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En el Perú después del movimiento emancipador (hasta 1821) surgió un clima de inestabilidad
política y económica. Durante esos años la imagen republicana reemplazó los símbolos del
poder español, aunque basados en formas heredadas de la colonia. Por eso quizás la forma
artística más desarrollada haya sido el Retrato. “Donde antes había figurado el retrato del rey
de España, ahora colgaba el de Simón Bolívar o José de San Martín”.

El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte

actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un
determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del
espectador contemporáneo. El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ser
entendido de diferentes maneras:

 Extendido al arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo
XVIII)
 Limitado:
 El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas).
 El arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término
historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la
mayor parte de los museos de arte suelen denominar arte contemporáneo a las
colecciones de ese período) y actualmente se entiende que es el surgido de la caída
del muro de Berlín -1989-,

Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las
bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura
contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura
contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno (desde los años 1970.

ESCULTURA
PINTURA
Pintura y Escultura Las artes plásticas peruanas cuentan con representantes de
primera calidad, que a pesar de las dificultades presupuestales, no dejan de crear
y difundir las nuevas tendencias de la pintura y escultura. Cada vez con más
fuerza, muchos peruanos son testigos de numerosos espacios que sirven para
transgredir conceptos y presentar propuestas que alientan la personalidad propia
de las artes contemporáneas en el Perú.
Después del papel preeminente que había tenido el arte indígena de los pueblos
andinos, a partir de mediados del siglo XX, otras tendencias estilísticas empezaron
a difundirse en la pintura peruana. El grupo de los llamados independientes bajo el
liderazgo de Ricardo Grau se abrió a las influencias del muralismo mexicano
(Alejandro González, Enrique Camino Brent y otros) y del realismo social (Sabino
Springett, Teodoro Núñez Ureta), y volvieron géneros como el bodegón, el desnudo
y el paisaje puro. En el campo de la escultura, artistas como Joaquín Roca Rey y
Jorge Piqueras lograron superar el convencionalismo de las décadas anteriores,
introduciendo innovaciones modernistas. Durante los años 50, el arte abstracto
entró en el Perú, sobre todo a través de la actividad de Fernando de Szyszlo. En lo
sucesivo, este estilo se convertiría en la tendencia principal, marcada, al inicio, por
figuras geométricas, luego del informalismo europeo y el expresionismo abstracto
norteamericano. Más tarde, y de nuevo a través de la obra de Fernando de Szyszlo,
la referencia al tiempo precolombino se extendió como un rasgo típico del arte
peruano. Artistas como Alberto Dávila, Gaston Garreaud o Eduardo Eielson
buscaban la combinación de lo precolombino con lo moderno, una tercera vía entre
el colonialismo cultural y el folclore nacionalista. A mediados de los años 60, artistas
como Luis Arias Vera, Jesús Ruiz Durand o Rafael Hastings se abrían a nuevas
formas artísticas del vanguardismo internacional, como el pop-art.
Durante los años 70, finalmente, comenzó el retorno de la figuración en el arte
peruano, que se manifestó en tres tendencias: el realismo (como en el caso de Bill
Caro), el expresionismo (Sérvulo Gutiérrez, David Herskovitz y las esculturas de
bronce y cuero de Cristina Gálvez) y el surrealismo (Gerardo Chávez, Alberto
Quintanilla y otros). Entre los escultores peruanos, destacan sobre todo Miguel Baca
Rossi y Víctor Delfín. José Tola y Antonio Máro son unos de los artistas más
conocidos de los últimos años.
LENGUAJE VISUAL
ABSTRACCION (del latín, abstrahere, ‘destacar’, ‘sustraer’ o ‘abstraer’), implica la
realización de una operación intelectual que lleva a aislar un determinado
elemento, excluyendo otros que puedan encontrarse relacionados con él.
Surgió alrededor de 1910 y sus consecuencias múltiples han hecho de él una de
las manifestaciones más significativas del espíritu del siglo XX.
CARACTERISTICAS

  Deja de considerar justificada la necesidad de la representación

figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo,
dotado de sus propias significaciones.
  Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y
expresionistas, que exaltan la fuerza del color
  Se forma a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las
diferentes abstracciones geométricas y constructivas
ARTE POPULAR
El Arte Popular Peruano busca contemplar la situación de este tipo de arte dentro
de la historia del arte nacional, abordado mediante diferentes enfoques: por
regiones, por técnicas y por tipologías.
Las características de este fenómeno folklórico y del artístico, en su tradición y
función socio cultural, se observan las diferencias entre el arte urbano y el arte rural,
marcando sus innovaciones estilísticas.
En el Arte popular se puede apreciar los distintos tipos de soportes y técnicas
aplicadas en la historia del arte popular, tales como, la cerámica, los mates, los
retablos, la talla en alabastro, la pintura campesina, la textilería, la madera tallada,
la orfebrería, etc
ARQUITECTURA
FOTOS
Music Playlist at MixPod.com

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3 comentarios:

Guisella dijo...

Qué lindo que tengamos un arte que no solo sea el "mediatizado" sino el
elegante. ¡Felicitaciones!
 7 de febrero de 2014, 2:55

salamandar dijo...

lo repito muy bueno

17 de marzo de 2015, 10:20

jelp_1789@hotmail.com dijo...

Interesante y muy informativo material sobre Arte peruano, pero sería un de

enorme ayuda que le quitaran la transición o reproducción automática de las
imágenes de cada galería para poder leer el contenido de cada imagen. Gracias

3 de marzo de 2016, 20:36

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Arte contemporáneo

Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a patrocinar el

arte contemporáneo y un edificio representativo de la arquitectura
actual (Frank Gehry, 1997). En su exterior se encuentra una
colección de esculturas contemporáneas de grandes dimensiones.
El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha
producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho
de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un
determinado momento, el paso del tiempo lo hace alejarse cada
vez más en el pasado del espectador contemporáneo.
El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede
ubicarse cronológicamente con distintos criterios:

 Con un criterio extenso, incluye el arte de toda la Edad

Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
 Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye
únicamente:

 el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias

artísticas);
 el arte del mundo actual, que en el momento que se
definió como término historiográfico se entendía era el
posterior a laSegunda Guerra Mundial -1945- (la
mayor parte de los museos de arte suelen denominar
«arte contemporáneo» a las colecciones de ese
período);
 el arte surgido en la historia inmediata del más
cercano presente, tomando como hito histórico, por
ejemplo, los sucesos del Mayo de 1968 en Francia,
la caída del muro de Berlín (1989) o el atentado de las
Torres Gemelas de Nueva York (2001).
Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se
aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a
nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un
criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por
su ruptura con el academicismo y por su adecuación a
renovadas y provocativas teorías del arte (arte
deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto
artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la
historia del arte).
Lo mismo ocurre con los conceptos
de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de
las bellas artes (especialmente de las artes
visuales: arquitectura moderna, arquitectura
contemporánea, pintura moderna y pintura
contemporánea,escultura moderna o escultura
contemporánea); o con el menos usado concepto de arte
postmoderno (desde los años 1970).
Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de
forma similar: literatura moderna y literatura
contemporáneadenotan significados bien diferentes. De
manera mucho más clara, el concepto de música
moderna suele reservarse para la música
popular moderna (de la industria musical de consumo
masivo); mientras que el de música contemporánea se hace
para el de música académica del siglo XX. La
 expresión danza moderna se suele utilizar de modo
intercambiable condanza contemporánea, y se opone
cronológica y estilísticamente a otros géneros de danza, como
la danza clásica (ballet) y la danza española, con los que
comparte la condición de baile culto o admisible en las
instituciones culturales (junto a la ópera o los conciertos de
música culta); pero la expresión "baile moderno"
(especialmente en plural: "bailes modernos") se utiliza
habitualmente para los tipos de baile con menor identificación
con tales instituciones (los bailes de salón y el baile juvenil de
las discotecas). El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales
del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente
del cómic, hace poco útil la calificación
de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus
producciones.
Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen
ambas denominaciones, englobándolas en el concepto
conjunto de Arte moderno y contemporáneo.1

Índice
[ocultar]

 1Premoderno, moderno y posmoderno

o 1.1Interpretación postestructuralista del arte
contemporáneo
 2Antecedentes. Las raíces de la modernidad
o 2.1El arte burgués del siglo XIX
 2.1.1Romanticismo
 2.1.2Realismo, Prerrafaelismo, Barbizon, Arts and
Crafts
o 2.2La transformación de la escultura: de Rude a Rodin
o 2.3Arquitectura del siglo XIX
 3De la «modernidad» a la «postmodernidad»
 4Entre los siglos XIX y XX
o 4.1Impresionismo
o 4.2Posimpresionismo y Simbolismo
o 4.3Fin de siècle: Modernismo
 5Arte «contemporáneo» (siglo XX)
 6Primera mitad del siglo XX: Las Vanguardias
o 6.1Vanguardias anteriores a la Primera Guerra Mundial
o 6.2Vanguardias anteriores a la Crisis de 1929
o 6.3Vanguardias y «Antivanguardias» anteriores a la
Segunda Guerra Mundial
 7Arte contemporáneo de la segunda mitad del siglo XX
o 7.1Arte contemporáneo entre 1945 y 1960: el informalismo
o 7.2Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: el pop
o 7.3El arte "más contemporáneo", desde 1975:
deconstrucción y postmodernidad
 8Instituciones dedicadas al arte contemporáneo
 9Notas
 10Bibliografía
 11Véase también
 12Enlaces externos

Premoderno, moderno y
posmoderno[editar]
Artículo principal: Arte moderno

Interpretación postestructuralista del arte

contemporáneo[editar]

Fuente. Marcel Duchamp, 1917.

La teoría postestructuralista ha acuñado el término

"postmoderno", ya que desde esa teoría se vislumbra la
imposibilidad de seguir creando desde los preceptos de
la originalidad y la novedad (elementos propios de
la modernidad); en lugar de ello se apunta a elementos como
reinterpretaciones, resignificaciones y el giro lingüístico con el
fin de ampliar el concepto de arte y establecerlo como un acto
comunicativo.
Este tipo de prácticas se inician desde el cuestionamiento de
la institución del arte a partir de la obra de Marcel
Duchamp Fuente (1917), un objeto cotidiano
descontextualizado y exhibido provocativamente como obra
de arte (un urinario puesto al revés). Pero este pensamiento
se comienza a ampliar y a tomar seriamente desde la década
de los setenta hasta nuestros días con el redescubrimiento de
la obra de Duchamp y de los Dadaistas de principios del siglo
XX a manos de artistas como Robert Rauschenberg, teóricos
como Rosalind Krauss y toda la escuela postestructuralista,
que reintrodujeron este pensamiento dentro del main
stream internacional.
 Perro semihundido.Francisco de Goya, 1819. Una de
las Pinturas negras, que supera el romanticismopara prefigurar
elexpresionismo o incluso elinformalismo.

El quitasol. Francisco de Goya, 1777. Uno de los cartones, de

factura plenamente académica, incluso de gusto rococó.

Antecedentes. Las raíces de la

modernidad[editar]
La modernidad es un concepto polisémico, que se identifica
con los valores del Humanismo y elRenacimiento de los siglos
XV y XVI y con laIlustración del siglo XVIII. Ese contexto
histórico y temporal, en la historiografía anglosajona se
denomina Modern Times (Tiempos modernos, que llegarían
hasta la actualidad), mientras que en la historiografía latina
(francesa y española) se denomina Edad Moderna, separada
de la Edad Contemporánea por el ciclo revolucionario bajo su
triple aspecto de Revolución Burguesa,Revolución
Liberal y Revolución industrial. La sociedad preindustrial, rural
y estamental se ve alterada radicalmente y transformada en
una sociedad industrial, urbana y de clases. La expresión
artística no fue ajena a un cambio histórico de semejantes
dimensiones.
Neoclasicismo, academicismo y prerromanticismo
Artículo principal: Neoclasicismo

Artículo principal: Academicismo

Artículo principal: Prerromanticismo

Véase también: Pintura de Historia

El arte burgués del siglo XIX[editar]

Artículo principal: Pintura del siglo XIX

El paseante sobre el mar de niebla,Caspar David Friedrich,

1818.

Romanticismo[editar]
Artículo principal: Romanticismo

Tras la Revolución francesa se desencadenan una serie de

cambios culturales e intelectuales, en paralelo con las
transformaciones sociales y políticas de larevolución
burguesa y las económicas de la revolución industrial, que se
van a reflejar en los movimientos artísticos siglo XIX.
Los estilos del siglo XVIII, el neoclasicismo y el rococó,
simultáneos alprerromanticismo, dieron paso a partir de 1815
(Congreso de Viena, derrota de Napoleón en la batalla de
Waterloo y Restauración absolutista) al movimiento
romántico, expresado en pintura con el impactante La balsa
de la Medusa deGericault, que rompe con las convenciones
estéticas del buen gusto académico al presentar en primer
plano cadáveres putrefactos de los que se alimentan unos
desesperados náufragos. Delacroix fijará icónicamente el
protagonismo de las masas en la historia con su La Libertad
guiando al pueblo donde refleja las barricadas de las tres
gloriosas jornadas de la revolución de 1830 en París. Por su
parte, William Turner y William Blake realizan su propia
renovación de la tradición pictórica inglesa, y Caspar David
Friedrich de la alemana.
Las artes y los artistas se pretenden liberar de las formas y
los modelos clásicos para lograr un arte más espontáneo, vivo
y personal. El artista busca su clientela en un público burgués
que sancionará su éxito con la demanda de su obra en un
mercado de arte cada vez más animado; y ya no tanto en los
patrones tradicionales (nobleza, clero, monarquía).
Véanse también: Pintura romántica y Pintores del
Romanticismo.

Entierro en Ornans. Gustave Courbet, 1849.

Realismo, Prerrafaelismo, Barbizon, Arts and

Crafts[editar]
Véanse también: Realismo artístico, Realismo literario, Pintura
del realismo, Pintores del Realismo y Escultura del realismo.
Mientras que el realismo literario (Balzac) surgió como
reacción opuesta a los excesos del romanticismo (el
exagerado exotismo,orientalismo y medievalismo y el gusto
morboso por lo tétrico de lanovela gótica), el realismo
pictórico de Courbet, Corot o Daumier no significa una
reacción en lo formal contra el romanticismo pictórico, sino
que como éste, continúa profundizando en el alejamiento de
la tradición academicista, de la que se ve radicalmente
excluido (se les niega la entrada en las exposiciones oficiales,
produciendo la apertura del Salon des Refusés, 1863). No
obstante, en lo temático, los realistas ciertamente huyen de
las fantasías y formas poéticas del romanticismo, y buscan
representar la imagen artística de formas perceptivas con
caracteres reales, acercándose más a la realidad. Esa
realidad es buscada por unos con la pintura de caballete al
aire libre (plenairismo de la Escuela de Barbizon); mientras
que otros la encuentran especialmente en la realidad social
de lo cotidiano, de lo vulgar y de las clases populares (como
lo hizo el naturalismo literario de Émile Zola). La mayor parte
de los realistas mostraron un alto nivel de compromiso político
y social, vinculándose al naciente movimiento obrero surgido
desde la revolución de 1848; otros, en cambio, como Millet,
optaron por un misticismo cristiano de raíces conservadoras,
postura que comparten de un modo similar,
los nazarenos alemanes y la mayor parte de
los prerrafaelitas ingleses. Simultáneamente, en Inglaterra, el
triunfo del capitalismo y la industrialización, que amenazaba
con acabar con las tradiciones artesanales, provocó la
reivindicación del trabajo manual con el movimiento Arts and
Crafts (artes y oficios) deWilliam Morris, que políticamente se
situaba mucho más a la izquierda que aquellos.

Ofelia. John Everett Millais, 1851-1852.

Prerrafaelismo
Artículo principal: Hermandad Prerrafaelita

Escuela de Barbizon
Artículo principal: Escuela de Barbizon

Véase también: Plenairismo

Véase también: Paisaje

Arts and Crafts

Artículo principal: Arts and Crafts

Artículo principal: William Morris

La transformación de la escultura: de Rude a

Rodin[editar]
Artículo principal: François Rude

Artículo principal: Auguste Rodin

De Rude a Rodin
Medio siglo separa estos dos grupos escultóricos que representan dos hitos en la escultura francesa del XIX. La
acabada perfección formal y gestualidad dinámica del primero (figuras de medio bulto en piedra adosadas al
muro del monumento), contrasta con la contención dramática y la vibración de las rudas superficies de las
figuras que transitan por el segundo (bronces de bulto redondo unidos en la base por el suelo irregular de un
pedestal). A la izquierda, la La Marsellesa, en el Arco de Triunfo de París, François Rude, 1833. A la
derecha, Los burgueses de Calais, Auguste Rodin, 1884-1889.

Arquitectura del siglo XIX[editar]

Véase también: Historia de la arquitectura#Siglo XIX

Véase también: Arquitectura del Hierro

Véase también: Arquitectura historicista

Véase también: Neogótico

Véase también: Neomudéjar

Véase también: Arquitectura ecléctica

Véase también: Escuela de Chicago (arquitectura)


 The Crystal Palace, una estructura (diseño del constructor de
invernaderos Joseph Paxton) de 92,000 metros cuadrados, 33
metros de altura máxima y 564 metros de longitud, construida
por cinco mil operarios especializados (navviesen:navvy) para
albergar la Exposición Universal de Londres de 1851. Es el
primer edificio de tales dimensiones que utiliza los nuevos
materiales que la Revolución industrial proporciona de una
manera eficaz: el acero(previamente utilizado en puentes y otras
obras de ingeniería) y el vidrio(que cubría una superficie de
vanos de 84,000 m²).

Propíleos de la Königsplatz de Múnich.Leo von Klenze, 1862.

Arquitectura historicista neoclásica. La impresionante plaza, que
también acoge la Gliptoteca de Múnich, fue diseñada por Karl
von Fischer como espacio público y de presencia política de
la monarquía bávara; y su capacidad escénica fue aprovechada
en los años treinta y cuarenta del siglo XX por el nazismo.

Castillo de Pierrefonds, reconstruido con los criterios

historicistas neogóticos de Eugène Viollet-le-Ducdurante
el Segundo Imperio Francés(1852-1870), para residencia
deNapoleón III.
 

Home Insurance Building, William Le Baron Jenney, Chicago,

1885. La reconstrucción de la ciudad tras el incendio de 1871
permitió diseñar con libertad edificios como éste: de 42 metros
de altura gracias al uso estructural del acero, es el precedente
de los rascacielos, aunque tan sólo contaba con diez pisos. El
incremento de las dimensiones de los edificios de oficinas o
viviendas hubiera sido del todo inútil sin las innovaciones
simultáneas de la era de la electricidadque posibilitaron los
rápidos desplazamientos de masas que caracterizan la vida
urbana contemporánea: en vertical (elascensor) y en horizontal
(metro,tranvía y otros transportes públicos).

De la «modernidad» a la
«postmodernidad»[editar]

Brazo del Sena cerca de Giverny.Claude Monet, 1897.

 Iglesia de Auvers-sur-Oise. Vincent Van Gogh, 1890.

Los jugadores de carta. Paul Cézanne, 1895.

Manao Tupapau (El espíritu de los muertos vigila). Paul Gaugin,

1892.

Las transformaciones sociales que condujeron a la sociedad

industrial se habían completado en los países más avanzados
(Europa Occidental, Estados Unidos) a finales del siglo XIX y
comienzos del siglo XX, en el horizonte de la Primera Guerra
Mundial (1914-1918). Había comenzando un nuevo ciclo de la
Revolución industrial (Segunda Revolución industrial), y se
estaba formando una sociedad de consumode masas
presidida en sus aspectos ideológicos por los
modernos medios de comunicación vinculados a cambios
tecnológicos (era de la electricidad). LaRevolución rusa,
los fascismos y la Crisis de 1929 supusieron graves desafíos
al sistema liberal y capitalista, que no obstante sobrevivió a
los agitados tiempos de un período de entreguerras fertilísimo
para las artes (vanguardias artísticas) y a laSegunda Guerra
Mundial. Posteriormente a ésta, un nuevo ciclo tecnológico,
económico y social (tercera revolución industrial) conducirá a
lo que se conoce como sociedad postindustrial.
Las artes figurativas pasan por un proceso de transformación,
cuyos orígenes están en las viejas culturas euroasiáticas,
éstas con una motivación religiosa, firme apoyo en la
naturaleza y un centro en el hombre. Desde las cuevas de
Altamira al neoclasicismo, pasando por el Partenón, el arte
tiene una justificación humana y naturalista.
La máquina hace su aparición, y con ella, las fuerzas
gigantescas de nuestra época. Por eso los impresionistas
utilizan el tema de la locomotora rauda y humeante. Atrae
todo aquello que sea dinámico. Se pinta la luz misma,
independiente del objeto. En el impresionismo el tema quedó
separado de toda trascendencia. Es una mera fulguración.
Luego, con los movimientos del siglo XX, el tema acaba
desapareciendo, surgiendo lo que se llama el pretexto. Los
artistas ya no tendrán interés en pintar nada concreto, y
titularán sus cuadros figuras, objeto, composición, etc.
El humanismo se agota. Gauguin se marcha a Tahití, en
busca de motivos y personas no contaminadas con las
civilizaciones blancas. Hay un afán por conocer. Se alcanza
una sobre valoración del arte de estas aisladas culturas.
Surge en la pintura lo que se ha llamado el ingenuismo o
lo naif, esto es, la espontaneidad de la expresión. Y por eso
nada sorprende que haya interesado especialmente al pintor
de hoy, el arte del niño y del demente, regiones que también
se quieren englobar dentro de la producción artística. Se
penetra en zonas antes vedadas, como el subconsciente. Se
desea llegar a las fuentes mismas de la energía, y muchos
artistas divagan sobre el problema de la generación (Joan
Miró). Existe por tanto, una notoria insatisfacción, y un
inagotable afán de descubrir. Es el mismo proceso que se
observa en las ciencias experimentales.
En las artes figurativas podemos advertir dos tendencias
contrapuestas. Una se erige en continuadora del viejo arte.
Esta tendencia conservadora sigue respetando de la forma y
la técnica como bases inmutables de la producción artística
(escultores como Maillol, Bourdelle, Clará, pintores
como Modigliani). La otra tendencia busca la desintegración
de la realidad, deseosa de una especie de liberación de la
energía creadora del artista, y llegará incluso a las distintas
modalidades de arte abstracto.

Entre los siglos XIX y XX[editar]

Impresionismo[editar]
Artículo principal: Impresionismo

Véanse también: Monet, Manet, Cézanne, Degas y Pierre-

Auguste Renoir(demasiados parámetros en {{VT}}) Wikipedia.
Posimpresionismo y Simbolismo[editar]
Artículo principal: Posimpresionismo

Artículo principal: Simbolismo

El simbolismo como movimiento, o más bien
los simbolistas como grupo de artistas, surgen en oposición
al realismo, entendido éste no como el movimiento
de Courbet, sino como la consideración del arte
como mímesis o imitación de la naturaleza a un nivel
meramente superficial, como pudiera hacerlo la reproducción
fotográfica. Contaban con el precedente de la obra de
algunos pintores cuya obra es simultánea a la de la primera
generación impresionista, especialmente Gustave
Moreau o Félicien Rops, que a veces se encuadran en un
movimiento denominado decadentista. El simbolismo
considera que el arte debe ser una idea y una creación a
partir de lo perceptivo y visual. Paul Gauguin, por ejemplo,
intenta ver el mundo exterior como lo siente el espectador,
pretendiendo expresar una idea.
Los simbolistas también se vinculan a la literatura y
la filosofía. La teorización sobre el arte se difundía en
numerosas revistas y se apoyaba intelectualmente en la obra
filosófica de Bergson (vitalismo o élan vital), o la obra poética
de Charles Baudelaire (su propuesta de "correspondencia" o
relación entre el alma y los que aprecian la naturaleza
inanimada).
Gauguin, Cézanne, Toulouse-Lautrec y Van Gogh, o
los puntillistas Seurat y Signac, son muy frecuentemente
englobados dentro de la
denominación neoimpresionismo (utilizado por el crítico
francés Félix Fénéon en 1887 para referirse a los puntillistas o
divisionistas) o postimpresionismo (utilizado por el crítico
inglés Robert Fry en la exposición "Manet and the Post-
Impresionists" en Londres en 1910); con lo que se quiere
indicar que sus propuestas pictóricas desarrollan y amplían el
tratamiento de la luz y la pincelada propia de los primeros
impresionistas, aunque a través de muy distintos medios (el
tratamiento del volumen, de la línea, del color, de la
simplificación o división de cada punto de la materia pictórica,
etc.) y de los propios conceptos representados.
Véase también: Categoría:Pintores simbolistas
Serpientes de agua. Gustav Klimt (principios del siglo XX).

Dragón de la escalinata del Parque Güell, Barcelona. Antoni

Gaudí, 1900-1914.

Fin de siècle: Modernismo[editar]

La indiscutible centralidad de París como centro mundial del
arte, se ve emulada en el cambio de siglo (fin de
siècle,noucentisme) con el surgimiento de activos núcleos por
toda Europa (Viena, Bruselas, Barcelona, Milán, Riga,2 etc.)
Artículo principal: Modernismo (arte)

Véanse también: Jugendstil, Secesión de Viena, Modernismo

catalán, Art Nouveau y Modern Style (demasiados parámetros
en {{VT}}) Wikipedia.
Véanse también: Gustav Klimt, Alfons Mucha, Victor
Horta, Antonio Gaudí y Lluís Domènech i
Montaner (demasiados parámetros en {{VT}}) Wikipedia.
Véanse también: Joseph Maria Olbrich, Josef Hoffmann, Otto
Wagner, August Endell y Raimondo D'Aronco (demasiados
parámetros en {{VT}}) Wikipedia.

Arte «contemporáneo» (siglo XX)[editar]

En el arte del siglo XX, como en todos los ámbitos de la vida
contemporánea, la ruptura con los modelos tradicionales es
una de las características esenciales. El constante
cuestionamiento de los convencionalismos convierte en un
valor en sí misma a la transgresión por el mismo hecho de ser
provocativa (épater le bourgeoise), con que
la provocación termina fijándose como una convención más, y
por tanto, generadora de oposición tanto desde una óptica
subversiva como conservadora (todo lo que no es tradición,
es plagio -Eugenio D'Ors-).
Los constantes avances científicos acostumbran a individuo y
sociedad a dar por sentado que las posibilidades para el
desarrollo de cuotas cada vez más altas de bienestar y
consumo sólo está frenado por obstáculos sociales y políticos
que cada vez tienen menos sentido; o al menos cada vez se
soportan con menos paciencia, se denuncian y no dejan de
ser removidos, bien sea por el reformismo social e
institucional, bien por revoluciones de muy distinto signo,
movilizaciones de masas y las más violentas y mortíferas
guerras de la historia.
La propia personalidad del hombre es objeto de
cuestionamiento, a través de los obscuros caminos del
inconsciente desvelados por el psicoanálisis.
El artista ha accedido a su completa libertad, o al menos es lo
que de él se espera, en una nueva función social que lo
equipara a poetas y pensadores (los intelectuales) que se
supone que han de interpretar la realidad y señalar los
caminos de futuro.
La técnica por un lado, pone al hombre en posición de poder
intentarlo todo; pero no sin crearle al mismo tiempo una nueva
esclavitud: la de la máquina (fordismo y cadena de
montaje magistralmente reflejados en Tiempos
modernos deCharles Chaplin -1936-), un mundo repetitivo de
una intensidad agobiante que, pese a su comodidad, produce
un gran desasosiego e insatisfacción, que el arte expresa a
través de la irracionalidad.
Todo se ha intentado y todo se ha hecho posible, en la
realidad como en el arte. Si se habla de una
nueva arquitectura espacial, si es posible una ciudad
subterránea, también la escultura se ha convertido en un
objeto que se mueve, o confunde sus límites con la pintura,
que se hace matérica. La misma música ha llegado a ser
conjugada con las artes plásticas. Nunca ha habido una
mayor capacidad asociativa entre las artes.
Pero es evidente que esta libertad para inventar y crear
permite todo tipo de excesos, desde los excesos creativos
conscientes de las vanguardias que el nazismo demonizó
como arte degenerado, hasta los subproductos artísticos de
consumo masivo que la élite desprecia como "de mal gusto":
el kitsch (trivialidad y capricho sin depurar, deliberada o
inconscientemente ajeno a la supuesta finalidad trascendental
del arte).

Primera mitad del siglo XX: Las

Vanguardias[editar]
 Retrato de Picasso, por Juan Gris, 1912.

Artículo principal: Vanguardias artísticas

Las denominadas vanguardias históricas de la primera mitad

del siglo XX tienen su fecha de nacimiento en la irrupción de
los fauves en el Salón de Otoño parisino de1905. La fuerte
personalidad y voluntad de estilo de los artistas hace
imposible clasificar a muchos de ellos en un sólo estilo o
movimiento. A ello también contribuye lo efímero de algunos
de estos, que agotan su capacidad de atracción o su impacto
provocativo en pocos años. Por ejemplo, Picasso suele ser
clasificado en fases o épocas (azul, rosa, cubista, de los
ballets rusos, surrealista, de la Suite Vollard, del Gernica, de
Vallauris, etc.) que por su extraordinaria diversidad y
fecundidad parecerían obra de varios artistas diferentes.
Además, como en el Renacimiento, muchos de estos artistas
no se limitan a un arte, y son a la vez pintores, grabadores,
escultores, fotógrafos, cineastas, etc. Especialmente en el
caso de los arquitectos, cuya formación profesional (en
diálogo y a veces debate con la de los ingenieros) les empuja
a expresarse en todas las dimensiones del espacio
(urbanismo, interiorismo, diseño industrial, etc.) y de las otras
artes plásticas.
En la primera década del siglo XX, la tecnología, ciertamente,
realizaba rápidos progresos, pero aún estaba lejos de haber
penetrado completamente en la vida cotidiana de la mayor
parte de los europeos. Las terribles condiciones sociales que
habían impresionado a ciertos grandes escritores del siglo
precedente, como Dickens y Émile Zola, subsistían en gran
parte sin que se hubiera puesto remedio; al abismo entre las
distintas clases de la sociedad que persistía en todos los
países de Europa; En Estados Unidos, además, con el
nacimiento de una nueva plutocracia —los Astor,
los Vanderbilt, losGuggenheim, los Goluf— parecían incluso
hacerse más amplio, mientras las enormes riquezas de un
continente se iban acumulando en manos de unos cuantos
privilegiados.
Solía admitirse que el arte era, y debía seguir siendo, asunto
de un grupo que, en relación con el resto del cuerpo social,
era muy reducido, formado por la aristocracia, la plutocracia y
la clase media acomodada y culta, su principal componente.
Ciertos intentos, que existieron, de llevar al contacto con el
público más amplio —de los que son ejemplos distintos,
surgidos los dos en Londres, el Victoria and Albert Museum y
la Whitechapel Art Gallery— debían su existencia a aquellos
impulsos filantrópicos que fueron característicos del siglo
XIX en la misma medida, al menos que lo fueron las
injusticias sociales por otro lado. De modo significativo, la
dirección de estas empresas estaban en manos de la clase
media, y aunque los "Fauves" de 1905 eran verdaderas
"bestias salvajes", como jocosamente los habían apodado los
críticos de moda, no amenazaban más que la tranquilidad de
un pequeño grupo social.

A strada entra nella casa (Una calle entra en la casa)

del futurista Umberto Boccioni, 1911.

Vanguardias anteriores a la Primera Guerra

Mundial[editar]
Véanse también: Belle Époque y Primera Guerra Mundial.

 Fovismo (Matisse)
 Futurismo (Marinetti, Boccioni)
 Cubismo (Picasso, Braque, Juan Gris)
 Expresionismo (Die Brücke, Der Blaue
Reiter, Munch, Schiele)

Edificio de la Bauhaus en Dessau(1925-1932). Walter Gropius.

Vanguardias anteriores a la Crisis de 1929[editar]

Véanse también: Periodo de entreguerras y Crisis de 1929.

 Abstraccionismo (abstracción
geométrica y constructivismo; el expresionismo
abstracto es posterior a la Segunda Guerra
Mundial). Vasili Kandinski,Rodchenko, Malevich, Piet
Mondrian.
 Dadaísmo (Marcel Duchamp, Jean Arp, Francis
Picabia, Max Ernst).
 El movimiento expresionista siguió desarrollándose
(George Grosz, Emil Nolde,Oskar Kokoschka, Amedeo
Modigliani, José Gutiérrez Solana).
 Bauhaus, escuela de diseño fundada en Weimar en 1919
(cerrada en 1933 bajo el nazismo) y que tuvo
repercusiones en todas las artes visuales, pero
especialmente en el diseño y la divulgación
del funcionalismo y el racionalismo arquitectónico (Walter
Gropius, Mies Van der Rohe, Le Corbusier, Escuela de
Chicago (arquitectura) -que se había iniciado a finales del
siglo XIX-).
 Desde una perspectiva muy diferente, triunfaba en
las artes decorativas el estilo denominado Art decó.
 Las posibilidades expresivas de la fotografía más allá de
la mera reproducción de la realidad son exploradas por
artistas como László Moholy-Nagy o Man Ray.
Vanguardias y «Antivanguardias» anteriores a la Segunda
Guerra Mundial[editar]

El Cura Hidalgo. Mural del Palacio de Gobierno de Guadalajara

(México). José Clemente Orozco.

Véanse también: Segunda Guerra Mundial, Unión

Soviética, Fascismo y Nazismo.

 Surrealismo, emparentado estrechamente con dadá,

proviene de la aplicación al arte de la teoría psicoanalítica
de Freud por un grupo intelectual muy cohesionado en
torno a André Bretón (entre el primer -1924- y el segundo
-1929- manifiesto surrealista),3 cuya ruptura no disminuyó
sino que extendió el impacto artístico del movimiento
 (Giorgio de Chirico, René Magritte, Salvador Dalí, Joan
Miró, Escher).
 Indigenismo ecuatoriano, enraizado en el arte
precolombino y el romanticismo decimonónico. Algunos
de sus cultores más notables fueron Camilo
Egas,Eduardo Kingman, Oswaldo Viteri y Oswaldo
Guayasamín).
 Muralismo mexicano, representado por la tríada de
fuertes personalidades (muchas veces enfrentados entre
sí) formada por José Clemente Orozco, Diego
Rivera y David Alfaro Siqueiros. Otros artistas mexicanos,
vinculados al movimiento muralista, aplicaron técnicas y
estilo diferentes, como Frida Kahlo.
 Organicismo arquitectónico (con precedentes como Louis
Sullivan, Rudolf Steiner, Antoni Gaudí o el
urbanista Arturo Soria -proyecto de ciudad lineal en
Madrid-, se desarrolló por Frank Lloyd Wright, Erik
Gunnar Asplund o Alvar Aalto; posteriormente Bruno
Zevi y otros).
 El funcionalismo racionalista continuó con el
denominado Estilo Internacional, representado por
el Congreso Internacional de Arquitectura
Moderna (reunido en varias ocasiones, entre 1928 y
1959) y particularmente por laExhibición Internacional de
Arquitectura Moderna de 1932 organizada por Philip
Johnson en el MOMA de Nueva York, que pretendía
conciliar las diferentes tendencias arquitectónicas de lo
que venía denominándose Arquitectura
Modernao Movimiento Moderno.
Desde una perspectiva completamente antivanguardista, los
artes impulsados desde el poder por los regímenes
totalitarios:

 Realismo socialista. El estalinismo optó por impulsar un

arte fácilmente comprensible por las masas, tras las
experiencias vanguardistas de los años veinte
(constructivismo), que pasaron a calificarse
de elitismo burgués.
 Arte nazi (en:Art of the Third Reich), en la Alemania
nazi de los años treinta y cuarenta. Se definía como arte
ario, propio de una raza superior y opuesto al arte
degenerado (que identificaba como el arte de los
deficientes mentales y de las razas inferiores, y definía
como una degeneración del gusto artístico que los
judíos pretenderían imponer con la etiquetas
de vanguardia, abstracto o expresionista).
 El arte fascista, entendido como el realizado en el periodo
de entreguerras en la Italia fascista, incluso impulsado por
el movimiento fascista, fue mucho más diverso,
incluyendo manifestaciones vanguardistas como
el futurismo y dearquitectura racionalista, pero también
manifestaciones clasicistas más cercanas al arte nazi.
 Tres formas: Vertebrae. Henry Moore, 1968-1969.

Arte contemporáneo de la segunda mitad

del siglo XX[editar]
Arte contemporáneo entre 1945 y 1960: el
informalismo[editar]
La destrucción de Europa por la guerra y la emigración de
artistas, coleccionistas, críticos e historiadores, convierten
a Nueva York en el nuevo centro mundial del arte.

 informalismo o expresionismo abstracto (Jackson

Pollock, Antoni Tàpies)
 op-art
 arte cinético

 La escultura: Henry Moore, Eduardo Chillida, Jorge

Oteiza, Pablo Serrano

 Brasilia (Lúcio Costa, Oscar Niemeyer)

Arte contemporáneo entre 1960 y 1975: el pop[editar]
 La cara de Barcelona, Roy Lichtenstein, 1992.

 pop-art (Andy Warhol, Roy Lichtenstein)

 minimal
 arte conceptual (conceptual-art o idea-art), que incluye o
se relaciona con multitud de manifestaciones, estilos o
movimientos: Videoarte, happening,Fluxus, (George
Maciunas, Joseph Beuys, Nam June Paik, John
Cage, Wolf Vostell, Charlotte Moorman), action-
art, performance, arte povera (desarrollado en
Italia), land-art, body-art, Process art, etc.
En 1968 Lucy R. Lippard y John Chandler publicaron La
desmaterialización del arte(revista Art International) donde
analizaban el proceso de transformación que percibían en
el arte contemporáneo: los artistas habían intensificado la
gradual desaparición del objeto a favor del concepto y del arte
efímero; muchos de losminimalistas (Morris, Smithson, Andre)
emprendían trabajos en los que "el arte como idea" o la
realización de obras en escenarios naturales (Land Art) eran
los nuevos campos de experimentación o vías de escape al
callejón sin salida en el que según ellos se debatían las
poéticas más formalistas.
Fue a principios de los sesenta cuando se hizo patente, tanto
en el ámbito artístico estadounidense como el europeo, la
cristalización y difusión de un nuevo tipo dearte, de unos
nuevos comportamientos y de una nueva manera de entender
arte y vida. Nuevos escenarios (la calle, el desierto, las costas
australianas, la montaña, es decir, cualquier lugar de la
naturaleza) reemplazaron los lugares habituales donde el arte
solía exponerse. Los valores prevalecientes en el arte a lo
largo de los siglos, y que el arte moderno y las vanguardias
sólo habían reinterpretado, sin cuestionar de modo radical
(la armonía, el cromatismo, la composición, lamasa, etc.) eran
repudiados en beneficio de otros (lo efímero, lo pobre,
el proceso, la analogía, etc.). Los mediostradicionales
parecían no ser ya los apropiados para ser mensajes en sí
mismos (lecturas artísticas de la semiología y deMcLuhan).
A fines de los años sesenta ya se estaban produciendo
algunas manifestaciones artísticas que parecían exigir para el
arte la misma libertad y desprecio de los convencionalismos y
valores establecidos, y la misma búsqueda de nuevos
programas de vida y de sociedad que la juventud
revolucionaria del 68 reclamaba en los campus universitarios
y las calles desde Praga hasta México, pasando por París y
Stanford. Arte pobre, Land art, Arte conceptual, Anti-
form, Process art, Earth works, Arte microemotivo, etc. Entre
las primeras manifestaciones del Land Art, figuran la
celebrada en la Dwan Gallery de Nueva York, en 1968, con el
título de "Earth Works", y al año siguiente, la presentada en
el White Museum de Ithaca, como "Earth Art". Con la
exposición celebrada en el Museo de Leverkusen, en octubre
de 1969, se aspiraba a hacer el primer balance del Arte
conceptual en su tendencia analítica, lírica y
desmaterializada, a la que siguió "Op Losse Schereeven", en
el Museo Stedelijk de Ámsterdam, con la que se produjo el
reconocimiento museístico y europeo del Arte Conceptual, el
Land Art, el Anti-form y el Earth Works. Finalmente, con la
exposición celebrada en el Museo Cívico de Turín, en 1970,
denominada "Conceptual art/ Arte Povera/ Land Art", se llega
a la consagración oficial de los nuevos comportamientos
artísticos.

The Umbrella Project, instalación artística en un entorno

periurbano.Christo, 1991.

El arte "más contemporáneo", desde 1975:

deconstrucción y postmodernidad[editar]

 hiperrealismo (Chuck Close, Gerhard Richter, Antonio

López García)
 neofiguración, ya desarrollada décadas antes, es
revalorada a partir del último cuarto del siglo XX (Lucian
Freud, Francis Bacon)
 instalaciones
 arte postmoderno
 deconstrucción
 art bin (arte del cubo de basura)

Instituciones dedicadas al arte

contemporáneo[editar]
Artículo principal: Anexo:Instituciones dedicadas al arte
contemporáneo

Notas[editar]
1. Volver arriba↑ Caridad de Santiago Restoy: Los museos de
arte moderno y contemporáneo: historia, programas y
desarrollos actuales, para quien este tipo de museos nace
con la ayuda institucional al artista con la celebración de los
Salones (en:French art salons and academies)] y la
creación del primer museo de artistas vivos del mundo en
el palacio Luxemburgo de París... Posteriormente... el
Museum of Modern Art de Nueva York, MOMA, creado en
1929 con apenas 13 obras, se convirtió en referencia
[hasta]... los años setenta, la factoría beaubourg, el museo
de la época postindustrial, y el museo postmoderno de los
ochenta y sus repercusiones en la nueva museología... [El
Beaubourg o] Musée National d'art Moderne [(Centro
Pompidou)], consiguió implicar a la ciudadanía en el arte
moderno. Tan importantes eran las colecciones que se
mostraban en su interior como el flujo de visitantes y
curiosos que se agolpan en el exterior... Fonds Regionaux
d'art Contemporain [(fr:Fonds régional d'art contemporain)]
y el nacimiento de los Centros de Cultura Contemporánea.
Ejemplos de instituciones que incluyen en su denominación
la expresiónarte moderno y contemporáneo: Museo de arte
moderno y contemporáneo de Estrasburgo, Musee d'Art
Moderne et d'Art Contemporain de Niza (MAMAC), Centro
de Arte Moderno y Contemporáneo Daniel Vázquez
Díaz, Museo de arte moderno y contemporáneo de
Palma Es Baluard,Feria de Arte Moderno y
Contemporáneo Art Madrid,Colección de publicaciones de
la Fundación Mapfre Grandes maestros españoles del arte
moderno y contemporáneo.
2. Volver arriba↑ Declarada patrimonio de la humanidad por la
UNESCO, que la considera como the finest collection of art
nouveau buildings in
Europe. http://whc.unesco.org/en/list/852
3. Volver arriba↑ En 1928 publicó Le surréalisme et la peinture

Bibliografía[editar]
  MILICUA, José; SUÁREZ, Alicia; VIDAL, Mercé (1994).
«El arte como escenario del arte». Historia universal del
arte. V. IX. Madrid, Editorial Planeta, S. A. ISBN 84-320-6689-3.

 MARTÍN PRADA, Juan . (2012). Otro tiempo para el arte.

Cuestiones y comentarios sobre el arte actual. Sendemà,
Valencia. ISBN: 978-84-939084-1-6.

Véase también[editar]
 Pintura contemporánea
 Escultura contemporánea
 Arquitectura contemporánea
 Música contemporánea
 Literatura contemporánea
 Arte contemporáneo en España

Enlaces externos[editar]

 Wikimedia Commons alberga contenido multimedia

sobre Arte contemporáneo.
 Arte contemporáneo en ArtEEspaña.
 Luis Enrique Otero Carvajal Arte y cultura en la segunda
mitad del siglo XIX: el nacimiento de las vanguardias
artísticas, 1848-1918
 Modern art en Britannica
 Espacio de arte contemporáneo
 Galería de Arte Contemporáneo

 Arte Contemporáneo en YouTube

Categorías:
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