Ejemplo 1

Estudio comparativo
Alumno A (NM)

Estudio comparativo
Este estudio analiza las cualidades formales, la función, el 
propósito y la importancia cultural de las siguientes obras: 
• Las cuatro estaciones (otoño), 1993‐1995, de Cy Twombly  
• Girasol, 1980, de Stefan Bertalan   
• Ermita, 1917, de Paul Klee  

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 1


Cy Twombly (Estados Unidos, 1928‐2011)
• Las cuatro estaciones (otoño), 1993‐1995
• Pintura de uso doméstico, óleo, crayón y
lápiz sobre lienzo
Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 2
Ejemplo 1
Cy Twombly perteneció a la segunda generación del expresionismo
abstracto. Se trasladó de Nueva York a Roma a finales de la década
de 1950, atraído por la arquitectura y los paisajes italianos. En Quattro
Stagioni, Part III: Autunno, que se traduce como Las cuatro estaciones,
parte III (otoño), forma parte de una serie de cuadros creados por
Twombly para representar las estaciones. La composición de la obra sigue
la regla de los tercios. Las dos terceras partes inferiores de la obra están
llenas de grandes explosiones de pintura que recuerdan a un dibujo
infantil. El grupo de marcas aleatorias en la parte inferior me recuerda a
una bandada de pájaros. Twombly podría estar haciendo alusión a la
migración de las aves en el otoño. Se atrae la atención del público a la
esquina izquierda, donde solo hay un gesto negro que ayuda a equilibrar
la composición. Las marcas frenéticas dan a la obra una fuerte sensación
de movimiento y ritmo que consiguen que la mirada recorra todo el
plano pictórico. Al estar casi todo el énfasis en la parte inferior del lienzo,
el espectador también tiene la sensación de que podría tratarse de un
paisaje, lo que sería un indicador de la afición de Twombly por el paisaje
italiano. Los goteos y la acumulación de pintura dan peso a la obra y
ayudan a equilibrar las formas libres. La gama de colores incluye azules
oscuros, morados, negros y rojos intensos sobre fondo blanco con un
toque de amarillo. La intensidad del color indica que es plena temporada
otoñal, de la cosecha de la uva y la producción del vino. Lo que me
parece más interesante de la obra de Twombly es el uso de la caligrafía
como forma de crear marcas o grafismos (mark‐making). En la parte
superior de la obra se pueden ver mensajes cifrados entre las capas. En
palabras del historiador del arte John Berger, Twombly "visualiza con
colores vivos el espacio silencioso que existe entre las palabras y
alrededor de ellas" (Berger).
 Ejemplo 1

Cy Twombly (Estados Unidos, 1928‐2011)
Las cuatro estaciones, parte III (otoño) forma parte de una serie
en la que Twombly explora las estaciones, los ciclos y la
naturaleza. Las cuatro estaciones son una metáfora del paso del
tiempo, el renacimiento y el ciclo inevitable de la vida. Las obras
de Twombly consisten en el proceso y el descubrimiento. En sus
propias palabras: "No son descripciones, son algo que está
sucediendo... El trazo es la sensación" (Twombly). Al igual que
los muchos artistas surrealistas, Twombly cree en el
automatismo psíquico: la creencia de que el artista no controla
la creación de la obra, sino que hace posible que la creación
tenga lugar por sí misma. En la década de 1950, Twombly se
interesó mucho por el arte tribal y el primitivismo, y llegó a
adoptar la sencilla franqueza que observó en el arte tribal. La
sensación de energía e inmediatez en la creación de marcas es
evidente en todas las obras que forman parte de la serie de Las
cuatro estaciones. Twombly se inspiró a menudo en la literatura
europea y la cultura clásica, y en Las cuatro estaciones, parte III
(otoño) incluye fragmentos de poemas. Por ejemplo, incorpora
poemas de Rainer Maria Rilke y Giorgos Seferis entre los
grafismos y marcas de sus obras. La afición de Twombly por la
historia del arte clásico es evidente en su uso del tema de las
cuatro estaciones, utilizado como metáfora en numerosas
ocasiones en la historia del arte.
• Las cuatro estaciones (invierno), 1993‐1995
Pintura de uso doméstico, óleo, crayón y lápiz 
sobre lienzo

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 3

 Ejemplo 1

Cy Twombly (Estados Unidos, 1928‐2011)En 1957, se trasladó a Gaeta, en el

sur de Italia, un lugar más próximo
a los mitos, la literatura y la historia
del arte clásico que a menudo
aparecían como pasajes crípticos
en su obra. Creo que es importante
señalar que en las décadas de 1930
y 1940 muchos artistas se fueron
de Europa a causa de la Segunda
Guerra Mundial y emigraron a
Estados Unidos, llevando consigo la
influencia del modernismo que por
aquel entonces era más progresista
en Europa. Debido a la Segunda
Guerra Mundial, el centro mundial
del arte se trasladó de París a
Nueva York. Twombly, que era
miembro de la Escuela de Nueva
York, invirtió esta tendencia y fijó
su residencia principal en Europa,
Al considerar Las cuatro estaciones (otoño) (1993‐1995) y toda la obra de Cy aunque regresó a menudo a
Twombly, hay que tener en cuenta el importante papel que desempeñó en el Estados Unidos y se le incluyó en
contexto histórico del mundo del arte. En 1950 y 1951, estudió en la Art Students numerosas exposiciones en este
League de Nueva York. Allí conoció a Robert Rauschenberg, quien le presentó a país. Su obra es única en el sentido
algunos artistas de la primera generación del expresionismo abstracto, como de que combina las influencias
Wilhelm De Kooning, Franz Kline y Jackson Pollock. En 1951 fue reclutado por el artísticas de la Europa clásica con la
ejército, donde sirvió como criptógrafo. Su método de codificación del lenguaje en energía frenética del movimiento
sus obras está influido por el breve período en que trabajó como criptógrafo. Cuando expresionista abstracto
regresó a Nueva York en 1953, ya se le empezaba a considerar una de las figuras estadounidense.
prominentes del movimiento expresionista abstracto.

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 4


Stefan Bertalan (Rumanía, 1930‐presente)
Cortesía de: Stefan Bertalan y Johnen Galerie, Berlín
Girasol, 1980  sino que ha optado por utilizar una gama de
tiza pastel, rotulador y tinta negra sobre papel   colores en su mayoría azules que resulta
Doppelseite, je 54,9 x 32,5 cm; doble página, 54,9 x 32,5 cm cada una
El verano pasado viajé a Italia con el colegio y,
afortunadamente, como parte del viaje fuimos a la Bienal de
Venecia, una de las exposiciones de arte contemporáneo
más importantes del mundo. En esta exposición conocí la
obra del artista rumano Stefan Bertalan. Bertalan ha sido
parte del movimiento neovanguardista en Rumania desde la
década de 1960. Tiene un historial de proyectos e
instalaciones de naturaleza conceptual.
Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 5
Ejemplo 1
La obra Girasol forma parte de una serie de Stefan
Bertalan titulada Viví 130 días con una planta de
girasol (I Lived for a 130 Days with a Sunflower
Plant). Según Massimiliano Gioni,
comisario/curador de la Bienal de Venecia:
"Bertalan estudió un girasol durante todo su ciclo
vital, desde la primera germinación de su semilla
hasta su muerte, y documentó su evolución cada
día mediante fotografías, dibujos y un diario
escrito" (página 49). Uno de los muchos dibujos
de su serie de girasoles, a la izquierda, parece que
fueran páginas sacadas de un libro. Bertalan
yuxtapone un dibujo gestual de un girasol
monocromático, a la izquierda, con uno coloreado
a la derecha. No parece interesarle reproducir
fielmente los colores de la planta a la derecha,
agradable estéticamente. Los márgenes están
llenos de notas y cálculos que hacen recorrer toda
la composición con la mirada. El texto escrito va
más allá del contenido y adquiere más
importancia en el proceso de creación de marcas
o grafismos (mark‐making). La espontaneidad del
gesto en los dibujos hace que parezcan muy libres
y, en cierta medida, abstractos. Sin embargo,
también recuerdan a los dibujos botánicos
sumamente técnicos que eran populares en el
siglo XVIII.
 Ejemplo 1

Stefan Bertalan (Rumanía, 1930‐presente)
Como resultado del proyecto sobre el girasol, Bertalan no
solo realizó una serie de dibujos finales, sino que también
documentó el proceso, incluido cómo se marchita la planta y
sus anotaciones diarias. Con su investigación, que dio lugar
a varias obras tituladas Girasol, Bertalan quería transmitir la
idea de que un solo organismo y su función pueden servir
como metáfora del mundo en general. Es importante
señalar que este proyecto se concentró más en la
experiencia cotidiana que en el registro visual al que dio
lugar al final. Las obras finales que Bertalan creó como parte
del proyecto sobre el girasol son dibujos hermosos. Creo
que las acciones cotidianas del artista, en las que observa
cómo la planta se marchita y desaparece, reflejan la
complejidad de la condición humana. Su obra tiene
conexiones con el arte en vivo (performance art), así como
con los estudios botánicos, una forma artística más
tradicional. A pesar de que la obra se creó en la década
de 1980, guarda una relación directa con tendencias
artísticas actuales, por ejemplo, al combinar diferentes
disciplinas como el arte y la ciencia. Las obras son oportunas
Cortesía de: Stefan Bertalan y Johnen Galerie, Berlín

• Girasol, 1980 en cuanto a que hacen referencia a la sociedad moderna,

Tiza, rotulador, bolígrafo y lápiz sobre papel que presta un interés cada vez mayor a los cambios que se
56,5 x 36,8 cm
producen en el mundo natural y a la contribución de las
plantas al mantenimiento de un entorno saludable.

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 6

 Ejemplo 1

Stefan Bertalan (Rumanía, 1930‐presente)
Viví 130 días con una planta de Girasol (I Lived for a 130 Days with a Sunflower Plant) y Estructura de
caracoles (Structure of Snails), que se muestran a continuación, son dos series que Bertalan creó en la
Rumanía comunista en la década de 1980. En esta época, había escasez de alimentos y malestar social
en Rumanía debido a la caída de otros regímenes comunistas en Europa del Este. Según el filósofo e
historiador de arte rumano: "El estado generalizado de pobreza, complacencia, degradación y
desvinculación, junto con la decadencia material y cultural, es probablemente la característica más
notable de la sociedad rumana durante la década de 1980. [...]" (189, Erwin Kessler). Conociendo el
contexto en el que Bertalan creó la serie Girasol la metáfora de la decadencia —un tema recurrente en
su obra— adquiere aún más importancia.
Es interesante que el vivir bajo el régimen
comunista influyera en la elección de
Bertalan de expresarse en formas muy
simples y naturales. La implicación de sus
obras es sutil, pero al mismo tiempo su
intención es poderosa. En la obra de
Bertalan, el proceso de decadencia de un
girasol representa el colapso de la sociedad
pero, al mismo tiempo, transmite esperanza
con la germinación de nuevas semillas que
representan el renacimiento y el cambio.

• Caracoles, 1980
Tiza, rotulador,  bolígrafo y lápiz sobre papel Cortesía de: Stefan Bertalan y Johnen Galerie, Berlín
56,5 x 36,8 cm

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 7


Paul Klee (Alemania, 1879‐1940)
Ermita. 1918. Acuarela con fondo de tiza. 18,3 x 25,4 cm
En 1914, Paul Klee viajó a Túnez, en el norte de
África, y quedó impresionado con el color que
creaba la luz del Mediterráneo. En aquel
momento, afirmó: "El color me domina. No
necesito ir en busca de él. Me posee, lo sé bien. He
aquí el sentido de este momento feliz: el color y yo
somos uno. Soy pintor". (1914, Klee) Como
resultado de este viaje, la obra de Klee empezó a
volverse más abstracta.
Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 8
Ejemplo 1
La obra de la izquierda, creada después de su
viaje a Túnez, está saturada de un hermoso azul
que recuerda al color del Mediterráneo. La
obra está llena de varios grafismos con un
aspecto muy infantil. Los grafismos de Klee
parecen surgir de su subconsciente, lo que
también se ha denominado "escritura
pictórica"  (Abrams 29). La composición parece
ser una ventana o un escenario, por las cortinas
colocadas en ambos lados. En el medio hay
dibujos que se asemejan a un paisaje. Hay
árboles y una estructura que parece ser una
iglesia, o posiblemente un templo. En el centro
hay una serie de marcas misteriosas que
parecen formar un ojo. Todos los elementos
están cargados de energía y se mueven
armónicamente por el cuadro. La transparencia
de la composición aporta algo de luz, mientras
que algunos de los grafismos son densos y
quedan relegados a un segundo plano. Klee
deja que sea el espectador quien interprete en
gran medida sus obras y solo hace entrever
cuál puede ser el significado de fondo, como se
demuestra en Ermita.

Paul Klee (Alemania, 1879‐1940)
Paul Klee, Jardines del sur de Túnez, 1919
Acuarela, 81 x 66 cm
“Mi mano no es más que el implemento de una
esfera lejana. No es mi cabeza la que funciona,
sino otra cosa, algo superior en algún lugar
remoto. Debo tener grandes amigos allí, tanto
oscuros como radiantes... Son todos muy amables
conmigo". Paul Klee
Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 9
Ejemplo 1
Klee era conocido por su concepción espiritual y filosófica
de la creación artística. Su estilo combina todos los grandes
movimientos modernos que definieron la Historia del Arte
de principios del siglo XIX. Las formas orgánicas y
geométricas en la obra Ermita hacen referencia al estilo
cubista de Picasso. Las abstracciones de vivos colores de
Kandinsky y las técnicas de dibujo automático de los
surrealistas también están presentes en la obra de Klee.
Este formaba parte de un grupo de artistas creado por sus
amigos Franz Marc y Wassily Kandinsky llamado Der Blaue
Reiter (El jinete azul). Su padre era músico y Klee creció
interpretando música. Pese a las expectativas de que
estudiara música, Klee decidió dedicarse a las artes
visuales. Sin embargo, se aprecian influencias musicales en
el ritmo y la fluidez de los dibujos infantiles que componen
la obra Ermita. Klee partió de la observación del paisaje al
crear la mayoría de sus obras, como se aprecia tanto en
Ermita como en Jardines del sur. "Así, habiendo
comprendido la naturaleza, el pintor fue más allá y
descubrió una extensión de la naturaleza en reinos allende
la comprensión terrenal, los reinos de la intuición y la visión
mística" (Abrams 11). Klee continúa siendo una influencia
para los artistas actuales con su rico legado de abstracción
y su complejo vocabulario simbólico.
 Ejemplo 1

Paul Klee (Alemania, 1879‐1940) 
"En 1917, Klee estaba emplazado con su unidad en 
Augsburgo. En su diario, escribió: “Todo lo transitorio es solo 
un símbolo. La verdadera realidad está al principio enterrada, 
invisible. .... Cuanto más aterrador se vuelve el mundo (como 
ocurre hoy en día), más abstracto se vuelve el arte" (Abrams, 
página 17). Después de la guerra, en 1921, Klee fue 
contratado por la Bauhaus, una escuela progresista alemana 
conocida por ser pionera en el arte y el diseño modernos.  Allí 
enseñó junto a su amigo Wassily Kandinsky hasta 1931. En 
1931, Klee comenzó a enseñar en la Academia de Düsseldorf.  
Dos años más tarde, fue despedido por los nazis y su casa fue 
registrada. Los nazis creían que Klee era judío y por este 
motivo se vio obligado a huir de Alemania cuando se 
encontraba en la cumbre de su carrera artística. No existen 
pruebas contundentes de que Klee tuviera ascendencia judía, 
y él mismo respondía muy ambiguamente cuando se le 
Columnas negras en un paisaje, 1919 preguntaba.  Más tarde, los nazis lo acusaron de ser "un típico 
Acuarela, lápiz y tinta sobre papel; 20,4 x 26,3 cm judío de Galitzia". Regresó a Suiza, su lugar de nacimiento, 
La obra de Klee no solo contribuyó a definir el  con su esposa.  A pesar de haber huido de Alemania en 1937, 
modernismo; el contexto y la época en que realizó  los nazis exhibieron las obras que le habían confiscado en la 
sus obras también tienen una importancia  tristemente famosa "Exposición de Arte Degenerado".  Ermita
histórica. Poco después, en 1915, regresó de su  es una obra importante en el amplio patrimonio artístico de 
viaje a Túnez y fue reclutado por el ejército alemán  Klee.  La vivacidad del color y la exploración de la abstracción 
para combatir en la Primera Guerra Mundial. La  fueron influencia de su viaje al norte de África, pero 
muerte de los artistas August Macke y Franz Marc  constituyen también una fuente de influencia en la historia 
le afectó profundamente.  Klee continuó creando  del arte abstracto y en el desarrollo y uso de un vocabulario 
arte mientras estaba en el ejército y gran parte de  de símbolos.  Muchos artistas, incluido Cy Twombly, citan a 
sus obras en este período se centran en el tema de  Paul Klee como una de sus principales fuentes de inspiración. 
la muerte. 

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 10

 Ejemplo 1

Comparación y contraste de las obras
Ermita de Paul Klee y Las cuatro estaciones, parte III (otoño) de Cy Twombly

Diferencias  Semejanzas  Diferencias

Cy Twombly Klee y Twombly Paul Klee

• Miembro del movimiento   Trabajo intuitivo y  • Influencia del surrealismo, el 

expresionista abstracto expresionista cubismo y el expresionismo 
 Referencia al mundo  alemán de la Europa de 
• Nacido en Estados 
natural  principios del siglo XX, pero 
Unidos, pero residió 
principalmente en Italia  Creación de  no se adscribió a ningún 
grafismos infantiles y  movimiento en particular
• Se inspiró en los paisajes  garabatos • Nacido en Suiza, pero residió 
del norte de Italia
 Se inspiraron en la  principalmente en Alemania
• Materiales utilizados:  técnica surrealista  • Se inspiró en los paisajes de 
acuarela sobre papel del automatismo  Túnez, en el norte de África
• Gama de colores limitada,  psíquico • Materiales utilizados: Pintura 
con áreas de   Ambos adoptan un  de uso doméstico, óleo, 
concentración de un rojo  enfoque muy  crayón y lápiz sobre lienzo
intenso filosófico y místico  • Mayor intensidad del color 
• Gran tamaño en el proceso de  en todas las áreas del plano 
creación artística pictórico
 Arte influenciado por  • Tamaño pequeño 
su experiencia en el 
servicio militar

Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 11

 Ejemplo 1

Bibliografía
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Material de ayuda al profesor de Artes Visuales 12