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Escuela de Educación
CI: 23.583.354
Marzo 2018
Índice
Introducción
1.3.1 El Dibujo
1.3.1.1Técnicas de dibujo
Lápices de grafito
Carbón
Sanguina
Lápices de colores
Tinta
Dibujo Artístico
Dibujo Técnico
Dibujo Geométrico
Dibujo Mecánico
Dibujo Arquitectónico
Dibujo analítico
Dibujo descriptivo
Dibujo naturalista:
Dibujo realista
Dibujo abstracto
Dibujo lineal
1.3.1.4 Artistas destacados del Dibujo
Pablo Picasso
Alberto Durero
1.3.2 La Escultura
Madera
Bronce:
Hierro
Piedra
1.3.2.2Tipos de Escultura
Escultura Estatuaria
De Bulto Redondo
De Relieve
Abstracto
Expresionismo Figurativo
Figurativo
Miguel Ángel:
Antonio Canova
1.3.3 La Pintura
Pintura histórica
Retrato
Pintura de género
Paisaje
Naturaleza muerta
Desnudo
Óleo
Cera
Acuarela
Témpera Acrílico
Pastel
Temple
Fresco
Puntillismo
Dripping
Grafi
Collage
1.3.4.2 Percepción
El punto
La línea
El contorno
Plano y textura
Adobe Photoshop
Adobe Illustrator
URL2PNG Pixie
1.3.5 Arquitectura
Común o vulgar
Arquitectura contemporánea:
2.1.4.1 La escultura
2.1.4.2 La pintura
2.1.6.1 La porcelana
2.1.6.2 La seda
2.1.6.3 Caligrafía
2.1.6.4 La Pintura
2.1.6.6 Escultura
3. - Pensadores Filosóficos
3.1 Sócrates
3.2 Platón
3.3 Aristóteles
5. Tratamiento Curricular
6.2Inteligencia Arte
6.5 Multiinteligencia
Conclusión
Referencias Bibliográficas
Introducción
Dentro de la formación estética visual entendemos que la visión es uno de los sentidos
más importante que acompañan al ser humano, porque el 80% de la información que
recibimos entra a través de los ojos; no sólo las imágenes sino también todas las
sensaciones que les acompañan. Para el niño una buena formación estética visual le va a
permitir ampliar su horizonte, provocando que use el sentido de la vista más allá de sólo
simplemente la observación de una imagen, sino que le va permitir conocer y conocerse
así mismo a través de la expresión artística.
También es importante conocer acerca de los filósofos que aunque hace muchos años
existieron sus palabras, sus trabajos, siguen siendo de gran influencia para la vida
actual, porque es en la filosofía que podemos hallar el sentido de la vida. Se indagará
sobre las vidas de Heráclito, Sócrates, Platón, Ion, Aristóteles acerca de sus
pensamientos y su relación con la estética.
Asimismo se abordaran los temas desarrollo integral y aprendizaje integral, que son
vitales conocerlos puesto que servirán de base y apoyo para el trabajo que se realizara
más adelante relacionado con las situaciones vivenciales de formación y otros aspectos
básicos de la materia, además como futuras docentes es primordial que estos temas se
manejen con antelación.
Proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una actitud estética en las
personas, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo cual contribuye al
desarrollo integral de la personalidad en correspondencia con su contexto sociocultural.
El ser humano en cada época, teniendo en cuenta el ideal estético de su sociedad va a
darle a los objetos cualidades que lo van a distinguir entre lo bello y lo feo, lo trágico y
lo cómico, lo sublime y lo ridículo.
El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el
ser humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o
imaginario. Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar
ideas, emociones, percepciones y sensaciones. El arte es el conjunto de disciplinas que
se orientan a una finalidad expresiva y estética. Si bien es cierto que un gran número de
actividades humanas guardan relación con la capacidad de expresión y la estética, solo
en el arte estas características se presentan como sentido y razón de ser.
El concepto de arte visual se encuentra formado por dos términos bien diferenciados,
que explicaremos a continuación: arte y visual. Arte es una palabra que sirve para
referirse a aquellas creaciones hechas por el hombre, a través de las cuales manifiesta su
visión sensible del mundo, ya sea real o imaginario. Y el término visual que proviene de
un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo perteneciente o relativo a la visión
(sentido que permite detectar e interpretar la luz y la capacidad propia de ver que tienen
los seres vivos del reino animal gracias a sus sistemas naturales).
Las artes visuales son una manifestación artística, expresiva, de percepción visual en la
cual el individuo crea y recrea mundos naturales o fantásticos mediante elementos
materiales utilizando diversas técnicas que le permiten expresar sus sentimientos,
emociones y percepciones del mundo que lo rodea.
1.3.1 El Dibujo: es una forma de expresión gráfica que estampa imágenes sobre un
soporte real o virtual; por ejemplo: papel, madera, cartón, vidrio o a través del
computador. Considerado uno de los elementos que integran la pintura y uno de los
tipos de artes visuales. El dibujo representa el lenguaje gráfico universal y ha sido
utilizado por la humanidad desde la prehistoria.
1.3.1.1Técnicas de dibujo:
Lápices de grafito:
El grafito es un carbón natural creado a partir de la presión que la tierra ejerce sobre la
madera. El soporte que se utiliza para realizar dibujos con grafito es el papel,
generalmente blanco o de colores no muy oscuros. Los dibujos realizados con grafito
pueden borrarse con goma muy fácilmente, ya sea de pan o goma de borrar estándar.
Esta técnica recurre a las manchas y tramas para lograr distintas escalas tonales, las
cuales dependerán del tipo de papel y lápiz que se utilicen. La podemos abarcar en dos
grandes etapas: la primer se basa en dibujar las líneas que van a configurar el esqueleto
del dibujo; la segunda, abordará el sombreado. Existen diferentes graduaciones de
lápices –como ya he dicho previamente- que van a hacer que el trazo sea más o menos
duro y van a influir directamente sobre la técnica del sombreado.
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Carbón:
Este material es de los más antiguos, ya se lo utilizaba para realizar los dibujos en las
cavernas. Esta técnica se caracteriza por permitir realizar dibujos muy elaborados. Si
bien el carbón es madera quemada, actualmente este material es sometido a diversos
procedimientos químicos. Generalmente al carbón utilizado para dibujar se lo denomina
carboncillo y el soporte ideal para utilizarlo son los papeles granulosos y suaves, que
facilitan los frotados y borrados y además retienen mejor al carbón. El carboncillo
permite confeccionar bocetos previos, ya que es muy sencillo de borrar, también se lo
usa para manchas y líneas de distintos grosor. Otra ventaja que presenta esta técnica es
la creación de distintos tonos a partir del difumino.
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Sanguina:
La sanguina, compuesta por una barra de pigmentos en polvo, es una técnica muy
utilizada para la realización de retratos, paisajes, esbozos desnudos y vestimenta ya que
permite resaltar con facilidad las expresiones y formas. Por medio de esta técnica se
logra crear el efecto de imágenes a todo color utilizando sólo tres: negro, blanco y
sanguina. Los dibujos realizados se destacan por su suavidad, calidez y luminosidad.
http://www.tiposde.org/img/tecnica3.jpg
Lápices de colores:
Los lápices se caracterizan por su sensibilidad a la superficie del soporte, por lo que los
resultados variarán según el tipo de papel que se utilice. La ventaja de esta técnica que
la diversidad de efectos que permiten crear, desde dibujos sumamente detallados con
una vasta gradación tonal hasta bocetos de suaves tonalidades.
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Tinta:
La tinta utilizada en esta técnica se seca sobre películas duras y brillantes, lo que da la
posibilidad de colocar nuevas capas encima. El soporte que se utiliza en esta técnica
debe ser grueso, duro y sin superficies porosas ni absorbentes. La pluma en la que se
introduce la tinta crea marcas inequívocas y directas, caracterizadas por ser permanentes
y fijas.
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Dibujo Artístico: El "Dibujo Artístico" se define como el tipo de dibujo que sirve para
expresar ideas filosóficas o estéticas así como sentimientos y emociones. El artista
cuando dibuja cosas, las dibuja tal como las ve emocionalmente de acuerdo con su
propia y peculiar manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo
requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.
El dibujo arquitectónico, abarca una gama de representaciones gráficas con las cuales
realizamos los planos para la elaboración de edificios, casas, quintas, autopistas etc...
Se dibuja el proyecto con instrumentos precisos, con sus respectivos detalles, ajuste y
correcciones.
1.3.1.3 Estilos de Dibujo:
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gneros-y-estilos-23-638.jpg?cb=1500495921
https://i.pinimg.com/736x/12/d8/80/12d880fa833e7017aca61cc7ef140edd.jpg
Dibujo descriptivo: Aquel relacionado con el concepto de descripción, acción y efecto
de describir, dibujar o representar una cosa dando idea exacta de ella.
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Maurits Cornelis Escher: fue un artista neerlandés conocido por sus grabados
xilográficos, sus grabados al mezzotinto y sus dibujos, que consisten en figuras
imposibles, teselados y mundos imaginarios. Fecha de nacimiento: 17 de junio de 1898,
Leeuwarden, Países Bajos. Fallecimiento: 27 de marzo de 1972, Laren, Países Bajos.
Manos dibujando quizás sea la más conocida por las múltiples
versiones y parodias que existen. En el original se representan dos
muñecas bidimensionales, con un dibujo del contorno, que parecen
salirse del papel gracias al efecto tridimensional del sombreado
realista para completar respectivamente las mangas de la camisa del
otro brazo.
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dibujan-56a036fd5f9b58eba4af5da0.jpg
Alberto Durero: es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo
el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Nació 21 de
mayo de 1471 y murió 6 de abril de 1528 en Alemania.
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Keith Allen Haring: fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la
generación pop y la cultura callejera de la Nueva York de los años 1980. Lo más
conocido son el estilo característico de sus dibujos con rotulador, entre el cómic y el
graffiti, en distintos medios y superficies (desde camisetas, lienzos, papel…)
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1.3.2 La Escultura: (del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión artística
consistente en tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear una forma con
volumen. Esto quiere decir que, a diferencia de la pintura, que es bidimensional y plana,
las esculturas tienen volumen y pueden ser apreciadas no sólo de frente sino desde
distintos puntos. La escultura prehistórica es realizada principalmente en piedra y hueso.
Como primeras manifestaciones de escultura prehistórica encontramos utensilios y
plaquetas de marfil, y hueso grabados, además de ser un arte mobiliar, realizado
principalmente con piedra y hueso, materiales empleados por el hombre primitivo.
Madera: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la religión, estas
tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden hallarse estas piezas en diversas
culturas y en diversos momentos de la historia. De hecho es uno de los materiales que
los escultores más estiman por los excelentes resultados que permiten obtener y por la
facilidad con la que se puede manejar. Se presentan en formas muy variadas, sean estás
representaciones realistas o abstractas. Muchas veces estas obras no son pintadas, para
poder apreciar sus colores naturales y en caso de decidir colorearlas es preciso elegir la
pintura adecuada para cada tipo de madera.
http://www.dogguie.net/wp-content/uploads/2009/07/esculturas-curiosas-madera-09.jpg
Bronce: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su materia prima. Sin
embargo resulta muy difícil de manipular. Para ello son utilizadas diversas técnicas, la
más importante es a basa de cera. Con este material se realiza un molde, cubierto con
barro. El bronce es derramado sobre el mismo y la cera se derretirá, pero el metal
adquirirá su forma.
Su uso más común se relaciona con fuentes, grandes monumentos, entre otros.
Atleta victorioso o atleta de Fano (ca. 310 a. C.), uno de los escasos
bronces griegos antiguos preservados en el fondo del mar.
https://es.wikipedia.org/wiki/Escultura_en_bronce
Hierro: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años. Estas técnicas se
difundieron por toda Europa varios siglos después por medio de los fenicios y griegos.
Durante mucho tiempo fue utilizada con diversos fines sean decorativos o para la
fabricación de herramientas o armas. Sin embargo fue a partir del Renacimiento cuando
adquirió un carácter artístico y durante la modernidad comenzó a ser muy importante.
Una de las técnicas más importantes es el repujado, básicamente a través del impacto de
varas o chapas de hierro, se encuentre este caliente o frío, se modela el material.
Además son muy utilizadas las técnicas de soldadura.
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Piedra: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el mármol. Se
considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra fueron creadas durante el
renacimiento. Algunos de los artistas más reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y
Leonardo Da Vinci.
Las herramientas que se usan deben ser cortantes. Los golpes pueden ser ejercidos
directamente sobre el material o con la ayuda de algún mazo o martillo. La herramienta
más utilizada es el puntero, su extremo es en punta y es usado para realizar agujeros.
También son muy utilizadas las gubias, taladros y cinceles.
Los temas que se abordan desde la escultura de piedra en el continente europeo durante
la antigüedad suelen ser limitados a la vida religiosa y civil, sobre todo en cuanto a la
política. En otras culturas, como la egipcia o mexicana hay mucha presencia de
animales, sobre todo de gatos en el primer caso y monos en el segundo. Hoy en día el
arte de las esculturas de mármol se encuentra mucho más diversificado, incluyendo
formas abstractas.
https://ugc.kn3.net/i/origin/http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/10/Mount_Rushmor
e_National_Memorial.jpg/800px-Mount_Rushmore_National_Memorial.jpg
1.3.2.2Tipos de Escultura
La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y escultura ornamental.
Escultura Estatuaria: lleva con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal
propio, desempeñando la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la
primera y a la Arquitectura. A su vez comprende varios tipos: De bulto redondo y
Relieve.
De Bulto Redondo: Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista
a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua y si representa
imágenes divina recibe el nombre de imagen.
Dios Mitra
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tbn3.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRMumHW8oeaCO21Ssrp6x77_o9dEiujJbgvYaYg
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SEDENTE: Sentada.
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IODg
YACENTE: Tumbada.
http://www.ildefonsosuarez.es/Arte2bat/Tema_Neoclasico_al_Re
alismo.Goya/Imagenes_Neoclasico_al_Realismo-
Goya/Neoclasico/Extranjero/Importante/arles_gallery/images/Can
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ORANTE: De rodillas.
http://t2.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQlT7HzdtrIDfi-
kPyrNDgsB7s-TSgbHU2_IFqgavStEP5OIri1dg
ECUESTRE: A caballo.
Escultura de Felipe IV
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BP0uxo/UcIc6Kd86yI/AAAAAAAAA_M/hdHFHkxtznA/s1600/Feli
pe+IV.JPG
http://t0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQympOdbeh
cFuUJgvXHzwrMNzjKpvktUF05CMxSNULbkNdWOza
3
DE RELIEVE: Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra
superficie, se divide en:
Françios Rude
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http://estaticos2.catai.es/content/media/fotos/samples/large/reli
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http://t1.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTJi8TUs5id-
_ZmpZixO1JxV9ghyGJXDnO_nlNqPfAhmSJaZNNt
ABSTRACTO: Forma de arte que no intenta representar el mundo que nos rodea.
Aplicable a cualquier arte que no represente objetos reconocibles. No imitación de la
naturaleza.
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http://1.bp.blogspot.com/_oLLJ4sC9YUY/Sfw6vGlCebI/AAAAAAAAAJg/aBCAylfpGEU/s1600/escultura+abstracta+2.jpg
EXPRESIONISMO FIGURATIVO: Esculturas elaboradas con material pesado
donde la figura humana sirve de pretexto para la expresión artística.
http://www.patrimonioartistico.us.es/imagen_e
nvia.jsp?id=668&tipo_imagen=ficha
http://3.bp.blogspot.com/_YZbzpeFxrEk/Rz9hmvb7pjI/AAAAAAAAABI/egNxnutBMKY/s400/una_mano_en_el_desierto_1.jpg
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.jpg
https://i.pinimg.com/originals/6f/a9/f1/6fa9f174f3790521a55c40a6cdfed
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Gian Lorenzo Bernini: fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, nació el 28 de
noviembre de 1680. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más destacado
escultor de su generación. Muchas son las obras reconocidas mundialmente de este
autor, como por ejemplo 'David' o 'El rapto de Proserpina', sin embargo, la más popular
probablemente sea 'Apolo y Dafne', hecha a tamaño real.
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http://estag.fimagenes.com/img/3/Q/P/V/QPV_900.jpg
1.3.3 La Pintura
Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la presentación
artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también la técnica, las
dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los autores como Platón
(427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC) afirmaron que el arte es
siempre una mímesis y que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su
buena representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o real.
Vitruvio en la segunda parte del siglo I, describió la decoración de comedores donde se
veían imágenes con comida y de otras salas con paisajes o escenas mitológicas.
Pintura histórica: La pintura histórica era considerada grande genre e incluía las
pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos, era
prácticamente una interpretación de la vida y mostraba un mensaje intelectual o moral.
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Vincent Willem van Gogh fue un pintor neerlandés, uno de los principales
exponentes del postimpresionismo. Pintó unos 900 cuadros y realizó más
de 1600 dibujos. Nació el 30 de marzo de 1853 Países Bajos y murió el 29
de julio de 1890, Francia.
https://imgc.allpostersimages.com/img/print/posters/vincent-van-gogh-dr-
paul-gachet_a-G-7863830-4988858.jpg
Pintura de género: La pintura de género o «escena de género» es el retrato de los
hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor,
también se suele llamar «pintura costumbrista».
https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQCmkiqoeJ79_-
_4TvyzXxpf1r3KxkPXsTGiiHGoqCFBz32FXyn
Paisaje: En China y Japón son los países donde, desde el siglo V, se encuentran
pinturas con el tema del paisaje. En Europa, aunque aparecen elementos de paisaje
como fondo de escenas narrativas, o tratados de botánica y farmacia, se inicia
verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del coleccionismo se empezó a
pedir temas de cuadros campestres y a designar como especialistas a los pintores del
norte de Europa. Así de una manera específica se impuso el tema del «paisaje
holandés», que se caracteriza por su horizonte bajo y los cielos cargados de nubes y con
motivos típicos holandeses como los molinos de viento, ganados y barcas de pesca.
https://i.pinimg.com/originals/1b/ca/5a/1bca5ac149971c2108ab5e5d
c2095588.jpg
Desnudo: El desnudo es un género artístico que consiste en la representación del cuerpo
humano desnudo. Es considerado una de las clasificaciones académicas de las obras de
arte. Aunque se suele asociar al erotismo, el desnudo puede tener diversas
interpretaciones y significados, desde la mitología hasta la religión, pasando por el
estudio anatómico, o bien como representación de la belleza e ideal estético de
perfección, como en la Antigua Grecia.
https://encrypted-
tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTZcMpS7HNuTi9qHwvNUs5sl
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Cera: El vehículo son ceras que normalmente se usan calientes. La encáustica, que
deriva del griego enkaustikos ('grabar a fuego'), es una técnica de pintura que se
caracteriza por el uso de la cera como aglutinante de los pigmentos. La mezcla tiene
efectos muy cubrientes y es densa y cremosa. La pintura se aplica con un pincel o con
una espátula caliente. La terminación es un pulido que se hace con trapos de lino sobre
una capa de cera caliente previamente extendida (que en este caso ya no actúa como
aglutinante sino como protección). Esta operación se llama «encaustización» y está
perfectamente descrita por Vitruvio (c. 70-25 aC), que dice así: «Hay que extender una
capa de cera caliente sobre la pintura y a continuación hay que pulir con unos trapos de
lino bien secos.»
https://i1.wp.com/totenart.com/tutoriales/wp-content/uploads/2016/05/tutorial-ceras-y-acuarelas-tecnica-
mixta-totenart.jpg?resize=1000%2C725&ssl=1
Acuarela: La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en
agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla)
y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se
compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se
emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la
composición que se está realizando. Requiere del artista la seguridad en los trazos y
espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en el frescor y la
transparencia de los colores.
Thomas Girtin, Abadía Jedburgh desde el río, acuarela sobre
papel, 1798-99
https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTS0WQhZEFmfwMAcfE2UCE4ncWEd2iv22alOQmvyCVaExG-jiYA
https://artelista.s3.amazonaws.com/obras/big/7/6/9/9992701264284612.jpg
Acrílico: La pintura acrílica es una clase de pintura de secado rápido, en la que los
pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola vinílica,
generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la misma.
Se destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica
ligeramente el tono, más que en el óleo.
León. (Impresionismo).
https://i.ebayimg.com/images/g/OAcAAOSwXY5ZUcEd/s-
l300.jpg
https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcRkl3moVwAs0m3PT79jItu_ShMjt-Skf_Yn61xocGeACtJO0cZr
Temple: La pintura al temple tiene como aglutinante una emulsión de agua, clara y
yema de huevo y aceite. Conviene primero hacer la mezcla del huevo con el aceite hasta
lograr una mezcla homogénea, después gradualmente agregar el agua hasta crear la
emulsión o médium de la técnica al temple.
El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli fue pintado con la
técnica del Temple. Botticelli fue un pintor renacentista, nació
y murió en Florencia, Italia (1 de marzo de 1445/ 17 de mayo
de 1510). http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-
content/uploads/2008/06/nacimientodevenus_temple.jpg
Fresco: Técnica o arte de pintar con pigmentos de origen mineral resistentes a la cal y
empapados de agua sobre un muro con revoque de yeso todavía mojado. Esta técnica de
pintura suele ser estable y de larga duración, aunque se puede dañar por causas físicas,
químicas o bacteriológicas, la más frecuente es la humedad que consigue la alteración
de los colores ante la disolución del carbonato de calcio y el desarrollo del moho.
Giotto di Bondone - Beso de Judas
http://www.theartwolf.com/imagenestAW/Giotto_Kiss_of_Judas_scrove
gni.jpg
https://i.pinimg.com/originals/86/f2/9e/86f29eabdace49d029291ee3bf9fd7eb.jpg
Dripping: El dripping es una pintura automática, que según los surrealistas se consigue
con ella una pintura casual, hecha con gotas y salpicaduras de pintura, es la técnica
pictórica característica de la «action painting» estadounidense (pintura de acción). La
pintura se realiza por el artista caminando sobre la superficie a pintar con grandes
brochas o con el mismo bote de pintura, dejando caer el goteo del color, normalmente
esmalte, que es el que forma las manchas sobre el soporte.
Esta obra de Jackson Pollock fue compuesta
entre los años 1943-1947, etapa caracterizada
por el action-painting
https://xgfk13ist.files.wordpress.com/2014/01/
mffin.jpg
Grafiti: Se realiza con una pintura envasada en aerosoles que se utiliza pulsando el
botón superior por lo que sale en una aspersión muy fina y permite pintar grandes
superficies, normalmente los muros de las calles, a la pintura conseguida de esta manera
se le denomina grafiti. A finales del año 1970 se empezaron a ver muchas de estas obras
urbanas firmadas y cada vez más elaboradas, incluso se fabrican pintura en aerosol
exclusivamente para estos artistas, a veces se utilizan plantillas para recortar la
superficie que se quiere pintar, así como también hay otras plantillas para letras en el
mercado, aunque lo más corriente es que los propios artistas se hagan las suyas.
Graffiti-Mural por Puçol(Valencia)
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Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico,
algunos lo datan durante el período de entre guerras. Otros entienden que comienza a
identificarse como tal para finales del siglo XIX. Entre 1891 y 1896, la imprenta
Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más
significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo
negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a
las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para
los trabajos de diseño gráfico.
1.3.4.2 Percepción:
Para estudiar los elementos básicos del diseño gráfico primero hay que tener
conocimiento de las leyes que rigen la percepción para poder elaborar un diseño con
calidad. Este conocimiento es esencial pues ayuda al diseñador ver e identificamos la
línea, el color, el contorno, la textura y el entorno que tienen las cosas. Si sabemos
cómo es el proceso de percepción física y psicológica de los objetos, podremos tener
más elementos para poder influir en el receptor de nuestro trabajo de diseño.
Todas las percepciones comienzan por los ojos, permitiéndonos tener una mayor
capacidad de recuerdo de las imágenes que de las palabras, ya que las primeras son más
características y, por lo tanto más fáciles de recordar. La percepción está condicionada
por el aprendizaje o conocimiento previo que tengamos de los objetos. Nuestro cerebro
tiene tendencia a ubicar los elementos dentro de los parámetros referenciales que nos
hemos construidos a través de la experiencia previa o conocimiento.
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1.3.4.2 Elementos básicos y sus características:
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La línea: puede ser considerada como la traza que deja el punto al moverse, o como la
unión de dos o más puntos. A su vez es una suma de puntos que son conectados en el
espacio.
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linea.jpg?1372890165
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Plano y textura
Color: El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores. Se pueden además emplear
tres dimensiones físicas del color para relacionar experiencias de percepción con
propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.
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Adobe Photoshop
Adobe Illustrator
Adobe Illustrator es un programa que crea imágenes digitales usando parámetros
matemáticos. No es recomendable para dibujo técnico, aunque podría realizar trabajos
relacionados con sus herramientas. De hecho, está diseñado para la elaboración de
logotipos, ilustraciones, tipografías, documentos sencillos como tarjetas de
presentación.
Crea dibujos trazando líneas rectas y curvas, cerrando contornos y llenándolos de color.
Permite agregar fotos y textos aunque esta función no es su fuerte. Se complementa con
Photoshop, que es un programa para editar fotos, ajustarlas y generar efectos especiales.
El programa también te permite crear un diseño a partir de plantillas que abarcan desde
boletines, membretes y sitios Web hasta menús de DVD y también botones de vídeo.
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ustrator/max2017/images/ai-feature-thumb-1_416x207.jpg
URL2PNG
Esta herramienta es útil para ordenadores con pantallas muy pequeñas, y esto permite
apreciar como se ve un sitio web al completo. Gracias a esta herramienta únicamente
tendremos que brindar la dirección del sitio web que necesitemos hacer una captura de
pantalla, y obtendremos una imagen total del sitio en formato PNG. Es una aplicación
web muy útil para los diseñadores gráficos que se dediquen a elaborar diseños de
páginas web, ya que obtendrán una imagen preliminar sin importar el sistema operativo
o el navegador que estén utilizando.
https://host.easylife.tw/pics/201411/url2png.jpg
Pixie
Este es un programa que sirve como selector de color para todos los ordenadores que
tengan instalado alguna versión del sistema operativo de Microsoft Windows, entre
otros. De hecho, estos últimos años se ha dado una tendencia a engordar estos
programas, añadiendo prestaciones, de modo que pueden llevar a cabo tareas de casi las
tres bases de la auto edición comentadas. La consecuencia principal ha sido la aparición
de programas, innecesariamente complicados, devoradores de recursos y lentos, que a
veces hacen añorar las primeras versiones, más rápidas simples y fiables, y con un
mejor enfoque en trabajos específicos.
Las reglas básicas del diseño son aplicables también al diseño digital. La simplicidad,
consistencia, una buena composición, son una garantía de buenos resultados, como lo
eran antes de la invención de los ordenadores. Dentro de la nueva era digital, tanto en el
campo de la fotografía cómo en el diseño gráfico, cada vez se utilizan más las nuevas
tecnologías, la informática, los ordenadores y los equipos digitales en general.
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1.3.5 Arquitectura:
Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la materia, De
Architectura, de Vitruvio, en el siglo I a. C., se dice que la arquitectura descansa en tres
principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza (Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La
arquitectura se puede definir, entonces, como un equilibrio entre estos tres elementos,
sin sobrepasar ninguno a los otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la
arquitectura sin aceptar estos tres aspectos.
1.3.5.2 Principales Tipos de Arquitectura
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Desde la enseñanza del arte se puede preparar a la sociedad para la lectura y el uso del
lenguaje visual. Y es que el arte nos puede enseñar a conocer mejor el mundo en el que
vivimos" (Megías, 2007: 84). En efecto, si en el arte ya no existen restricciones en
cuanto a su medios de producción e interpretación, abarcando un sin fin de
posibilidades a través de la cultura visual, la tecnología y los nuevos medios, no debería
tampoco existir restricciones a la hora de hablar de Arte en las escuelas; Arte puede ser
sinónimo de hacer y estar en el mundo.
En este sentido, cabe destacar la importancia que adjudican los jóvenes al mundo de las
imágenes y a la estética en general, en la vida cotidiana y en la incorporación y
modelación de sus identidades, muchas veces de forma inconsciente y sin orientación.
Por ello en la formación estética visual se debe dar las orientaciones fundamentales del
arte y el arte visual, para que los estudiantes puedan comprender y valorar el mundo de
la estética desde una perspectiva propia pero con bases sustentables.
El Discóbolo de Mirón
https://listas.20minutos.es/lista/arte-griego-360067/
Estilo elaborado por los antiguos artistas griegos, caracterizado por la búsqueda de la
«belleza ideal», recreando el «mundo ideal» del modelo platónico, o mediante la
«imitación de la naturaleza» en el sentido de la mímesisaristotélica. La cultura
desarrollada por los antiguos griegos establece los fundamentos de la cultura occidental.
De ella surgieron los conceptos y principios del arte, la filosofía y el saber posterior.
El periodo geométrico
Se data en torno al año 1000 a. C., aunque se conoce poco sobre el arte griego durante
los 200 años precedentes (tradicionalmente conocido como edad oscura griega); el
período del siglo VII a. C. atestiguó el lento desarrollo del estilo arcaico según lo
observado por el estilo de pintura de 'figura-negra'. El inicio de las Guerras Médicas
marcará el final del período arcaico y el comienzo del clásico; el reinado de Alejandro
Magno (336 a. C. a 323 a. C.) es tomado como la separación entre el arte clásico y el
helenístico.
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El periodo arcaico
Se inicia a finales del siglo VIII a.C. y abarca hasta comienzos del siglo V a.C. el arte
desempeña en esta etapa un nuevo papel propagandístico de la tiranía, cuyos
gobernantes lo utilizan para justificar su poder escasamente legitimado. A partir del
siglo VI a.C. el centro político de la polis se convierte en un lugar de gran relevancia
artística, convirtiéndose la plaza pública o ágora en el corazón de las actividades cívicas
de la sociedad. Se crean ahora santuarios panhelénicos, como Delfos y Olimpia, donde
los distintos tiranos realizan grandes ofrendas votivas para exhibir su poder, y se
fomentan nuevos cultos populares, al tiempo que surgen mitos relacionados con dioses
y héroes locales, lo que incrementa las identidades políticas de las distintas polis que
necesitan sentirse independientes y destacar sobre el resto.
Kuros
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CnDg/s1600/kouros_kroisos.jp
Vestigios: Dentro de las más importantes Ruinas del Templo de Artemisa en Éfeso.
Grabado de la estatua de Zeus en Olimpia. El arte antiguo griego ha perdurado en la
forma de esculturas y arquitectura; también en artes menores como el diseño de
monedas, el grabado de alfarería y gemas.
Ruinas del Templo de Artemisa en Éfeso
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Pintura: Los griegos, como la mayoría de las culturas europeas, consideraban la pintura
como una de las formas más altas de arte. Las obras de Polignoto de Tasos, que trabajó
en el siglo V a. C., seguían siendo admiradas incluso 600 años después de su muerte,
como después ocurrió con las de Leonardo da Vinci o Miguel Ángel, sin embargo en
este caso no solo no se han conservado ninguna de sus obras sino tampoco ninguna
reproducción.
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El templo: Al principio los templos son muy pequeños y apenas se diferencian de una
casa, pero con el tiempo, además de la sustitución de elementos blandos por rocas o
sillares, se establecen los órdenes, El dórico, el jónico y el corintio son los tres órdenes,
los dos primeros surgen al principio de la época mientras que el corintio se origina
después derivando del jónico. Además la arquitectura griega es adintelada por la viga
que se pone en el pórtico llamada dintel. Ignora los arcos y otros tipos de arquitectura.
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La planta: Al templo se accede por el pórtico, que está entre dos columnas, que lleva a
la sala que cobija al dios (cella), que lleva al opistodomos, lugar sellado donde se
encuentra el tesoro del templo, aunque a veces se puede acceder desde el exterior. Si el
templo está rodeado de columnas, se le llama períptero y si las columnas se limitan al
pórtico, se llama próstilo, según las columnas que tenga el pórtico, será dístilo (dos
columnas), tetrástilo (cuatro), y así sucesivamente siempre siendo pares.
Orden dórico: Tiene como base tres escalones los dos primeros por abajo llamados
estereobatos y el primero por arriba llamado estilobato. No tiene basa y el diámetro del
fuste es más pequeño desde el estilobato hasta el capitel, pero no es regular ya que se
abomba en el centro (éntasis).
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Orden jónico: Tiene la misma base, y se le añade un elemento que permite decorar el
fuste, la basa. El fuste recibe el mismo trato que en el jónico excepto en el éntasis, ya
que no tiene. El capitel, aunque puede ser más compuesto, está decorado con volutas, y
el collarino pasa a formar parte del capitel y no se le da tanta importancia como antes.
El arquitrabe pasa a tener tres bandas horizontales que se llaman fasciae y que rebasan
cada una a su inmediata inferior. El friso es un espacio liso dedicado a realizar
esculturas en él. Los demás aspectos son iguales que el dórico.
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Escultura: Todas las esculturas y obras de arquitectura que han perdurado, sólo son una
pequeña muestra de la inmensa colección de obras griegas. Muchas esculturas de dioses
paganos fueron destruidas durante la era cristiana. Desgraciadamente, cuando se calcina
el mármol se produce la cal, y ése era el destino de muchas obras de mármol griegas
durante la Edad Media. Durante ese mismo período, debido a la escasez de metales, la
mayoría de las estatuas de bronce eran fundidas. Actualmente muchas de las obras que
hoy tenemos son copias romanas.
Periodo Helenista:
Esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma modelos de
las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de realización, entra
la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad,
dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer
plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las Escuela
de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
El Toro Farnesio
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2.1.2 Arte romano son todas aquellas manifestaciones de las artes visuales
desarrolladas en la ciudad de Roma que fueron exportadas a todos los territorios del
Imperio romano. Las primeras manifestaciones del arte romano surgieron bajo el influjo
del arte etrusco y fueron contagiadas por el arte griego, que los romanos conocieron en
las colonias de la Magna Grecia, ubicadas en el sur de Italia y que conquistaron en el
proceso de unificación territorial de la península durante los siglos IV y III a. C. La
influencia griega se acrecienta cuando, en el siglo II a. C., Roma ocupa Macedonia y
Grecia.
El arte romano proviene del arte griego, cuando la República conquistó Grecia. Los
romanos se desmarcaron de esta temática y exaltaron a los propios hombres. Bustos,
esculturas de gobernadores y políticos, retratos de emperadores, batallas y arcos
triunfales conmemorativos con relieves que narran las batallas. Este fue el hecho
distintivo del arte romano y lo que lo hace más original, su temática. El arte romano
alcanzó su periodo de mayor esplendor durante el siglo de oro del Imperio Romano. Fue
más variado e incluso moderno que el arte griego y es por ello que tuvo mayor
influencia en el arte del Renacimiento y la Edad Media. El arte de Roma se caracteriza
por su practicidad, no tanto por su fin estético.
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• Las termas: Eran los centros sociales, los cuales se dividían en tres grandes salas de
baño, salas de masajes, vestuarios y jardines. Ejemplo: Las termas de Trajano, Caracalla
y Dioclesiano.
• El teatro: Edificación con similitud griega la cual es adaptada a sus necesidades. Los
romanos varían su construcción abovedando las galerías. Ejemplo: Teatro de Liptis
Magna (Libia).
• Los anfiteatros: Otra construcción de carácter monumental la cual se conforma por una
planta elíptica, se divide en: el graderío para el público, la arena para el espectáculo y un
conjunto de galerías subterráneas bajo la arena y el graderío, para las fieras, luchadores,
etc.
• Los arcos del triunfo: Inicialmente tienen como utilidad conmemorar victorias y
posteriormente se empiezan a ver en todas las entradas de las ciudades.
2.1.2.2 Escultura en el arte romano:
Como en la pintura la escultura presento influencia de la cultura griega, en donde los
materiales eran el mármol y el bronce. Predomina la presencia del retrato o busto con
bastante expresividad, casi siempre serena o triste. En segundo plano la presencia de
relieves de carácter narrativo en los cuales se exaltaban los valores guerreros y triunfos
sobre los enemigos y la figura humana sobre cualquier otro elemento decorativo.
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Fontana Di Trevi/Roma
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Los grandes monumentos que se realizaron en el arte egipcio fueron gracias a los
conocimientos técnicos y matemáticos que se emplearon para la construcción. Por esta
razón, los artesanos y los artistas solían ser personas muy bien organizadas y además
experimentados, podríamos decir que los artistas de esta época eran unos expertos en
realizar obras de arte. Actualmente, las obras de arte más destacadas de la arquitectura
de arte egipcio eran las pirámides, las tumbas y los templos.
La Esfinge. Al fondo Gran Pirámide de Guiza
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Durante los primeros reinados en la escultura egipcia solían representar a los dioses y
los faraones. Sin embargo, cuando surgió la “cuarta dinastía” la escultura del arte
egipcio consiguió un gran dominio sobre las técnicas que utilizaban y por ello el artista
realizo otras obras de artes con un aire más elegante y donde se representaban a los
soberanos con cierto carácter majestuoso. La gran mayoría de las obras tenían acabados
muy pulidos y los materiales que utilizaban solían ser muy duros como por ejemplo la
diorita y el granito. Las estatuas más representadas solían ser las figuras de los dioses y
los reyes, estas estatuas se caracterizaban por tener una gran simetría y estaban
idealizadas. Sin embargo, las figuras que se realizaban sobre los cortesanos tenían un
gran realismo.
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Hace referencia a las expresiones artísticas de las culturas que florecieron en las riberas
de los ríos Tigris y Éufrates desde el Neolítico (hacia el VI milenio a. C.) hasta la caída
de Babilonia ante los persas en el año 539 a. C. La incorporación por difusión cultural o
el desarrollo endógeno de múltiples materiales y técnicas artísticas y artesanales fue
parejo tanto a los avances tecnológicos (desarrollo de hornos cada vez más eficaces,
deltorno de alfarero, de la cerámica vidriada o de la metalurgia) como sociales y
culturales (nacimiento de la ciudad, de la escritura, de las religiones institucionalizadas
y del Estado -lo que se denomina sociedad compleja o civilización-).
2.1.4.1 La escultura
Es la faceta del arte que en Mesopotamia se hace reconocer más fácilmente, tanto en su
concepto como en su técnica. Unas veces representaba soberanos, otros dioses, otros
funcionarios, etc, pero siempre personas individualizadas (a veces con su nombre
grabado), busca substituir a la persona más que representarla. Por este motivo, la cabeza
y el rostro aparecen desproporcionados en relación al resto de la figura. Era
característico lo que se denomina “realismo conceptual”, y es que simplifica y regula las
formas naturales provocando que tanto la parte izquierda como la derecha sean
totalmente simétricas. También se observan dentro de este realismo el crear la figura
dentro de un esquema geométrico que solía ser el cilindro o el cono. Las
representaciones humanas presentan una total indiferencia con la realidad, sin ningún
parecido, mientras que las representaciones animales tienen un mayor realismo y
fidelidad con la imagen real.
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2.1.4.2 La pintura
Debido a las características del país, existen muy pocas muestras de ello. No obstante,
se puede apreciar que tienen la misma temática y técnica que utilizan en los relieves, sin
perspectiva. Al igual que los mosaicos (más perdurables) tienen un fin decorativo. En la
pintura y los grabados, la jerarquía se mostraba de acuerdo al tamaño de las personas
representadas en la obra: los de más alto rango se mostraban más grandes a
comparación con el resto.
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Las primeras manifestaciones artísticas indias son las plasmadas por la Cultura Harappa
en cerámicas y sellos grabados. Durante el Período Védico se escribieron libros
sagrados que actualmente tienen una gran importancia dentro de la cultura india, como
el Mahabharata y el Ramayana. Mientras que en el Imperio Maurya se produce el
desarrollo de las artes.
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2.1.5.1 La arquitectura
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2.1.6.1 La porcelana
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2.1.6.2 La seda
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ANTIGUA/CHINA/ARTES%20MENORES/Art%20Artesani
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2.1.6.3 Caligrafía
La cultura China fue la primera en utilizar tinta para escribir y se estima que habría sido
inventada hace 4.500 años atrás, siendo las primeras realizadas de pigmentos negros que
obtenían del humo; el papel también es de origen chino y fue inventado en la dinastía
Han realizándose con una mezcla de fibras de bambú, cortezas de árbol y agua. Las
primeras manifestaciones de caligrafía china se encuentran sobre huesos pertenecientes
a la Edad de Bronce, durante la dinastía Shang, del siglo XVII al XI a.C. Mientras que
los primeros pictogramas que se descubren son imágenes simples que permiten apreciar
un vocabulario extenso al conceptualizarse objetos concretos y abstractos mediante la
combinación de unos pictogramas con otros. Por otro lado las ideas complejas se
obtienen mediante la unión de dos o más símbolos. Se descubre así que el concepto de
"Hombre" (Ren) en combinación con el concepto de "Árbol" (Wu) significa
"Descansar" - Xiuxi. La escritura china, los ideogramas, no son signos que representan
fonemas: Los signos del sistema de escritura chino no representan sonidos sino
conceptos. Es decir, el signo tiene naturaleza conceptual, de significado y no guarda
relación directa con el sonido.
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2.1.6.4 La Pintura:
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2.1.6.6 Escultura:
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Los materiales más usados de este estilo de arte eran sobre todo la madera aunque hubo
tribus más evolucionadas que en muchas ocasiones utilizaron otros materiales como el
hierro o el bronce. Por otra parte, el oro fue utilizado por las poblaciones más
desarrolladas para crear joyas o máscaras. Es profundamente vital y social. Es un arte
con intención mágica y destino misterioso que habla a todas las facultades inmateriales,
sensibles y sensoriales. El estilo y simbolismo de las pinturas, figuras y máscaras
dependen del contexto social, cultural y religioso de la región. Los mitos, los rituales y
las ceremonias se reflejan en las diferentes manifestaciones artísticas. Refleja las
dificultades de sus formas de vida, las distintas actividades que desarrollan para su
subsistencia. Utilizan temas como los espíritus del agua, el viento, de la lluvia. La
esencia de los espíritus está inmersa en las máscaras, bastones, tocados y esculturas.
Fueron los grabados y las pinturas rupestres en el periodo Neolítico. Tiempo después,
apareció la arquitectura de forma tradicional y doméstica, es decir, la arquitectura
africana se pudo ver sobre todo en cabañas y chozas sencillas, cuando una familia
necesitaba más habitaciones se iban incorporando más chozas o cabañas al lado. En
algunas zonas donde la cultura pastoril destacaba apareció la escultura y con ella la
utilización del arte en modo decorativo, normalmente estas esculturas tenían temas de
animales.
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Como ejemplo tenemos las piezas como el Altar de la Mano, que ejemplifican la
maestría con la que los artistas manipulaban el bronce, así como la importancia de los
elementos simbólicos en el arte. En la parte central de esta obra aparecen una serie de
figurillas en relieve que veneran al rey y glorifican su poder divino. El monarca es la
figura central del conjunto; lleva en las manos los símbolos de su poder, y su cabeza es
mayor que las de sus cortesanos.
Las más antiguas esculturas de madera conocidas son los retratos de los reyes de Kuba,
de la zona central de la actual República Democrática del Congo, que datan del siglo
XVII. Sin embargo, muchas de las mejores esculturas en madera corresponde a la
segunda década del siglo XX: por ejemplo, los trabajos de los maestros yorubas Olowe
de Ise (después de 1939) y Areogun de Osi-llorin (hacia 1880-1954).
El escultor africano cuando crea, parte siempre de la naturaleza, de quien toma las
formas más elementales. En ellas el artista va a plasmar el sentimiento que tiene de una
dimensión más profunda de las cosas. Estas formas elementales son casi siempre el
hombre y el animal.
Antiguo Elefante Tallado En Madera Africano
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2.1.7.4 Los bronces de Benín
Estas destacadas piezas del arte africano llegaron a Inglaterra en 1897, cuando la capital
del reino fue destruida. Se trataba de un tesoro formado por esculturas de bronce y
marfil, entre las que sobresalían cabezas-retrato de reyes, figuras de leopardo, campanas
y placas con altorrelieve, todas ellas realizadas con sorprendente maestría, con la técnica
de la cera perdida. El mismo método se empleó en la realización de otras dos cabezas,
muy similares, que se encontraron en Ifé en 1938. La sorpresa surgió cuando éstas se
fecharon de forma inequívoca en los siglos XIV-XV, es decir, eran anteriores a la
primera escultura europea hecha a la cera perdida, datada a mediados del XVI.
3.1 Sócrates:
Según una tradición antigua, trataba muy mal al filósofo, aunque en realidad Platón
muestra, al narrar la muerte de Sócrates en el Fedón, una relación normal e incluso
buena entre los dos. Su inconformismo lo impulsó a oponerse a la ignorancia popular y
al conocimiento de los que se decían sabios. Filósofos, poetas y artistas, todos creían
tener una gran sabiduría, en cambio, Sócrates era consciente tanto de la ignorancia que
le rodeaba como de la suya propia. Esto lo llevó a tratar de hacer pensar a la gente y
hacerles ver el conocimiento real que tenían sobre las cosas. Asumiendo una postura de
ignorancia, interrogaba a la gente para luego poner en evidencia la incongruencia de sus
afirmaciones ; a esto se le denominó «ironía socrática», la cual queda expresada con su
célebre frase «Yo sólo sé que no sé nada» (Εν οιδα οτι ουδεν οιδα [en oida oti ouden
oida]).
Su más grande mérito fue crear la mayéutica, método inductivo que le permitía llevar a
sus alumnos a la resolución de los problemas que se planteaban por medio de hábiles
preguntas cuya lógica iluminaba el entendimiento. Según pensaba, el conocimiento y el
autodominio habrían de permitir restaurar la relación entre el ser humano y la
naturaleza.
Sócrates no escribió ninguna obra porque creía que cada uno debía desarrollar sus
propias ideas. Conocemos en parte sus ideas desde los testimonios de sus discípulos:
Platón, Jenofonte, Aristipo y Antístenes, sobre todo. Tales testimonios no son
convergentes, por lo que no resulta fácil conocer cuál fue el verdadero pensamiento de
Sócrates.
La cuestión moral del conocimiento del bien estuvo en el centro de las enseñanzas de
Sócrates, con lo que imprimió un giro fundamental en la historia de la filosofía griega,
al prescindir de las preocupaciones cosmológicas de sus predecesores. Como se ha
visto, el primer paso para alcanzar el conocimiento consistía en la aceptación de la
propia ignorancia, y en el terreno de sus reflexiones éticas, el conocimiento juega un
papel fundamental. Sócrates piensa que el hombre no puede hacer el bien si no lo
conoce, es decir, si no posee el concepto del mismo y los criterios que permiten
discernirlo.
El ser humano aspira a la felicidad, y hacia ello encamina sus acciones. Sólo una
conducta virtuosa, por otra parte, proporciona la felicidad. Y de entre todas las virtudes,
la más importante es la sabiduría, que incluye a las restantes. El que posee la sabiduría
posee todas las virtudes porque, según Sócrates, nadie obra mal a sabiendas: si, por
ejemplo, alguien engaña al prójimo es porque, en su ignorancia, no se da cuenta de que
el engaño es un mal. El sabio conoce que la honestidad es un bien, porque los beneficios
que le reporta (confianza, reputación, estima, honorabilidad) son muy superiores a los
que puede reportarle el engaño (riquezas, poder, un matrimonio conveniente). El
ignorante no se da cuenta de ello: si lo supiese, cultivaría la honestidad y no el engaño.
En consecuencia, el hombre sabio es necesariamente virtuoso (pues conocer el bien y
practicarlo es, para Sócrates, una misma cosa), y el hombre ignorante es necesariamente
vicioso. De esta concepción es preciso destacar que la virtud no es algo innato que surge
espontáneamente en ciertos hombres, mientras que otros carecen de ella. Todo lo
contrario: puesto que la sabiduría contiene las demás virtudes, la virtud puede
aprenderse; mediante el entendimiento podemos alcanzar la sabiduría, y con ella la
virtud.
3.2 Platón:
Platón hace referencia, en varias ocasiones, a los problemas del arte y la belleza, en
varios de sus libros, a destacar por ser sus obras magnas, La República y las Leyes.
Pero, además, en el Banquete nos mostró su teoría idealizada de la belleza; en el Ion, su
teoría espiritualista de la poesía; en el Filebo desarrolló un análisis pormenorizado de la
experiencia estética; y en el Hipias Mayor precisó lo difícil que realmente era encontrar
una definición de lo que es bello. Platón fue un escritor sumamente prolífico y un
pensador sumamente polifacético, ya que trató sobre metafísica, ética, lógica, política y,
también, estética. Pero esta profusión le lleva a entremezclar las cuestiones
entrelazándose entre sí. Es por eso que las estéticas se entremezclan, sobre todo, con las
éticas y metafísicas.
Así, encontramos que su “teoría idealista de la existencia”, que todos hemos estudiado
en el instituto, y su “teoría apriorística del conocimiento”, por la que al aprender lo que
hacemos es recordar lo que ya sabíamos antes de nacer en este mundo, influyeron
decisivamente en su idea de la belleza. También, su “teoría espiritualista del hombre” y
la “moralista de la vida” son la base de su teoría del arte. Al final, cada punto, cada
concepto, forma parte de un gran sistema filosófico, donde todos elementos de las
diferentes disciplinas están interconectados entre sí. Es todo no se entendería sin sus
partes, y viceversa. Por otra parte, una de las características de Platón es su evolución o
cambio a lo largo de los más de 50 años en el que escribió sus textos. Por eso podemos
encontrar cambios de opinión respecto a algunos temas, pero, también, ciertos rasgos
definitorios y fijos a lo largo del tiempo.
3.3 Aristóteles:
Aristóteles se trasladó a Pella, capital de Macedonia, donde fue tutor del hijo menor del
rey Filipo II, que sería conocido como Alejandro III el Magno. Filipo mandó a llamarle
por ser el filósofo de más fama y más extensos conocimientos. Fueron premiadas sus
enseñanzas reedificándose de nuevo la ciudad de Estagira, su ciudad natal, que el
mismo Filipo había asolado. Durante 8 años el alumno recibió una enseñanza integral
en el paraje de Miéza, cerca de Pella. Parece que Alejandro no sólo aprendió la ética y
la política, sino que tomó también conocimiento de otras enseñanzas reservadas a las
que los filósofos llamaban, "acromáticas" y "epópticas", y que no comunicaban a la
"muchedumbre". En el año 335 a.C., al acceder Alejandro al trono, volvió a Atenas y
fundó su propia escuela: el Liceo. Aristóteles abrió el Liceo hacia 334 a.C. en un
espacio cercano a la puerta de Diócares.
Demostró por varios métodos la esfericidad de la Tierra y sostuvo que ésta está situada
en el centro del universo. Es el primero en clasificar las ciencias, que dividió en teóricas
(matemáticas, física y metafísica), prácticas (ética, política y economía) y poéticas
(poética, retórica, etc.). En esta clasificación no se incluye la lógica, descubierta por él,
pues es el instrumento para el recto discurrir en todas ellas. También inventó el
silogismo, instrumento fundamental del pensamiento occidental.
El desarrollo integral del niño y la niña se entiende como una serie de procesos que se
inician desde la etapa embrionaria, caracterizados por cambios y transformaciones que
se suceden y continúan hasta la adultez en las áreas física, cognitiva, lenguaje,
psicomotora, moral, sexual, social y afectiva. En el desarrollo psicológico pueden
distinguirse tres ámbitos distintos: el desarrollo cognitivo, emocional y social, los cuales
no pueden plantearse como entes separados, puesto que están fuertemente
interconectados, recibiendo influencias mutuas y retroalimentándose con gran fuerza.
Las distintas actividades de expresión artística, permiten que el niño pueda conocerse
mejor así mismo, incentiva a la interacción del niño con otros, reconoce la importancia
del trabajo en grupo y mejora las relaciones personales. Dentro de las actividades que
dan cabida a ello podemos mencionar: la danza, el teatro, dramatizaciones, entre otros.
Una buena formación en cuanto arte y estética es muy importante para el niño, para un
buen desarrollo de sus aptitudes y fortalecimiento de sus capacidades, estos (arte y
estética) a su vez pueden ser relacionados con las otras áreas de la educación y así lograr
que el niño pueda crecer en un ambiente lleno de innovación, creatividad y se eduque
bajo un aprendizaje integral el cual le dará las herramientas para que en un futuro pueda
desenvolverse con mayor facilidad ante las distintas situaciones de la vida.
Las artes visuales para los niños debe ser un tema de gran importancia, así como la
lengua o las matemáticas, porque ellas le van aportar al niño primeramente; el desarrollo
de la percepción, una buena percepción en los niños les va a permitir que capten los
temas con mayor rapidez, en segundo; la capacidad de creación – producción, se va a
desarrollar mejor su creatividad y así van a sentir más confianza al realizar alguna
actividad, tercero; la apreciación, los estudiantes aprenden sobre las diversas culturas y
formas de hacer y de ver el mundo, desde las diferentes perspectivas históricas y
evolución de las diferentes civilizaciones. Y por último; que tengan raciocinio, en base
de una buena educación artística y visual, el niño desarrolla la capacidad de observar y
describir los símbolos visuales, de entender su significado, de interpretar, de emitir
juicio, y de explicar el significado de lo que ve y observa en su entorno. Estas y muchas
habilidades más pueden ser desarrolladas y fortalecidas en los niños si se realiza una
buena planificación, organización de la educación y de la formación estética visual y de
otras áreas también.
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