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Su motivación se encuentra en la
imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular, tales como historietas ilustradas,
anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine. También está presente un fuerte
arraigo sentimental con lo cotidiano. R. Hamilton lo definía como
“popular, pasajero, perecedero, barato, producido en serie, joven, ingenioso, erótico, artero,
encantador y un negocio a gran escala”.
Usan técnicas pictóricas y comerciales muy precisas, casi fotográficas, por ejemplo la
serigrafía y el uso de aerógrafo.
Se mezclan técnicas del pincel, collage fotográfico y/o técnicas mecánicas.
Nacionales
Guillermo Núñez
Extranjeros
Pintura:
Peter Blake
Richard Hamilton
Peter Phillips
Allen Jones
Andy Warhol
Roy Lichtenstein
Claes Oldenburg
Jasper Johns
Constructivismo: Entre 1918 y 1925 aprox. Movimiento artístico surgido en Rusia, basado
en el cubismo y estéticamente relacionado con la ingeniería y la arquitectura.
Sus composiciones son construidas matemáticamente y sus motivos no son ni objetos reales
ni fantasías libres del artista.
Estos artistas se inspiraban en la producción técnica desde un punto de vista estético.
Abandonaron el ámbito puramente material y se dedicaron a todos los ámbitos artísticos:
diseño de carteles, diseño de modas, tipografía, fotografía, arquitectura interior, actividades
propagandísticas, ilustraciones de libros.
En EE.UU. es llamado hard-edge painting es decir, una pintura de planos de color
nítidamente balanceados.
La nueva valoración del espacio y el componente espacio/tiempo son fundamentales. Los
constructivistas plantean que una escultura no debe ser una realidad por sí sola, sino que debe
integrarse en el espacio, debe recibirlo por todas partes. Para ello utilizan materiales que
permitan que el espacio penetre en la escultura, materiales industriales como alambre,
madera, vidrio yeso y plástico para generar esculturas transparentes que permitan generar un
puente entre la vida diaria y el arte.
Al mismo tiempo rechazan la idea de que el arte debe servir a un propósito socialmente útil
y plantean un arte estrictamente abstracto que reflejase la maquinaria y la tecnología
moderna.
Luego se orientó hacia fines más utilitarios, defendiendo el concepto del artista ingeniero y
la función de resolver necesidades sociales.
Nacionales
Escultura:
Marta Colvin
Sergio Castillo
Extranjeros
Pintura:
Kasimir Malevitch
Frantisek Kupka
Max Bill
Joaquín Torres García
Escultura:
Antoine Pevsner
Naum Gabo
Arquitectura y diseño:
Vladimir Tatlin
Alexander Rodchenko
Cubismo: Entre 1907 y 1914 aprox. Se rompen las formas existentes para obtener así
material para construir una forma nueva, primero corta facetas de los objetos y después las
presenta desde varios lados, para dar una visión más completa del objeto retratado, en
estructuras predominantemente geométricas y el color extremadamente apagado. Luego de
esta experimentación formal llega a una verdadera y efectiva imagen conceptual de las cosas,
representando lo que el artista sabe de las cosas, no lo que ve, es una reconstrucción
intelectual.
La superficie pintada no pretende dar la ilusión de profundidad, sino que es plana y variada.
De la etapa analítica, en la cual la realidad es descompuesta en todos sus elementos
constitutivos, se pasa a la sintética, que ofrece una imagen de la realidad sumaria en la forma,
lograda por medio de anchos planos plásticos, formas mucho más decorativas y un color más
fuerte.
Se caracteriza por una gama cromática muy reducida y apagada, los temas parecen
insignificantes y se repiten incansablemente. En el cubismo sintético, el color se vuelve
mucho más fuerte y las formas mucho más decorativas, introduciéndose en las pinturas
elementos como letras recortadas y trozos de periódico.
El uso de gran cantidad de gouache y la búsqueda de una variedad de texturas da lugar a la
técnica del collage a partir de papeles pegados.
En la escultura se acentúa la simplificación de las masas, entendiéndose como un medio para
un estudio más profundo de la realidad. Analiza las relaciones y las proporciones, no
revestidas de forma sino animadas por un tono local convencional, ocre o siena, que hacen
virar la sombra o la luz en un mundo sin atmósfera y sin movimiento. Los escultores cubistas
utilizan materiales como: placas de cartón, placas de metal, materiales de la vida diaria como
combinaciones de plástico, hierro, cobre, plata, bronce, terracota, piedras policromadas y
yeso.
Nacionales
Escultura:
Abelardo Bustamante
Extranjeros
Pintura:
Pablo Picasso
Georges Braque
Cavalcanti
Stuart Davis
Roger de la Fresnaye
Charles Demuth
Juan Gris
Fernand Léger
Alessandro Petorutti
Jacques Villon
Escultura:
Alexander Archipenko
Constantin Brancusi
Raimond Duchamp-Villon
Julio González
Henri Laurens
Jacques Lipchitz
Ossip Zadkine
Dadaísmo: Se inicia alrededor de 1916. En este movimiento artístico de protesta, los artistas
recurren a la utilización de métodos incomprensibles que se apoyan en lo absurdo e irracional.
Expresan rechazo a todos los valores sociales y éticos del momento. Incluyen el azar y
elementos de desecho para determinar las obras. Su principio es romper con todos los valores
burgueses, no soportar los límites asignados al arte o a la moral, darse el derecho a la
contradicción, a la injuria, a lo gratuito y a lo absurdo. Se objetiva lo inconsciente, lo
subjetivo y lo irracional. Se inicia la idea de antiarte.
Entre sus formas de expresión se encuentran el montaje, el collage y aparecen los Ready-
Made o assemblages que son objetos manufacturados privados de su sentido funcional, solos
o combinados y elevados a obra de arte.
Los objetos ya están hechos, la intervención del artista es meramente intelectual
inaprehensible en términos materiales.
Extranjeros
Jean Arp
Marcel Duchamp
Richard Huelsenbeck
Francis Picabia
Man Ray
Expresionismo: Entre 1903 y 1930 aprox. Estos artistas buscan la expresión apasionada de
los sentimientos que experimentan, una reacción exacerbada de los sentimientos; con este
objetivo línea, forma y color están alterados, y van más allá de lo que es la realidad, eliminan
los detalles y exageran lo que les parece de primordial importancia. Sus imágenes alcanzan
la máxima intensidad, pueden llegar a la deformación e incluso a la caricatura. Están en
contra del academicismo convencional y la descomposición de la forma (impresionistas) así
como en contra del racionalismo en el arte. Palabras como instinto, intuición, depresión y
angustia por el caos en el mundo, están relacionadas a estos artistas.
En otros autores el énfasis esta puesto en la aplicación del color, la realidad, cualquiera que
ella sea, está representada con absoluta libertad, sin preocupaciones naturalistas o teóricas.
Utilizan formas de contornos duros y angulosos muchas veces en negro y delineadas por
pinceladas rápidas.
En escultura Lehmbruck usa frecuentemente un tratamiento rugoso de la materia,
combinando y contrastando superficies mates con superficies pulidas y brillantes.
En arquitectura se introduce lo que hoy día se conoce como “identidad de empresa”, en ella
se incluyen el logotipo, papel de carta, lámparas y utensilios domésticos, hasta los edificios
propiamente tales.
En su sentido más amplio el término expresionismo se aplica a cualquier forma de arte en la
que predomina el sentimiento subjetivo por encima de la observación objetiva, reflejándose
el estado anímico del artista más que las imágenes que conforman nuestra experiencia visual.
Nacionales
Pintura:
Augusto Barcia
Ximena Cristi
Enriqueta Petit
Escultura:
Tótila Albert
Extranjeros
Pintura:
Max Beckmann
James Ensor
Grupo Der Blaue Reiter
Grupo Die Brucke
Otto Dix, George Grosz,
Erico Heckel, Vassily
Kandinsky, Ernst Ludwig
Kirchner, Paul Klee, Oskar
Kokoschka, Franz Marc,
August Macke, Paula
Modersohn-Becker,
Edvard Munch, Emil
Nolde, Max Pechstein,
Karl Schmidt-Rottluff
Escultura:
Ernst Barlach
Wilhelm Lehmbruck
Arquitectura.
Peter Behrens, Bruno Taut
Fauvismo: Entre 1905 y 1910 aprox. Sin ser una escuela en términos formales, reúne a un
grupo de artistas que manifiestan una necesidad expresiva frente a la realidad del mundo. La
fuerza de su expresión, los hizo conocidos como las “fieras”, traducción de “fauve”.
El color y los símbolos no corresponden al reflejo de la realidad, poseen más bien un carácter
emocional.
Valorizan la expresividad del color puro, más intenso y vibrante por el juego lineal de los
contornos. La forma no sigue cánones clásicos de belleza.
Su técnica se libera de todo academicismo. Usan generosamente la materia pictórica, los
colores puros y las yuxtaposiciones estridentes, el lienzo debía tener su propia autonomía.
Extranjeros
Henry Matisse
Futurismo: Entre 1909 y 1914 aprox. Se basan en los conceptos einstenianos de tiempo y
espacio y quieren ir más allá de sus consecuencias.
Su lema: todo se mueve, todo corre, todo se transforma continuamente.
Se aspira a pintar o esculpir el modelo no solamente en un momento dado e inmóvil, sino en
las diferentes fases de su trayectoria, en algunos casos descomponiendo el movimiento.
Igual lo hacen los dibujantes en las películas de dibujos animados.
Su propósito fundamental, perfilado en varios manifiestos, era romper con el pasado y su
cultura académica, y celebrar el dinamismo y el poder de la tecnología moderna.
En la pintura cada artista resuelve de manera personal el problema futurista: a través del
color, insertando caracteres de imprenta o aplicando la técnica del divisionismo o
puntillismo.
Lo que el escultor futurista crea es, en cierto modo, el punto ideal que une el infinito plástico
exterior al infinito plástico interior. Sus objetos no terminan nunca, se entrecruzan con
innumerables combinaciones y choques. La emoción del espectador ha de ocupar el centro
de la obra escultórica.
En arquitectura los futuristas se dedicaron principalmente a las construcciones útiles, a la
técnica o a la comunicación, es decir a centrales eléctricas, estaciones de ferrocarril, campos
de aviación y rascacielos, mostrando al mismo tiempo, un interés mayor por el caos urbano
de las metrópolis.
Extranjeros
Pintura y Escultura:
Humberto Boccioni
Giacomo Balla
Pintura:
Carlo Carrá
Gino Severini
Luis Russolo
Arquitectura:
Antonio Sant’Elia
Virgilio Marchi
Henry de Sauvage
Hiperrealismo: Finales de la década de 1960 hasta hoy. Movimiento artístico en que los
temas son representados con una exactitud de detalle minuciosa e impersonal, agudeza óptica
que supera la del objetivo fotográfico y llevada a cabo con virtuosismo técnico. No hay una
visión subjetiva de la realidad, sus imágenes son frías.
También se ha denominado Superrealismo y Realismo
Fotográfico o Fotorrealismo.
Algunos de los representantes de este estilo trabajan a partir de fotografías, tratando con igual
agudeza y precisión todo el cuadro. En algunos casos se utiliza el gigantismo de los tamaños
y la aplicación de la pintura plana, que no sólo no siente ningún interés por la calidad de la
superficie, sino que aspira a producir la impresión de inmensas ampliaciones fotográficas.
Nacionales
Pintura:
Jaime Bendersky (en sus
primeras épocas)
Claudio Bravo
Extranjeros
Pintura:
Richard Beckwell
John C. Kacere
Chuck Close
Don Eddy
Richard Estes
Noel Mahaffrey
Escultura:
John de Andrea
Surrealismo: Desde 1924 aprox. Se busca dar a conocer visiones del subconsciente, se
reemplaza la visión racional de las cosas por una interpretación casi mágica de la realidad
basada en relaciones aparentemente irracionales, se crean disonancias con la realidad. El
ambiente es inverosímil y se combinan aspectos reales con elementos de fantasía, creando
así un clima de suspenso horripilante o de sueño. Esto es acentuado por la yuxtaposición de
objetos sin relación, fuera del mundo cotidiano. Un horizonte bajo, muy lejano y símbolos
del psicoanálisis aparecen frecuentemente en los cuadros de esta orientación, que también
suelen usar una perspectiva acentuada y una aguda iluminación irreal de las escenas. Se
intenta llegar a un absoluto equilibrio en cuanto al color y a las proporciones espaciales.
Su técnica es minuciosa pintando cada detalle en forma fotográfica. Se mezcla y usan
diversos medios como: dibujo, pintura, fotografía, cine, escultura, grabado y técnicas como
el collage, el ready-made, objetos encontrados, poema-objeto, frottage, imagen múltiple,
calco (transferencia de un papel a otro de acuarelas o dibujos a tinta mediante una presión).
Buscando combinaciones técnicas que despojen a los objetos de su significado tradicional.
En escultura se desarrolla la práctica de la escultura en metal y continúa la estatuaria
tradicional. La combinación aparentemente caótica de materiales heterogéneos se orienta
hacia la expresión de los más profundos sentimientos del alma.
Nacionales
Pintura:
Mario Carreño
Roberto Matta
Rodolfo Opazo
Extranjeros
Pintura:
Víctor Brauner
Salvador Dalí
Giorgio de Chirico
Paul Delvaux
Oscar Domínguez
Max Ernst
Wilfredo Lam
René Magritte
André Masson
Joan Miró
Ives Tanguy
Escultura:
Jean Arp, Alberto Giacometti
Impresionismo
Características:
Ya en la segunda mitad del siglo XIX (época en la que nace el impresionismo), se produce
un crecimiento económico en Europa. La intensificación del comercio y el progreso técnico
lleva a la consolidación de la burguesía. Las clases sociales se reorganizan y los dirigentes
socialistas de toda Europa se reúnen para hablar de aquellos cambios. La filosofía de entonces
es positivista y realista, donde se prueban las cosas y se exige la transformación del mundo.
El arte cambiaba en conjunto con la sociedad.
Principales Exponentes
Henri Matisse
Joan Miró
Odilon Redon
Paul Cézanne
Paul Gauguin
Pierre Bonnard
Vincent Van Gogh
Neoimpresionismo. Movimiento artístico que surge en Francia a finales del Siglo XIX,
agrupando un conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos del
Impresionismo.
El término neoimpresionismo fue creado por el crítico de arte francés Félix Fénéon en 1887
y el movimiento estuvo liderado por Georges Seurat y Paul Signac, artistas estos que
exhibieron sus trabajos en 1884 en la Société des Artistes Indépendants, en París.
Características:
Características
Este movimiento, dentro de las coordenadas del postimpresionismo, parte también de la
imagen de la naturaleza, es decir, del mismo motivo que los impresionistas, pero para ellos
serán unas leyes físicas y fisiológicas muy determinadas las que caractericen la esencia de la
pintura. Su material de reflexión serán, sobre todo, los escritos de Charles Blanc y, de un
modo más radical los impresionistas, los tratados científicos de Chevreul, Sutter, Rood y
otros.
Gracias a ellos, el puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la
aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del
dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas. La mente lógica y
reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo,
reduciendo a lo esencial, no solo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el
método impresionista de presentarlo De hecho, la declaración de Charles Blanc («El color,
que está controlado por leyes fijas, se puede enseñar como la música»), publicada por primera
vez en 1865 en su conocida Gramatica Ades arts du dessin, resume perfectamente la actitud
de los puntillistas ante las posibilidades expresivas del arte e indica su programa. Según esto,
al igual que existen relaciones matemáticas entre los tonos musicales, hay relaciones físicas
entre los colores, que pueden demostrarse en el laboratorio y llevarse a efecto en el estudio.
Con el fin de estudiar con más detalle la interacción de los colores y sus complementarios,
algunos puntillistas confeccionaron un disco en el que reunían todos los matices del arco iris,
unidos unos a otros mediante un número determinado de colores intermedios.
Principales representantes.
Charles Angrand
Chuck Close
Henri-Edmond Cross
Henri Delavallée
Hippolyte Petitjean
Georges Lemmen
Maximilien Luce
Camille Pissarro
John Roy
Georges Seurat
Paul Signac
Vincent van Gogh
Realismo: es un estilo que refleja la realidad histórica y que no copia objetos mitológicos,
religiosos o alegóricos. Su fidelidad al detalle lo diferencia de la glorificación idealizadora
romántica, y su concentración en los rasgos esenciales y típicos de los carácteres,
situaciones y acciones lo distingue del reflejo de la realidad en sentido naturalista o
fotográfico.
Características son:
Reproducción exacta y completa de la realidad social. Todos los temas pueden ser objeto de
atención por parte del escritor, desde los más heroicos hasta los más humildes.
Las obras reparten su atención por igual a los personajes y a los ambientes sociales
(preferentemente urbanos, y minuciosamente descritos).
Saca a la luz los pensamientos más íntimos de sus criaturas y no duda en dirigirse al lector
para comentar sus comportamientos
Características:
Principales exponentes:
Robert Delaunay
Piet Mondrian
Wassily Kandinsky
Naturalismo Es a la representación de objetos realistas en un ambiente natural. Naturalista
es el arte que presta atención a detalles muy precisos y apropiados, y que retrata las cosas tal
como son. Es el sistema estético que intenta constituirse como una imitación fiel de la
naturaleza. Puede hablarse de realismo pictórico (que intenta plasmar la realidad en los
cuadros) o realismo literario (cuyos textos pretenden aportar un testimonio sobre la época).
Características básicas
Artistas naturalistas
Exponentes:
Eugène Delacroix
J. M. W. Turner o John Constable
Carl Spitzweg
Goya
Thomas Cole
Aleksander Orłowski
Alexander Andreyevich Ivanov
Pablo Picasso
(Pablo Ruiz Picasso; Málaga, 1881 - Moulins,
Francia, 1973) Pintor español. La trascendencia de
Picasso no se agota en la fundación del cubismo,
revolucionaria tendencia que rompió definitivamente
con la representación tradicional al liquidar la
perspectiva y el punto de vista único. A lo largo de su
dilatada trayectoria, Pablo Picasso exploró
incesantemente nuevos caminos e influyó en todas la
facetas del arte del siglo XX, encarnando como
ningún otro la inquietud y receptividad del artista
contemporáneo. Su total entrega a la labor creadora y
su personalidad vitalista, por otra parte, nunca lo
alejarían de los problemas de su tiempo; una de sus
obras maestras, el Guernica (1937), es la mejor
ilustración de su condición de artista comprometido.
Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona,
donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a
los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar
Els Quatre Gats. Entre 1901 y 1904, Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid,
Barcelona y París, mientras su pintura entraba en la etapa denominada período azul,
fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió
trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena.
En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y
Max Jacob y con el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una
nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa
(período rosa). Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas
del mundillo artístico y bohemio, como los hermanos estadounidenses Leo y Gertrude
Stein, o el que sería ya para siempre su marchante, Daniel-Henry Kahnweiler.
A finales de 1906, Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato
que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra
cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte
africano e ibérico y elementos tomados de El Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia
de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se
adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el
Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen. Las
tramas geométricas eliminan la profundidad espacial e introducen el tiempo como
dimensión al simultanear diversos puntos de vista: era el inicio del cubismo.
Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica
(1909-1912). En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de
papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron
collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris
desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica
y la multiplicidad matérica y referencial.
Entre 1915 y mediados de la década de 1920, Picasso fue abandonando los rigores del
cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro
entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes
mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un
hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en
1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes
innovaciones, como el empleo de hierro forjado. En 1935 nació su hija Maya, fruto de una
nueva relación sentimental con Marie-Therèse Walter, con quien Pablo Picasso convivió
abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron
compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.
En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura,
que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias
con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya
en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron
al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el
día de su muerte.
Madame Cézanne en el invernadero (1891-92), de Paul Cézanne, un antecedente de la
esquematización del rostro en la pintura de Picasso.
Paul Cézanne: Mont Sainte-Victoire (1904), Museo de Arte de Filadelfia. Los paisajes de
Cézanne inspiraron las primeras fases del cubismo.
Salvador Dalí
(1904/05/11 - 1989/01/23)
Nació nueve meses y diez días exactos después de enterrado un primer Salvador Dalí, su
hermano, de quien escribió que se parecían "como dos gotas de agua". Su hermano
primogénito murió por una meningitis cuando solo contaba siete años. El nombre que le
pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano muerto.
Fue un niño caprichoso, mimado y consentido en quien sus padres volcaron afecto y
atenciones de una forma un tanto compulsiva debido a la temprana muerte de su hermano.
Su infancia se caracteriza por ataques de ira contra sus padres y actos crueles contra sus
compañeros de escuela.
Durante una larga convalecencia pasada en El Molí de la Torre, una finca cerca de
Figueres propiedad de la notable familia Pichot, Dalí descubrió la pintura. Allí realizó, con
un absoluto desconocimiento técnico, sus primeros cuadros (óleos y acuarelas) de los que
no queda rastro alguno, pero que impresionaron a quienes tuvieron ocasión de verlos.
Fueron los Pichot quienes aconsejaron a Dalí que siguiera cursos de aprendizaje. El niño
enfermo es el título de su primer autorretrato, realizado a la edad de diez años. Poco
después comenzó su primer curso de dibujo con Juan Núñez de quien aprendió el uso del
claroscuro y le introdujo también en las técnicas del grabado. Las obras de Dalí son
conocidas por un importante trato de los detalles, a los que da mucha luz y color.
Su madre murió en 1921 de cáncer de mama. Dalí tenía solo 16 años y se vio gravemente
afectado por la muerte de su madre.
Durante su servicio militar (1927) Dalí realiza Cenicitas, su primera obra "daliniana" en la
que afloran sus recuerdos-fantasmas. Durante sus años en París, adquirió las características
del surrealismo en 1930. Sus obras en este periodo se inspiran en las teorías de Freud.
Dalí conoció en 1929 a Helena Diakonova, más conocida como Gala, hija de un abogado
ruso y compañera del poeta surrealista Paul Eluard. La vio por primera vez en la terraza
del hotel Miramar, en Cadaqués, junto a su marido. Quedaron en encontrarse a la mañana
siguiente, en la playa. Dalí decidió prepararse para el encuentro de una manera totalmente
simbólica. Se arremangó la ropa para hacer resaltar el bronceado. Se puso al cuello un
collar de perlas y en la oreja un geranio rojo. Se hirió al afeitarse la axila y se embadurnó el
cuerpo con su propia sangre, a la que agregó una mixtura de cola de pescado, estiércol de
cabra y aceite. El matrimonio con Gala ofende a su familia, quien lo desaprueba por ser una
madre y 10 años mayor que Dalí, que fue desheredado por su padre. Eluard fue uno de los
testigos en su boda.
Pocos meses después, profundamente enamorados, se van a vivir juntos. Desde aquel
momento. Gala será para Dalí amante, amiga, musa y modelo (aparece por primera vez de
perfil, en "El gran masturbador", de 1929).
Dalí fue el representante más popular del surrealismo y es reconocido mundialmente por su
obra repleta de imágenes oníricas. El artista dejó huella en el mundo de la ilustración y
del grabado, realizó una notable cantidad de esculturas y de joyas, dejó también su obra
en el mundo escénico a través de la creación de ballets, escenografías y vestuario para
óperas; sin olvidar sus aportaciones, de importancia decisiva, en el mundo del diseño, de la
publicidad y del cine. Para la película "Recuerda" de Alfred Hitchcock, el artista diseñó
los decorados.
El 1 de abril de 1970 anuncia la creación de un museo en Figueres, que abrió sus puertas
cuatro años más tarde. En diciembre de 1979 una primera gran exposición antológica se
inauguraba en el centro Georges Pompídou de París. A los pocos días se hacían públicas
las desavenencias con Gala y empezaba el conflicto de los derechos de autor y de las
falsificaciones. En la comunidad artística, era conocido por su amor por hacer dinero.
Debido a esto se le llamaba despectivamente "Avida Dollars" por su codicia.
Se casó con Gala, esta vez católicamente, en Sant Martí Vell, Gerona, el 8 de agosto de
1958. La pareja contrajo matrimonio civil en la ciudad de París en 1934.
Exposición sobre Dalí en Londres. En primer término hay una escultura de un elefante de
patas alargadas con una pirámide en el lomo, idéntico a uno de los que aparecen en el
cuadro. Al fondo se encuentra el London Eye.
Escultura del Rinoceronte vestido con puntillas de 1956. Puerto Banús, Marbella.
Desde muy joven mostró un carácter difícil y un temperamento «muy fuerte», esta
personalidad le hacía ser muy inestable.
Tras recibir una esmerada educación en un internado privado, con dieciséis años entró
como aprendiz en la filial de La Haya de la galería de arte parisina Goupil & Cie., fundada
por su tío Vincent; allí conoció las obras de la escuela de Barbizon, en mayo de 1875 fue
destinado a París, donde creció su amor por el arte.
En abril del año siguiente, ante el temor a perder su capacidad para trabajar, pidió ser
ingresado en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence donde permaneció doce
meses. Tras sufrir diversos ataques y ante la imposibilidad de salir al exterior a pintar,
realizó obras relacionadas con el hospital, retratos de médicos y reinterpretaciones de obras
de Rembrandt, Delacroix y Millet.
La pérdida de contacto con la realidad y una progresiva sensación de tristeza son las claves
de este período en el que Van Gogh desarrolló un estilo basado en formas dinámicas y en el
uso vigoroso de la línea, de lo cual resultó una pintura más intrépida y visionaria que la de
Arles.
En este pequeño pueblo retrató el paisaje y sus habitantes, intentando captar su espíritu. Su
estilo evolucionó formalmente hacia una pintura más expresiva y lírica, de formas
imprecisas y colores más brillantes. Pese a que unos meses más tarde el doctor Gachet
consideró que se encontraba plenamente curado, su estado de ánimo no mejoró debido a los
sentimientos de culpa provocados por la dependencia de su hermano Theo y por su fracaso
profesional. Sumido en esta situación de angustia, el 27 de julio Van Gogh se descerrajó un
disparo en el pecho.
Pérdida de la oreja
Con el paso de las semanas, la convivencia de los dos artistas fue empeorando, debido a sus
diferencias personales, acentuadas por el carácter muy temperamental de ambos. Pasados
menos de dos meses, en la tarde del 23 de diciembre de 1888, Van Gogh y Gauguin
tuvieron un altercado que dio origen a una de las explicaciones que se han dado acerca de la
pérdida de la oreja derecha del primero, o de parte de ella. Esta versión indica que Van
Gogh amenazó a Gauguin con una navaja y que, como consecuencia del disgusto, por la
noche se mutiló el lóbulo de la oreja izquierda (no, por tanto, la oreja completa). A
continuación, Van Gogh habría envuelto el lóbulo en un paño y se habría dirigido a su
burdel favorito, donde presentó este «regalo» a una prostituta llamada Rachel.
Posteriormente, habría regresado a la «casa amarilla» de Arles, donde se desmayaría.
Descubierto por la policía, fue enviado al hospital Hôtel-Dieu, en Arles mismo. Se avisó a
Theo, y Vincent quedó ingresado durante catorce días. Gauguin dejó Arles con rumbo a
París y no volvió a tener contacto con Vincent, exceptuando algunas cartas posteriores.
Muerte
El 29 de julio de 1890 moría Vincent van Gogh, el pintor de los Girasoles y los Botes a la
orilla del mar, del Retrato del cartero Roulin; de los campesinos dedicados a sembrar y a
cosechar, y de los trigales resplandecientes. Hasta ese momento había logrado vender
solamente uno de los ochocientos y más cuadros pintados por él. El único resultado visible
de sus esfuerzos artísticos, de haber asumido para decirlo con palabras suyas «el poder
creador», parecía reducirse a una vida destruida por las privaciones y la tortura de crear. Sin
embargo, apenas dos décadas más tarde su nombre es conocido en todas las capitales
europeas y el mundo de la burguesía imperialista celebra su obra, si bien a su modo y desde
su punto de vista, el cual limita el conocimiento del apasionado mensaje de esta grandiosa
obra de arte y distorsiona así la imagen de esta extraordinaria personalidad artística y su
decidida toma de partido en favor de los trabajadores. Con todo, la grandeza del pintor, la
verdad de su obra, ha sobrevivido a esa prueba: animada por un sincero amor hacia los
hombres, se proyecta en nuestro tiempo, inquebrantable en su fuerza artística y en su
voluntad humanista.
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días
firmó hasta 79 cuadros. Sin embargo, su depresión empeoró y el 27 de julio de 1890, a la
edad de treinta y siete años, mientras paseaba por el campo, con un revólver se disparó un
tiro en el pecho. No se dio cuenta de que su herida era mortal y volvió a la pensión Ravoux,
donde murió en su cama dos días después, en brazos de su hermano Theo.
"Yo arriesgué mi vida por mi trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada": éstas son las
palabras de Vincent en su última carta, encontrada en su bolsillo el 29 de julio de 1890.
Vincent fue enterrado en el cementerio de Auvers-sur-Oise.Theo había contraído la sífilis,
aunque esto no fue admitido por la familia durante muchos años, y solo después de la
muerte de Vincent ingresó en un hospital. No pudo soportar el dolor de la ausencia de su
hermano y murió seis meses más tarde, el 25 de enero, en Utrecht. En 1914 el cuerpo de
Theo fue exhumado y enterrado al lado de Vincent.
En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son
trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Se le
puede emparentar por ello con Henri Matisse, a pesar de sus estilos distintos. Trató temas
de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino, que
recuerda a Rubens por las formas gruesas. En cuanto a su estilo y técnica se nota en él un
fuerte influjo de Corot.
Renoir posee una vibrante y luminosa paleta que hace de él un impresionista muy especial.
El palco, El columpio, Baile en el Moulin de la Galette, Almuerzo de remeros y Las
grandes bañistas son sus obras más representativas.
El 14 de abril de 1890, el artista contrajo matrimonio con Aline en el ayuntamiento del IX Distrito
de París. Jean, el segundo hijo de la pareja, nació en 1894. Gabrielle Renard, una prima de Aline,
viajó de Essoyes a la capital francesa para ayudarles con las tareas domésticas. Llegó a la casa de
los Renoir cuando Pierre ya era mayor, por lo que su principal preocupación fue Jean. Los
habitantes de Montmartre se acostumbraron a ver a Gabrielle llevando a Jean sobre su espalda.
Más adelante, se convertiría en una de las modelos predilectas del artista.En 1915, la muerte de
Aline sumió a Renoir en la soledad. Sus hijos Pierre y Jean fueron heridos durante la Primera
Guerra Mundial. Renoir falleció víctima de una neumonía en el Domaine des Collettes el 2 de
diciembre de 1919, cuando acababa de finalizar su última naturaleza muerta.
Almuerzo de remeros. Óleo. 1881, Washington, Colección Phillips. La mujer que juega con
el perrito, es Aline Charigot, su futura esposa.
Uno de sus grandes proyectos fue la creación en 1975, de la Fundación Joan Miró, ubicada
en Barcelona, centro cultural y artístico para difundir las nuevas tendencias del arte
contemporáneo, que se constituyó con un gran fondo de obras donadas por el autor. Otros
lugares con importantes fondos de sus obras son: la Fundación Pilar i Joan Miró, en Palma
de Mallorca; el Museo Reina Sofía y el Espacio Miró en Madrid; el Centro Pompidou, en
París; y el MOMA, en Nueva York.
(1925). Ejemplo del lenguaje propio de Miró. El artista asegura que en ella intentó plasmar
"las alucionaciones que me producía el hambre que pasaba."
(1922). Reproduce los edificios anexos a la casa de los padres de Miró. El pintor la
consideraba una de las obras más importantes de su primera etapa.
Vasili Kandinski
(1866/12/05 - 1944/12/13)
Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909,
tras un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los
fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista. Murnau: la salida
a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-
Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de
volver a Rusia.
En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der
Blaue Reiter (el jinete azul). Su influencia en el desarrollo del arte del siglo XX se hizo
aún mayor a través de sus actividades como teórico y profesor.
Sus abstracciones se volvieron cada vez más geométricas, Composición VIII Nº 260
(1923, Museo Guggenheim, Nueva York, Estados Unidos), es un conjunto de líneas,
círculos, arcos y otras formas geométricas. En obras muy posteriores como Círculo y
cuadrado (1943, colección privada) logra un bellísimo equilibrio.
Obra del año 1940 en la etapa final del artista en la que explora las posibilidades expresivas
y abstractas del círculo y la línea, se caracteriza por un estilo más libre.
En azul
En 1911 formó, junto con Franz Marc y otros expresionistas alemanes, el grupo Der Blaue
Reiter (el jinete azul, nombre que procede de la predilección que profesaba Kandinsky por
el color azul.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón
(Coyoacán, 6 de julio de 1907-ibidem, 13 de julio de
1954) fue una pintora mexicana. Su vida estuvo
marcada por el infortunio de contraer poliomielitis y
después por un grave accidente en su juventud que la
mantuvo postrada en cama durante largos periodos,
llegando a someterse hasta a 32 operaciones quirúrgicas.
Llevó una vida poco convencional. Su obra pictórica
gira temáticamente en torno a su biografía y a su propio
sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras,
principalmente autorretratos, en los que proyectó sus
dificultades por sobrevivir. La obra de Kahlo y la de su
marido, el reconocido pintor Diego Rivera, se
influyeron mutuamente. Ambos compartieron el gusto
por el arte popular mexicano de raíces indígenas,
inspirando a otros pintores mexicanos del periodo
posrevolucionario.
En 1939 expuso sus pinturas en Francia gracias a una invitación de André Breton, quien
intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Kahlo decía que esta tendencia no
correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras
de esta exposición (Autorretrato-El marco, que actualmente se encuentra en el Centro
Pompidou) se convirtió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo
del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le
costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de
destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Vasili Kandinski, André
Breton o Marcel Duchamp, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional
después de su muerte, especialmente a partir de la década de 1970.
Frida conoció a Diego Rivera a través de Tina Modotti. Anteriormente, en 1922, había tenido
ocasión de observarlo durante la realización de su primer mural en el Anfiteatro Simón
Bolívar de la Escuela Nacional Preparatoria. En 1928 había encontrado nuevamente a Diego
Rivera en algunas veladas y reuniones a las que asistía con Tina Modotti, pero no había
hablado nunca directamente con él. Un día lo visitó espontáneamente, mientras trabajaba en
una serie de murales para el edificio de la Secretaría de Educación Pública, con el objeto de
mostrarle sus propios trabajos. Diego quedó impresionado con sus cuadros y la animó a
seguir pintando. Desde entonces fue constante invitado a la casa de los Kahlo.En 1953 en la
Ciudad de México se organizó la única exposición individual en su país durante la vida de la
artista. En una de las críticas se dijo: «es imposible separar la vida y obra de esta persona...
sus pinturas son su biografía». La exposición fue en la Galería de Arte Contemporáneo. La
salud de Frida estaba muy deteriorada y los médicos le prohibieron concurrir a la misma. No
obstante, llegó en una ambulancia, asistiendo a su exposición en una cama de hospital. Los
fotógrafos y los periodistas se quedaron impresionados. La cama fue colocada en el centro
de la galería y Frida contó chistes, cantó y bebió la tarde entera. La exhibición había sido un
rotundo éxito.Frida Kahlo murió en Coyoacán el 13 de julio de 1954. No se realizó ninguna
autopsia. Sus restos fueron velados en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y
se cubrió su féretro con la bandera del Partido Comunista Mexicano, un hecho que la prensa
nacional criticó profusamente. Su cuerpo fue incinerado en el Crematorio Civil de Dolores y
sus cenizas se conservan en la Casa Azul de Coyoacán, el lugar que también la vio nacer.
1. La Columna Rota
En México su primer mural fue La creación (1922), destinado al anfiteatro Simón Bolívar
de la Escuela Nacional Preparatoria. Ese mismo año, el pintor fue uno de los organizadores
de la Unión de Trabajadores Técnicos y Plásticos.
Pintó grandes frescos, sobre la historia y la sociedad de su país en los techos y paredes de
edificios públicos. De 1923 a 1926 realizó los murales al fresco de la Secretaría de
Educación en la ciudad de México, aunque su obra maestra es La tierra fecunda (1927)
para la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, donde representa el desarrollo
biológico del hombre y su conquista de la naturaleza. Pintó murales en el Palacio de
Cortés, en Cuernavaca (1930) y en la Secretaría de Salubridad.
Expuso y trabajó en Estados Unidos; su obra allí incluye un mural (1932-1933) para el
Instituto de Bellas Artes de Detroit y un fresco, Hombre en la encrucijada (1933),
encargado para el nuevo edificio de la RCA en el Rockefeller Center de Nueva York, y
destruido poco después de su realización porque contenía, un retrato de Lenin. Un año más
tarde, lo reprodujo para el Palacio de Bellas Artes de México.
En 1935 terminó los frescos para la escalera monumental del Palacio Nacional de la
ciudad de México, con su propia interpretación de la historia de su país. En la década de
1940 Diego Rivera pintó dos grandes murales en el Instituto Nacional de Cardiología
(1944), y otro gran mural para el Hotel del Prado, Sueño de la Alameda (1947), de tema
histórico-crítico.
Sus últimas obras las realizó en mosaico de piedras naturales, como las del Estadio de la
ciudad universitaria de México o el del Teatro Insurgentes. Legó a México una
importante colección de estatuillas de diversas culturas indígenas, que instaló en su casa
museo, el Anahuacalli, en la ciudad de México.
La primer compañera y amante reconocida de Diego Rivera fue la artista emigrante rusa
Angelina Belloff, con quien procreó un hijo que murió poco después. Tiempo más tarde
nació su primera hija, Marika, producto de los amoríos que tuvo con la pintora rusa,
Marievna Vorobiev-Stebelsca. La segunda esposa de Diego fue Guadalupe Marín,
modelo de sus retratos y con quien se casó en la iglesia de San Miguel de la ciudad de
Guadalajara. De esta relación nacieron dos niñas: Guadalupe y Ruth. Asimismo, otra de las
musas de Diego fue Tina Moddotti, quien aparece en murales como La tierra dormida,
Germinación y Los frutos de la tierra, entre otros. Mantuvieron una relación amorosa
que perduró hasta 1927. El 21 de agosto de 1929, Diego Rivera se casó con Frida Kahlo,
24 años menor que él. Su relación fue muy abierta y extraña, pues ambos se autorizaron a
tener relaciones sexuales fuera del matrimonio. En 1939 se divorciaron, pero se volvieron a
casar después de un año y esta vez la relación perduró hasta la muerte de ella, en 1954.
El 29 de julio de 1955, casi un año después de la muerte de Frida Kahlo, Diego Rivera
contrajo matrimonio por cuarta vez, con Emma Hurtado, quien era mucho más joven que
él y amiga suya desde hacía 10 años. Ella permaneció a su lado hasta su muerte, ocurrida a
causa de un cáncer el 24 de noviembre de 1957 en la Ciudad de México.
Su obra del período 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color
brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la
superficie plana del cuadro, muestran influencias del Cubismo, del Orfismo, del Futurismo y
del Purismo.
Aunque mantenía cierta relación con Breton y los surrealistas, en ocasiones hubo
distanciamientos entre ellos. Magritte siempre fue muy independiente, manteniendo sus ideas
y principios artísticos por encima de modas o intereses grupales.
‘Time Transfixed’