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l’Aquarelle
L’A RT DE
q LE
Nouveau
AGAZINE
CAHIER TECHNIQUE
Carrière, psycho,
D’ART DES AQUARELLISTES
composition,
inspiration…
16 pages
EUGENIU GOREAN
Ses dernières
peintures
DYLAN SCOTT PIERCE
Les couleurs de l’Afrique
carton à dessins
format raisin
52 x 72 cm €TTC
7,45
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LILLE
LYON
MONTPELLIER
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PARIS 11
PARIS 13
RENNES
MULHOUSE STRASBOURG
NANCY STRASBOURG GARE
NANTES TOULOUSE
édito
Aborder l’aquarelle
sous toutes
ses facettes
La rentrée est déjà là et nous espérons que
vous avez mis à profit la période estivale pour
faire le plein de Salons, d’expositions et surtout
que vous avez pu vous adonner à la peinture
autant que vous le souhaitiez. Si vous rêvez
encore de dépaysement, nous vous donnons
dans ce numéro la possibilité de vous évader
dans l’île de Patmos, en compagnie de
Pedro Cano, grâce au compte rendu d’un de
ses stages sous le soleil de la Grèce.
Envolez-vous également pour l’Afrique avec
Dylan Scott Pierce, jeune prodige américain
dont les portraits sont empreints d’une
délicatesse rarement atteinte.
Ce numéro de l’Art de l’Aquarelle fait également
la part belle aux conseils pratiques, avec
notamment notre cahier technique, où vous
trouverez les recommandations avisées de
Joseph Zbukvic sur la manière de mener une
carrière artistique, des astuces pour savoir
si votre peinture est terminée, ainsi que 7 clés pour réussir votre composition. Ken Thrift,
Blue Mountain.
Deux aquarelles des artistes américains Ken Thrift et Denny Bond sont également 76,2 x 56 cm.
analysées en profondeur par Janine Gallizia, vous permettant ainsi de mieux
comprendre leurs ressorts en matière de création visuelle.
Enfin, n’oublions pas notre important dossier sur ce que signifie aujourd’hui le fait
d’être femme et artiste. L’aquarelle est sans doute l’une des rares techniques où
les artistes féminines sont aussi nombreuses (voire plus nombreuses ?) que leurs
homologues masculins. Pour preuve, dans ce numéro, des reportages consacrés à
des artistes femmes du monde entier : Olga Litvinenko, Martine Humbert, Xi Guo,
Ruhyie Yalgin et Jasmine Huang. Nous avons pourtant posé la question afin de Notre couverture :
tenter d’en savoir plus : est-il plus difficile d’être artiste quand on est une femme ? Eugeniu Goran,
Parlement en
De quoi donner matière à réflexion, car l’Art de l’Aquarelle cherche à aborder bleu. 37 x 53 cm
la création sous tous les angles et l’aquarelle sous toutes ses facettes.
Bonne lecture et bonne rentrée !
La rédaction
40 92
l’Aquarelle
L’ART DE E-mail : redaction@lartdelaquarelle.com DIFFUSION : Frédérik Favier, Président : Jean-Paul Cyr
Imprimé en France/Printed in France 05 49 90 09 19. Présidente Diverti Éditions : Édith Cyr-Chagnon
Directrice de publication : Édith Cyr-Chagnon Messagerie : Presstalis Imprimerie : MEGATOP, 13, avenue
www.lartdelaquarelle.com RÉDACTION RÉGLAGES ET CONTACTS du Cerisier Noir 86530 Naintré
Directeur de la rédaction : Jean-Philippe Moine DÉPOSITAIRES : Christelle Czornyj, L’envoi des textes ou photos implique l’accord des
Directrice artistique : Janine Gallizia tél. : 05 49 90 37 52. auteurs pour une reproduction libre de tous droits
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Édité par DIVERTI Éditions - S.A.S. au autorisations éventuelles nécessaires à la parution.
Secrétaire générale de la rédaction : Élodie Blain ABONNEMENTS : Nathalie Réveillon
capital de 250 000 € - 490 317 369 Tous droits réservés pour les documents et textes
Secrétaire de rédaction : Caroline Duchesnes PUBLICITÉ : régie Tahoma, Cédric Célestin, publiés dans l’Art de l’Aquarelle. La reproduction
RCS Poitiers - 17, avenue du Cerisier
Première rédactrice graphiste : Audrey Salé 06 24 38 66 21 - c.celestin@tahomafrance.com totale ou partielle des articles publiés dans
Noir 86530 Naintré, France
Tél. : 05 49 90 37 64. Rédacteurs graphistes : H. Magnin ADMINISTRATION : Fabien Richard l’Art de l’Aquarelle. sans accord écrit de la société
Scannériste : Franck Sellier. Principal actionnaire : Capelitis Groupe Diverti Éditions est interdite, conformément à
NOUVEAU
N° 34
Au sommaire
psycho/astuces/carrière/inspiration de ADA 35
• Être femme et artiste : le challenge d’une vie ? (sortie le 5 déc. 2017)
• Composition : 7 clés pour la réussir
• Joseph Zbukvic : ses conseils pour rester créatif
• K. Maling : donner de l’impact à ses œuvres
ALISA SHEA
Des œuvres hyperréalistes et
rafraîchissantes qui combinent
l’art et l’humain.
90 60
60 XI GUO
Teintée de mélancolie, la peinture de Xi Guo est une réflexion ET AUSSI
sur le cycle de la vie, reflet de la nature. JUDY SALTZMAN
66 LIBRAIRIE Une approche mêlant support
photographique et multiples
68 LEÇON DE PEINTURE 76 VOTRE couches d’aquarelle.
Alliant expressivité et délicatesse, élégance et modernité, CAHIER TECHNIQUE
les peintures florales de Jasmine Huang sont des jeux de forme
où l’ensemble prime sur le détail. 98 VOS PETITES
ANNONCES
72 RUHIYE YALGIN
La passion du détail anime cette artiste turque, qu’elle jette
son dévolu sur des personnages, des objets ou des textures.
www.lartdelaquarelle.com
la loi du 11 mars 1957 sur la propriété littéraire 1070 Bruxelles. December) by Diverti Éditions c/o Distribution
et artistique. Les articles et photos non retenus Tél. : 02 556 41 40/Fax : 02 556 41 46. Grid. at 900 Castle Rd Secaucus, NJ 07094,
ne sont pas renvoyés. La rédaction n’est pas Web : www.viapresse.be. Compte bancaire : USA. Periodicals Postage paid at Secaucus, NJ.
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qui lui sont communiqués. Important ! Nous prions nos abonnés belges to L’Art de l’Aquarelle c/o Express
d’indiquer lisiblement sur le talon de versement Mag, P.O box 2769, Plattsburgh, NY
Commission paritaire : 0917 K 90149. leurs noms et adresses et de spécifier que 12901-0239.
l’abonnement est destiné à l’Art de l’Aquarelle. DENNY BOND
ISSN : 2103-2653. Dépôt légal à la date
de parution. Trimestriel – N° 34 – Origine du papier : France Ce maître de la composition
Septembre-Novembre 2017. Ce numéro comporte 3 encarts brochés Taux de fibres recyclées : 0%
Abonnement France 1 an (4 nos) : 27 €. p. 18, 66 et 82. Certification : PEFC nous explique ce qui marche…
Abonnement Belgique : Service Abonnements L’Art de l’Aquarelle ISSN : 2103-2653 is published Eutrophisation : et ce qui ne marche pas.
quarterly, 4 times a year (March, June, September, Ptot 0.01 Kg/tonne
Partner Press, 451, Route de Lennik,
Concours
lecteurs
Encore un excellent concours ! Nous avons reçu
une vaste sélection de peintures de très bonne
qualité. Bravo à tous ceux qui ont participé.
LES CHOIX DU JURY
N’oubliez pas que, même si vous ne voyez pas
votre œuvre dans ces pages, cela ne signifie pas
qu’elle est mauvaise. Pour réussir dans quelque
concours que ce soit, il faut surtout comprendre
les raisons qui ont poussé les organisateurs à le
mettre sur pied. En analysant simplement leurs
intentions, vous allez augmenter vos chances
de réussite et, de surcroît, profiter pleinement de
l’occasion. Certains concours existent pour attirer
de nouveaux artistes, pour favoriser l’émergence
de nouveaux styles, pour encourager les artistes
à produire des œuvres de très grande qualité
ou à être encore plus créatifs. L’Art de l’Aquarelle
est le plus prestigieux magazine d’aquarelle du
monde. Il est publié en français et en anglais
(The Art of Watercolour) et distribué dans 36 pays.
Notre concours n’est pas une exposition. Notre
motivation est très simple : nous souhaitons inciter
les artistes à produire des œuvres de très grande
qualité et les publier ensuite pour qu’ils puissent
profiter d’une visibilité internationale grâce à
notre magazine. Notre action n’est pas seulement
profitable aux lauréats, mais devrait inspirer
d’autres artistes à viser encore plus haut.
C’est pour cette raison qu’il y aura toujours une
diversité de styles, de sujets et de techniques
parmi les peintures sélectionnées, ainsi que des
approches différentes en termes de couleurs et de
valeurs. Si nous recevons 10 portraits magnifiques,
nous ne pouvons pas tous les publier. Nous nous
efforçons d’illustrer la qualité du travail actuel,
mais également la diversité. Si vous souhaitez
augmenter vos chances de voir
votre œuvre dans ces pages ou
de gagner un prix, c’est quelque
Janine Wiget
chose à garder à l’esprit. Escargots au repos. 2017. 36 x 24 cm.
/$9,6 '( -$1,1(
Janine Gallizia Un sujet intéressant avec un choix sympa de fond et de
palette. Un peu plus d’ombre sur les coquilles donnerait
plus de lumière et de profondeur, sinon, très bien !
/$9,6'(-$1,1(
Anne-Marie Alicot
Un bon portrait animalier.
Regard de jaguar. Le résultat est bien, mais
2015. 50 x 70 cm attention à ne pas trop séparer le
fond du sujet ; cela crée un effet
copié/collé. Sinon, belle peinture !
François Durand
Méli-vélo. 2012. 48 x 71 cm.
/$9,6'(-$1,1(
Une bonne illustration de la patience ! Cette peinture
est très bien, mais rien ne se détache concrètement
de l’ensemble ; il nous manque un point principal qui
donnerait beaucoup plus de force à cette peinture.
/$9,6 '( -$1,1(
Un sujet extrêmement
difficile ! Mais l’effet sous
l’eau est très bien rendu,
félicitations. Le jeu des
bleus est bien maîtrisé
et bien pensé, et la
composition nous invite et
nous tire en avant pour en
découvrir davantage.
PREMIER
PRIX
Jean-Louis Thibaut
Portrait d’Yves.
1990. 95 x 76 cm.
/$9,6'(-$1,1(
Un portrait superbe qui
montre un savoir-faire qui
se respecte. L’attention aux
détails qui permet de sentir
les différents types de tissus
vestimentaires, le volume des
poches au-dessus des yeux
et la rondeur de la cigarette
entre les lèvres, l’épaisseur du
béret en cuir… La composition
est classique, mais même
si le personnage est centré
sur la feuille, tout est décalé
ou coupé pour éviter une
symétrie qui le rendrait
ordinaire. Son regard est
parfait ! Une belle peinture.
Olivier
Surin
Instant,
Françoise Carnaval
Tolbiac du Roeulx.
Labour 2017.
labeur. 2017. 42 x 31 cm
45 x 60 cm.
Alain Rolland
Flânerie nocturne.
2017.
33 x 48 cm.
Anne-Marie Cassière
Sylvain. 2011. 30 x 42 cm.
Régis Coulomb
Torrent du Pleynet II.
2047. 46 x 28 cm
Patrick
Laureys
Clairière. 2017. Date limite de participation
40 x 50 cm. au prochain concours :
5 novembre 2017 à minuit
Robert Scholer
Sarada. 2015. 40 x 30 cm.
Théo Cathelinais
Chez Huguette. 2017.
29 x 41 cm
Pour finir, et bien que toutes ces peintures soient excellentes, nous constatons une tendance
très nette : la plupart des artistes font des efforts délibérés pour être « différents », créatifs »
et « originaux ». &FT DSJU SFT OF TPOU OVMMFNFOU TZOPOZNFT EF RVBMJU DF OF TPOU QBT MFT
NBVWBJTFTQFJOUVSFTRVJNBORVFOUN¡NFTJFMMFTTPOUEJGGSFOUFTDSBUJWFTFUPSJHJOBMFT-F
WPVTDPOTFJMMFTVSUPVUE¡USFWPVTN¡NFN’essayez pas d’être extravagant et merveilleux dans
le seul but de vous faire remarquer – soyez sincère, car c’est dans la sincérité que nous trouvons
la vraie beauté. C’est pour cette raison que nous allons conserver un thème libre pour le prochain
concours ; présentez juste le meilleur de vous-même. Bonne peinture à tous !
Janine Gallizia
10 A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017
Comment participer BVHSBOEDPODPVST
3BSUJDJQBU
VOUS LE SAVEZ, VOTRE MAGAZINE Concou
urs FOMJHOFJPO
L’ART DE L’AQUARELLE VOUS OFFRE UN CONCOURRS lecte
eurs
Participer a des concours, c’est sympa et
ça nous permet d’apprendre beaucoup
Michel Michaux
L’Inconnu,
50 x 65 cm
OJR FOU
de choses si on est attentif. Par contre, fonct onnent bien Malgré
RENSEIGNEMENTS
9e Salon Vincennes Aquarelle
Salle des Fêtes
Mairie de Vincennes
http://vincennes.aquarelle.free.fr/
Photo des 4 aquarellistes péruviens invités d’honneur du Festival (YQPTJUJPO EV
Confluences : Leonel Ever Pamo Quiroga, Dario Percy Callo Anco, BV OPWFNCSF
David Cesar Villalba Quispe et Guzman Emilio Huanca Ynariko Les Drapeaux du peuple.
55 x 35 cm
POUILLY-LES-NONAINS (42)
COËX (85)
ET AUSSI
82E SALON DE
6E RENDEZ-VOUS LA SOCIÉTÉ DES
DE L’AQUARELLE DE COËX AQUARELLISTES
LYONNAIS
G roupés autour de l’invitée d’honneur, Martine Vanparijs
(Belgique), exposeront les artistes suivants : Carine Minguet
(Belgique), Fernand Thienpondt (Belgique), Pierre Valaincourt
Sont invités uniquement les sociétaires.
Le Salon est ouvert tous les jours de 10 h à
(parrain de l’association), Corinne Izquierdo, Christine Créhalet, 12 h et de 15 h à 19 h, les week-ends de 10 h
Nadine Dieulefit, Adrien Coppola, David Chauvin, Thierry de à 19 h sans interruption.
Marichalar, Danny Gaboriau, Annie Chauwin ainsi que les adhé- Espace Berthelot
rents de l’association Palettes 69007 Lyon
et Pinceaux. Des démons- RENSEIGNEMENTS www.societe-des-aquarellistes-lyonnais.com
trations d’artistes auront lieu Salles du Parc, Salon du 11 au 27 novembre 2017
Rond-point de l’Atlantique.
tout au long du week-end. Un E-mail : minie9453@hotmail.fr
rendez-vous sous le soleil de
Vendée à ne pas manquer !
(YQPTJUJPO
EVBVTFQUFNCSF
DE POUSSIN À
CÉZANNE, CHEFS-
Aquarelle de Martine Vanparijs.
D’ŒUVRE DU DESSIN
FRANÇAIS DE LA
PARIS (75)
COLLECTION PRAT
PIERRE-JOSEPH REDOUTÉ, LE POUVOIR DES FLEURS Fondation Bemberg
Hôtel d’Assézat
31000 Toulouse
P our la première fois en France, une
exposition conséquente au musée
de la Vie romantique, à Paris, et en col-
Pierre Joseph Redouté
(1759-1840),
Fritillaire impériale dans Les
Tél. : 05 61 12 06 89
E-mail : accueil@fondation-bemberg.fr.
Liliacées par Augustin Pyrame Exposition jusqu’au 1er octobre 2017
laboration avec le Museum d’histoire de Candolle, Pierre-Joseph
naturelle, dévoile comment l’œuvre Redouté, François de Laroche,
de Pierre-Joseph Redouté, peintre Alire Raffeneau-Delile, Paris,
1802-1816.
12E EXPOSITION
botaniste surnommé le « Raphaël
des fleurs », a contribué au dévelop-
Paris, MNHN, direction des Collections,
Bibliothèque centrale © Muséum national
ET SYMPOSIUM
pement des sciences naturelles. Les
d’Histoire naturelle / Dist. RMN.
DE L’EUROPEAN
œuvres de Pierre-Joseph Redouté
sont si détaillées que l’on a le senti- CONFEDERATION
ment que l’on pourrait cueillir chaque OF WATERCOLOUR
RENSEIGNEMENTS
pétale de ses fleurs. Son influence se
fait encore sentir aujourd’hui. Peintre Musée de la Vie SOCIETIES
officiel de Marie-Antoinette et de l’im- romantique Salamanque, en Espagne. Organisé
pératrice Joséphine, sans doute nul Hotel Renan-Scheffer par l’AEDA (Agrupación Española de
175009 Paris Acuarelistas).
autre artiste que lui a réussi à rendre http://
avec une telle acuité la beauté éphé- Symposium du 26 septembre
museevieromantique. au 1er octobre 2017
mère des fleurs. À noter que l’expo- paris.fr/fr
sition est prolongée jusqu’à la fin du (YQPTJUJPO KVTRVBV
mois d’octobre. PDUPCSF
EXPOSITION DE
LA SOCIÉTÉ DES
REIMS (51) AQUARELLISTES
RENSEIGNEMENTS DE BRETAGNE
12E EXPOSITION INTERNATIONALE Maison diocésaine
Saint Sixte,
Invités d’honneur : les membres bigoudens
de la Société des Aquarellistes de Bretagne
D’AQUARELLES AQUATUOR www.
aquarellereimsevenement.
Invités : les membres de Montgermont,
des antennes de Guidel et de Guipavas.
com/index.php
Q uatre artistes aux tempéraments
et aux expressions différents
ont été invités par Aquarelle Reims
(YQPTJUJPOEV
TFQUFNCSF
Plusieurs démonstrations d’aquarelle auront
lieu le 2 décembre de 14 h 30 à 17 h.
Infos pratiques :
BVPDUPCSF
Événement à exposer dans la capitale Ouvert tous les jours de 14 h 30 à 18 h,
champenoise. Il s’agit de David Poxon sauf les jeudis de 10 h à 12 h 30.
(Angleterre), Diane Boilard (Québec), Sous-sol du Château
Naomi Tydeman (Pays de Galles) et Pierre Tougas (Québec). Un des Place de l’Europe
points forts de cette manifestation sera la démonstration publique de Pont-l’Abbé
David Poxon et Pierre Tougas le vendredi 29 septembre à 14 h 30. www.societedesaquarellistesdebretagne.org
L’exposition est quant à elle ouverte tous les jours de 10 à 18 heures. Salon du 25 novembre
Les aquarelles réalisées durant les démonstrations seront offertes au au 10 décembre 2017
public après tirage au sort.
L ’Associazione Italiana
Acq u e re l l i s t i ( A I A )
43E EXPO ANNUELLE DE
organise une exposition LA WESTERN OHIO SOCIETY
dans le cadre magnifique
a 43e exposition annuelle de la Western Ohio Watercolor
de Castello Visconteo, à
Abbiategrasso, près de
Milan. Quatre-vingt-dix pein-
L Society présente 76 nouvelles œuvres, toutes créées
à l’aquarelle. Cette exposition avec jury présente l’aqua-
tures des membres de la relle dans toute sa diversité technique et couvre un large
société italienne, ainsi que éventail de thèmes, y compris le paysage, le portrait et la
30 aquarelles d’artistes nature morte. Fondée en 1974, la Western Ohio Watercolor
de la Société Française de Society s’efforce de promouvoir le milieu de l’aquarelle et
l’Aquarelle, de la Deutsche de fournir des opportunités éducatives pour le public. Cette
Aquarell Gesellschaft et de la exposition démontre l’ampleur et la pertinence de l’aqua-
Agrupación de Acuarelistas relle comme moyen d’expression artistique.
Vascos voisineront avec les RENSEIGNEMENTS
fresques de l’ancien palais Associazione Italiana
RENSEIGNEMENTS
médiéval. Le but de cette Acquerellisti
Waterworks: Western
exposition est de montrer Castello Visconteo
Ohio Watercolor
la diversité de styles en Abbiategrasso
Society 2017
Milan Premier prix :
aquarelle non seulement Exhibition Rhonda Sloan,
www.acquerello-aia.it
en Italie, mais aussi dans Springfield Museum Adkins’ Acres,
(YQPTJUJPO
les différents pays invi- of Art 35,5 x 48,2 cm.
EV PDUPCSF BV
tés à cette occasion. Des Springfield, Ohio.
OPWFNCSF
démonstrations publiques (YQPTJUJPOEVBV
TFQUFNCSF
auront lieu le 21 octobre et
le 12 novembre.
JAPON ÉTATS-UNIS
Un petit matin,
THIERRY DUVAL toit de Paris,
33 x 41 cm.
EXPOSE AU JAPON !
L ’artiste français, épris de Paris, exposera à deux reprises au
Japon cet automne, où il se rendra. C’est toujours avec un
souci extrême du réalisme et une attention particulière portée
à la lumière et ses effets qu’il entreprend ses œuvres. À noter
également son compte Instagram très actif où il dispense de
nombreuses astuces : tension du papier, bonne utilisation du
liquide à masquer, ses outils, ses pinceaux, sa palette, son papier,
etc. Comme il le dit lui-même : « Vous pourrez ainsi découvrir
l’élaboration de mon process créatif de A à Z, de la feuille blanche
jusqu’à l’aquarelle terminée ! » À ne pas manquer : www.ins-
tagram.com/thierryduvalaqua/
RENSEIGNEMENTS
Exposition à Isetan Shizuoka
'VBVTFQUFNCSFFOQSTFODFEFMBSUJTUFMFTFU
Exposition à Tobu Funabashi Peter Jablokow, Scissor Bridge, 66 x 104 cm. Cette année, Peter Jablokow a reçu
'VBVTFQUFNCSFFOQSTFODFEFMBSUJTUFMFTFU le prix Joan Ashley Rothermel Memorial d’une valeur de 1 000 dollars.
La SFA s’expose
À L’OCCASION DE
LA 18E EXPOSITION
NATIONALE DE LA SFA
À SANARY-SUR-MER,
NOUS AVONS INTERROGÉ
DANIÈLE FABRE,
VICE-PRÉSIDENTE
DE L’ASSOCIATION,
POUR EN SAVOIR PLUS.
d’exposition restent élevés et, surtout, les échanges avec le public sont égale- les œuvres de 180 peintres de 14 pays
les ventes sont trop rares. La multiplicité ment importants. Mais notre public ne d’Europe, 250 personnes ont participé
des Salons d’aquarelle, tels qu’ils existent doit pas être réduit aux seuls amateurs au symposium. Les membres des socié-
actuellement, finit par banaliser ces événe- d’aquarelle. Nous devons attirer un public tés européennes ont ainsi pu découvrir
ments et peut les amener à se scléroser. plus large, amateur de peinture, et plus le travail des artistes de la SFA, et les
La SFA réfléchit et échange beaucoup sur généralement d’art. Nous devons propo- artistes français ont pu découvrir le pano-
ce sujet : nous pensons que l’abondance, ser des échanges plus variés, plus origi- rama de l’aquarelle européenne, avec ses
voire l’excès de « démos » dans toutes naux, mais aussi défendre la démarche et tendances très marquées. Avec l’impact
les manifestations ne rend service ni au le travail des artistes. important de cet événement, notre asso-
public ni aux peintres. Les artistes, le plus ciation a pu prouver ses compétences
souvent, se sentent de plus en plus désar- ADA : Parlez-nous de quelques temps forts artistiques, mais aussi sa capacité de ges-
més face à ce diktat des démonstrations dans l’histoire de la SFA… tion et d’organisation. Nous avons amé-
et à la faible rémunération de leur travail. D. F. : L’organisation de l’exposition et du lioré la communication interne et de nom-
Nous pensons que la réussite d’une expo- symposium ECWS, l’an dernier à Avignon, breuses idées émergent. Il y a beaucoup à
sition est d’abord liée à la qualité de ses a été un tournant : nos membres y ont faire et à inventer pour faire grandir l’aqua-
œuvres. Nous sommes conscients que quasiment tous participé, nous avons reçu relle dans le paysage artistique.
Brioude
au rythme
del’aquarelle Les visites décalées en
compagnie des Tisseurs
de mots ont permis
d’évoquer autrement
Au cours de l’une
des 55 démos de
la Biennale, avec
LA BIENNALE DE BRIOUDE A UNE NOUVELLE les œuvres des artistes. Anne Christophe.
RENSEIGNEMENTS
La 8e Biennale d’aquarelle de Brioude
s’est tenue du 13 au 25 juillet 2017.
Les dates pour la 9e édition ne sont pas
encore connues ; nous vous invitons
à vous rendre régulièrement sur le site
de la manifestation :
www.biennale-aquarelle.com
La boutique de la Biennale : un passage presque obligé
pour les visiteurs… TEXTE ET PHOTOS : ELSA COLIN
DATES CLÉS
Diplômé
en beaux-arts de
l’université de l’Illinois
- Prix de la meilleure
aquarelle, Cityscape
2016, Baltimore, USA
- Premier prix, 7th
Annual 2016 Juried Art Show, New GAF on Ponca. Aquarelle, 17 x 56 cm.
Hope, USA
- Exposition personnelle : Il n’y a pas de meilleur terme pour décrire vie quotidienne. Les caractéristiques des
« Watercolor Expressions », mes aquarelles que la « sophistication du différentes structures et architectures,
McBride Gallery, Annapolis, USA chaos ». Mon objectif principal est d’expri- c’est-à-dire l’architectonique, sont des
- Exposition personnelle : mer la sensation de quelque chose, plutôt éléments vitaux dans mon travail. J’aime
« Representational Ambiguity », que son aspect visuel et de saisir la pure explorer ces formes comme moyen d’ex-
Maryland Hall for the Creative Arts,
Annapolis, USA physicalité du sujet dans la pure physica- primer la lumière et les ombres. Je des-
- Prix de la meilleure marine, lité de la peinture. Je ne cherche pas de sine et je construis mes œuvres avec de
Paint Annapolis, USA pré verdoyant à peindre par une journée la géométrie pure, que j’interprète ensuite
ensoleillée, dans mon travail j’embrasse de manière picturale. Mes peintures sont
les rudes contours du béton, du fer et le fondées dans une représentation figu-
monde industriel en général. À travers rative, mais sont souvent, et à différents
CONTACT des gestes et des textures spontanés, degrés, gagnées par l’abstraction. Les
www.kenkarlic.com je révèle la beauté d’un échafaudage ou surprises sont les bienvenues, d’ailleurs
d’un gréement, ainsi que les rigueurs de la je les encourage sous forme de marques,
Sam shipping. Aquarelle, 25 x 56 cm. griffures, éclaboussures et coulures, qui
deviennent toutes une partie intégrale de
l’œuvre finie. Sur site ou dans l’atelier, je
m’épanouis dans ce manque de maîtrise,
dans le fait de ne pas être entièrement aux
commandes – parfois c’est moi qui mène,
parfois je suis et parfois je m’accroche de
toutes mes forces pour ne pas être éjecté
en chemin. J’ai l’habitude de travailler rapi-
dement, mû par un sentiment d’urgence
et, au final, je prends plaisir dans le fait de
peindre rapidement une œuvre qui s’ap-
précie dans la lenteur.
Journée de
peinture près du
monastère où
Saint-Jean aurait
écrit l’Apocalypse.
3 CONSEILS DU MAÎTRE
À SES STAGIAIRES
- Prenez le temps de regarder
longtemps votre sujet et observez
également son atmosphère
et ses couleurs.
- Le choix des éléments qui composent
votre sujet doit être guidé par la lumière
et les contrastes.
- Dessinez uniquement avec le pinceau,
sans crayon. Rien de plus que
la lumière et l’eau ! Vous garderez
ainsi la pureté des couleurs.
22
Parole de stagiaire :
« Quel que soit notre
niveau, nous avons tous
« Tous les stagiaires ont reçu des profité des conseils
avisés de Pedro Cano !»
PAR L AURENT
BENOIST.
PHOTOS : D. R.
Olga Litvinenko
«Saint-Pétersbour
LA PRINCIPALE SOURCE D’INSPIRATION
DE L’AQUARELLISTE RUSSE OLGA LITVINENKO
EST SAINT-PÉTERSBOURG, LA « VENISE DU NORD »,
OÙ ELLE HABITE DEPUIS VINGT ANS. SES ŒUVRES
SAISISSENT AVEC POÉSIE LA VIE QUOTIDIENNE
D’UNE VILLE ENTRE TRADITION ET MODERNITÉ.
24
rg mon amour»
Autant que je m’en souvienne, j’ai toujours été atti-
ée par le dessin. Toute petite, je crayonnais déjà sur
parents, qui n’étaient pas artistes, n’ont jamais cher-
ché à m’empêcher de réaliser mon rêve. Même si
toutes les surfaces blanches à ma portée, les murs, mon père, qui est quelqu’un de très pratique, pen-
les portes… Les illustrations des livres, les magazines sait qu’il serait compliqué de gagner ma vie, que
d’art me fascinaient. J’aimais regarder des films sur j’allais vers les difficultés. Ma mère, quant à elle, m’a
les artistes. Au fur et à mesure des années, je suis soutenue sans réserve. Je lui en suis extrêmement
passée à des supports plus classiques, feuilles de reconnaissante. Grâce à elle, je n’ai pas eu de soucis
papier, carton. Très tôt, j’ai su que je voulais devenir matériels. J’ai pu terminer mes études à l’Académie
peintre. C’était une évidence. J’ai suivi des cours de et d’obtenir mon diplôme avec la mention très bien.
peinture et à 16 ans, je suis entrée dans une école Progressivement, j’ai atteint mon objectif : devenir
spécialisée. Enfin, j’ai réussi le concours de l’Aca- artiste. Les années à l’Académie des beaux-arts
démie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Mes comptent parmi les plus heureuses de ma vie. Sans
Vue sur la
rue Bolshaya
Podyacheskayan.
Aquarelle sur
papier Saunders
Waterford,
42 x 60 cm.
Railway station.
Aquarelle sur
papier Saunders
Waterford,
40 x 60 cm.
Cette aquarelle représente le hall de la gare La gare de Vitebsk est très claire, car J’ai laissé le blanc du papier pour évoquer
de Vitebsk, à Saint-Pétersbourg, la première les arches ne recouvrent pas la totalité cet éblouissement. La tonalité générale
construite en Russie, en 1837. Elle a été des quais. La lumière qui vient de l’extérieur est plutôt froide. La gare est peinte dans
démolie et rebâtie plusieurs fois. L’édifice crée de beaux effets de contre-jour et des lavis à base de bleu outremer, bleu
actuel date de 1904. Sa façade est de style détache la silhouette de cobalt, et vert mélangé
classique, mais son intérieur est de style Art des voyageurs. de noir. Des notes chaudes
nouveau, avec une abondance d’éléments Les lignes de fuite intenses de jaune cadmium
métalliques, de détails raffinés. J’ai choisi de mon dessin et de rouge écarlate peintes
ce lieu et ce point de vue, car je trouve conduisent vers avec les aquarelles Leningrad
magnifique cette structure métallique la fin du quai, située ponctuent la scène.
protégeant les quais. J’ai saisi une scène de sous la verrière de Elles donnent l’indication
la vie quotidienne : des voyageurs chargés droite. Sous l’effet du mouvement des voyageurs
de valises se pressent pour prendre du contre-jour, celle- et sont comme des balises
leur train, des adieux se font sur les quais. ci est quasiment désignant le bon chemin.
Ma composition est axée sur la lumière. transparente.
Night fires.
6 Quand le papier
est sec, je dessine
sur le sol des lignes très
Aquarelle sur papier
Saunders Waterford,
38 x 60 cm.
fines avec un pinceau
acrylique. Celles-ci
soulignent le mouvement
des voitures et les lignes
de fuite convergeant
« IL FAUT
vers le bâtiment de BEAUCOUP DE
l’Amirauté. Il m’aura
fallu trois ou quatre PATIENCE POUR
séances pour peindre
cette aquarelle. Il est L’AQUARELLE.
important de savoir
s’arrêter quand on est MAIS ON
fatigué, car il est difficile
de rattraper ses erreurs PROGRESSE
à l’aquarelle. SANS CESSE. »
A QUARELLE N°34 29
MA PEINTURE PRÉFÉRÉE
Éric Laurent
LE SUJET ABORDÉ
Cette aquarelle représente les bords de
Seine à Paris, et plus précisément l’île Soleil
Saint-Louis. J’ai effectué toute une série couchant sur
de vues de Paris, entre mai et juin 2017 et
cette aquarelle en fait partie. Le ciel et l’eau les quais
représentent les deux tiers de la composition
et enveloppent la partie urbaine. de Paris.
Aquarelle
sur papier
LES RAISONS POUR LESQUELLES Arches
J’AIME CETTE AQUARELLE satiné,
J’aime cette aquarelle car j’ai su réaliser à partir
d’un sujet urbain une aquarelle qui comporte 61 x 101 cm.
un aspect abstrait et inattendu, voire imaginaire
d’une part et un aspect figuratif d’autre part.
Je suis content de cette alchimie qui fonctionne.
UN TRAVAIL VERTICAL
ET HORIZONTAL
J’ai tendance à peindre de façon
impulsive et spontanée. Pour
un sujet tel que celui-ci, il faut
savoir garder l’essentiel du lieu
tout en apportant une émotion
et rendre une atmosphère.
Lorsque je démarre, je mets
toujours beaucoup de pigments.
Ma palette, c’est le papier.
Je procède parfois de la façon
suivante : je place sur la feuille
les trois couleurs primaires,
que je mélange ensuite,
au gré de l’intonation que
je vais vouloir insuffler à l’œuvre. MA MÉTHODE DE TRAVAIL
L’atmosphère générale se décide Je commence avec un léger croquis
dès ces premiers gestes. et quelques repères. Ensuite, j’applique
Ma feuille n’est jamais tendue. plusieurs lavis successifs avec
Elle est simplement posée sur quelques réserves de blanc.
une toile en cours, ou tout autre Je me détache du sujet, je recherche
support que j’ai sous la main. une force et une transparence dans
Je travaille à plat ; mais je ne les couleurs. Puis je recompose
m’interdis pas parfois de tenir mon sujet avec les ombres et
la planche inclinée, afin d’obtenir les détails.
des coulures et des effets
intéressants.
KenThrift
Abstractions
colorées
PEIGNANT DANS UN STYLE
EXPRESSIONNISTE ABSTRAIT, L’ARTISTE
EXPRIME SES ÉMOTIONS INTÉRIEURES À
Blue Mountain. 76,2 x 56 cm.
TRAVERS LA COULEUR. EXPLICATIONS (Voir Tableau à la loupe p. 36)
Divine
Intermission.
56 x 76,2 cm.
« Mon processus
intuitif remonte à
mon enfance, alors
que j’observais
ma grand-mère
peindre sur toile
et sur céramique
dans une petite
ferme au pied
des collines de
San José. Ce fut
le catalyseur qui
m’a ouvert les yeux
sur la nature. »
4 ARRIÈRE-PLAN ET TEXTURES
Je me lance maintenant
dans l’arrière-plan. Grâce à
des crayons aquarellables,
j’apporte des textures. 5 LES DERNIERS DÉTAILS
Je reviens et ajoute des détails sur les formes. Je m’assure également que les couleurs
s’équilibrent et créent une belle harmonie.
ADA : Quelle est la proportion de tableaux qui se ADA : Utilisez-vous des outils peu orthodoxes ?
déroulent sans problème ? Et est-ce que ne sont pas K. T. : Absolument ! Je ne suis pas du tout opposé à
ceux qui vous donnent précisément du fil à retordre l’idée d’employer tout ce qui peut m’aider à laisser
que vous appréciez le plus, au final ? une trace sur la feuille. Il ne faut pas en revanche
K. T. : Une peinture est toujours une nouvelle expé- que j’abîme la toile ou la feuille. Je suis une personne
rience. Chaque fois que je peins, j’apprends quelque tactile… et je n’hésite pas à déplacer la peinture
chose de nouveau, et tel devrait être le cas. Je suis avec mes doigts et mes ongles. J’utilise également
toujours en train de chercher des solutions, quand des vieilles clés de voiture, un filet de pêche et un
je peins de l’art abstrait. La plupart des mes pein- presse-purée. Rien ne m’est interdit. J’habite dans la
tures se déroulent bien, mais cela est sans doute dû Silicon Valley, en Californie, terre de nouvelles tech-
à des années de pratique. Et souvenez-vous : tous nologies et d’innovation. La plupart des gadgets et
vos tableaux ne sont pas des chefs-d’œuvre. Je suis des logiciels que nous utilisons proviennent d’ici. Et
également compositeur et interprète – et lorsque toutes ces inventions n’ont pas été créées en répé-
j’écris des chansons, vous ne vous dites pas que tant les mêmes choses. Il faut toujours avoir l’esprit
chacune d’entre elles sera un tube. Il y aura beau- ouvert.
coup de faces B, et même de « faces C ». Et c’est
très bien comme ça. Cela fait partie du processus. Je ADA : Quels conseils donneriez-vous à nos lecteurs
pense que c’est Lou Reed qui disait : « Vous pouvez qui souhaiteraient se lancer dans l’abstraction ?
dessiner un cercle un millier de fois, mais un seul K. T. : Commencez par expérimenter avec une
sera parfait. » diversité de techniques. Vous ne saurez jamais
quelle sera votre technique de prédilection avant
ADA : Existe-t-il un fil rouge ou une thématique de les avoir toutes essayées. Et n’abandonnez pas
générale qui traverse votre production ? sous prétexte que vous êtes frustrés ou que vous
K. T. : Pas vraiment, je suis en fait plutôt ouvert à avez fait une erreur. Une « erreur » n’est rien de plus
l’interprétation. Il semblerait que je sois inspiré par le qu’un signal qui vous indique que vous empruntez
contexte du moment – un peu comme s’il se passait la mauvaise direction. Prenez-en note et passez à
quelque chose et que je devais trouver la réponse autre chose !
adéquate. J’adore le fait que les spectateurs aient
chacun leur propre interprétation de ma peinture. TEXTE : LAURENT BENOIST.
C’est cette diversité qui s’appelle « art ». PHOTOS : D. R.
Martine
REPÈRES
Médaille d’argent
de l’Académie des
sciences, arts et lettres,
Arras
Prix des éditions
Hatier
Humbert
L’amour
, Prix Alpha
Cadres
Prix de
l’université d’Anchin
Prix au Salon des
Artistes douaisiens
Prix toutes
catégories, Lys-lez-
Lannoy
de la nature
- Médaille de la ville de
Marcq-en-Barœul
FU Salon
International de
l’Aquarelle de Belgique
à Namur
FUSalon
des Artistes Français,
Paris, avec prix des
paysagistes français
1er prix
d’aquarelle au Salon
Paul Bellon, Arras.
Martine Humbert est
par ailleurs sociétaire
« Je peins et je dessine depuis ma plus tendre MES TROIS RÈGLES
enfance. D’abord à la gouache, puis au fusain. À EN AQUARELLE
du groupe Aqua-Sol,
des Artistes douaisiens, l’époque, je peignais surtout des portraits. En 1. Le dessin est primordial. Un dessin bancal mène
d’Aquarellistes en Bord 1990, je découvre l’aquarelle, mais je dois dire que une peinture droit à l’échec. Cela est encore plus vrai
et d’APAPCO le coup de foudre ne fut pas immédiat ! J’ai même lorsque l’on dessine des éléments architecturaux,
Le Touquet. où chaque élément est là pour une raison précise.
failli arrêter en cours de route. Puis, j’ai eu ma pre- 2. Je réfléchis au placement des ombres et des lumières.
mière exposition en 1991, avec le groupe Aquasol J’aime les contrastes forts et évite le plat et le fade.
de Douai. Je vois mon travail un peu comme celui 3. Enfin, je détermine ma palette de couleurs à l’avance.
d’un musicien : vingt-deux ans de gammes… En fait,
il n’y a pas de secret : pour avancer, il faut travailler
et travailler encore… MA TECHNIQUE
TEXTE : Je peins avec une technique mouillé sur sec, à sec
essentiellement. Tout découle de l’observation, des
LAURENT BENOIST. UNE PEINTURE DE L’INTIME matériaux et d’une pratique continue et régulière.
PHOTOS : D. R. Je peins ce que j’aime, comme je l’aime. Ma réalité J’utilise du papier Arches grain torchon 300 grammes,
est une réalité revisitée, un monde concret où s’insi- qui correspond bien à mon style de travail et avec
lequel je peins depuis plus de vingt ans. J’en ai bien sûr
nue la poésie et où j’essaie de dévoiler la beauté du essayé d’autres, mais je trouvais que la peinture
quotidien. Il y a bien sûr une infinité de manières de glissait trop sur la surface.
1. /B QPJOUFEVOFQMVNF
préalablement trempée dans
mon mélange de couleurs,
me permet de dessiner
les herbes.
2. Quoi de mieux
qu’VOF QFUJUFCSBODIF pour
représenter des branchages
sur la feuille ? Chargée en
peinture, je la laisse glisser
afin d’imprimer une marque
irrégulière et plus naturelle.
3. 'FT QSPKFDUJPOTEF
QFJOUVSF à l’aide d’une
brosse à poils durs, m’aident
À travers champs. 28 x 44 cm. « Un beau paysage n’est rien sans émotion. En regardant un tableau, on doit sentir le à obtenir des textures sur
vent dans les feuillages, les rayons du soleil, le bruissement des feuilles. Une bonne peinture résulte de plusieurs choses les murs des bâtiments.
: je dois intérioriser mon sujet, exercer l’œil avant la main. En fait, je cogite mon tableau le plus longtemps possible. »
« LA COULEUR
POSSÈDE UNE
FORTE DIMENSION
PSYCHOLOGIQUE
ET AFFECTIVE ET,
LORSQU’ELLE EST
MANIPULÉE DE
MANIÈRE CIBLÉE,
ELLE PEUT CRÉER
UNE AMBIANCE
TRÈS EFFICACE. »
Feed My Lambs.
76 x 46 cm.
« Lorsque vous appréciez
les personnes en Afrique et que
vous voyez les nombreuses
difficultés qu’elles rencontrent
chaque jour, des circonstances
de vie auxquelles vous ne serez
sans doute jamais confrontés,
cela provoque en vous
des sentiments très forts et
vous fait ressentir des émotions
encore plus fortes. Même si
nos vies sont différentes, je me
connecte à leurs expériences
à ma manière et je peins avec
ce je ressens dans mon cœur. »
MA PALETTE
Dans la peinture Token of Honour, l’orange devait
être dominant pour transmettre la joie de vivre,
tout en représentant l’Afrique. L’orange chaud
et la poussière sont partout en Afrique : sur
les vêtements, les pieds nus des garçons, et même
leurs maisons (des cabanons, en fait), faites de boue
et de branchages. Le bleu de la poule a été changé
d’un bleu froid à un bleu chaud pour exprimer la joie
et un sentiment de beauté. Ma photo de référence
avait beaucoup plus de verts. Les couleurs vives
et contrastées s’accordent également avec
la spontanéité du garçon..
L’Attente 75 x 85 cm.
Série « Êtres »,
n° 9
RickHuang
Une éternelle humanité
48 A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017
Fille tibétaine 2
70 x 50 cm
Bouddha
70 x 50 cm.
Série « Êtres », n° 8
70 x 50 cm.
Cow-boy
70 x 50 cm.
Série « Êtres », n° 10
70 x 50 cm.
LES FORMES
Les images ci-dessous illustrent
la prépondérance des lignes
diagonales au sein du placement
des objets. Elles créent du
mouvement et de l’intérêt.
Ces lignes agissent cependant
comme des lignes directionnelles,
emportant le regard du spectateur
en dehors de la peinture. Afin
d’éviter ce problème et de
s’assurer que le regard soit bien
attiré par le point focal du tableau
(le cadran de la montre), Denny a
stratégiquement placé la chaîne
de la montre à gousset de telle
sorte qu’elle forme deux verticales
qui viennent équilibrer ces lignes
diagonales.
LES VALEURS
On parle souvent d’équilibrer les éléments dans une peinture.
Il s’agit d’une manière de pensée trop simple, qui aboutit souvent
à des compositions symétriques. Cette peinture, en opposant les
éléments, est un très bel exemple d’équilibre.
Si nous simplifions la peinture pour n’en garder que les ombres
et les lumières, on peut voir l’équilibre délicat entre les grandes
masses. Il y a presque la même quantité de valeurs sombres que de
valeurs claires. Comme vous pouvez le constater, quelques valeurs
Ci-dessous, afin de s’assurer claires sont placées dans la grande masse sombre, et vice-versa.
que l’œil revienne au point focal, Ce lien et cet équilibre entre les formes créées à l’aide de valeurs
les derniers maillons et la pièce opposées donne une belle composition unifiée. Nous voyons
métallique de la chaîne agissent aussi la grande diagonale qui sépare nettement les deux masses
comme des lignes directionnelles principales, et qui permet de mettre en valeur l’importance des
qui font remonter l’œil vers le deux chaînes verticales qui viennent l’équilibrer.
cadran de la montre.
LES COULEURS
Les peintures de Denny Bond font essentiellement appel aux
valeurs plus qu’aux couleurs. Il a recours à une large gamme de
valeurs afin de créer de la profondeur, ce qui donne un aspect très
réaliste aux objets. Ceci dit, il y a souvent une couleur dominante
saturée utilisée pour créer de l’émotion et susciter de l’intérêt.
Si nous regardons la forme générée par le rouge vif, on constate
qu’elle crée elle aussi une autre grande forme diagonale, mais dont
la direction est inversée, équilibrant ainsi la grande masse sombre.
Cette grande masse d’une seule couleur rompt la monotonie
du reste de la peinture, pour laquelle une palette terne et assourdie
a été utilisée.
ATime
la composition, mais si peu la maîtrisent vraiment.
La composition est la structure même d’une peinture et,
si elle ne fonctionne pas, toutes les touches sur la feuille,
les combinaisons de couleur et les astuces dans notre manche
ne feront pas illusion pour un œil averti. C’est le premier
2015. 63 x 76 cm. élément essentiel de toute peinture, quels que soient la
technique et le style, figuratif, suggéré ou abstrait.
Afin de bien comprendre, il est important de revenir aux
fondamentaux, car avec le temps de petites modifications
peuvent avoir lieu à travers les changements linguistiques et
LES HABITUDES DES PEINTRES AUJOURD’HUI des idéaux, qui peuvent à leur tour déformer notre perception
du sujet en question. Le terme de composition, selon
De nos jours, la plupart des gens peignent sur le motif ou d’après photos. Le Robert, est la suivante : « Action, manière de former un
Beaucoup d’artistes se servent d’appareils pour leur dessin, afin d’être sûr tout en assemblant plusieurs parties, plusieurs éléments. »
qu’il soit sans erreur. Pour certains, cela s’appelle le progrès. Ces formes Voyons comment cela se traduit en peinture :
de préparation ne développent cependant pas chez l’artiste de vraies
Les éléments d’une peinture sont :
capacités à concevoir une composition, car la composition s’apprend avant
tout avec le dessin. L’art ne consiste pas à reproduire les formes que l’on a - La couleur
sous les yeux : il constitue une vision construite par l’artiste afin qu’il puisse - Les valeurs
s’exprimer. Pour y arriver, les artistes doivent modifier la réalité en termes de - Les formes
formes, de valeurs et de couleurs, afin de raconter leur histoire. La capacité Les combinaisons multiples de ces trois éléments
à disséquer n’importe quel sujet s’apprend grâce au langage visuel qu’est la créent des peintures ; rien de plus, rien de moins.
peinture et à la compréhension de la manipulation des trois éléments clés Vous m’avez sans doute déjà entendu dire au fil des ans :
que sont les formes, les valeurs et la couleur. Une ligne verticale peut être « La composition est simplement l’arrangement des
utilisée pour guider ou bloquer le regard du spectateur ; elle ne peut pas couleurs, des valeurs et des formes sur la surface de la
être reproduite sur la feuille simplement parce qu’elle fait partie du paysage. toile. ». Autrement dit, le rôle d’un artiste dans la création
Nous devons prendre des décisions afin de choisir quelles formes, valeurs et de sa composition consiste à choisir l’emplacement
couleurs aideront au mieux notre peinture. Cela revient à maîtriser le dessin. de chaque couleur, valeur et forme. Bien que cela
Le dessin est essentiel en peinture. Il est la base de plusieurs éléments paraisse simple, cela demande une compréhension
comme les valeurs, les formes, la compréhension de l’espace et du complète des couleurs, des valeurs et des formes, à la
volume, la hiérarchie et les relations entre ces différents éléments. Il est la fois comme concepts individuels et dans les relations
construction qui sous-tend une peinture. Lorsque nous dessinons, nous qu’elles entretiennent entre elles. Cette notion est l’art
arrangeons les formes avec leurs valeurs et leurs couleurs de telle sorte même derrière chaque peinture et elle est rarement
qu’elles puissent exprimer le plus simplement possible le message que nous optimisée de nos jours. C’est la raison selon moi pour
voulons transmettre. laquelle la plupart des gens ont du mal à maîtriser l’art de
Dans cette œuvre de Denny Bond, nous pouvons voir comment la la composition.
construction délicate de la composition a été créée afin de rendre cet effet Afin d’avoir plus d’information et de conseils de la part de
particulier. Denny Bond est un des rares artistes à utiliser autant de lignes Denny Bond, vous retrouverez un article complet sur son
directionnelles que moi ! Regardons plus attentivement quelles sont les style, sa préparation et sa vision en peinture dans le numéro
formes, les couleurs et les valeurs qu’il a utilisées. de décembre de l’Art de l’Aquarelle.
Xi Guo
Le cycle de la vie
60
EMPREINTE DE MÉLANCOLIE, LA PEINTURE DE
XI GUO EST UNE RÉFLEXION SUR LE CYCLE
DE LA VIE, REFLÉTÉ DANS LA NATURE.
L’AQUARELLE EST POUR ELLE LA TECHNIQUE
QUI SE PRÊTE LE MIEUX À SES RECHERCHES ET
SES IDÉES. ELLE NOUS EXPLIQUE POURQUOI.
Baby’s breath
76 x 51 cm.
« J’ai toujours
aimé les
gypsophiles
pour leur aspect
nuageux. Aussi,
quand j’ai décidé
de me peindre
avec cette
chemise blanche,
j’ai tout de suite
pensé à cette
fleur. J’ai recadré
l’image et flouté
les fleurs afin de
rendre le regard
plus intense.
Les détails de la
chemise blanche
et la texture
sur les jambes
permettent
d’équilibrer la
composition. »
Dreaming
of Butterfly
N° 5
48 x 33 cm.
« Cette série
de peintures
est inspirée
de Zhuang Zi,
un philosophe
taoïste chinois
qui raconte
l’histoire de
son rêve, dans
lequel il était
un papillon. À
son réveil, il ne
se souvenait
plus s’il était
un homme qui
avait rêvé qu’il
était devenu
un papillon ou
un papillon qui
avait rêvé qu’il
était devenu
humain. En
répétant et en
dissimulant
certaines
parties de
l’image, j’ai
essayé de
donner corps
au concept
d’identité et
d’illusion. »
62
Dreaming of Lilith
Butterfly N° 6 76 x 51 cm.
48 x 33 cm. « Cette peinture
« J’avais est inspirée de la
déménagé mythologie juive.
aux États-Unis Lilith, la première
pendant deux ans femme d’Adam,
au moment de vit dans un arbre.
cette peinture. Elle est à
Parfois, je rêvais la fois source
que j’étais de fantastique
encore à mon et d’horreur.
appartement à Je me suis prise
Shanghai. Le en photo devant
choc culturel des buissons,
était toujours là. dans mon jardin.
Par conséquent, J’ai assombri
j’ai combiné le fond afin que
les éléments le buisson donne
orientaux dans l’apparence
l’environnement d’une jungle
occidental pour mystérieuse, et
symboliser les ajouté des tons
étourdissements violacés sur les
et le désordre feuilles afin de
dans mon esprit. » créer un contexte
plus surréaliste. »
des gens. Elle est toujours une source d’inspiration. MON PROCESSUS DE TRAVAIL
Mes peintures de nature sont plus calmes et plus Si j’ai une idée, j’écris quelques mots-clés, puis réalise
pacifiques que mes portraits. Je ne peins pas quelque quelques croquis. Une fois ma composition détermi-
chose de simplement doux et joli. Vous pouvez voir née, j’essaie de trouver le meilleur endroit et d’autres
la beauté dans toute chose, qu’elle soit merveilleuse éléments pour prendre des autoportraits, à l’aide de
ou laide, vivante ou morte. La nature est la meilleure mon appareil photo et de mon trépied. Je me pro-
illustration du cycle de vie. mène partout avec. Si je trouve quelque chose qui
attire mon attention, je prends des clichés. Si l’éclai-
UNE ENFANCE SOLITAIRE ET MÉLANCOLIQUE rage n’est pas suffisant, je prends des photos du
Ma peinture est mélancolique, car je suis avant tout même sujet, jusqu’à obtenir le bon éclairage. J’utilise
une personne pessimiste. D’après Freud, tout pro- également Photoshop pour éditer mes images. Le
viendrait de mon enfance solitaire. J’étais un enfant
très maladroit et excentrique. Mes parents étaient
très occupés, ils m’ont envoyé dans la maison de ma L’AUTOPORTRAIT, UN CHOIX ÉVIDENT
grand-mère dans un petit village. Les enfants ont Tous mes tableaux sont mon autoportrait. La raison en est
senti que j’étais une étrangère, là-bas. Quand je suis que cela rend mon travail plus personnel. C’est comme si
j’étais le narrateur qui raconte sa propre histoire. Je suis
retournée à la ville, j’étais encore une étrangère. Il y à la fois le réalisateur et l’acteur. Je suis narcissique et entière.
avait un cimetière près du village, où je me rendais Le processus de fabrication de l’art est une sorte de jeu pour
souvent. Donc, pour moi, la mélancolie est proba- moi. Je n’ai besoin de personne d’autre. Les avantages sont
blement une nostalgie. J’ai vraiment apprécié ces évidents. Personne ne sait ce que je veux plus que moi et
je peux prendre autant de temps que je le souhaite pour obtenir
après-midi. J’allais au cimetière et j’espérais rencon- exactement ce que je veux. La difficulté est que je ne peux pas
trer un fantôme pour me donner les réponses à mes me voir dans l’objectif, ce qui rend le processus très lent.
questions. Parfois, je prenais un livre avec moi, mais
la plupart du temps, je regardais les pierres tombales
et méditais sur les histoires et les personnalités de
tous ceux qui étaient enterrés. Certaines tombes ont
été abandonnées. Le lierre sauvage et les plantes
commençaient à prendre la relève. Cela m’a toujours
impressionnée. « A Melancholy Poem » est une série
de peintures qui traite de mes interrogations. Je sou-
haite que les spectateurs puissent sortir de leur vie
ordinaire et rêver. C’est effrayant de ne pas savoir ce
qui est au-delà, mais c’est en même temps attirant,
mystérieux.
Tangle N° 5. 76 x 51 cm « Je suis tombée amoureuse de la mousse espagnole après Antique Shop in the Sunset. 48 x 33 cm. « Ce tableau est une œuvre de jeunesse.
avoir déménagé pour Savannah, dans le sud des États-Unis. Cette plante légère et délicate, J’ai cherché dans cette peinture à comprendre comment peindre les ombres. J’ai aussi
suspendue dans les arbres et sans racines, pousse partout ici, ce qui rend cette ville cherché à fluidifier les formes tout en gardant le contrôle, et à trouver le bon mélange
historique encore plus mystérieuse et étrange. C’est devenu mon sujet préféré. pour mes tons sombres. »
résultat ne sera jamais le même. C’est la beauté de la beaucoup plus qu’avec l’huile. Le seul inconvénient à
peinture, et en particulier l’aquarelle. Vous ne pouvez mes yeux est qu’elle a tendance à s’éclaircir et à être
pas créer la même peinture deux fois de suite. moins brillante une fois sèche.
Il est important pour un artiste de trouver le juste
AVANTAGES ET INCONVÉNIENTS DE L’AQUARELLE milieu entre une œuvre inachevée et une œuvre
Je suis une aquarelliste plutôt traditionnelle. où on est allé trop loin. J’inspecte généralement
L’aquarelle me fascine par sa transparence. C’est ma peinture à une certaine distance lorsque je la
pourquoi j’en ai fait mon principal moyen de travail. pense finie et je fais des ajustements. Je procède
Vous pouvez penser que quelques coups mélangés ainsi durant quelques jours – ce qui me permet de la
avec de la peinture blanche n’auront pas d’incidence, voir d’un autre œil. Parfois, je prends des photos de
mais cela vous donne en fait une excuse pour par- l’œuvre et les regarde sur l’écran de mon ordinateur
donner vos erreurs. En fait, vous verrez l’effet dans pour analyser ce qui doit être amélioré. C’est parfois
votre peinture même si vous ne verrez pas ces instinctif mais je pense que mes études en photo-
erreurs dans les reproductions de vos peintures. graphie et en art contemporain m’aident beaucoup.
J’ajoute seulement dans mes peintures un peu de
médium irisé, qui donne un aspect un peu brillant. LE MESSAGE DANS MA PEINTURE
Si je compare la peinture à l’huile à un homme, alors Zhuang Zi, un philosophe taoïste influent a dit : « Il
l’aquarelle m’apparaît au contraire très féminine. Sa n’existe pas de différence fondamentale entre la vie et la
grâce, son incertitude, sa sensibilité et sa fragilité mort, vous et moi, puisque tout est physique ; sauf le tao
m’attirent. Elle est joueuse et s’accorde parfaitement qui est métaphysique et la loi de l’univers. Le paradis et la
à mon idée de l’art. On peut la croire inconstante et Terre partagent les mêmes racines et je suis un avec les
difficile à maîtriser au départ, mais une fois que vous myriades de choses. » Les taoïstes pensent que la vie
connaîtrez bien cette technique, vous vous amuserez et la mort sont les reflets des saisons. La naissance
ASTUCE
Pour protéger votre pinceau de
la gomme à masquer, trempez-le
au préalable dans de l’eau savonneuse.
2. LA GOMME À MASQUER
J’applique de la gomme à masquer
au pinceau sur les zones qui resteront
blanches. Je peins les valeurs
moyennes et foncées de l’arrière-plan
avec un grand pinceau rond, d’un geste
rapide, ce qui me permet d’obtenir des
textures et des mélanges de couleur.
Je pose ensuite mes zones sombres,
avec un pinceau n° 6 ou n° 8, sur
la couche de couleur précédente
encore mouillée. Avec un pinceau
propre mouillé, je fonds mes contours.
Je pose du vert clair sur la feuille encore
humide afin d’enrichir mon arrière-
plan. Après séchage, j’ajoute des détails
Tangle N° 2. 76 x 51 cm. aux pinceaux n° 4 et n° 6.
« Une autre représentation de la mousse espagnole. La lumière matinale tombait sur cette
plante délicate, la rendant brillante et presque transparente. Malgré son apparence fragile
et élégante, elle possède un caractère puissant et résistant. »
3. ADOUCIR LES CONTOURS
Avant d’aller plus loin, j’enlève
délicatement toutes la gomme
et la mort sont comme être issu du Tao et retourner à masquer, puis ajoute des détails
dans les branches et dans la mousse,
vers le Tao. À travers mes peintures – paysages et en alternant entre un pinceau très sec
portraits – je recherche la beauté des formes dans chargé en couleur et un pinceau trempé
la vie, dans tout ce qu’elle a de beau et de laid, dans dans de l’eau claire afin d’adoucir
les contours. J’ajoute encore
sa jeunesse et son déclin. Mes peintures sont éga- des détails avant de prendre de
lement le reflet du besoin d’avoir quelque chose qui la distance pour apprécier ma peinture
est capable d’emmener le spectateur hors de lui- et voir les éléments qui doivent encore
être travaillés. Cette étape est répétée
même vers un ailleurs – même si le spectateur sait encore trois ou quatre fois. Je densifie
que tout est évanescent, tout, mis à part le vide, n’est mes valeurs sombres et ramène
jamais permanent. quelques blancs à l’aide d’une lame
de canif. Les couleurs trop saturées
Le taoïsme, le zen et Sigmund Freud influencent sont adoucies et je fonds quelques
ma vie et mon travail. Il y a également Botticelli. détails dans les ombres afin d’équilibrer
Enfant, je suis tombée amoureuse de la peinture l’ensemble de la composition.
parce que j’avais un livre avec des reproductions de
ses tableaux. Il y a un adage qui dit que la peinture
est le reflet du peintre. Je pense que c’est vrai. Mes MES COULEURS : AQUARELLES DA VINCI
peintures sont le reflet de ma personnalité et de mes J’aime les couleurs Da Vinci pour leur densité de pigments et
croyances. Faire de l’art est un voyage de décou- leur texture crémeuse. Voici ma palatte :
verte, de connaissance de soi et d’exploration de la Jaune arylide, jaune arylide foncé, orange benzimide, orange benzimide
relation entre moi, en tant qu’individu, et l’univers. foncé, terre de Sienne brûlée, terre de Sienne brûlée foncée, rouge de
cadmium foncé, rouge de cadmium, jaune de cadmium foncé, bleu de
céruléum, bleu de cobalt, bleu de cobalt teinte verte, violet de cobalt,
Texte : Laurent Benoist. rouge Da Vinci, violet Da Vinci, vert émeraude (permanent), bleu
Photos : D. R. outremer, indigo, vert feuille, violet de manganèse, opus (rose vif).
Aquarelle
Dessiner, peindre Hors-série
et s’exprimer DVD Master class
Peindre en 3 coups avec la couleur n° 42 Aquarelle sur
de pinceau ! 6OHVJEFQSBUJRVF Spécial
Roland Palmaerts QPVSBQQSFOESFË
le motif avec
5SPJTEÏNPOTUSBUJPOT NBOJFSMBDPVMFVS aquarelle Chien Chung-Wei
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Les secrets EFMBRVBSFMMFyBWFDFOUSBJOFUHÏOÏSPTJUÏþ"V
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Roland Palmaerts d’une bonne QBQJFSTFUDPVMFVSTQPVSCJFODIPJTJS
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Le Guide essentiel de l’art animalier
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à l’aquarelle 1BZTBHFBOJNBMJFS3ÏBMJTNFFUÏNPUJPO
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Janine Gallizia Joseph Zbukvic
Créer une 4QÏDJBMJTUFEF
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Le Guide essentiel du PAYSAGE
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Dessin, aquarelle, huile, pastel 13,50 € TTC
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1 2
« La réussite d’une peinture de fleurs ne dépend pas de la réussite d’une
de la position, des couleurs et des contrastes de chacune d’entre elles. »
4 5
3 5. CONSIDÉRER LA PEINTURE
DANS SON ENSEMBLE
Je commence à travailler sur les fleurs moins importantes, dans
seule fleur, mais de la taille, le coin inférieur gauche. Je considère toujours la peinture dans son
ensemble, afin de ne pas perdre mon centre d’intérêt. Puis, j’ajoute
les feuilles sombres et les tiges fines afin de stabiliser ma structure.
6. L’ÉTAPE FINALE
Au cours de cette ultime étape, je ne me réfère plus à la photo de
référence ou aux fleurs que j’ai sous les yeux. Je vérifie qu’il n’y a pas
d’imperfections dans la composition, et j’ajoute des détails si cela
s’avère nécessaire. La technique expressive et abstraite n’apparaît
pas seulement dans la composition globale mais aussi dans
la représentation de chaque détail.
MES COULEURS
J’utilise toujours des aquarelles Winsor &
Newton Artists. Parfois, je peins aussi avec des
couleurs Winsor & Newton Cotman.
Ma palette de base se compose des couleurs
suivantes : carmin d’alizarine, laque écarlate,
jaune de cadmium, orange Winsor, bleu
outremer, bleu de cobalt, bleu Winsor, bleu
céruléum, viridien, noir de fumée, brun Van
Dyck, terre de Sienne brûlée et terre d’ombre.
Elles me permettent de créer une belle harmonie de teintes. En outre,
je peux ajouter en fonction de mes besoins des peintures translucides et
opaques. Ma particularité est de privilégier les couleurs qui granulent,
tels que le bleu outremer, le bleu de cobalt, le brun Van Dyck et l’ombre
6 naturelle. En utilisant beaucoup d’eau, on peut obtenir de surprenants
effets de texture et de granulation.
Early Summer
Sunshine 2017.
36 x 27 cm.
« Il arrive que
l’on aperçoive
soudain un
rehaut de
lumière se faire
jour dans un
coin, et cela
signifie que l’on
peut en faire
quelque chose
En fait, j’ai peint plus de paysages que de tableaux Blossom. 2016.
d’intéressant. » floraux, mais en ce qui me concerne, le sujet n’est 26 x 35 cm
qu’un moyen d’arriver à une fin. Et grâce à ce moyen, « J’ai fait
l’expérience
je peux soit démontrer le genre de composition dans du noir d’ivoire
lequel j’excelle ou en expérimenter de nouvelles. Les dans l’arrière-
fleurs sont un des sujets les plus difficiles. Ceci dit, plan pour créer
une ambiance
quand il s’agit de trouver un ordre dans une masse particulière
désordonnée d’informations, les fleurs sont le meil- empreinte de
leur sujet qui soit. mystère. »
PEINDRE EN NÉGATIF
Il s’agit d’une technique expressive très répandue.
Sans contraste, il ne peut pas y avoir de formes. Je
choisis les couleurs selon la luminosité des fleurs
elles-mêmes. Les fleurs dotées d’une haute brillance
doivent être équilibrées par un fond sombre, et réci-
proquement. Mais il faut également prêter attention,
lorsque vous peignez des pétales, à ne pas trop des-
siner et préciser les formes.
71
RENCONTRE
QU’ELLE JETTE SON DÉVOLU SUR DES PERSONNAGES, DES
OBJETS OU DES TEXTURES, CETTE ARTISTE APPROCHE SES
SUJETS D’UNE MANIÈRE SENSIBLE, QUI TRADUIT L’ACUITÉ DE
SON REGARD ET SA MAÎTRISE INSTINCTIVE DE L’AQUARELLE.
RuhyieYalgin
La passion
du détail
Zoom sur une œuvre primée,
Misir (56 x 76 cm)
Une femme anatolienne m’a invité chez elle ; je l’ai prise en photo. Des produits de son jardin étaient
en train de sécher dans une pièce, comme ces épis de maïs. Reposant sur le sol en bois, ils ont attiré
mon regard. Ils sont devenus le sujet de cette aquarelle, que j’ai peinte avec beaucoup de plaisir.
J’ai commencé par prendre des photos, avant de me fixer sur celle qui me convenait le mieux.
REPÈRES J’ai ensuite effectué un dessin en apportant quelques modifications : j’ai par exemple diminué le
Ruhiye Yalgin est née nombre d’épis de maïs afin de donner plus de lisibilité à l’ensemble. J’ai voulu attirer l’attention sur
en Turquie en 1964. le sol en bois et créer ainsi un équilibre entre l’intensité du premier plan et les interstices dans le sol,
Elle a suivi des études en étalant les épis de maïs. J’ai utilisé du sel pour donner un aspect vieux et détérioré au sol en bois.
d’arts graphiques, de
peinture ornementale Après un dessin au trait, je commence par
et de dessin de mode peindre les tons les plus clairs des épis de maïs.
à la faculté des beaux-
arts de l’université de Je poursuis en rehaussant les tons jaunes
Gazi. Elle a travaillé de sur les maïs. Je leur donne également
nombreuses années du volume en variant mes couleurs,
comme enseignante notamment avec un apport de rouge.
en peinture et en arts Je continue à donner du relief aux brins
graphiques. Après avoir de maïs, toujours en jouant sur différents
pris sa retraite, elle a mélanges de jaune et de rouge.
choisi de se consacrer Je pose ensuite les ombres portées avec un
à temps plein à sa mélange de violet, de rouge foncé et de vert.
peinture. Elle a exposé
J’apporte des effets de texture au premier plan
aussi bien en Turquie
qu’à l’étranger, et a en déposant du sel et en jouant avec le grain
remporté plusieurs prix. torchon du papier.
Les dernières ombres sur le sol sont posées,
avec un mélange de brun, de vert et de violet.
TEXTE :
LAURENT BENOIST. J’ai peint cette aquarelle avec des couleurs des
marques Talens, Van Gogh, Winsor & Newton,
PHOTOS : D. R. St. Petersburg et Schmincke. J’ai utilisé les teintes
suivantes : jaune citron, orange, rouge clair, rouge
de cadmium, rouge de cadmium foncé, vert olive,
terre d’ombre, brun sépia, violet, terre de Sienne
brûlée, terre de Sienne, rouge carmin.
72 A QUARELLE N°34
L’Art de l’Aquarelle : Pouvez-nous nous parler de gestuelle. Si vous aimez peindre en plein air et si
votre découverte de l’aquarelle ? vous êtes un peintre de paysage, cela joue à votre
Ruhyie Yalgin : Au cours de ma carrière d’ensei- avantage. Ceci dit, avec mes sujets de prédilection,
gnante en art, j’ai utilisé aussi bien le fusain, le crayon, peindre sur le motif n’est pas forcément un avan-
la gouache et l’huile que l’aquarelle, sur différents tage. Un contexte trop stimulant peut affecter ma
supp rts. Après avoir pris ma retraite, j’ai décidé de concentration ; j’ai alors du mal à me concentrer sur
me recentrer sur l’huile et l’aquarelle, avant de me mon sujet. J’aime rendre les détails dans mes aqua-
consacrer uniquement à cette dernière, parce que je relles, et cela demande à la fois beaucoup de temps
prends plus de plaisir avec cette technique et qu’elle et d’attention. C’est pour cela que je préfère travailler
convient mieux à mon tempérament. dans mon atelier, installée dans mon salon.
ADA : Êtes-vous plutôt une peintre d’atelier ou de ADA : Vous vous êtes récemment mise à l’aqua-
plein air ? relle… pouvez-vous néanmoins déjà voir une évolu-
R. Y. : La technique que vous utilisez et la façon dont tion dans votre manière de l’aborder ?
vous l’appliquez sont deux facteurs importants. Bien R. Y. : Effectivement, j’ai commencé à peindre à
sûr, l’environnement est également un élément qui l’aquarelle il y a trois ans, et je suis désormais en
joue. Vous êtes plus ouvert d’esprit et plus actif mesure de voir les effets causés par le fait que, dans
avec une technique qui est plus dynamique et plus mes premières peintures, je ne connaissais pas bien
Anadolu (Anatolia).
2017. 76 x 56 cm.
« Les motifs et
plis et replis du
foulard noué
traditionnellement
de cette vieille
femme anatolienne
sont les mêmes
que l’original. »
mon matériel. Votre expérience, vos choix de tech- connaissances fondamentales en peinture. Ceci dit,
niques et la manière dont vous appliquez la pein- le lien que vous arrivez à créer avec votre modèle
ture se voient dans vos peintures. Ces changements est plus important que tout. Toutes vos connais-
n’ont pas été conscients, c’est un processus qui s’est sances se retrouveront sur la feuille, grâce aux
déroulé au fil du temps. émotions que vous ressentez. Je ne choisis pas
consciemment les éléments que je souhaite inclure
ADA : Vous peignez aussi bien mouillé sur mouillé ou non dans une peinture. Je prends mes décisions
que mouillé sur sec. Comment déterminez-vous la spontanément et je peins.
technique à utiliser ?
R. Y. : J’aime peindre avec ces deux techniques, et ADA : Existe-t-il pour vous un sujet idéal ?
ce quel que soit mon sujet. Je préfère peindre des R. Y. : Je ne pense pas. Le sujet parfait varie d’un
portraits serrés parce que je considère les détails artiste à l’autre. Un tout petit objet que personne
comme importants : aussi, je travaille ceux-ci sur ne remarque peut être un excellent sujet si vous
sec et les zones plus grandes dans l’humide. Tout êtes capable de le voir. Il est important de ressentir
dépend de ce que je souhaite mettre en avant. quelque chose à propos de votre sujet. En fait, tout
ce qui m’entoure peut faire l’objet d’une peinture :
ADA : Comment sélectionnez-vous les éléments tissus, fruits, légumes, oiseaux et portraits sont pour
lors de la composition : est-il par exemple plus moi les sujets les plus intéressants. J’aime rendre la
facile pour vous de savoir quels éléments garder texture des tissus et les détails des drapés, peindre
ou supprimer ? des vieilles femmes qui portent sur elle le poids des
R. Y. : Il est entendu que ce que vous voulez dire ans, et qui sont capables, malgré tout ce qu’elles ont
et la façon dont vous voulez vous exprimer, ainsi dû endurer, de continuer à sourire. J’aime également
que votre maîtrise technique, sont des éléments peindre les foulards qui enserrent leur visage et qui
importants. Il est également important d’avoir des jouent dans la représentation des émotions. Par
MA PALETTE
Portre - Beyaz örtülü kadın- J’utilise une variété de marques, et mes couleurs
(Portrait). 2016. 38 x 56 cm. de base sont les suivantes : terre de Sienne,
terre de Sienne brûlée, terre d’ombre brûlée,
« Une œuvre réalisée d’après
rouge jaune, carmin, rose, brun et sépia.
photographie, en utilisant des
peintures Winsor & Newton. »
ÉXVI JIQQI
0I GLEPPIRKI
SOMMAIRE EST-IL PLUS DIFFICILE D’ÊTRE
DU CAHIER ARTISTE QUAND ON EST UNE FEMME
QUE QUAND ON EST UN HOMME ?
%WXYGIW
20 QUESTIONS À SE POSER
POUR SAVOIR SI VOTRE PEINTURE
EST TERMINÉE .............................................82 Amanda Hyatt
ª9REVXMWXIIWXGVqEXMJUYIPUYIWSMXWSRWI\I«
7 CLÉS POUR RÉUSSIR Je ne me suis jamais considérée comme une artiste femme.
Je suis juste une artiste. Pour moi, un artiste est créatif quel
SA COMPOSITION ......................................86 que soit son sexe. Mon style est à la fois traditionnel, réaliste et
impressionniste ; la lumière est dans ma peinture un élément
majeur. Je ne m’intéresse pas aux visages atypiques, à l’expres-
IXEVXMWXI
constamment de
mentir sur mon âge,
mais est-ce qu’un
artiste homme ferait
Shirley Trevena
ª0¸MQTSVXERXTSYVYRIEVXMWXIIWXH¸EZSMV
YRTEVXIREMVIUYMP¸IRGSYVEKI«
Durant les années 80, j’ai pris une décision qui a changé ma
vie : quitter mon travail d’urbaniste pour devenir une artiste pro-
fessionnelle. Cela impliquait bien évidemment de renoncer à un
salaire régulier, et gagner ma vie en faisant des bandes dessi-
Geelong nées, en illustrant des affiches et en dessinant des vitraux. Cela
Marina. m’a en revanche donné tout le temps de faire des expériences
54 x 74 cm. et de progresser dans ma peinture – qui se bornait jusque-là à
quelques croquis durant les vacances.
Après toutes ces années, je trouve que le facteur temps est
encore un problème pour moi. J’apprécie la vie sociale avec
mon partenaire et mes amis, mais je dois parfois me couper du
monde pour peindre. Cette pensée reste néanmoins toujours
en moi : peut-être que si je consacrais plus de temps à mon
travail, je pourrais progresser dans ma créativité. Beaucoup de
femmes ressentent sûrement cet antagonisme entre ces deux
aspects importants de leur vie.
En vieillissant, je déteste le fait que je n’ai plus autant d’énergie –
et pire encore, vient également le sentiment que l’image d’une
femme plus âgée qui peint des fleurs à l’aquarelle n’est pas très
forte. Je pense qu’une des choses les plus importantes pour une
femme artiste est d’avoir un partenaire qui l’encourage et qui
adore faire la cuisine. Que pourrais-je demander de plus ?
être en compétition avec moi-même afin de créer une peinture
meilleure que la précédente. J’ai découvert qu’il n’y a pas d’équi-
libre dans ce domaine et une femme artiste doit travailler deux
fois plus pour obtenir la moitié de la reconnaissance d’un artiste
masculin. On a toujours tendance à penser qu’un artiste mascu-
lin est meilleur simplement parce qu’il doit forcément l’être. Je
n’y crois pas un seul instant.
ª .¸EM H XVEZEMPPIV FIEYGSYT TPYW UYI
QIW GSQTEVWIW QEWGYPMRW¬ «
Lorsque j’ai débuté ma carrière, je ne signais qu’avec mes ini-
tiales. J’ai remporté un prix australien important, décerné par
Sir William Dargie, portraitiste réputé et peintre de l’armée. Il ne
savait pas qui avait peint ce tableau – ni que j’étais une femme.
Cela a démontré que ma peinture a remporté le prix pour la
simple et bonne raison qu’elle était réussie. Il est intéressant de
remarquer qu’au cours de ses cinquante-deux ans d’existence,
ce prix n’a été remporté que par 6 femmes seulement. Cela m’a
encouragée à abandonner ma carrière scientifique pour me
lancer dans la peinture. Le
chemin fut parsemé de joies,
de désespoirs, d’euphories, de
frustrations et de travail. Mais
j’ai fait de mon mieux pour que
chacune de mes peintures soit
meilleure que la précédente
– sans doute parce que j’ai dû
travailler beaucoup plus que
mes comparses masculins… Flowers & Fruit against a Blue Curtain.
« Je crois que
le monde de
l’art est toujours
dominé par Barbara Nechis
les hommes, ª0IWJIQQIWHSMZIRX
mais que je n’en XSYNSYVWsXVIQIMPPIYVIW
subis pas les UYIPIWLSQQIWTSYV
conséquences. » TEVZIRMVEYQsQIWYGGrW«
Intuitivement, j’ai toujours su que les
femmes devaient être plus proac-
tives pour être sur un pied d’égalité
avec les hommes et j’ai suivi mes
instincts pour réussir.
Lorsque la troisième personne qui
a vu mon travail à l’aquarelle m’a
demandé si je pouvais donner des « Même si la plupart
cours, j’ai dit oui. Ma fille avait 3 mois de mes étudiants
et elle avait déjà fait l’expérience étaient des femmes,
d’être transportée à l’arrière de ma
voiture avec mes peintures lorsque
tous les enseignants
je me rendais à des cours d’aqua- étaient masculins. »
relle en plein air. Désormais, pen-
dant qu’elle faisait la sieste, mes 3 étudiants étaient rassemblés
autour de la table de ma salle à manger. Et son réveil marquait la
fin du cours. Quand elle était plus âgée, d’autres mères avec de
jeunes enfants se sont joint à mes cours et j’ai embauché une
baby-sitter pour les divertir pendant que nous peignions sur des
tables de pique-nique à la plage. Une fois mes enfants à l’école,
je n’ai plus invité les enfants à mes cours.
J’ai ensuite dispensé des cours du soir à l’école secondaire
locale. Un jour, en me rendant à mon cours avec mon voisin qui
enseignait la céramique, il m’a dit qu’il supposait que je gagnais
plus que lui parce que j’avais deux fois plus d’étudiants. J’avais
demandé une augmentation et elle m’avait été refusée. Quand
nous avons réalisé qu’il était mieux payé que moi, ce fut un
choc. J’ai démissionné à la fin du semestre.
Je souhaitais en fait, avec mes cours, diversifier mes revenus.
Blue Moon. Aquarelle et feuille d’or, 35 x 35 cm. L’intensité d’un stage de 5 jours donnait de meilleurs résultats
Concrete Abstract.
Winter Lace.
9RI JIQQI HERW PI NYV]
À la parution de mon premier livre, dans les
Aquarelle années 80, il y avait déjà beaucoup d’ouvrages sur
et encre, l’aquarelle mais aucun n’avait été écrit par une femme
56 x 76 cm. et la plupart mettaient en avant les règles plutôt que
la créativité. Ainsi, la plupart des organisations, dont Marie-Line Montécot
les jurys étaient exclusivement masculins, ont cherché
à équilibrer leur jury et ont commencé à s’intéresser ª -P Q¸E JEPPY TVIRHVI QSR HIWXMR IR QEMR
aux femmes artistes dont je parlais dans mon livre. IX TEWWIV k P¸EGXMSR «
Lorsque je revois les photos de jury de l’époque,
j’étais très souvent la seule femme, un peu comme J’ai adoré être une artiste en étant une femme. C’était un défi à
un faire-valoir. relever chaque jour pour tout concilier et trouver un équilibre. Si
pratiquer un art relève d’une profonde nécessité pour moi, ne
pas négliger mon rôle de femme et de mère avait autant d’im-
portance. J’ai apprécié, en me plongeant dans les tâches fami-
liales, de prendre du recul sur un projet artistique qui aurait pu
me prendre la tête. Et vice versa, devant la charge que repré-
sente une famille au quotidien, même si elle a fait preuve de
beaucoup de coopération, c’était du repos pour mon esprit de
retourner dans mon univers, de me concentrer sur un projet.
Cette alternance m’a toujours convenu, cette dualité qui évite
la spécialisation et donc la lassitude, l’amertume, la frustration
ou l’égoïsme. J’ai eu la chance par là même de recevoir sans
réserve le soutien de ma famille, mon mari et mes enfants.
Les combats des féministes ont bien fait avancer les prises de
conscience et je me suis avancée à leur suite. Il m’a fallu d’abord
que des cours hebdomadaires. Même si la plupart de mes étu- prendre mon destin en main et ensuite passer à l’action. En
diants étaient des femmes, tous les enseignants étaient mas- revendiquant le statut d’artiste professionnelle, j’ai senti que je
culins. On proposait à certains de mes collègues masculins de soulevais le poids du passé et le destin de ces générations de
donner des stages et j’ai compris que j’aurais besoin de plus de femmes dépendantes, non libres, travailleuses, courageuses,
visibilité pour me faire connaître. J’ai donc proposé des articles à mais oublieuses d‘elles-mêmes par la force des choses. Quel
la presse spécialisée, sans succès. J’ai ensuite présenté le même dommage qu’elles aient dû renoncer, pour beaucoup, à ce qui
contenu à une autre maison d’édition (North Light Magazine), qui les animait et donnait sens à leur vie !
en a fait mon premier livre, Watercolor, the Creative Experience. La pratique d’un art ne tient pas à un genre, elle a toujours été
L’ouvrage est sorti en 1979 et suite à cette parution, je n’ai plus pour moi un assemblage heureux du masculin et du féminin. La
jamais eu à faire ma promotion pour des offres de cours. Même génération dont je suis issue m’a permis, par un long processus
si aujourd’hui, beaucoup de choses ont changé, je pense que les lié à l’art, de devenir moi-même en écoutant mes aspirations
femmes doivent toujours être meilleures que leurs équivalents profondes pour la culture, mon amour de l’art et le désir de par-
masculins pour arriver au même succès. tager cette magnifique mais rude expérience.
UYIWXMSRWkWITSWIV
TSYVWEZSMVWM
ZSXVITIMRXYVIIWXXIVQMRqI
IL ARRIVE TOUJOURS UN MOMENT DANS UNE PEINTURE OÙ L’ARTISTE S’INTERROGE : MON TABLEAU EST-IL
TERMINÉ ? SI CETTE QUESTION PEUT PARAÎTRE SIMPLE ET ANODINE, LA RÉPONSE L’EST EN FAIT BEAUCOUP
MOINS. HEUREUSEMENT, L’ART DE L’AQUARELLE EST LÀ POUR VOUS AIDER.
I
l est parfois simple de déterminer si un tableau est fini : vous départ. Si ce n’est pas le cas, posez-vous la question de savoir
avez le sentiment qu’il est parfait tel qu’il est, et que la moindre pourquoi : certaines zones sont-elles trop prépondérantes, et
touche supplémentaire n’apportera rien de plus. Voire pire. d’autres au contraire trop silencieuses ?
Tous les tableaux ratés, disait un artiste, ont commencé par
cette question innocente : « Et si je rajoutais une touche de
peinture ici ? »… Pour toutes les fois où cette prise de décision 6. Le tableau « fonctionne-t-il »?
s’avère compliquée, il peut être utile de se poser des questions Placez votre tableau à l’envers ou regardez-le par l’entremise
qui vous aideront à déterminer si votre aquarelle est bel et bien d’un miroir. Vous serez ainsi en mesure de déceler plus
terminée. Pour cela, il vous faut développer votre œil critique, facilement ce qui ne vous convient pas. N’hésitez pas non plus
et cela passe par deux aspects essentiels : la capacité de juger à le prendre en photo.
froidement et analytiquement votre travail comme s’il s’agissait
de celui de quelqu’un d’autre, et une connaissance visuelle
étendue, une manière de répertoire d’images. Ces deux aspects 7. Les couleurs employées aident-elles à transmettre
sont, en fait, très simples à développer : il vous suffit de peindre l’ambiance que vous souhaitez?
et de voir beaucoup d’œuvres. Les couleurs – et surtout leur température – influent sur
l’ambiance d’un tableau. Celles que vous avez employées
sont-elles au service de votre message, ou au contraire
1. Le tableau possède-t-il un point focal? viennent-elles le perturber ?
Si oui, attire-t-il naturellement le regard?
L’œil a besoin de circuler au sein d’une peinture et un point focal
vous permettra de hiérarchiser les informations dans votre 8. Les formes dans le tableau possèdent-elles
tableau tout en mettant l’accent sur le sujet principal. des contours nets et/ou flous?
Chaque élément au sein d’un tableau possède un impact ou
un poids visuel. Répartissez ces différents éléments au sein
2. Dois-je ajouter plus de détails à certains endroits? du tableau afin de trouver un équilibre.
Ou en retirer?
Une peinture, c’est comme une conversation : tout ne doit
pas être dit. À moins que vous ne peigniez dans un style
photoréaliste, inutile d’inclure tous les détails de votre sujet.
%HMWSVR
3. Est-ce que les premieret arrière-plans, ainsi que le 4SVRWMVMOEVR
plan intermédiaire, sont suffisamment différenciés? « Finir un tableau est un
sentiment proche de celui
C’est en étageant les plans que vous donnerez de la profondeur qu’on éprouve après avoir
à votre tableau, particulièrement dans le cas d’un paysage. mangé ! C’est à vous qu’il
appartient de savoir si
4. Les proportions sont-elles correctes? vous avez assez mangé
L’art figuratif repose en grande partie sur le respect des et si votre tableau est
proportions et des tailles des éléments entre eux. terminé. C’est quelque
chose qui vient avec la
pratique, au fil du temps. »
5. Le regard circule-t-il bien dans l’ensemble
du tableau?
L’œil doit circuler dans le tableau, et revenir à son point de
9. Est-ce que le tableau ressemble (de près ou de loin) 16. Chaque élément/forme dans le tableau
à ce que j’avais en tête au départ? est-il facilement identifiable ou lisible?
Aviez-vous une idée en tête au moment de vous lancer ? Peut-être Posez-vous la question de savoir si telle ou telle forme est
en avez-vous dérogé au fil de votre peinture… Le tableau final vous compréhensible par le spectateur. Avez-vous réussi à représenter
plaît-il ou auriez-vous préféré qu’il ressemble plus à l’idée que vous de manière convaincante ce que vous vouliez montrer ?
vous en faisiez au départ ?
10. Y a-t-il des éléments qui vous paraissent 17. Quelle gamme de valeurs ai-je utilisée?
Généralement, une œuvre forte fait appel
être en trop dans le tableau? à toute la gamme des valeurs.
Regardez votre tableau rapidement. Sur quel élément votre
œil tombe-t-il en premier ? Cet élément est-il indispensable au
message que vous souhaitez exprimer ? Si ce n’est pas le cas, 18. Y a-t-il des zones que je peux ou que je souhaite
supprimez-le. pousser plus loin?
Vous avez le sentiment que certaines zones de votre tableau
11. Les ombres sont-elles cohérentes mériteraient d’être plus abouties ? Dites-vous qu’à l’époque
du romantisme, le non finito, qui consistait à ne pas terminer
avec la source lumineuse? ses tableaux, étaient très en vogue.
Les ombres portées et propres de chacun des objets
de votre tableau doivent être en accord avec la direction
choisie pour la lumière. 19. Comment se présente ce tableau par rapport
à ma production précédente? En suis-je plus satisfait
12. Les formes varient-elles en taille? ou moins satisfait?
Pour donner du rythme à votre tableau, variez la taille des Tous les artistes s’accordent à le dire : le prochain tableau doit être
différents éléments. Si vous constatez qu’ils sont trop uniformes, meilleur que le précédent. C’est ainsi que vous progresserez.
essayez d’en augmenter et/ou d’en réduire quelques-uns.
20. Et enfin, la dernière question – primordiale –, et
/SRWXERXMR7XIVOLSZ certainement celle à laquelle toutes les précédentes
« Je dois admettre que j’ai gâché un certain nombre de sont subordonnées : le tableau me plaît-il?
peintures en allant trop loin et en franchissant le point Une œuvre d’art est tout sauf une recette de cuisine : il ne suffit
de non-retour. La plupart du temps, cela se produit pas de mélanger les ingrédients dans les bonnes proportions
lorsque je perds mon intérêt pour le sujet. Ensuite, et de suivre scrupuleusement la recette pour obtenir un chef-
je perds aussi l’intuition requise qui aide à connaître d’œuvre. Un tableau n’est rien de plus, ni rien de moins, que
le bon moment. Lorsque la peinture se fait d’un seul la résultante de votre expérience, de vos connaissances et de
souffle, ce n’est généralement pas un problème. » vos exigences. Ainsi, en conclusion, si votre aquarelle vous plaît
telle qu’elle est, c’est qu’elle est bel et bien terminée !
'SQQIRX WI VIRSYZIPIV#
VOUS ÊTES À COURT D’IDÉES ? VOUS MANQUEZ D’INSPIRATION ?
RASSUREZ-VOUS, CELA ARRIVE À TOUS LES ARTISTES !
TOUT LE MONDE A CONNU UN JOUR OU L’AUTRE L’ANGOISSE
DE LA FEUILLE BLANCHE… VOICI COMMENT Y REMÉDIER.
GPqWTSYVVqYWWMV
WEGSQTSWMXMSR
LA COMPOSITION A CECI DE PARADOXAL QUE SI ELLE EST RÉUSSIE, ELLE NE SE VOIT PAS…
ELLE S’EFFACE POUR LAISSER PLACE À L’APPRÉCIATION DE LA PEINTURE.
AUTRE PARADOXE : MIEUX VOUS CONNAÎTREZ LES RÈGLES DE COMPOSITION, MOINS
VOUS Y PENSEREZ AU MOMENT DE PEINDRE. NOUS AVONS DRESSÉ ICI UNE LISTE
DE 7 POINTS CLÉS QUI VOUS AIDERONT À METTRE EN ŒUVRE VOTRE TABLEAU.
'SQQIRXVIWXIVGVqEXMJ
IXHERWP¸EMV HY XIQTW
TEV.SWITL>FYOZMG
(SRRIV HI P¸MQTEGX k
EZIG/EXLPIIR1EPMRK
Une fois ma muse trouvée, il est important pour moi d’obtenir le plus
rapidement possible, dès les premiers lavis, l’harmonie naturelle.
Avoir une feuille de papier blanc, vierge de peinture et avec juste quelques
traces de crayon, peut être impressionnant, alors que vous vous apprêtez à
vous lancer dans la couleur. J’ai découvert qu’il était pour moi plus simple de
« plonger » en quelque sorte, et de mouiller toute ma feuille. Je dépose ensuite
ma peinture, manipulant ma feuille alors que j’apporte de la peinture.
Je vais par exemple la retourner à 90° ou 180° et l’asperger d’eau jusqu’à ce
BEAUCOUP DES MOTIFS QUE JE PEINS que les lavis soient mélangés et se fondent sur la feuille. C’est un processus
organique qui laisse une part à l’aléatoire. C’est un dialogue avec la peinture
NE SAURAIENT ÊTRE CONSIDÉRÉS où vous débutez avec vos propres idées, mais où vous finissez par aboutir à
un compromis avec votre sujet. L’harmonie ne peut être atteinte que si vous
COMME BEAUX EN TANT QUE TELS. écoutez autant que vous vous exprimez.
JE CHERCHE À DÉVOILER LA BEAUTÉ
Regarderson sujet
QUE JE TROUVE DANS DES SUJETS
Tandis que j’ajoute de la couleur, je regarde attentivement mon sujet (une
À CÔTÉ DESQUELS ON POURRAIT photo, généralement) et je me décide sur les zones qui accueilleront des teintes
chaudes et des teintes froides. C’est quelque chose de très excitant pour moi
PASSER. UN ÉCLAT DE LUMIÈRE parce que si je vois une zone avec une couleur chaude, je vais avoir tendance
à l’exagérer, tout en sachant qu’en séchant, elle deviendra beaucoup plus claire,
SUR LES ÉCAILLES D’UN ALLIGATOR me laissant ainsi la possibilité de jouer avec par la suite. Je sèche ma feuille entre
chaque couleur ; cela crée une espèce de « soupe » sur la feuille qui me permet
OU LES REFLETS SUR DES VARANS de respirer et de décider de l’étape suivante, après avoir observé comment
DE KOMODO SONT AUTANT les couleurs ont séché.
3. Je me lance maintenant dans les détails, 4. Je continue toujours dans les détails,
L’importance des valeurs et j’enlève la gomme à masquer au fur en levant les couleurs à certains endroits,
et à mesure que je progresse. et en adoucissant les contours là où
Les couleurs sont seulement un aspect d’une peinture, la gomme à masquer a été retirée.
c’est le contraste des valeurs qui en construit le squelette.
Lorsque je suis en quête de sujets, mon appareil photo
à la main, je recherche des lumières fortes et des ombres.
J’ai constaté que souvent, les œuvres que je n’ai pas
menées à leur terme ne possédaient pas de contrastes de
valeurs suffisants. Désormais, je vérifie au préalable mes
photos de référence, sous différentes lumières, dans un
miroir et à l’envers, afin de pouvoir déceler tous les motifs
d’ombres et de lumières. Si la gamme de valeurs est
correcte, la couleur est une peau qui s’adapte aisément
sur le squelette créé par les contrastes de valeurs.
Suivre le courant…
Généralement, je débute par une série de petites
esquisses, chacune avec des couleurs différentes.
En fonction de la manière dont ma peinture réagit, j’ajuste
mes touches et mes couleurs. Très souvent, je mets mes
esquisses de côté. À l’aquarelle, on doit littéralement être
capable de « suivre le courant », c’est le mieux selon moi.
Les détails peuvent être de petits éléments abstraits qui
s’assemblent comme des pièces de puzzle, le fond peut
être une série de couches de couleur superposées… mais
en tout cas l’incertitude doit demeurer, du début à la fin. Alligator. 56 x 76 cm.
Eugeniu Gorean
BIEN CONNU DE NOS LECTEURS, L’ARTISTE MOLDAVE
A REMPORTÉ LE CONCOURS LECTEURS DU DERNIER
NUMÉRO DE L’ART DE L’AQUARELLE. IL NOUS DÉVOILE
ICI LES CLÉS DE SA PRATIQUE ET NOUS PARLE DE
SON AMOUR POUR LA PEINTURE SUR LE MOTIF.
« Je suis un adepte
du plein-air »
L’Art de l’Aquarelle : Eugeniu, quels sont les béné-
fices que vous apporte la peinture sur le motif ?
Eugeniu Gorean : Je pratique habituellement les
deux méthodes, le plein-air et le travail en atelier. Je
pense que cette combinaison me représente totale-
ment. Ce sont des notions complémentaires, ce qui
signifie qu’une méthode ne peut pas exister sans MON PAPIER
l’autre. Étant un adepte du plein-air, je pense qu’elle J’utilise du papier Arches de
peut aider à obtenir les vraies couleurs. Le plus grand différents types : grain torchon,
défi dans la peinture de plein-air est qu’un artiste grain satin et grain fin… à chaque
joue une sorte de duel. Ayant le papier comme papier son sujet. Le grain torchon,
espace bidimensionnel, il doit créer un tableau en par exemple, est bien pour des
scènes urbaines, et le grain fin
trois dimensions. Le côté positif du plein-air est qu’il pour des scènes plus rurales et des
apprend à capturer très rapidement le mouvement peintures dans l’humide, où l’eau est
et la composition, raison pour laquelle je ne consacre prédominante. J’utilise moins le grain
satin, généralement pour des études
pas plus de 2 heures par peinture sur le motif. d’animaux et des natures mortes.
Gorean
Guernesey.
« Mon séjour sur l’île
britannique de Guernesey m’a
fait découvrir la couleur verte
dans une nouvelle lumière.
Et cette impression a marqué
ma palette… »
PAPERWEST 2017 - NATIONAL WORKS Orangeburg, NY 10962, États-Unis. Building The Mound,
ON PAPER JURIED EXHIBITION Frais d’inscription : $30 pour 3 œuvres, Edinbourg EH2 2EL, Royaume-Uni.
Dates d’exposition : $5 pour chaque œuvre supplémentaire Frais d’inscription : £10 par œuvre
du 6 au 30 novembre 2017 (maximum 5 œuvres au total) (plus £30 de frais d’accrochage par œuvre)
Lieu d’exposition : Renseignements : Prix : plusieurs prix, dont le City of Glasgow
Gittins Gallery, jazztune.wixsite.com/smallworks College Purchase Prize, d’une valeur de
University of Utah, Date limite d’inscription : 1er octobre 2017 £8 000 et le Walter Scott Prize, d’une
valeur de £5 000.
Salt Lake City, États-Unis.
Frais d’inscription : 22,50 USD
ROI ART PRIZE Renseignements :
Dates d’exposition : www.rsw.org.uk/index.php
Prix : plusieurs prix
du 20 au 24 novembre 2017 Date limite d’inscription : octobre 2017
Renseignements :
Lieu d’exposition :
collegeoffineartsuniversityofutah.
submittable.com/submit/89984/
ROI Apartments COLUMBIA THREADNEEDLE PRIZE -
paperwest-2017-national-works-on-paper-
4 Bik Lane, Fitzroy North FIGURATIVE ART TODAY
Victoria 3068, Australie. Dates d’exposition :
juried-exhibition
Pas de frais d’inscription du 31 janvier au 17 février 2018
Date limite d’inscription : Prix : 10 000 AUD Lieu d’exposition :
22 septembre 2017 Renseignements : www.roiapartments. Mall Galleries,
com.au/roi-art-prize.html The Mall, St. James’s,
154E EXPOSITION DE LA ROYAL Date limite d’inscription : 8 novembre 2017 Londres SW1, Royaume-Uni.
GLASGOW INSTITUTE OF FINE ARTS Frais d’inscription : £15 par œuvre (£10
Dates d’exposition : ALTÉRITÉ, pour les artistes de moins de 35 ans)
du 11 au 26 novembre 2017 EXPOSITION À LA GALERIE 29 Prix : de nombreux prix dont un premier
Lieu d’exposition : Dates d’exposition : plusieurs expositions prix de £20 000 avec une exposition
RGI Kelly Gallery, de janvier 2018 à janvier 2019 à la Mall Galleries.
118 Douglas Street, Lieu d’exposition : Renseignements :
Glasgow G2 4ET, Royaume Uni. Galerie 29, 29 rue Nationale columbiathreadneedleprize.com
Frais d’inscription : £10 par œuvre 74500 Évian, France. Date limite d’inscription :
(gratuit pour les membres de la RGI) Pas de frais d’inscription 22 septembre 2017
Prix : plusieurs prixRenseignements : Renseignements : www.galerie29.org
royalglasgowinstitute.oess.uk/entrydetails. Date limite d’inscription : par e-mail B. J. SPOKE GALLERY
aspx ?exhID=39 (galerie29@mjcevian.com) avant 37E EXPOSITION ANNUELLE
Date limite d’inscription : 1er octobre 2017 le dimanche 15 octobre 2017 Dates d’exposition : mars 2018
Lieu d’exposition :
SURRENDER TO SMALL - 137E EXPOSITION D’HIVER DE 299 Main Street,
SMALL WORKS JURIED ART SHOW LA ROYAL SCOTTISH SOCIETY Huntington NY 11743, États-Unis.
Dates d’exposition : 12 novembre 2017 OF PAINTERS IN WATERCOLOUR Juge : Cara Manas, assistant-conservateur
Lieu d’exposition : Dates d’exposition : janvier 2018 (peinture et sculpture) au Museum of
Volition Gallery Lieu d’exposition : Modern Art.
103 S. Greenbush Road Royal Scottish Academy Frais d’inscription : 35 USD.
ĂůůĂŝƐ͘ƌĂďĞƵdžΛ ŵĂŝů͘ĐŽŵ
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Distribution: OZ International www.oz-international.com www.QoRcolors.com ©2016 Golden Artist Colors, Inc., New Berlin, NY 13411 USA
MOULIN DU COQ
MOULIN DU COQ
Aquarelle /(528*(
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