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Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación


Escuela de Educación
Educación Básica Integral
Asignatura: Arte y Expresión

Técnica Muppet
Aplicación formación
estética Auditiva

Integrante: Rondón Angela

CI: 21.183.527

Profesora: Betty Osorio

Marzo 2018
Índice

Introducción

1.- Técnica

1.1 Técnica Muppets

1.2 Materiales

1.3 Instrumentos

1.4 Procedimiento

2.- Aplicación Formación Estética Auditiva

2.1 Aplicación Formación Estética

2.1 Teoría – Solfeo

2.2 Instrumentos Musicales

2.2.1 Clasificación de los instrumentos musicales

2.3 Composición

2.3.1 Patrimonio Cultural

2.4 Agrupaciones Musicales

2.5 Sonidos

3.- Texto Creativo

3.1 Guion Micro de Radio

4.- Medios de Comunicación

4.1 Medios de Comunicación Auditivos

4.2 La Radio

4.3 Medios de Comunicación Auditivos y Educación

4.3.1 La música

5.- Artes Escénicas

5.1 ¿Qué es el Teatro?

5.2 ¿Qué es la Opera?

5.1 Teatro Opera


6.- Tratamiento Curricular

6.1 Proyectos

b. Proyecto Pedagógico de Aprendizaje

a. Proyecto Educativo Integral Comunitario

c. Proyecto Canaima

7.- Tratamiento Pedagógico

7.1 Diseño Hermenéutico

7.1.2 La Investigación o Comprensión:

7.1.3 La Interpretación

7.1.4 La Aplicación

7.2 Diseño Instruccional:

7.2.1 ¿Por qué el Diseño instruccional?

7.2.2 ¿Cómo desarrollar diseño instruccional?

7.2.3 ¿Para qué sirve el diseño instruccional?

7.2.4 ¿Qué son los modelos de diseño instruccional?

7.2.5 ¿Cuáles son las fases del diseño instruccional?

 La fase de Análisis
 La fase de Diseño
 La fase de Desarrollo
 La fase de Implantación e Implementación
 La fase de Evaluación

7.2.6 Tipos de evaluación en el modelo instruccional addie:

 La Evaluación Formativa
 La Evaluación Sumativa

7.2.7 Importancia del Diseño Instruccional al crear un programa de formación en


línea

7.3 Diseño Educativo

8.- Sistema de Inteligencia de Arte y Estética.

8.1 Elaboraciones Mentales


8.1.1 Asimilación

8.1.2 Acomodación

8.1.3 Adaptación

8.1.4 Equilibrio

Conclusión

Referencias Bibliográficas
Introducción

Los bocones, también llamados modernas marotas o muppets se han convertido en una
de las técnicas de expresión titiritera con más aceptación y mejores resultados en todo el
mundo. Su origen radica en el teatro de guante pero, a diferencia de éste, las modernas
marotas moverán la boca.

Conocer este tipo de técnica es muy importante ya que en ella se combina la expresión
titiritera junto al marionetismo, dándole al docente un amplio repertorio de conocimientos
que por medio de diversas estrategias pueden ser aplicadas en el aula.

Por otro lado el desarrollo de la percepción auditiva a través de una adecuada formación
estética auditiva llevara a los niños a perfeccionar las capacidades relacionadas con la
audición, la interpretación y la composición.

Es importante que los niños crezcan en un ambiente de aprendizaje integral, donde se


integran todas las áreas de aprendizaje y este pueda relacionar sus conocimientos previos
con nuevos aprendizajes, por ello en el presente trabajo hablaremos sobre el Guion Micro
de Radio, el Teatro Opera, los Medios de Comunicación Auditivo, haciendo una relación
de cómo se podrían integrar estos temas en las áreas de aprendizaje para así ir creando un
aprendizaje integral.

Todo ello englobado dentro del diseño Hermenéutico del cual también hablaremos, así
como también se conocerá sobre el diseño Instruccional y el educativo, que son base
fundamental para el quehacer educativo. Así también dentro de nuestra presentación
indagaremos sobre los distintos proyectos de aprendizaje, que son importantes ya que en
ellos se planifican las metas para el desarrollo y mejoramiento educativo.
1.- Técnica

1.1 Técnica Muppets

Los muñecos a través de la historia y el lugar en que les toca vivir y desarrollarse, han
derivado en diferentes y múltiples técnicas, así mismo estilos.
Muppets: De “Marionetts” y “Puppets” son el tipo de marionetas creadas por Jim Henson
y conocidas sobre todo por los programas de televisión “Sesam Street” y “The Muppets
Show”.

La diferencia más notable en relación con otro tipo de marionetas es el movimiento de


sus bocas que se articulan con el movimiento de una de las manos del titiritero. Esta
característica dota a ésta marioneta de una gran expresividad en rostro, y ésa es una de las
razones para su utilización en televisión. El cuerpo del muppets está soportado por el
brazo del titiritero. Y los brazos son movidos por varillas, desde abajo. En otra variante,
una de las manos del manipulador entra en un guante que forma la mano de la marioneta.

El títere en escena es visualmente una mezcla de plástica aplicada y un buen manejo o


manipulación, la que no nace por sí sola, sino que se aprende y se practica es por ello que
“la aparente confusión entre causa y efecto, se disocia en plantear esta unidad entre el
objeto (títere) y sujeto (manipulador), entre el instrumentista y el instrumento he allí el
secreto de éste arte”(Cerda; 1965)De allí que se le pide al manipulador estar mimetizado
hasta ser uno con el muñeco, donde no sabemos dónde comienza uno y donde termina el
otro, es una complicidad que se refleja en la escena. El cuerpo erguido y las piernas
ligeramente abiertas, los músculos completamente relajados, la mirada del títere siempre
en función del espectador y aludiéndolo a él en primer lugar, es entonces que se tiene la
posición ideal para el animador, Marcel Temporal alude al moviendo como: “armonía
óptica”, esto se refiere a la armonía organizada de cada movimiento titiritesco, todo gesto
en función de una idea o tema central, ellos no deben ser desvinculados los unos de otros.

Toda manipulación responde a la técnica que se esté aplicando o por la finalidad práctica
que se le desee otorgar, es por ello que debe haber una complicidad entre lo práctico y lo
artístico, es decir, eliminando las inhibiciones que impidan un manejo fresco, fluido y sin
temor al ridículo por parte de quién opera, al despertar las fantasías del manipulador se
puede fluir en la confección del guion y en la escena misma practicar la improvisación, e
interacción con quién ofrece de público, esto indudablemente enriquece la imaginación,
el movimiento del muñeco se regula por quién le da vida, por tanto los límites del espacio
los define el operador.

Un buen sistema de manejo requiere de gran sensibilidad del aquel que imprime la vida
sin este ingrediente lo que se desee transmitir no será efectivo, y por más que se tenga un
excelente muñeco y de muy buena factura no logrará llegar al espectador por el contrario
si el manipulador escoge una piedra y le otorga vida su manipulación sumado a la
sensibilidad que le imprima será sorprendente su efecto en el público. Un aspecto de suma
importancia para un buen desempeño en la manipulación es sin lugar a dudas la
perseverancia
del ensayo frente a un espejo con el manipulador mirando cada gesto con el muñeco, se
sugiere la mirada fija en el títere de esta forma el muñeco tomará vida.

Los Muppetses una película estado unidensede género comedia estrenada en 2011, y la
primera de los Muppets en el cine después de 12 años. En la cinta, Walter el aficionado
de los Muppets más grande del mundo, su hermano Gary (Jason Segel) y su novia Mary
(Amy Adams) deben recaudar $10 millones para salvar el Teatro Muppet de Tex Richman
(Chris Cooper), un empresario que planea demolerlo para perforar en busca de petróleo.

La película fue dirigida por James Bobin, escrita por Segely Nicholas Stoller, producida
porMatrtin Baker, David Furnish, Segel, David Hoberman, Todd Lieberman y John
Scotti, y contó con Bret McKenzie como supervisor de la música. La distribuye
Walt Disney Pictures y fue lanzada en Norteamérica el 23 de noviembre de2011. La
producción se comenzó en septiembre de 2010; se anunció por primera vez en marzo de
2008 y se estrenó en el Festival de Cine de 6 Savannah, 2011. Además Disney ya está
planeando una secuela llamada "Los Muppets 2".

CARACTERÍSTICAS COMUNES
Ojos saltones
Boca grande que se abre y cierra como si de una mano se tratara y que es totalmente
plana por dentro.
No tienen garganta.
Tener una sola ceja.
Caminar como brincando.
Brazos extremadamente delgados.
Piel o recubierta de colores (a veces también tienen plumas o pelos).

1.2 Materiales

- Goma espuma (esponja) de 1 cm. de espesor.

- Pegamento de contacto

- Cartulina ilustración

- Tela

- Cartón

- Detalles para decorar (ojos, botones, entre otros)

1.3 Instrumentos

- Cutter

- Tijeras
- Marcador

-Cinta métrica

-Regla o escuadra

- Aguja e hilo

1.4 Procedimiento
1. Dibuja un molde circular e una de las partes de la espuma de poliestireno y recórtala con el cuter curvo.
Esto sera la cabeza de tu Muppet.

2. Haz un agujero donde ira la boa y en el cuello donde ira tu mano. También deberás cortar la mandíbula,
la cual ira separada de la cabeza así podes controlarla con tus manos.

Puedes cortar la nariz en este paso y luego retocarla para hacerla única.
 Recorta los ojos
 Si quieres que tu mandíbula se mueva libremente, corta del todo la sección donde ira la misma y has un
solapa de cartón.

3. Colócale la piel. Puedes usar la pistola encoladora o un spray adhesivo, éste último hará que se pegue
mejor pero es bastante difícil de trabajar. Corta un retazo de paño del tamaño de la cabeza y comienza a
pegarlo desde el centro de la cara. Asegúrate de pegar el paño en el sector de los ojos, siguiendo hacia los
extremos, asegúrate que todo el paño quede pegado al rostro de manera uniforme. Deberás dejar un poco
para el cuello.

 Si has cortado la nariz, deberás colocarla después de haber puesto el paño en el rostro. Cubre la nariz
con paño y luego pegala
 Usa el paño para sostener la mandíbula a la cara

4. Agrega las tapitas de botellas que serán los ojos.

5. Agrégale un poco de cabello utilizando la pistola encoladora. Pégale un poco de paño negro dentro de la
boca y sobre el un retazo de paño rojo para simular la lengua.

 Puedes ponerle un sombrero en lugar de cabello si lo deseas

6. Para la parte superior del cuerpo, puedes colocarle una camiseta y encima de la misma una camisa lo
cual le dará algo de fuerza al cuerpo. Pega el cuello a la parte interior de la camiseta y el cuello de la camisa
pegalo al cuello de la marioneta. Si quieres darle más cuerpo, arruga un poco de periódico y colócalo dentro
de la camiseta o puedes usar algo de espuma de poliestireno que te haya sobrado para crear el cuerpo de
la Marioneta Muppet.

 También puedes agregarle orejas, cejas, bigote o cualquier otro detalle que quieres que tu marioneta
tenga. ¿Tal vez un parche en el ojo?
7. Coloca tu mano en paño (asegúrate de colocar tus dedos juntos o separados dependiendo cuantos dedos
quieres que tu marioneta tenga) Usando una lapicera traza tu mano sobre espuma de poliestireno, coloca el
paño de forma doble y recórtalos. Coselos junto. Has lo mismo para la otra mano y habrás terminado
tu marioneta Puppet.

2. Aplicación Formación Estética

2.1 Aplicación Formación Estética Auditiva

La música es utilizada en la mayoría de las culturas en situaciones sociales concretas:


En la magia, religión, fiestas, ritos, trabajos, en la muerta, guerra y en el cortejo para
cada cosa de estas se provee la música.

La cultura occidental ha creado dos situaciones extremas: El concierto en que la


música solo sirve de oyente , y la invasión musical de los espacios y ambientes públicos
,donde se ha perdido su valor significativo para convertirse en ruido de fondo . Estos
dos casos no impiden si no que realzan la relación estrecha con situaciones sociales.

Existe por lo tanto la posibilidad de usar la música como signo teatral , pues las
funciones practicas (como crear el ambiente de notar sentimientos colectivos).

En el concierto, encontramos las funciones simbólicas, por ejemplo, no es lo mismo


interpretar en un concierto que en un funeral, como no es lo mismo; si se interpreta en
una representación teatral. Los griegos crearon dos mitos acerca de la invención de la
música por los dioses : Atenas inventan a música para expresar el dolor de la hermana
de medusa ( expresión de sentimientos humanos ). Hermes creo la liria a partir de
caparazón de una tortuga , como resonador del mundo , como el sonido perceptible de la
armonía universal .

Una clasificación de los significados de la música tendría que diferenciar entre :

Lo que alude al espacio y al movimiento

Lo que indica objetos y sucesores en un lugar

Lo que alude al carácter, al estado de ánimo, a las emociones

Lo que representa y refieren una idea

Culturas ideas, es decir sus valores pueden variar de una cultura a otra. Para los
occidentales los tonos agudos son claros, alegres y vitales mientras que los graves
indican tristeza ocurrida.
2.1 Teoría – Solfeo

El lenguaje musical es el conjunto de signos sonoros y escritos que permiten la


comunicación a través de la música. El lenguaje musical es para la música lo que la
gramática y el vocabulario son para una lengua. El lenguaje musical es una expresión
artística en la que existe una melodía, un ritmo y un pulso, que en conjunto crean una
composición musical o canción. El lenguaje musical nos ayuda a comprender la música,
a leerla e interpretarla, a escribirla y crearla, pero sobre todo, el lenguaje musical ayuda a
trasmitirla fielmente a través del tiempo y compartirla con todos.

Se denomina solfeo al proceso y al resultado de solfear. Este verbo, por su parte, refiere
a entonar una canción pronunciando las notas y marcando el compás. El solfeo, por lo
tanto, es una forma de entrenamiento que se desarrolla con el objetivo de aprender
entonación mientras se lee una partitura. De esta manera, no sólo se practica la
entonación, sino que también se adquiere destreza para leer música de manera rápida.

A través del solfeo, la persona entona y recita los nombres de cada nota de una melodía,
teniendo en cuenta el tempo y los valores rítmicos (es decir, la duración de la nota). De
forma simultánea, el sujeto debe marcar el compás con una mano. Los especialistas
afirman que el solfeo ayuda a comprender la teoría musical, a perfeccionar el
reconocimiento de los intervalos de la música, a determinar la altura de cada nota mientras
se las lee por primera vez y a respetar el ritmo y la dinámica, todos puntos fundamentales
para una correcta ejecución.

2.2 Instrumentos Musicales

Un instrumento musical es un objeto compuesto por la combinación de uno o más


sistemas resonantes y los medios para su vibración, construido con el fin de reproducir
sonido en uno o más tonos que puedan ser combinados por un intérprete para producir
música.

2.2.1 Clasificación de los instrumentos musicales

La clasificación más usada de manera convencional es la de viento, cuerda y percusión.

Viento: saxofón, flauta, clarinete, trompeta, oboe, etc.

Cuerda: guitarra, arpa, violín, piano (el piano es de cuerda percutida), etc.

Percusión: timbal, tambor, platillos, bombo etc.

Instrumentos eléctricos: bajo eléctrico, guitarra eléctrica, theremín, sintetizador, etc

2.3 Composición

Se emplea el verbo "componer" para expresar el proceso de creación musical. Por tanto
el compositor es la persona que crea (inventa, escribe, hace) la música.
La creación musical es una labor muy complicada, pues implica el control de todos los
elementos que participan en la música: el sonido en todos sus caracteres, la armonía, el
ritmo, la estructuración formal, la tímbrica u orquestación...

A pesar de todo cualquiera puede inventarse una melodía, tararear con ritmo, dominar
alguno de los elementos antes citados pero no controlar otros. Por eso, dentro de la
creación musical encontramos diversos términos y funciones alrededor de la
composición. Las siguientes entradas simplifican la cuestión, aproximándose al uso
general que reciben estas palabras. No queremos entrar en cuestiones de calidad; se puede
ser un magnífico artista en uno sólo de los aspectos que tratamos, sin que sea descalificado
por no dominar otros.

- Compositor: Propiamente dicho es quien domina todos los ámbitos de la creación


musical.

- Autor: Literalmente es "el que hace". Puede entenderse igual que "compositor". Sin
embargo, en muchas ocasiones, también se dice del que tiene la idea básica,
especialmente la melodía, y deja el resto del trabajo a otros.

Es el caso de Charles Chaplin, que fue autor de la música de muchas de sus películas
aunque no sabía de música. Cantaba o silbaba las melodías a un ayudante que las
arreglaba y las escribía.

- Arreglista: Implica la transformación de una idea musical. "Arreglo" se aplica


especialmente a tranformar una obra para ser interpretada por otros intrumentos o voces
diferentes a las originales. También un "arreglo" simplifica una obra difícil para poder ser
interpretada por aficionados, o con fines pedagógicos. Y viceversa, se arregla una obra
simple dándole una mayor densidad o desarrollo.

Franz Liszt realizó magníficos arreglos de las nueve sinfonías de Beethoven para piano
solo. Muchas bandas de música tocan arreglos de música popular; y es costubre habitual
hacer popurris "arreglando" óperas, ballets, o bandas sonoras de películas.

- Armonizador: Dentro del "arreglo" implica la armonización de una melodía, es decir,


crear el acompañamiento sonoro con las técnicas de la armonía. Se encuentra mucho en
la música coral, adaptando canciones populares o ligeras (que son a una sola voz) para
ser interpretada a las cuatro voces de un coro. La mayor parte de la música ligera y popular
actual debe ser armonizada para los grupos o bandas que las interpretan.

- Orquestador: También dentro del "arreglo". Sólo atañe a la adaptación para ser
interpretado por una orquesta (más o menos).

El ejemplo más famoso es la orquestación que hizo Maurice Ravel de la obra Cuadros de
una exposición de Modest Mussorgski, originalmente para piano solo.

2.3.1 Patrimonio Cultural


La música de Venezuela se caracteriza por mezclar elementos españoles, indígenas y
africanos, típico de ser perteneciente a un pueblo predominantemente mestizo.

2.3.2 Música folklórica

Gaita zuliana

Una música muy popular en Venezuela es la Gaita. Este género, originado en el estado
Zulia, es muy popular durante la época navideña. La gaita, unida al aguinaldo, conforma
la representación nacional de la Navidad venezolana. Esta música folklórica es una de las
principales en este país.

Joropo Llanero

Manifestación musical oriunda de los estados Apure, Barinas, Cojedes, Guárico,


Portuguesa también presente en la parte centro-sur de los estados Anzoátegui y Monagas.
De la misma forma, el joropo llanero forma parte de la tradición folklórica de los
departamentos del Meta, Arauca, Vichada y Casanare en la vecina Colombia. La palabra
«joropo» viene del arábigo «xarop» que significa «jarabe» y está emparentado con los
jarabes tapatíos y sones jarochos de México.

Merengue venezolano

En Venezuela existe una enorme gama de merengues -desprendidas, en su origen rítmico,


de la simplificación de las variadas fulías negras de la costa central del país- que se pueden
agrupar en tres grandes grupos: el caraqueño, el oriental y el larense.

Siendo un género bailable, el merengue venezolano -y sobre todo el caraqueño- tiene


letras de corte costumbrista y picaresco, algunas de ellas muy subidas de tono, que son el
reflejo de las tradiciones, los personajes y las historias de la época. Cuatro instrumentos
solistas conforman la orquesta que ejecuta el merengue rucaneao: trompeta, trombón,
saxo y clarinete; los cuales son acompañados por el cuatro, el contrabajo, el redoblante y
la charrasca de tapara. La rítmica fue variando y del reglamentario compás de 2/4,
organizado en dos corcheas y un tresillo de negra, a fuerza de baile y sobre todo de
rucaneo, se llegó al singular compás de 5/8 (5 corcheas), extraña medida que le da esa
cadencia característica que lo diferencia de sus primos caribeños.

Vals venezolano

Aun cuando el vals es un ritmo proveniente de los grandes salones europeos de los siglos
XVII y XIX, una nueva forma de valse surgió durante la primera década del siglo XIX en
Colombia, Ecuador y Venezuela. Esta nueva forma de vals devino en un aceleramiento
en el ritmo lo que a su vez produjo vertiginosas formas coreográficas en su baile. Mientras
que en Colombia y Ecuador recibió el nombre de pasillo, en Venezuela conservó el
nombre de Valse o Vals venezolano.

Entre los más relevantes valses venezolanos de están, Dama Antañona (Francisco De
Paula Aguirre), El Diablo Suelto (Heraclio Fernández), Conticinio (Laudelino Mejías),
Brisas del Zulia (Amable Espina), Pluma y Lira (Telésforo Jaimes), Como llora una
estrella (Antonio Carrillo), El Jarro Mocho (Federico Vollmer) y los mundialmente
aclamados valses de Antonio Lauro (Nº2 "Andreina", Nº3 "Natalia" entre otros).

Música andina

 Bambuco andino: Siendo típicamente andino (estados Táchira, Mérida y


Trujillo), este género musical se localiza también en los estados Zulia, Lara y
Distrito Capital, encontrándose en éstos últimos bajo formas de melodías
románticas. La sonoridad de la palabra «bambuco» evoca en la mente del oyente
cierta cercanía con las melodías africanas. Sin embargo, la realidad es otra: el
bambuco es un ritmo acompasado y cadencioso que tiene su origen en España y
América. Su profunda raigambre en el territorio neogranadino hace que el
bambuco trascienda las fronteras y se arraigue en el occidente venezolano,
específicamente en los Andes y Zulia, donde sufre algunas modificaciones en los
compases y estructura. Cabe destacar que en cada región adquiere un acento
propio de la geografía y las tradiciones.

 Música campesina: Hombre cantando, acompañado de un cuatro, en las


cercanías del Hotel Humboldt, Caracas, Venezuela. La música campesina es una
expresión cultural de los Andes venezolanos (Estados Mérida, Táchira, Trujillo y
parte de Barinas). Se diferencia de la música llanera en que el güiro sustituye a las
maracas y la guitarra remplaza al arpa. Tanto el cuatro como el bajo son utilizados
en ambas manifestaciones. Alrededor de la década de 1970, el género se fue
formando con las primeras agrupaciones y fue a través de las disqueras Divensa
en Mérida, Potosí en Táchira y Tamarindo en el Vigía, que fue evolucionando y
se fue dando a conocer. Hoy existe una cantidad interesante de agrupaciones
representativas del género en su mayoría en el estado Mérida, la zona del Mocotíes
y los pueblos del sur, aunque existen nuevas tendencias en la zona del Táchira,
destacándose las agrupaciones de Pregonero, y San Cristóbal, su instrumentación
consiste tradicionalmente en requinto, guitarra, violín, cuatro venezolano y güiro,
algunas agrupaciones fusionan este estilo acompañándolo con percusión como
congas y timbales.

 Musica Tachirense de Raiz: El término “música tachirense de Raíz” fue


implementado a partir del año 2015 por el Músico Miguel Angel Chacón
Acevedo, Director de la agrupación Los Montañeros y activista del impulso de los
instrumentos Tachirenses y su música; este término se refiere principalmente a la
música de finales del siglo XIX y principios del siglo XX que marcó la época de
oro del bandolín tachirense.
La música tachirense de raíz se compone de varios géneros que se identifican
principalmente por el círculo armónico, el ritmo y el “canto firme del bandolín”,
siendo este último, la melodía característica del género. En este sentido la
podemos dividir en dos grandes grupos; los géneros que se ejecutan a ritmo de
Merengue Campesino y los géneros que se ejecutan a ritmo de Joropo Andino.
Entre los merengues campesinos más destacados están el pato bombiao,
manzanares y bombarda mientras en el ritmo de joropo andino están la perra baya,
el macayao, guariconga, molinera y guacharaca.

Calipso Guayanes o de El Callao

Ritmo que llegó a la Guayana Venezolana (Estado Bolívar) de la mano de inmigrantes


antillanos que fueron a trabajar a las minas de oro del Callao en el siglo XIX. El calypso
guayanés de El Callao, cantado tradicionalmente en inglés, se hace a partir de una batería
rítmica de percusión basada en el bumbac, acompañada de charrasca, campana o cencerro
y cuatro venezolano. Comúnmente se adiciona teclado, bajo eléctrico, instrumentos de
viento, voces masculinas y femeninas. Woman del Callao es indiscutiblemente el calipso
del Callao más reconocido dentro y fuera de Venezuela. Serenata Guayanesa junto Un
Solo Pueblo y Convenezuela han sido las agrupaciones que han difundido el calipso
tradicional venezolano fuera de la región del Callao en las últimas décadas.

Música clásica

Venezuela también ha producido compositores clásicos, tales como Teresa Carreño12


(renombrada pianista de talla mundial), Felipe Larrazábal, Reynaldo Hahn (director de la
Opera de París), Augusto Brandt, Prudencio Esaá, Juan Bautista Plaza, Juan Vicente
Lecuna, Franco Medina, José Antonio Calcaño, Víctor Guillermo Ramos Rangel, Jose
Clemente Laya, Evencio Castellanos, Gonzalo Castellanos Yumar, Inocente Carreño,
Modesta Bor, Ángel Sauce, Nazil Baez Finol, Daniel Milano,13 Rafael Rengifo, Moisés
Moleiro, Antonio Estévez, y Vicente Emilio Sojo (conocido por sus contribuciones a la
musicología y la educación musical). Roberto Ruscitti siguió los pasos de Sojo. Entre los
cultores del vals venezolano se encuentra Antonio Lauro, considerado uno de los mejores
a nivel mundial interpretando y componiendo obras para la guitarra al igual que Raúl
Borges, Alirio Diaz, Rodrigo Riera, Ruben Riera, Luis Zea, Luis Quintero y Rómulo
Lazarde.

Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela

El Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela es una obra del Estado


venezolano fundada por el maestro José Antonio Abreu, en el año de 1975, para la
sistematización de la instrucción y la práctica colectiva de la música a través de la
orquesta sinfónica y el coro como instrumentos de organización social y desarrollo
comunitario. Conocido también como El Sistema, comprende una red de 120 orquestas
juveniles y 60 orquestas infantiles, con un número de aproximadamente 350.000 jóvenes
dedicados a la música.

Entre los prominentes músicos y compositores que han estudiado, fundado o impartido
clases en estas instituciones se encuentran: Alberto Grau, María Guinand (una de las
fundadoras y coordinadoras de la Maestría de Música de la Universidad Simón Bolívar),
Diana Arismendi, Ricardo Teruel, Adina Izarra, José Francisco Del Castillo, Gabriela
Montero, Sir Augusto Ramírez, Judith Jaimes, Carlos Riazuelo, Inocente Carreño,
Maurice Hasson, Gonzalo Castellanos Yumar, Eric Colon, Felipe Izcaray, Jesús
Hernández, Frank di Polo, Humberto Bruni Lamanna, Josefina Benedetti, Alfredo
Rugeles, Abraham Abreu, Aquiles Baéz, Jaime Martínez, Alexis Cárdenas, Carlos
Duarte, Cecilia de Majo, Juan Carlos Núñez, Huáscar Barradas, Pedro Eustache, Edicson
Ruiz, José Antonio Abreu, Benjamín Brea, Carmelo Cacioppo (músico).

2.4 Agrupaciones Musicales

Las agrupaciones musicales pueden clasificarse según el número de integrantes de esta,


siendo los más importantes los siguientes:

Dúo: se habla de dúo cuando hay una agrupación de dos intérpretes que tocan dos
instrumentos. En el caso del canto, a esta agrupación se le llama Dueto.

Trío: el trío musical es una agrupación de tres personas que interpretan un instrumento
cada uno. También se le llama trío cuando uno o más de los integrantes es vocalista, y no
necesariamente toca un instrumento.

Cuarteto: es una agrupación formada por cuatro instrumentos. Habitualmente se refieren


a cuartetos de cuerda, formados por 2 violines, 1 viola y 1 cello. Esta formación es una
de las más habituales.

Orquesta: Conjunto de instrumentistas que interpretan obras musicales, sinfónicas o de


cámara, siguiendo las indicaciones de un director, normalmente en auditorios.

Orquesta Sinfónica: Orquesta formada aproximadamente por cien músicos que tocan
instrumentos de cuerda, de madera, de metal y de percusión.

Coro: Se denomina Coro a una agrupación de personas que interpretan una pieza musical
al unísono. Una de sus características principales es que si el número de integrantes es
elevado, se hace indispensable la guía de un Director. La interpretación se puede llevar a
cabo a una voz (monódica) o a varias voces (polifónica).

Los coros se pueden componer por diferentes tipos de voces ordenados en cuerdas:

Soprano: es la voz más aguda de la mujer y que generalmente da soporte a la melodía.

Mezzo-Soprano: es la voz habitual de la mujer y se sitúa entre Soprano y Contralto.

Falsetto: es la voz del hombre que canta imitando el registro de una soprano.

Contralto: es la voz grave de las mujeres.

Contratenor: es la voz más aguda del hombre que alcanza el registro de una contralto.
No suele ser una voz habitual en ningún coro.
Tenor: es la voz aguda del hombre

Barítono: es la voz más habitual del hombre, su registro oscila entre bajos y tenores.

Bajo: es la voz grave de los hombres.

Bajo Profundo: es una voz de los hombres más grave que los bajos.

Habitualmente, los coros están compuestos por cuatro cuerdas: soprano, contralto, tenor
y bajo y cada una interpreta una melodía diferente, consiguiendo los efectos deseados por
el autor.

2.5 Sonidos

El sonido es una sensación percibida por el oído que llega al cerebro. Cuando un cuerpo
vibra, las moléculas que lo forman se propagan en círculos concéntricos a través del aire.
La dimensión de la música es el tiempo y su medio de expresión es el sonido. Cada sonido
presenta sus propias características que lo hacen peculiar y diferente.

Las cualidades del sonido son cuatro: intensidad, altura, timbre y duración.

• La Intensidad:

Es la fuerza con que se produce el sonido; es decir, si es fuerte o suave. En la intensidad


influye la amplitud de las ondas, o sea la magnitud de las vibraciones; además se puede
comparar con el volumen.

• La Altura:

Es una propiedad por medio de la cual el sonido puede clasificarse en agudo, medio y
grave; constituye el tono del sonido. En el canto de los pájaros destacan los sonidos
agudos, mismo que contrasta con el rugido de un león caracterizado por sonidos graves.

• Timbre:

Se le considera como el sonido característico de una voz o instrumento. De


acuerdo con las vibraciones se produce el timbre, puede ser de muy variadas formas,
gracias a él se nota la diferencia de los sonidos en las voces de varón y de mujer, en los
ruidos de la naturaleza y en la melodía producida por instrumentos musicales.

• Duración:

Comprende el tiempo que se escucha un sonido; éste puede ser largo o corto.

3.- Texto Creativo

3.1 Guion Micro de Radio


El Guion radiofónico es la herramienta fundamental para hacer posible la coordinación
de todo el equipo técnico y humano. En este se detallan todos los pasos a seguir.

Aspectos relacionados con el guion:

•Todo programa radiofónico, sea cual sea su género, necesita un guion, ya que la
confección del programa exige un trabajo en equipo.

•Cada tipo de programa requiere un guion de distintas características.

•El guion debe estar escrito con un lenguaje claro.

El Guion Técnico Literario: En este aparece el texto verbal completo y las anotaciones
técnicas, es el guion más completo. Contiene toda la información posible

Dentro del Vocabulario Técnico Tenemos:

PP: Pasa a primer plano una música durante un tiempo determinado, lo que se calcula en
segundos.

PF: Pasa a fondo. La música queda en el fondo mientras hablan los locutores.

RAFAGA: Sube la música durante unos segundos y vuelve a bajar.

FUNDE: Se mezcla una música con otra suavemente

CESA: Se va bajando poco a poco la música hasta que desaparece.

Escaleta: Es el esqueleto del guión, es una especie de resumen que marca la pauta de lo
que va a hacer un guión. Es un boceto, lista o minuta donde los productores escriben en
orden, los pasos, segmentos o secciones que componen un programa.

La Radio es un instrumento de educación y cultura popular que se constituye en


promotora de auténtico y original desarrollo. El reto es realizar programas radiales, que
sean capaces de atraer la atención e interés de grandes audiencias populares, a la vez que
respondan a sus necesidades. Este medio o recurso se caracteriza por su gran
potencialidad para la información, comunicación y revalorización de la cultura oral y la
palabra hablada. Pero es importante considerar que la radio es un medio que solo emite
sonidos, y por razones obvias presenta limitaciones de carácter natural, pues la imagen
auditiva es más imprecisa que la imagen visual; depende en gran medida de la estructura
psicológica y cultural del oyente, motivo por el que evoca lo que el receptor desea
imaginar.

4.- Medios de Comunicación

4.1 Medios de Comunicación Auditivos


Son aquellos recursos y materiales que emplean el sonido como la modalidad de
codificación predominante. La música, la palabra oral, los sonidos reales de la naturaleza,
las onomatopeyas, representan los códigos más habituales a través de los cuales se
presentan los mensajes en estos medios.

El sonido ofrece múltiples posibilidades para el desarrollo de la imaginación, la


evocación, la creatividad, la sugestividad, la sensibilidad estética, etc. En un mundo de
innumerables ruidos y de tormentas visuales, es necesario potenciar también otros
mensajes sonoros más armoniosos, que permitan un desarrollo más equilibrado de la
personalidad de los alumnos.

4.2 La Radio

La radio es un tipo de medio masivo de comunicación, como también lo son la televisión,


la prensa escrita, los libros, los cómics o historietas; el cine, internet y la publicidad.

La radio es el medio comunicativo que se transmite vía ondas sonoras y combina el


lenguaje emitido de forma oral con elementos musicales y otros sonidos, así como con la
interacción con los radioescuchas. Su función principal y fundamental es la de informar
y entretener, ya que sirve de compañía constante al destinatario.

En sus orígenes, la radio fue un descubrimiento electromagnético del siglo XIX, de la


mano del investigador Marconi, quien juntó su experiencia con la de Hertz y Popov,
quienes también habían hecho descubrimientos y trabajos con ondas. Más adelante, en
1909, la radio nació de la fusión entre el teléfono de Graham Bell y la telegrafía sin hilos,
de esta forma se dio paso a la radiodifusión.

La comunicación radial se da gracias a la transmisión de señales eléctricas, a través de


cables hasta un aparato emisor, las que son conducidas por ondas de una antena emisora
hacia una receptora y, de esa forma, llegan hasta los distintos destinatarios.

4.3 Medios de Comunicación Auditivos y Educación

Las aulas están inmersas en un universo acaparador de ruidos y sonidos; sin embargo, un
simple análisis nos permite descubrir que pocas veces éstos son analizados
reflexivamente y que menos aún permiten el desarrollo de la capacidad de los alumnos
de expresarse libre y espontáneamente, de adecuar su potencial expresivo a los distintos
entornos cotidianos; en definitiva, de conseguir un nivel de verbalización, óptimo para su
desarrollo madurativo.

Ventajas:

- Facilita el aprendizaje de los alumnos

- La enseñanza se vuelve más dinámica

- Estimula la imaginación del alumno


- Toma en cuenta a las personas que tienen discapacidad visual

Desventajas:

- Se requiere que el alumno este tranquilo para poder escuchar

- Se necesita de un lugar silencioso para poder apreciar los contenidos que se manejan.

- Muchos de los niños son inquietos y se pueden distraerse fácilmente y distraer a sus
compañeros.

4.3.1 La música es un medio de comunicación universal en el que se desarrolla un


proceso básico de entendimiento en el que forman parte los valores, conocimientos,
sentimientos, edades etc. Sin necesidad de un aprendizaje previo. La educación juega un
papel primordial para su trasmisión y comprensión oral.

La música es una de las expresiones más fabulosas del ser humano ya que logra transmitir
de manera inmediata diferentes sensaciones que otras formas de arte quizás no pueden.
La música es un complejo sistema de sonidos, melodías y ritmos que el hombre ha ido
descubriendo y elaborando para obtener una infinidad de posibilidades diferentes.

Se estima que la música cuenta con gran importancia para el ser humano ya que le permite
expresar miedos, alegrías, sentimientos muy profundos de diverso tipo. La música
permite canalizar esos sentimientos y hacer que la persona aliviane sus penas o haga
crecer su alegría dependiendo del caso.

5.- Artes Escénicas

5.1 ¿Qué es el Teatro?

El teatro (del griego: θέατρον, theátron o «lugar para contemplar» derivado de θεάομαι,
theáomai o «mirar»). El teatro es una de las artes escénicas más reconocida
mundialmente, consiste en puesta en escena totalmente en vivo frente a miles de
espectadores, debido a que comentan de forma progresiva un relato al teatro lo conjugan
diferentes elementos, los actores, la música, el sonido, la escenografía, y sobre todo la
gestualidad a la hora de interpretar cualquier emoción. El nombre de teatro no solo se
otorga a las piezas dramáticas que se presentan al público, también se describe como
teatro a la instalación o edificio en donde se produce dichas puestas en escenas.

En la historia se relata que el teatro tuvo sus inicio para la época de la antigua Grecia, en
una época específica del año los habitantes de esta nación hacían fiestas y celebraciones
en honor al dios Dioniso (Dios del vino), manera puntual en el momento que se realizaba
la vendimia algunos habitantes realizaban representaciones en vivo del ditirambo. El
ditirambo era una especie de himno que se entonaba en honor a este dios, este se recitaba
de manera cantada y con interpretación en vivo con la utilización de disfraces. Y así de
manera sucesiva esta técnica fue implementada para la celebración de cada Dios en
específico, donde se exhibían las batallas más importantes que libraron en su momento
terrenal.

El teatro al ser una interacción actoral entre varios individuos que representan una historia
frente a los ojos del público, estos deben ser sumamente emotivos, todas las emociones
deben ser totalmente marcadas así como también el momento de pasar de una emoción a
otra, por tal razón la preparación otorgada a cada actor debe ser exhaustiva para que así
se aprenda proyectar todo lo actuado de forma creativa y eficaz, la meta de toda obra de
teatro es despertar emociones en su público espectador. Para poder representar una obra
se necesita un libreto, a las personas dedicadas a la escritura de estas obras teatrales se les
otorga el nombre de dramaturgos.

En la época de la antigua Grecia se observan solo dos tipos de obras: las sumamente
melancólicas, donde se relataban historias dramáticas con finales sombríos, en la cual se
exponían las intervenciones místicas de los dioses, y las obras de comedia en donde se
imitaban a los gobernantes de la época.

5.2 ¿Qué es la Opera?

Ópera proviene de la lengua italiana y hace referencia a la obra teatral cuyo texto se canta
con acompañamiento de una orquesta. El término se aplica para nombrar a la obra, al
poema dramático destinado a este tipo de representación, al género que agrupa estas
obras, a la música típica del género y al teatro construido para representar óperas.

El concepto de ópera comenzó a utilizarse alrededor del año 1350. El género forma parte
de la tradición de la música clásica occidental e implica diversos tipos de composiciones,
entre los que encontramos el aria, el recitativo y la canción.

La ópera puede ser cantada por dúos, tríos u otras formaciones, y pueden requerir la
presencia de un coro, tanto para piezas exclusivamente corales como para acompañar
ciertas arias, por ejemplo. Con el tiempo, surgieron varios géneros vinculados a la ópera
aunque con algunas características particulares, como el musical británico y
estadounidense, la zarzuela española y la opereta vienesa.

Italia es uno de los países con mayor tradición en la ópera. Los compositores Gioacchino
Rossini (1792–1868) y Giuseppe Verdi (1813–1901) y los tenores Enrico Caruso (1873–
1921) y Luciano Pavarotti (1935–2007) son algunos de sus principales exponentes.

La ópera es una de las manifestaciones artísticas más completas que existen. Se desarrolla
como una obra de teatro, en la que la acción transcurre en los recitativos (momentos en
los que los cantantes narran la historia) y en las arias los personajes expresan sus
sentimientos y pensamientos. La poesía, música, canto y decoración en la ópera, se unen
entre si tan íntimamente, que no puede considerarse una sin que se consideren las otras.
La opera es una imitación o representación teatral de una acción, con la finalidad de
deleitar no solo al ánimo, sino también a la imaginación y al oído. La acción pude ser
vulgar y común como la Comedia, o ilustre y grande como en la Tragedia.

Son muchos los elementos y las personas que dan forma a una ópera: tiene que haber un
compositor (que crea la música), el libretista (a veces pude ser el mismo compositor), los
intérpretes (cantantes protagonistas, cantantes acompañantes y la orquesta con su
director), y los que trabajan en la escenografía y vestuario.

5.1 Teatro Opera

Un teatro de ópera es un edificio especialmente concebido para la representación de


piezas de ópera, aunque la interpretación de otras artes escénicas también es posible. Un
ejemplo de ello es la Ópera de Sídney, ubicada en la Bahía de Sídney. En muchos teatros
de ópera, la temporada de ópera es seguida de la temporada de ballet.

La primera sala de ópera pública fue el Teatro San Cassiano de Venecia, Italia, que abrió
sus puertas en 1637. Italia, país cuya tradición de ópera es popular desde hace siglos, tiene
aún un gran número de ellos. En la época de Henry Purcell, no había uno solo en
Londres.1 En Alemania, la primera sala se abrió en 1678. Los primeros teatros de ópera
de los Estados Unidos servían a una variedad de funciones, albergando también bailes
comunitarios, ferias, piezas de teatro, vodevil y otros eventos musicales.2

Características típicas de un teatro de ópera:

Ya que muchas óperas demandan producciones de gran escala, los teatros de ópera son
amplios— generalmente más de 1000 plazas, a menudo varios miles de ellos. Muchas
óperas no requieren producciones de gran tamaño y pueden ser presentadas en teatros más
pequeños.

En una sala tradicional, el auditorio tiene forma de herradura, su envergadura define pues
el aforo. En sus costados, hay filas de balcones y palcos. Tiene por lo general un foso, en
el que se puede alojar una orquesta con los músicos sentados a un nivel inferior al del
auditorio, para que su interpretación no acalle la de las voces en el escenario. El tamaño
de una orquesta de ópera varía, pero para ciertas óperas, oratorios y para algunas obras
del periodo romántico, el número de intérpretes puede alcanzar los 100.

Una ópera puede tener un extenso elenco de personajes, coros, bailarines y


supernumerarios. Por ello, un teatro de ópera debe tener muchos camerinos. A menudo,
también acogen sus propios talleres de confección de vestuario y de escenografía, y otros
espacios de reserva y preparación de maquillaje, máscaras e incluso espacios consagrados
a los ensayos.
6.- Tratamiento Curricular

6.1 Proyectos

El término proyecto se deriva de los términos latinos PROICERE y PROIECTARE que


significan arrojar algo hacia delante. Entonces, proyecto en sentido genérico significa la
planeación y organización de todas las tareas y actividades necesarias para alcanzar algo.
Diseñar un proyecto educativo significa planear un proceso para alcanzar una meta
educativa, objetivos de aprendizaje. Esto implica desde la selección del problema surgido
en un contexto educativo particular, su tratamiento hasta la presentación del informe. En
otros términos, corresponde la realización de varias etapas interrelacionadas de
concepción, planeamiento, formulación de acciones, implementación y evaluación. El
objetivo principal de un proyecto es resolver, en forma organizada y planificada, un
problema previamente identificado en su realidad educativa, aprovechando para ello los
recursos disponibles y respetando ciertas restricciones impuestas por la tarea a desarrollar
y por el contexto. Los proyectos vigentes en Venezuela son:

a. Proyecto Educativo Integral Comunitario: Es un plan de acción combinado con


principios pedagógicos que busca mejorar tanto la educación impartida como el
funcionamiento del plantel, elaborado por los actores del plantel, tomando en cuenta las
características del mismo, del entorno social y de las intenciones de los mismos actores.
También se puede de definir como un proyecto, tanto educativo como político y se
relaciona como un proyecto de sociedad en el que se pasa democracia participativa y se
establecen espacios para que los actores pasen a ser constituyentes y no solo instituidos
en su práctica profesional y con respecto a su responsabilidad social especifica.

b. Proyecto Pedagógico de Aprendizaje: Es un instrumento de planificación que


utilizan los colectivos escolares en el proceso de enseñanza-aprendizaje, para abordar
necesidades e intereses a través de herramientas pedagógicas que permiten en el
educando, familia y comunidad la construcción del conocimiento desde la especificidad
de cada contexto local, involucrando los espacios que propone el sistema Educativo
Bolivariano, para la formación del ser social en los ejes integrados como continuo
humano del ser, saber, hacer y convivir.

c. Proyecto Canaima: El Proyecto Canaima Educativo es un proyecto desarrollado por


el Gobierno de la República Bolivariana de Venezuela con el objetivo de garantizar el
acceso de los venezolanos y las venezolanas a las Tecnologías de información, mediante:
la dotación de una computadora portátil a los estudiantes y los docentes de las escuelas
nacionales, estadales, municipales, autónomas y las privadas subsidiadas por el Estado;
la conexión de escuelas a la red de Internet; la formación para el buen uso de estas
tecnologías

7.- Tratamiento Pedagógico

7.1 Diseño Hermenéutico

Es muy importante resaltar que la hermenéutica es una propuesta filosófica realizada por
Gadamer. Donde se hace referencia a la comprensión e interpretar textos no está sólo
referido al ámbito científico, sino que pertenece a la misma vivencia humana, en el mundo
y en la historia. La hermenéutica ha permitido rastrear la experiencia de la verdad,
buscarla, indagar sobre ella, como experiencia realizativa de cada persona. Es una visión
que hace de la hermenéutica una metodología universal y una manera lógica que antecede
u absorbe los métodos particulares de la ciencia. Esta visión trasciende la oferta de su
maestro Heidegger, que es su propio punto de partida. Por esto, la hermenéutica ha pasado
a ocupar un puesto relevante en la reflexión filosófica actual. El diseño no es igual al
método original de Gadamer, pero tiene que ver con los momentos de trabajo. Consta de
tres partes:

7.1.2 La Investigación o Comprensión:

Es el primer momento. Se da al momento de la investigación para la realización de las


actividades de las Situaciones Vivenciales de Formación por parte del animador
pedagógico. La comprensión es el proceso de elaborar el significado por el sendero de
aprender las ideas relevantes del texto y relacionarlas con las ideas que ya se tienen: es el
proceso a través del cual el lector interactúa con el texto. La hermenéutica es la intuición
que opera en los niños, pues es la capacidad que tienen para entender y conocer las cosas,
ya que forma una actitud de tolerancia y entendimiento donde aprenden e incorporan los
conocimientos previos. Para la comprensión de cualquier texto debe tener primero su
aceptación y asimilación. La comprensión sería un proceso cognoscitivo, o el resultado
de un conjunto de estos procesos, consiguiendo la integración correcta de un nuevo
conocimiento a los preexistentes de un individuo.

7.1.3 La Interpretación

Es el segundo momento. Sucede al momento de la elaboración del material pedagógico


(las Situaciones Vivenciales de Formación) para el taller. Es el segundo paso del diseño
hermenéutico en el que la teoría ya no queda solo como una información acumulada en
el cerebro, sin el más mínimo entendimiento sino que se produce una transformación de
la información para ser adaptada al presente y con proyecciones al futuro, es decir, que la
información se convierte como parte del ser en el que se le da el propio punto de vista. Es
aquí donde el niño expone, traduce, comenta, todo lo aprendido. En este proceso los niños
tratan de darle significado a las palabras mediante las cuales se ha expresado un
pensamiento crítico y reflexivo, donde luego de haber adquirido un conocimiento más
amplio sobre determinado contenido de manera contextualizada relaciona los
conocimientos confrontados con su entorno social.

7.1.4 La Aplicación

Es el tercer momento. Se da en el momento en que se aplica el taller a los participantes.


Consiste en que el docente debe proporcionar estrategias y dinámicas de enseñanza para
transmitirle a los alumnos conocimientos eficaces; los cual deben llevar a la práctica,
dando una valoración significativa transfiriendo así la comprensión obtenida por el
docente, participando la comunidad, padres y representantes. Está referida a poner en
práctica los conocimientos o procedimientos adecuados para conseguir un fin, por lo que
se convierte en la fase final de la hermenéutica, en la todo lo aprendido va directamente
a la práctica y se producen nuevos materiales didácticos de apoyo para lograr un
aprendizaje efectivo y atractivo para el niño, (como por ejemplo el módulo para niños que
más adelante describiremos).

7.2 Diseño Instruccional:

Diseño Instruccional, en su definición más sencilla, es un proceso sistemático, planificado


y estructurado donde se produce una variedad de materiales educativos atemperados a las
necesidades de los educandos, asegurándose así la calidad del aprendizaje.

El Diseño Instruccional se nutre de las:

· Ciencias Sociales

· La psicología- a través del estudio de las diferencias individuales.

· Teorías de la conducta humana- a través de las teorías conductistas, cognoscitivistas, y


constructivistas.

Es el elemento esencial para planear, diseñar, implementar y evaluar contenidos


educativos digitales.

El diseño instruccional es un proceso en donde se analizan, organizan y presentan


competencias, información, estrategias de enseñanza aprendizaje y el proceso de la
evaluación, que al conjugarse entre sí e integrando de manera racional el uso de la
tecnología conforman la esencia de un contenido educativo digital, el cual trasciende
hacia la generación de experiencias satisfactorias de aprendizaje en el estudiante.

7.2.1 ¿Por qué el Diseño instruccional?


Evidentemente el aprendizaje se puede dar sin una planeación; sin embargo, no podemos
subestimar su importancia dentro del proceso de creación de un contenido educativo
digital. Planear ayuda a determinar metas y los caminos para llegar a ellas. Precisamente
el diseño didáctico es esencialmente una tarea de planeación que tiene los siguientes
propósitos:

· Describir el destino al que se quiere llegar y las rutas que se pueden seguir.

· Determinar y organizar los contenidos esenciales a desarrollar.

· Decidir qué tipo de actividades diseñar así como el proceso de evaluación.

Elegir y combinar material didáctico, desde los tradicionales hasta las Tecnologías de
Información y Comunicación (TIC) como herramientas indispensables para el proceso de
interacción e interactividad1.

Y el más importante: Propiciar que los estudiantes consoliden y construyan y


conocimientos, habilidades y actitudes para el largo de su vida.

7.2.2 ¿Cómo desarrollar diseño instruccional?

Desarrollar diseño didáctico requiere de inspiración y creatividad, también es importante


tener claro que es un proceso y por lo tanto implica tiempo, dedicación, además del
dominio completo del tema a desarrollar como contenido educativo digital.

El diseño instruccional puede ser abordado desde diferentes teorías de aprendizaje -


Conductismo, Cognocitivismo, Constructivismo, etcétera- pero intentar atarlo a una
teoría en particular es restringirlo y alejar la práctica docente del mundo real, lo
importante es que cada una de ellas proporciona elementos valiosos, es decir, nos
enfrentamos ante la posibilidad de integrarlas.

1. Los conocimientos previos del estudiante – Cognocitivismo.

2. Definición de los objetivos – Conductismo.

3. Definición de habilidades – Estructuralismo.

4. Sistema motivacional – Conductismo.

5. Evaluación – Conductismo, Cognocitivismo.

6. Instrucción correctiva – Constructivismo.

7. Transferencia de aprendizaje – Constructivismo.2

7.2.3 ¿Para qué sirve el diseño instruccional?

Gracias a él un docente planifica unidades de aprendizaje (temas/tópicos), establece


enfoques, determina tareas y actividades. Finalmente, define una variedad de materiales
educativos adecuados a las necesidades de los participantes.
Cuando se diseña un programa de formación/capacitación del personal de una
organización, el diseño instruccional (DI) es clave ya que puede ser la diferencia entre el
estruendoso fracaso y el éxito más amplio.

El Diseño Instruccional, como ya vimos, es una guía para el docente. Pero también para
quienes diseñan programas de formación. Y aunque algunos prefieren considerarlo una
camisa de fuerza, nosotros lo consideramos un mapa de orientación para tu curso.

Empleando un buen Diseño Instruccional, cualquier docente puede retomar el camino


señalado originalmente o simplemente, reorientar el sentido del curso si lo considera
necesario.

En todo caso, un Diseño Instruccional permite sobre todo planificar la actividad en línea
más adecuada, seleccionar material de apoyo, diseñarlo y ajustarlo. Permite además,
equilibrar las cargas de contenido y prever todo lo necesario para la fluidez del proceso
de aprendizaje.

7.2.4 ¿Qué son los modelos de diseño instruccional?

Los modelos de diseño instruccional son el conjunto de habilidades y estrategias que se


utilizan en los proceso de enseñanza y aprendizaje. Son considerados la base en donde
nace la instrucción de forma sistemática.

Estos incorporan los principios fundamentales del proceso de Diseño Instruccional tales
como son: el análisis de los participantes, propuestas de metas y objetivos, diseño e
implementación de estrategias y la evaluación.

7.2.5 ¿Cuáles son las fases del diseño instruccional?

Estas son las fases del Diseño Instruccional conocido como modelo instruccional addie:

La fase de Análisis es la base de las demás fases del diseño instruccional. Aquí se define
el problema, se identifica la fuente del mismo y se determinan las posibles soluciones.

La fase de Diseño utiliza el resultado de la fase de análisis para planificar la estrategia


que nos servirá para crear la instrucción y así alcanzar las metas instruccionales. En la
fase de diseño se lleva a cabo una serie de análisis que nos permiten redactar objetivos,
divulgar la instrucción, e implementar un plan que nos permita avanzar a la fase de
Desarrollo.

La fase de Desarrollo es donde creamos el plan para ejecutar la instrucción diseñada.


Aquí planeamos la lección y elaboramos la instrucción para preparar a los estudiantes.

La fase de Implantación e Implementación es donde ejecutamos la instrucción


ambientada de acuerdo al caso: en el aula de clases, en laboratorios, en oficinas, etc. Aquí
se analiza el material, el manejo de habilidades, alcance de objetivos y manejamos la
transferencia de conocimiento del ambiente instruccional al ambiente de trabajo.

La fase de Evaluación es donde evaluamos la efectividad y eficiencia de la instrucción.


7.2.6 Tipos de evaluación en el modelo instruccional addie:

La Evaluación Formativa es una evaluación de tipo continua y su objetivo no es otro


que mejorar la instrucción antes de que llegue a su etapa final.

La Evaluación Sumativa se da cuando se ha implantado la versión final de la instrucción.


En este tipo de evaluación se verifica la efectividad total de la instrucción y los hallazgos
se utilizan para tomar una decisión final, tal como continuar con un proyecto educativo o
comprar materiales instruccionales.

Existen un sin fin de aplicaciones para los modelos de diseño instruccional, como por
ejemplo crear cursos online, capacitación de personal en línea, clases en vivo,
adiestramiento de empleados, etc.

7.2.7 Importancia del Diseño Instruccional al crear un programa de formación en


línea

Cuando nos planteamos el desarrollo de programa de formación presencial para nuestro


personal, el Diseño Instruccional es necesario. Pero, más lo es aún cuando se trata de un
programa en línea. La razón es evidente: una vez iniciado es a veces complicado hacer
que las cargas se enderecen, así que vale comenzar con todo a punto.

Diseñar y desarrollar acciones formativas de calidad es el fin último de todo DI. Por ello,
es fundamental que si un programa de formación en línea nos hagamos algunas preguntas
estratégicas que nos guiarán en todo momento:

¿A quién va destinado el programa?

¿Cuál es el propósito del programa?

¿Cuánta profundidad deseo brindar?

¿Cuáles son los temas básicos que debo cubrir y en qué orden?

¿Con qué tipo de material de apoyo puedo contar?

¿De qué modo debo evaluar el desempeño de los participantes?

Las respuestas a esas preguntas son la base de un buen DI. De cada una de ellas se
desprenderán todos los detalles que, debidamente organizados, nos brindarán ese mapa
de orientación para todo lo demás. Es de hacer notar que esas preguntas deben hacerse
específicamente para cada uno de los cursos que conforman el programa de capacitación
de nuestro personal.

Un buen Diseño Instruccional, hará que cualquier programa de formación en línea sea
eficiente. No improvises. El diseño instruccional ayuda en la planificación del más
mínimo elemento y organiza el proceso de enseñanza/aprendizaje para hacerlo eficiente
y aumentar la productividad de tu empresa u organización.
7.3 Diseño Educativo

La educación se configura como una tarea y un rendimiento orientado a desarrollar


experiencia valiosa y conseguir el uso de las formas de expresión más adecuadas para
ella, con objeto de imprimir en la educación, en cada intervención pedagógica, el carácter
propio que determina el significado de “educación” y el sentido pedagógico acorde a
nuestro marco socio-histórico, que cualifica el significado de “educación”, de manera tal
que, en cada intervención, se manifieste la diferencia entre ámbito general de educación,
ámbito de educación general y ámbito educativo de carácter vocacional y profesional
desde cada área cultural. Y esa diferencia no la otorga la cantidad y calidad de la materia
propia del área cultural, sino la construcción rigurosa de ‘ámbito’ de educación en el
diseño educativo de cada área de experiencia.

El diseño educativo hace referencia a la implementación de los rasgos propios del


significado de educación en la acción educativa y se ajusta a la diferencia específica de
la función de educar que no se la otorga -lo reitero- la cantidad y calidad de la materia
propia del área de experiencia cultural que utilizamos como recurso en la instrucción, sino
la construcción rigurosa del ‘ámbito’ de educación en el diseño educativo de cada
intervención.

La intervención pedagógica siempre está orientada a la acción desde el diseño educativo,


que es representación del ámbito de educación construido (valoramos el área de
experiencia como educativa). El diseño es ordenación de los componentes de ámbito de
educación ajustado a los elementos estructurales de la intervención en cada acción
pedagógica singular para formar la condición humana individual, social, histórica y de
especie.

El diseño educativo es compatible con y necesario para hacer un diseño instructivo


coherente en cada intervención pedagógica bajo principios de educación y de
intervención pedagógica. Y para hacer el diseño educativo, no solo tenemos que entender
los componentes de ‘ámbito de educación’, sino que tenemos que implementar una acción
educativa concreta, controlada y programada desde la actividad común de los educandos,
usando los medios pertinentes.

Hay que asumir sin prejuicios que la pedagogía es conocimiento de la educación y este
se obtiene de diversas formas, pero, en última instancia, ese conocimiento sólo es válido,
si sirve para educar; es decir, para transformar la información en conocimiento y este en
educación, desde conceptos con significación intrínseca al ámbito de educación.
Cualquier tipo de influencia no es educación, pero cualquier tipo de influencia puede ser
transformada en una influencia educativa, si construimos el ámbito de educación
pertinente y ejecutamos el diseño educativo que le corresponde, atendiendo al
conocimiento de la educación y a los principios que fundamenta.
El diseño educativo queda definido como la ordenación racional de los componentes de
ámbito de educación para intervenir contando con los medios internos y externos
pertinentes en cada circunstancia y nivel escolar (Touriñán, J. M., 2016. Pedagogía
general. Principios de educación y principios de intervención pedagógica).

El Diseño Educativo consta de varios pasos a seguir para la elaboración de un proceso de


diseño y desarrollo de una propuesta Educativa, los cuales serían:

Elaboración de los Contenidos del cual el responsable es el profesional a cargo del


curso, la información se estructura según un instructivo, luego viene la adaptación de los
contenidos que tiene como responsable al equipo didáctico, los contenidos se estructuran
en un formato educativo virtual en función del aprendizaje significativo, luego continua
con la Incorporación de Tecnología Multimedia siendo responsable el equipo
tecnológico, los cuales insertan recursos para optimizar la construcción de los
conocimientos en forma significativa para luego Implementarlo en la Web, siendo esta
vez los responsables el equipo didáctico y tecnológico, aquí se concreta el diseño de la
propuesta educativo, ya que después viene la etapa de Seguimiento y monitoreo, que en
conjunto con los profesionales a cargo del curso como los tutores y docentes dará un
informe final del feedback del proyecto.

8.- Sistema de Inteligencia de Arte y Estética

8.1 Elaboraciones Mentales

La teoría del desarrollo cognitivo del psicólogo suizo Jean Piaget (1896-1980), explica
cómo los niños construyen un modelo mental del mundo. Piaget no estaba de acuerdo con
la idea de que la inteligencia era un rasgo fijo, y consideraba el desarrollo cognitivo como
un proceso que se produce debido a la maduración biológica y la interacción con el medio
ambiente.

Para Piaget, el desarrollo cognitivo es una reorganización progresiva de los procesos


mentales como resultado de la maduración biológica y la experiencia ambiental.

8.1.1 Asimilación

El proceso de incorporar nueva información a nuestros esquemas ya existentes se conoce


como asimilación. Este proceso es algo subjetivo porque tendemos a modificar las
experiencias y la información ligeramente para que encajen con nuestras creencias
preexistentes. Teniendo en cuenta el ejemplo anterior, ver a un perro y etiquetarlo “perro”
es un caso de asimilar al animal en el esquema “perro” del niño. En esta fase lo que se
percibe en el mundo exterior se incorpora en el mundo interno, sin cambiar la estructura
de ese mundo interno. Esto se logra a costa de incorporar dichas percepciones externas
dentro en los estereotipos infantiles, para lograr de alguna forma que encajen en su
mentalidad.

8.1.2 Acomodación

Otro proceso importante de la adaptación consiste en cambiar o alterar nuestros esquemas


existentes a la luz de la nueva información, lo cual es conocido como acomodación. La
acomodación implica la modificación de esquemas existentes, o ideas, como resultado de
nueva información o nuevas experiencias. También se pueden desarrollar nuevos
esquemas durante este proceso. En esta fase, el mundo interno tiene que acomodarse a la
evidencia externa con la que se enfrenta y, por lo tanto, adaptarse a ella, lo cual puede
resultar un proceso más difícil y doloroso.

8.1.3 Adaptación

La adaptación está siempre presente a través de dos elementos básicos: la asimilación y


la acomodación. El proceso de adaptación busca en algún momento la estabilidad y, en
otros, el cambio.

En sí, la adaptación es un atributo de la inteligencia, que es adquirida por la asimilación


mediante la cual se adquiere nueva información y también por la acomodación mediante
la cual se ajustan a esa nueva información. La función de adaptación le permite al sujeto
aproximarse y lograr un ajuste dinámico con el medio. La adaptación y organización son
funciones fundamentales que intervienen y son constantes en el proceso de desarrollo
cognitivo, ambos son elementos indisociables.

8.1.4 Equilibrio

Piaget creía que todos los niños tratan de encontrar un equilibrio entre la asimilación y
la acomodación, lo cual se logra a través de un mecanismo que él denominó como
equilibrio. En la medida en la cual los niños van progresando a través de las diferentes
etapas del desarrollo cognitivo, es importante mantener un equilibrio entre la aplicación
de conocimientos previos (asimilación) y el cambio de comportamiento que implica
adoptar nuevos conocimientos (acomodación). El concepto de equilibrio ayuda a explicar
cómo los niños pueden pasar de una etapa del pensamiento a la siguiente.

Conclusión

La hermenéutica ha permitido rastrear la experiencia de la verdad, buscarla, indagar sobre


ella, como experiencia realizativa de cada persona. Es una estrategia que se orienta al
cambio, en donde el docente en su rol de investigador debe indagar al respecto, impartir
las enseñanzas desde una realidad contextualizada y siguiendo los lineamientos del diseño
curricular.
Por medio de la técnica de los muppets podemos desarrollar la sensibilidad artística de
los niños así como trabajar todas las áreas del diseño curricular, es hora de que como
futuras docentes iniciemos el cambio para de esta manera poder brindarle a los niños un
aprendizaje integral, un aprendizaje liberador como nos menciona Freire, donde ellos
aprendan haciendo y que todos estos aprendizajes les sirvan para la vida, pero esto se
logra si nosotras como docentes investigamos y aplicamos estrategias por medios de las
cuales ellos tengan la oportunidad de recibir un aprendizaje integral, significativo y
productivo para sus vidas.
Referencias Bibliográficas

http://operlocbolivarianos.blogspot.com/p/elaboracion-de-micros-radiales.html

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