, creyones, carbón, etc. El dibujo es la expresión de una
imagen que se hace en forma manual, es decir, se usa la mano para realizarlo. Los materiales para
dibujar pueden variar así como las superficies. Los más usados son el papel como soporte y el lápiz
como el instrumento, pero actualmente se usan medios tecnológicos como las computadoras
utilizando un lapicero óptico.

Utilización
En nuestra vida utilizamos el dibujo constantemente. Lo utilizamos continuamente para representar
lo que tenemos en la mente y que no podemos expresar detalladamente con palabras. Para saber
con exactitud, que es el dibujo, no debemos olvidarnos de la historia del mismo. Los primeros dibujos
se encuentran en las cavernas, como por ejemplo las de Altamira, España, donde los hombres
primitivos hicieron grabados en las paredes representando lo que ellos consideraban importante
transmitir o expresar. El dibujo es la estructura fundamental de una obra de arte, es su columna
vertebral, es la expresión visual más antigua del hombre. En una obra con un buen dibujo, ni una
sola de las líneas fluidas, rápidas, sueltas está trazada sin un propósito.

Tipos e sombra
sombra esfumada
es una técnica pictórica que se obtiene por aumentar varias capas de pintura extremadamente
delicadas, proporcionando a la composición unos contornos imprecisos, así como un aspecto de
antigüedad y lejanía. Se utilizaba en los cuadros del Renacimiento para dar una impresión de
profundidad. La invención de esta técnica, así como su nombre sfumato, se deben a Leonardo da
Vinci, que la describía como "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de
enfoque".1
Este efecto hace que los tonos se difuminen hasta valores más oscuros como en La Virgen de las
Rocas (1483-1486), donde ya se considera totalmente logrado y sobre todo en Mona Lisa o el San
Juan Bautista (cuadros conservados en el Louvre de París).

Técnica
Según las investigaciones de Pascal Cotte,2 basadas en un análisis multi-espectral del cuadro La
Gioconda, la técnica utilizada por Leonardo podría consistir en los pasos siguientes:

1. Sobre una plancha de madera de álamo, se aplica una preparación blanca de carbonato de
calcio, blanco de zinc y cola de conejo (huesos molidos). A todo esto se le conoce
como creta o imprimatura.
2. Se traza un primer esbozo al pincel.
3. Aplicación de una veladura (delgada capa de color), al óleo, sobre toda la superficie del
cuadro.
4. Se añaden las sombras y los valores intermedios. En el caso del ojo izquierdo de Mona Lisa,
esta operación se hizo con tierra de Siena muy diluida.
5. Con la punta del pincel, se “plumean” las sombras y los valores intermedios.
6. Se aplica sobre espacios entre trazo y trazo, para homogeneizar.
7. Toque final: graduación tonal mediante retoques y veladuras específicas hasta conseguir el
efecto de degradado suave entre las zonas de sombra y las de luz.
Al final no queda en el cuadro el mínimo trazo de pincel, haciendo muy difícil saber a simple vista
cuál ha sido la técnica pictórica empleada.

Sombra cortada
las sombras cortadas sonlas que se delinian con un trazo nitido y exacto las esfumadas pues como
la palabra lo dice se esfuman y se pierden con el fondo ese termino se creo a partir del genio de esta
tecnica davinci que con un esfumato difuminaba las sombras con el resto de la pintura dando un
efecto real.
Valores tonales del clarooscuro
Se llama escala tonal a la gradación de valores entre un tono y otro, desde el más claro al más
oscuro, independiente de que sean escalas acromáticas, es decir grises, monocromáticas, de un
solo color, o policromáticas, de varios colores.

La valoración tonal de una obra puede ser en clave mayor o en clave menor de acuerdo al grado de
contraste. Es mayor cuando además de los grises están presentes los extremos de la escala que
son el blanco y el negro puros.

La clave es menor cuando está presente el blanco o el negro (sólo uno de ellos) además de los
grises.
Y cuando sólo están el negro y el blanco puro se llama escala en alto contraste.

La mayoría de los artistas utiliza una escala de nueve tonos distintos de gris más el blanco y el
negro, como se puede ver en la foto que sigue, aunque hay algunos que utilizan escalas de 16 tonos
e incluso de 30 pero no es frecuente por que tampoco es necesario para hacer una buena obra.

Los que tenemos menos experiencia normalmente usamos escalas mucho más reducidas
generalmente formada por blanco puro, blanco con ¼ de negro, blanco con ½ de negro, blanco con
¾ de negro y el negro puro.
Dicho vulgarmente: blanco (0), un tono intermedio al 50% entre el blanco y el negro (5) también
llamado semitono, y dos grises. Uno de ellos más claro (3) entre el blanco y el semitono y otro gris
más oscuro (7) entre el semitono y el negro. Y con estos cinco tonos nos vamos arreglando lo mejor
que podemos.

En la foto siguiente se puede ver lo que digo.

Al margen de que la clave sea mayor o menor y de acuerdo a la parte de la escala en la que estén
los grises que utilicemos, ésta puede ser alta cuando usamos grises entre el blanco y el gris 3.
Intermedia, cuando estamos entre el gris 4 y el gris 6, y baja cuando estamos entre el gris 7 y el
negro.

Escala alta

Escala intermedia

Escala baja

De todo lo anterior se deduce que un dibujo o pintura en general puede valorarse en clave mayor
alta, intermedia o baja, y clave menor alta, intermedia o baja.
Dependiendo de lo que queramos expresar en nuestra obra usaremos unas u otras.

Es muy difícil expresar alegría y optimismo utilizando por ejemplo una escala menor baja, o una
tarde tormentosa con una clave mayor alta. Para un paisaje de día neblinoso, por ejemplo,
deberíamos utilizar una clave menor entre alta e intermedia. Es decir ni blancos ni negros y solo
grises intermedios y claros.

biografia de rembrant
Rembrandt
Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Artista holandés del barroco

Nació el 15 de julio de 1606, en Leiden (Holanda).

Su padre fue un molinero llamado Harmen Gerritszoon van Rijn y su madre, Neeltje Willemsdochter
van Suydtbroek, hija de un panadero. Se cree que el matrimonio tuvo unos diez hijos, de los cuales
dos niñas morirían a temprana edad.

Cursó estudios en la Escuela Latina y con 14 años entró en la universidad de Leiden, donde
permaneció durante algún tiempo para después estudiar arte, primero con Jacob van
Swanenburch y después en Amsterdam, con Pieter Lastman, con quien permanece seis meses.

Ese mismo año, regresa a Leiden, donde conoce a Jan Lievens, hijo de un tintorero, un año menor
que Rembrandt. En 1625, con 19 años, abre un taller en su casa paterna, donde Lievens y
Rembrandt trabajan juntos. Su fama aumenta e incluso, en febrero de 1628, entra en su taller su
primer alumno, el quinceañero Gerrit Dou, que permanece con su maestro hasta que Rembrandt
marcha a Amsterdam en 1631.

En el año 1634 contrajo matrimonio con Saskia van Uylenburgh, prima de un conocido marchante
de arte, hecho que le ayudó a impulsar su carrera. Durante este periodo pinta el Retrato de
Nicolaes Ruts (1631, Frick Collection, Nueva York) y El cegamiento de
Sansón (1636, Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt). Su taller contaba con un enorme número de
discípulos, algunos como Carel Fabritius, que ya eran artistas experimentados.

Entre 1635 y 1641 su esposa dio a luz cuatro niños, de los que tan sólo sobrevivió el pequeño, Titus.
Saskia falleció en 1642. Rembrandt contrata los servicios de una nodriza, llamada Geertige Dircx,
viuda de un corneta. Parece que esta mujer mantuvo relaciones con el pintor. Los regalos que le
ofreció, incluidas joyas de su esposa, así lo testimonian. La mujer que se encariña con el niño,
decide dejarle todas sus posesiones en su testamento, redactado en 1648. Al año siguiente, entra en
la casa como aya, una joven de 22 años, llamada Hendrickje Stoffels, hija de un soldado y mujer
del pueblo. El pintor se enamora de la joven y despide a Dircx. Esta acusa a Rembrandt ante la
justicia de haber incumplido su promesa de matrimonio, por lo tanto, debía mantenerla o casarse con
ella. El pintor holandés niega dicha acusación, pero una vez finalizado el juicio ha de pagarle 200
florines anuales. Hendrickje Stoffels finalmente se convirtió en su concubina y en modelo de muchas
de sus obras.

Su inclinación a la vida ostentosa le llevó a la bancarrota en 1656. El inventario de su colección de

arte y antigüedades, realizado antes de que se celebrara la subasta pública para pagar sus deudas,
expone sus gustos artísticos: esculturas, pintura flamenca e italiana del renacimiento, arte oriental,
armas y armaduras...
Pintó más de 600 cuadros y produjo numerosos dibujos y grabados. En El noble
eslavo (1632, Museo de Arte Metropolitano, Nueva York) se aprecia su predilección por los trajes
exóticos, elemento característico de muchas obras de su primera época. Retrato de marido y
mujer (1633, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston), expone su preocupación por los rasgos
de los personajes retratados, los detalles de la ropa y los muebles de la habitación. También los
miembros de su familia que posaban para él aparecen retratados con diferentes disfraces, como en
el caso de su madre como la profetisa Ana (1631, Rijksmuseum), o Saskia
como Flora (1634, Hermitage, San Petersburgo). Un autorretrato (1640, National Gallery,
Londres), basado en obras de Rafael y Tiziano, refleja su asimilación del clasicismo.

La obra conocida como La ronda de noche, cuyo título exacto es La compañía del capitán Frans
Banning Cocq y el teniente Willen van Ruytenburch (1642, Rijksmuseum), representa la actividad
bulliciosa de una compañía militar preparándose para un desfile. A pesar de que existe la creencia
de que la obra fue rechazada por aquellos que la encargaron y que ello condujo al deterioro de la
reputación y de la fortuna de Rembrandt, en realidad el cuadro tuvo una buena acogida.

Sus obras más importantes pertenecen a sus dos últimas décadas. Su paleta adquirió un colorido
más rico y su pincelada se hizo cada vez más vigorosa. En el Museo del Prado, Madrid, se
conserva el cuadro Atemisa (1634), retrato de la reina de Pérgamo. Se cree que sirvió de modelo
Saskia van Uylenburgh, su esposa. Algunas de sus grandes obras pertenecientes a este periodo
son La novia judía (1666), Los síndicos del gremio de pañeros (1661, Rijksmuseum,
Amsterdam), Bathsheba(1654, Louvre, París), Jacob bendiciendo a Efraín y a
Manasés (1656, Staatliche Gemäldegalerie, Kassel) y un autorretrato (1658, Frick Collection).

Su amante murió en 1663 y su hijo en 1668. Rembrandt fallece el 4 de octubre de 1669 en la casa
de Rozengrancht, acompañado de su hija, y es enterrado cuatro días después en la iglesia de
Westerkerk.

algunas Obras destacadas

1629 - Un artista en su estudio o El pintor en su estudio (Museo de Bellas Artes de Boston)

1629 - Cristo en Emaús (Museo Jacquemart-André, París)
1630 - La resurrección de Lázaro (LACMA, Los Ángeles)
1630 - Jeremías prevé la destrucción de Jerusalén (Rijksmuseum, Ámsterdam)
1630-35 - Turco (Galería Nacional de Arte, Washington D. C.)
1631 - Retrato de Nicolaes Ruts (Colección Frick, Nueva York)
Dibujo a la manera de Rembrandt

Hoy en día cuando hablamos de dibujo por lo general nos referimos a dibujo de
contornos. Mucho se ha dicho desde las vanguardias sobre la línea y el punto; sin
embargo, no siempre se ha hecho énfasis en estos aspecto del dibujo. Recordemos que
hasta antes del renacimiento el dibujo no era considerado valioso por sí mismo, sino que
era meramente un instrumento de la pintura. Por lo mismo, no había tanto dicho respecto
al dibujo hasta entonces.

A lo largo de la historia podemos encontrar de forma generalizada dos aproximaciones

distintas al dibujo: una de ellas podríamos representarla con las ideas del pintor francés
Ingres y la otra con el sistema de Tiziano. Ingres consideraba que la más importante tarea
de un pintor era el dibujo de contorno, puesto a que éste permite la representación fiel de
los rasgos de aquello que es representado. Por otro lado, Tiziano consideraba que las
líneas de contornos eran completamente innecesarias puesto que, de hecho, no existen
en la naturaleza por sí solas. Tiziano pensaba que la pintura se debía realizar con
manchas y no con contornos. Estas manchas son bloques de pintura que sirven
para determinar los volúmenes y espacios que ocupan los objetos en una obra.

Sin duda, el dibujo de Rembrandt tiene una mayor inclinación hacia el pensamiento de
Tiziano, pero nunca hizo uso exclusivo de la mancha. La forma de dibujar de Rembrandt
es irreductible a un solo estilo, pues siempre dibujó de distintas formas, según lo que
deseaba conseguir con el dibujo específico.

biografia de carabaggio
(Michelangelo Merisi; Caravaggio, actual Italia, 1571 - Porto Ercole, id., 1610) Pintor italiano.
Principal figura de la pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de
segunda fila, Simone Peterzano, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas
venecianos.

De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfoque de la
obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios
reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.
De Caravaggio se ha dicho que fue un revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su
pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre
buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que
esculpen las figuras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incomparable.
Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, Caravaggio pretendió
ante todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su
estancia romana rechazó la característica belleza ideal del Renacimiento, basada en normas
estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas
del natural, sin ningún tipo de preparación previa.
Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de género que combinan la figura humana
con escenas de bodegón y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo emblemático de esta primera
etapa creativa El tañedor de laúd, donde un joven de belleza feminoide y sensual comparte
protagonismo con frutas, flores y una serie de objetos relacionados con la música. En estas primeras
obras resulta ya evidente el empleo estético de Caravaggio de los juegos de luces y sombras, si bien
el claroscuro sólo sirve aquí como creador de volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción
efectos de dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores del artista.
La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por suntuosos tonos oscuros, sombras
envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala el comienzo del
período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la temática religiosa y trabaja por
encargo de los grandes comitentes de la época. Algunas de sus obras son rechazadas por el
naturalismo con que aborda los pasajes bíblicos, pero no faltan los mecenas laicos dispuestos a
adquirir de buen grado aquellos cuadros que el clero no ve con buenos ojos.

A esta época corresponden las dos grandes realizaciones del artista: los retablos de la capilla
Contarelli de San Luigi dei Francesi y de la capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La
vocación de San Mateo y El martirio de San Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La
conversión de San Pablo el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción
dramática, muy estudiadas desde el punto de vista compositivo y en las que se obtienen resultados
espléndidos con una gran economía de medios.
En 1606, Caravaggio mató a un hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde,
muy a su pesar, nunca pudo volver. Murió cuatro años después en una playa solitaria, aquejado de
malaria. En esta última época había pintado algunas obras en las que su dramatismo característico
dejaba paso a una gran serenidad.

Obras
San Jerónimo escribiendo (1605 aprox)
Cristo atado a la columna (1606 aprox)
David con la cabeza de Goliath (1609 aprox)
Baco (1597)
Decapitación de Holofernes (1598)