2018

LENGUAJE MUSICAL

BARRIOS VALERIA

BARRIOS MARIA DE LOS ANGELES

SALASAR ELSA

NAVARRO BAES, ALCIRA VERONICA

VEGA LUCAS SANTIAGO

IES MACHAGAI
30-5-2018
 Los lenguajes expresivos

Las distintas expresiones del arte como la pintura, la música, la

escritura, los títeres, la danza, la literatura, etc. Son denominados
lenguajes expresivos en tanto transmiten significados y sentidos y
conforman un mundo simbólico que se inscribe en un fenómeno comunicativo.

Cada lenguaje posee un cuerpo específico de conocimientos:

elementos, códigos, materiales, técnicas y procedimientos que le son propios
y le otorgan singularidad. Y que son posibles de ser enseñados y aprendidos.

Existen diversas formas de agrupar y clasificar a los lenguajes

expresivos. En general, en el campo de la educación artística en los
distintos niveles del sistema educativo formal se presentan los lenguajes
artísticos-expresivos agrupados de manera diferenciada. Por ejemplo, los
Núcleos de Aprendizajes Prioritarios (NAP) proponen para la educación
primaria:

 Artes visuales
 Artes del movimiento
 Música
 Teatro

La literatura no se incluye en el área de Educación Artística porque

queda contenida por el área de Lengua o de Prácticas del Lenguaje.

Con fines didácticos para desarrollar aspectos propios de cada

lenguaje utilizaremos aquí las siguientes denominaciones:

 Lenguaje plástico-visual
 Lenguaje literario
 Lenguaje musical
 Lenguaje corporal-danza
 Lenguaje teatral y títeres

Ejes para su abordaje

 Dice Eliot Eisner: “El aprendizaje artístico aborda el desarrollo de las
capacidades para la percepción estética y la capacidad de comprender el
arte como fenómeno cultural”.

Partiendo de esta idea se propone en el campo de la educación

artística el abordaje de los lenguajes expresivos desde tres ejes: el eje de la
producción, el eje de la apreciación y el eje de la contextualización.

 El eje de la producción remite concretamente al hacer, a la

construcción en situaciones concretas de interacción con los
alumnos con el lenguaje que se trate. Mediante la apropiación
de técnicas y procedimientos y el aprendizaje del uso de
variadas herramientas y materiales.
 El eje de la apreciación refiere a dar ocasiones para el
detenimiento, para potenciar en la recepción un proceso
creativo y crítico de “lectura”, esto es “reconstrucción” de las
obras. Y esa construcción de significado surgede la puesta en
dialogo entre lo percibido y los significados que se gestan para
el receptor. No en el sentido de una búsqueda de “el” mensaje
de la producción sino en una real apertura a la polisemia de la
expresión artística.

Se entiende este eje en el doble ejercicio de la apreciación: hacia

la propia producción y la de los otros.

 El eje de la contextualización refiere a aquella información que

nos permita leer el contexto en el cual realizada una
determinada producción artística: datos de sus autores,
momento histórico-social, condiciones de su producción.
 Estos ejes permiten organizar el abordaje de los lenguajes
expresivos en un contexto actualizado, sin que deban estar los
tres presentes todo el tiempo, ni en ese orden.

DEFINICIÓN:

Los lenguajes expresivos son herramientas que le posibilitan al niño

la expresión de sus sentimientos, saberes, necesidades y gustos; que a su
vez se convierten en formas de aprender, explorar, expresar y vivenciar,
respetando el ritmo, espacios, gustos, capacidades y potencialidades de
cada uno.

Si se articula la lúdica, el juego y los lenguajes expresivos, da como

resultado una metodología lúdico-creativa, la cual parte del aprendizaje.

CARACTERÍSTICAS:

 Los lenguajes expresivos involucran el arte, el juego, la creatividad,

el movimiento y la participación activa del niño.
 Son una forma de juego
 Tienen siempre la finalidad educativa.
 Posibilitan la expresión de deseos, sentimientos y fantasías del niño.
 Los niños y las niñas son el centro del aprendizaje.
 Potencian procesos mentales y de socialización.
 Posibilita el percibir, sentir, hacer, pensar y reflexionar.
 Dotan al niño de iniciativa, confianza ya abren la puerta a la
expresividad.

EXPRESIÓN MUSICAL

Expresión con la voz, movimientos e instrumentos musicales; por

medio de ste lenguaje, el niño identifica el ritmo, la melodía, la armonía, la
altura y el tiempo.

Además, posibilita:

 La socialización y comunicación
 La identidad de sus tradiciones
 Las relaciones afectivas

SONIDO Y RUIDO
Sonido es todo lo que nos llega al oído, y se produce mediante:

ALGO QUE VIBRE, llamado cuerpo sonoro (que puede ser un instrumento
musical o no) ALGO QUE LO TRANSMITA, que puede ser el aire, y
también el agua o un medio sólido. Y ALGO QUE LO RECIBA, que sería
nuestro oído.

El sonido, entonces, es producido porque algún cuerpo sonoro vibra, y la

vibración que produce genera ondas en el aire, que son las que llegan al
tímpano. Esto no quiere decir que todos los cuerpos sonoros sean
instrumentos musicales, por lo cual podríamos diferenciar dos grupos
dentro del sonido:

1) Sonido musical

2) Ruido

¿Por qué diferenciar entre sonido musical y ruido, si todos son sonidos?

SONIDO MUSICAL: Son los que emiten los instrumentos

musicales. Lo que vibra puede ser el aire en un instrumento de
viento, una cuerda en uno de cuerda, o una membrana en algunos de
percusión. Estos tienen una forma de onda sinusoidal o senoide, sin
cambios bruscos.

RUIDO: Son todos los sonidos que nunca tienen armonía, como por
ejemplo el motor de cualquier vehículo. La forma de onda del ruido
es mucho más despareja y con más picos que la de los sonidos
musicales, como también se puede ver en el gráfico.

PROPIEDADES DEL SONIDO (aplicado a los instrumentos musicales)

Altura: es la afinación del sonido. Esto es, si es agudo, medio o grave.

Cuando se dice que un sonido es alto o bajo, significa que está desafinado
hacia lo agudo o hacia lo grave, respectivamente, con respecto a otro
sonido o instrumento (en el caso de que haya más de un músico).
Duración: es el tiempo durante el cual se mantiene dicho sonido. Los únicos
instrumentos acústicos que pueden mantener los sonidos el tiempo que
quieran, son los de cuerda con arco, como el violín por ejemplo, porque no
necesitan respirar ni volver a tocar la cuerda. Los de viento dependen de la
capacidad pulmonar, y los de percusión, de los golpes. La guitarra necesita,
al igual que el piano, de un martilleo que golpee las cuerdas, y solo se
escucha el sonido hasta que la cuerda deje de vibrar.

Intensidad: es igual que hablar de volumen: un sonido puede ser débil o

fuerte.

Timbre: timbre se le llama al color del sonido, gracias al cual podemos

diferenciar instrumentos entre sí. La diferencia entre dos voces o dos
guitarras, también depende del timbre: una puede sonar más dulce que la
otra, o más metálica, o más opaca o brillante.

MÚSICA

La música es el arte de combinar los sonidos sucesiva y simultáneamente,

para transmitir o evocar sentimientos. Es un arte libre, donde se
representan los sentimientos con sonidos, bajo diferentes sistemas de
composición. Cada sistema de composición va a determinar un estilo
diferente dentro de la música.

Los elementos fundamentales de la música son tres:

Melodía: melodías son las que cantamos o tarareamos cuando un tema nos
gusta. No podemos cantar más de una nota a la vez. La melodía es la
forma de combinar los sonidos, pero sucesivamente. De ahí que a muchos
instrumentos se los llame melódicos, por ejemplo, una flauta, un saxo, un
clarinete o cualquier instrumento de viento, porque ellos no pueden hacer
sonar más de una nota a la vez.
Armonía: usando melodías solamente, los temas sonarían “vacíos”. A la
larga necesitaríamos algo que nos haga de base, y que nos dé la sensación
de estar junto a otros músicos acompañándonos. La armonía es la forma de
combinar sonidos en forma simultánea. Cada compositor la usará para
crear diferentes climas. Puede transmitir desde estados de melancolía,
tristeza, o tensión, hasta estados de alegría, calma, relajación, etc. Los
instrumentos llamados armónicos, como el piano o la guitarra, son los que
pueden tocar más de una nota a la vez.

Ritmo: cuando estamos escuchando música, es muy común que marquemos

golpes de manera intuitiva con el pie o con la mano. A cada golpe lo
llamamos tiempo o pulso, y serían las unidades en que se dividen los
diferentes ritmos. El ritmo es el pulso o el tiempo a intervalos constantes
y regulares. Hay ritmos rápidos, como el rock and roll, o lentos, como las
baladas, y podemos diferenciarlos básicamente entre los que son binarios, y
los que son ternarios, como el vals.

PENTAGRAMA

Es el lugar donde se escriben las notas y todos los demás signos musicales.
Tiene cinco líneas y cuatro espacios, que se cuentan de abajo hacia arriba.
Como entre las líneas y espacios del pentagrama sólo podemos escribir
nueve notas, existen las líneas y espacios adicionales, para escribir encima y
debajo del pentagrama.

Ascendentemente, se escriben los sonidos que van hacia lo agudo, y

descendentemente los que van hacia lo grave. El uso de las líneas y
espacios adicionales es limitado, porque la lectura se dificulta cuando
exceden las cuatro o cinco líneas por encima o debajo del pentagrama.

NOTAS

En la música occidental se utilizan doce sonidos. Hay siete sonidos

naturales y cinco alterados. Esas son las notas. Una vez que llegamos a los
doce sonidos, volvemos a repetirlos en el mismo orden, a lo largo del
registro de cada instrumento musical. Cada una de estas repeticiones de
doce sonidos se llama octava.

Notas naturales: DO – RE – MI – FA – SOL – LA – SI.

Notas alteradas: DO#/Reb – RE#/Mib – FA#/SOLb – SOL#/Lab –

LA#/Sib.

Para saber cuál es la octava de alguna nota, empezamos a contar desde

cualquiera, por ejemplo MI, y seguimos el orden de las restantes hasta
llegar a la repetición de la misma.

MI – FA – FA# - SOL – SOL# - LA – LA# -

SI – DO – DO# - RE – RE# - MI

CLAVES
Es el primer signo que vemos en cada pentagrama, y son las que le dan el
nombre y la altura a las notas.

Clave de SOL: La nota ubicada en la segunda línea recibe el mismo nombre

de la clave. Es la que vemos en un tema escrito para guitarra, y es una de
las más usadas.

COMPASES

Sirven para ordenar la música. Los compases dividen los pentagramas en

unas casillas que tienen la misma cantidad de tiempos. Esto facilita la
lectura, porque sirve de guía visual en una partitura. Si pudiéramos
imaginar todo un tema escrito sin barras de compás, entenderíamos la
importancia de tener que ordenar todas esas notas, en casillas con igual
número de tiempos, además por una lógica de rítmica también. En un vals
marcamos un ritmo de tres tiempos, por lo cual los compases están
divididos en esa cantidad de tiempo durante todo el tema.

Cada compás tiene una línea divisoria o barra de compás que lo separa del
siguiente. Esa línea se hace verticalmente en los compases.

La doble barra son dos líneas verticales juntas. Sirve para varias cosas,
básicamente para resaltar cambios, y también tiene que ver con la guía
visual de la que se habla en los compases. Al ver una doble barra ya
sabemos que algo cambiará en lo que estamos por leer.
La doble barra se usa para:

1) separar las partes de un tema (primera, segunda, etc)

2) antes de un cambio de tonalidad o de compás.

3) resaltar algún cambio a partir de la doble barra.

DURACIÓN DE LOS SONIDOS

Si no tuviéramos un sistema armado que codifique la DURACIÓN de cada

sonido, sería imposible reproducir un tema tal cual fue hecho por el
compositor. Lo mismo para poder tocar música de diferentes países, sin
importar cuál sea su idioma. De ahí que la música es el lenguaje universal.
Las figuras son las que determinan la duración de los sonidos, y los silencios
las pausas momentáneas de los mismos. Cada figura tiene su silencio
correspondiente.

Las figuras también son siete, de mayor a menor valor:

REDONDA – BLANCA – NEGRA – CORCHEA – SEMICORCHEA – FUSA

– SEMIFUSA con sus correspondientes silencios.

La línea que se agrega a partir de la blanca, se llama plica, y la especie de

gancho que se agrega a la plica a partir de la corchea, se llama corchete.

El valor relativo de las figuras y silencios es muy fácil de entender. La

música tiene mucho de matemática, así que sólo hay que saber que
siguiendo el orden correspondiente, una figura vale la mitad de la anterior
y el doble de la que le sigue. Por ejemplo, una blanca es la mitad de una
redonda y el doble de una negra (necesito dos blancas para tener el valor
de una redonda, y dos negras para tener el valor de una blanca).

FÓRMULA DE COMPÁS

La fórmula de compás o cifra indicadora, son dos números escritos al

comienzo del pentagrama (una fracción sin barra), después de la clave, y
determina cuántos tiempos hay en un compás (número superior), y cuál es
la figura que tiene el valor de un tiempo (número inferior).

Unidad de tiempo: es la figura que vale un tiempo dentro del compás.

Unidad de compás: es la figura que suma todos los tiempos del compás.

Hay compases de:

2 tiempos (binario)

3 tiempos (ternario)

4 tiempos (cuaternario)

La duración de una figura es determinada en realidad por la fórmula de

compás. Las figuras no tienen un valor fijo, tienen un valor relativo entre
ellas.

Lo más común es que la negra se tome como la figura que vale un tiempo,
porque el denominador 4 es el más usado. Esto permite tener figuras de
muy corta duración (para pasajes de velocidad, por ejemplo), y figuras de
larga duración (para pasajes lentos). Cuanto más nos acercamos a la
redonda como unidad de tiempo, tenemos menos figuras de larga duración,
y cuando más nos acercamos a las semicorcheas, tenemos menos figuras de
corta duración.
Tipos de géneros musicales

La música forma parte de nuestras vidas casi desde que nacemos, y para
muchos es considerada el alimento del alma. Existen diferentes tipos de
música, y cada persona puede variar en sus gustos. Los resultados de las
investigaciones muestran que la música es una poderosa forma de
expresión social que puede reforzar los estereotipos y favorece la expresión
de la propia identidad.

Pero más allá de los gustos musicales, está claro que la sensación de estar
escuchando música de nuestro gusto es única e incluso indescriptible. La
música nos hace sentir sensaciones increíbles y nos hace sentir diferentes
emociones: alegría, éxtasis, felicidad, tristeza, amor...

Artículo relacionado: “¿Qué pasa en tu cerebro cuando escuchas tu música

favorita?”

Los diferentes tipos de música y géneros musicales

Existe gran variedad de géneros musicales, pues la música ha evolucionado

a lo largo del tiempo y cada cultura ha desarrollado sus propios estilos
musicales. Pero… ¿qué tipos de música hay? ¿Cuáles son los más
importantes?

A continuación puedes encontrar una lista con los tipos de música más
relevantes y populares en nuestra sociedad.

1. Música clásica
La música clásica es una corriente que comienza aproximadamente en 1750
y termina en alrededor de 1820, en Europa. Hoy en día se asocia este tipo
música a las personas serias, pues es una estilo culto, propio de un
ambiente muy formal, refinado y elitista.

Cuando alguien se imagina este tipo de música, rápidamente le viene a la

mente la imagen de grandes orquestas, con muchos instrumentos, dirigidos
por la figura de un director. La vestimenta es formal, con una imagen de
respeto y seriedad. La música clásica se expresa en conciertos (solista que
acompaña a la orquesta) y sinfonías (un coro de voces e instrumentos).

Algunos de sus principales autores son Wagner, Bach, Mozart, Beethoven,

Chopin, etcétera.

2. Blues

El blues es uno de los géneros musicales más importantes e influyentes de

los últimos tiempos. Se originó a finales de siglo XIX cuando esclavos
africanos fueron transportados a Estados Unidos. Sus letras tienen un
aire melancólico en los que se pueden apreciar angustias personales o
problemas sociales. Es la combinación de música africana y occidental lo que
llevó al género que conocemos como "blues".

Varios estilos de blues han sido desarrollados a lo largo de los años, algunos
en pequeñas ciudades del sur de Estados Unidos y otros en ciudades como
Chicago y Nueva Orleans. Este estilo ha influido en casi todos los géneros
de la música popular que estaban por venir en esa época: jazz, soul, hip
hop, etc.

B.B. King, Eric Clapton, Duke Ellington o Stevie Ray Vaughn son algunos de
sus principales exponentes.

3. Jazz
A finales del s. XIX, la mayoría de los músicos afroamericanos sólo tocaban
blues, pero algunos también tocaban música clásica y aprendían la armonía
europea. Algunos incluso mezclaron la armonía europea con los ritmos y las
escalas del blues, y fue gracias a esta mezcla que apareció el "jazz".

El jazz se caracteriza por una serie de elementos: la improvisación, el

tratamiento del ritmo (swing), la utilización de notas a contratiempo y
síncopas, sus voces (por ejemplo, el scat), sus orquestas (Big Bang), etc.
Uno de los músicos más grandes del jazz fue el trompetista Louis
Armstrong, pero artistas como Frank Sinatra también son mundialmente
conocidos. Existen diferentes tipos de jazz: latin jazz, bebop, swing…pero
todos conservan la esencia de este estilo.

Louis Armstrong, Les Paul, Ray Charles o Tito Puente son jazzistas
mundialmente conocidos.

4. Rhythm and Blues (R&B)

Mientras el jazz se estaba volviendo cada vez más popular en los años
1930 y 1940, otro nuevo género estaba comenzando a desarrollarse.
Muchos afroamericanos eran músicos de blues profesionales, pero labrarse
un futuro profesional en la música y ganar dinero no era sencillo. Así que
muchos formaron pequeñas bandas y buscaron trabajo en bares y “pubs”.

Si querían trabajar, los músicos debían ingeniárselas para atraer a la

audiencia, y muchos jóvenes de la época, los que frecuentaban estos
lugares, pensaban que el blues estaba pasado de moda. Las bandas se
vieron obligadas a crear un nuevo estilo, que se llamaría “rhythm and
blues” o “R&B”. En sus inicios, las bandas de R&B eran ruidosas y
animadas y basaban su fuerza en la la batería, el contrabajo, y la guitarra
eléctrica. Los cantantes eran hombres o mujeres con grandes voces, y al
público le encantaba. Hoy en día, el R&B sigue vigente, pero con gran
influencia de otro estilo que veremos más adelante, el soul.

Los artistas más destacados de la actualidad son Usher, Beyoncé, Chris

Brown o R. Kelly.
5. Rock and Roll

A principios de los años cincuenta, otro músico llamado "rock and roll"
estaba de moda. Este estilo fue creado por músicos que podían interpretar
tanto R & B como Western Swing, un estilo popular de música dance
country. Utilizaba los mismos instrumentos que el R&B de aquella época
(guitarra eléctrica, contrabajo y batería), y tenía un toque de blues y de
R&B, pero las melodías eran más parecidas a las de la música country.

Elvis Presley y Chuck Berry son los representantes del Rock and Roll más
clásico.

Elvis Presley es considerado el rey de este género. Puedes ver un ejemplo

de este estilo en este vídeo:

7. Gospel

La música gospel es un género musical que nace en las iglesias

afroamericanas a mediados del siglo XX, gracias a la fusión de los cantos
espirituales de los esclavos negros que abrazaron la fe cristiana, y los
himnos tradicionales de la música blanca. La música gospel es un tipo de
música de uso congregacional, con una música sencilla pero con ritmos
marcados.

Tiene una gran riqueza armónica con una melodía simple. Es una música
caracterizada por coros masivos, con toque de palmas, y un cante peculiar
en el que el coro devuelve las frases cantadas por el solista.

Aretha Franklin, Whitney Houston y Andraé Crouch son algunos músicos de

gospel ampliamente reconocidos.

8. Soul
La música soul es un género de música popular afroamericana que influyó
notablemente en muchos géneros posteriores. Por ejemplo: la música funk.
el dance, el hip hop y el R&B contemporáneo.

Se desarrolló en los EE.UU. a finales de la década de 1950, de la música de

gospel y otros estilos. Mientras el el gospel era un tipo de música más
alegre, con un coro se movía tocando las palmas, el soul era música más
lenta más profunda. “Soul” significa alma en inglés.

James Brown, Sam Cooke, Mavin Gaye y Amy Whinehouse fueron dignos
representantes de este género musical.

9. Rock

En los años 60, el rock and roll estaba perdiendo a sus mejores artistas.
Elvis Presley estaba en el ejército, Little Richard había dejado el rock and
roll, y Buddy Holly y Ritchie Valens habían muerto en un accidente aéreo.
Pero muchos jóvenes seguían escuchando sus discos, y algunos empezaron a
explorar los orígenes de la música.

Los jóvenes músicos se interesaron también por el R&B, estudiaron su

armonía y sus características, y pronto aprendieron a tocarla. Al poco
tiempo estaban combinando estos estilos más antiguos con el rock and roll
para crear un nuevo género llamado "rock". Si el rock and roll era bailable, el
rock deja de serlo, y se centra en transmitir pura energía y descontrol.

Con el tiempo, se le da más peso a la guitarra eléctrica y surgen otros

subgéneros del rock como el hard rock, el rock psicodélico, el punk rock o el
folk rock.

The Beatles, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Bob Dylan, David Bowie,
Jim Morrison, Nirvana, Pink Floyd o AC/DC llevaron el rock a un nivel
superior.

10. Metal
El metal parte del hard rock durante la década de los años 70 y
experimenta una explosión de grupos musicales durante los 80 por todos
los países de occidente. Su característica principal es la importancia que se
le da a la guitarra eléctrica y a la batería, para generar sonidos
contundentes y enérgicos.

Aunque muchas personas utilizan "heavy metal" y "metal" como sinónimos,

otros distinguen entre el metal como categoría amplia y el heavy metal
como la trayectoria originaria de las primeras bandas, de la que en las
últimas décadas han ido subgéneros alternativos.

Por otro lado, el uso de las vocales es muy variado, y va desde los agudos
hasta el uso de técnicas para hacer que la voz suene más grave y bestial
de lo normal. En los países escandinavos, especialmente, destaca la
popularidad de subgéneros de metal conocidos como black metal y death
metal, en los que las letras son prácticamente irreconocibles a causa del
uso de la forma de gritar que se usa.

Iron Maiden, Manowar, Opeth, Metallica, Pantera, Anthrax o System of a

Down son representantes muy conocidos del metal.

11. Country

La música country fue uno de los primeros géneros de la música popular

americana moderna. Se desarrolló en los estados del sureste de los Estados
Unidos como una mezcla de música folklórica de las Islas Británicas,
música de la iglesia y blues afroamericano. Su instrumentación
característica incluye guitarra acústica, mandolina, el violín o el banjo.

Willie Nelson, Johnny Cash, Taylor Swift, Patsy Cline o Garth Brooks son
artistas de country.

12. Funk
En los años 60 algunos artistas del soul como James Brown desarrollaron
un estilo más rítmico llamado funk. Este género fue el punto de partida
para muchos nuevos estilos de música bailables como la música disco, El
funk se caracteriza por unas líneas de bajo muy potentes y un ritmo
energizante. La música funk posee un “groove” y unos riffs distintivos que
invitan a levantarse para bailar.

James Brown, George Clinton, Jamiroquai, Prince y Maceo Parker

representan este estilo musical.

13. Disco

A principios de los 70, los clubes nocturnos llamados discotecas estaban

empleando DJs para pinchar canciones para la pistas de baile porque era
más barato que contratar a una banda de música. Comenzaron poniendo
canciones de funk y soul más movidas, pero a mediados de los 70
comenzaron a comercializarse temas más fácil bailar, destinados a este
público.

Con un repetitivo ritmo cuaternario (generalmente entre 110 y 136 bpm),

un sonido orquestal y su piano y guitarra electrónica (con toques
claramente “funkys”), se originaría la música disco.

Michael Jackson, Madonna, Earth Wind & Fire y Cher representan este
género musical.

14. House

A principios de los 80 un nuevo estilo de música de baile se desarrolló en los

“clubes gays” de Nueva York y Chicago. Como en la música disco, las
canciones tenían melodías pegadizas con letras que hablaban de divertirse
o hacer el amor. el house se caracteriza por los ritmos cuaternarios de la
música disco, pero se usan frecuentemente cajas de ritmos y
sintetizadores en vez de las baterías clásicas y otros instrumentos,
aunque el piano electrónico continúa siendo el eje central en la mayoría de la
música house.

Erick Morillo, Tina More, Tim Deluxe y Mac Demetrius son artistas de
house mundialmente reconocidos.

15. Techno

Otro género de música de baile llamado techno se desarrolló en Detroit a

principios de los 80 cuando los DJs de las discotecas comenzaron a hacer
temas de baile electrónico. Utilizaron cajas de ritmos y sintetizadores
electrónicos con teclados para añadir acordes y melodías.

También comenzaron a tomar muestras cortas de otra canciones

(sampling) para añadirlas a sus temas. En el techno, el groove es más
oscuro que en el house e incluso tiene un toque delirante. Un subgénero del
techno, desarrollado en los años 90, es el trance.

Gigi D'Agostino, Chris Korda, Basshunter y Ellen Allien son músicos de

techno.

16. Pop

La música pop en realidad no es ningún género musical. "Música pop"

significa popular, y como su nombre indica, es música para las masas; en
este sentido, fuera de la música pop encontraríamos la música clásica y
otras formas artísticas similares.

Así pues, el pop incluye diferentes tipos géneros musicales y tiene más que
ver con el público al que se destinan los temas. Por ejemplo, Michael
Jackson, el conocido como rey del pop, compuso e interpretó temas de
diferentes géneros: soul, funk, disco, rock, R&B, etc. Suyo es el álbum más
vendido de la historia, llamado “Thriller”.

Michael Jackson, Madonna, Britney Spears, Mariah Carey, Shakira, Elton

John y Justin Timberlake son artistas populares.
Aquí puedes visualizar uno de los grandes clásicos de Michael Jackson: Billie
Jean.

17. Ska

El Ska tuvo su origen en Jamaica a finales de la década de 1950, y

contiene elementos de la música mento, la música calypso, el jazz y el
rythm and blues. Al inicio de los 60 era el género musical dominante en
Jamaica y tuvo gran repercusión en el Reino Unido.

La música de Ska es altamente bailable, optimista, rápida y emocionante.

El ska influenció a otros estilos que nacieron en Jamaica como el rocksteady
o el conocido reggae, con el cual se asemeja mucho, aunque este último se
caracterice por no ser un género musical acelerado, a diferencia del ska.

Prince Buster, Ska-P, Desmond Dekker y Tommy McCook son artistas de

ska muy respetados.

18. Reggae

La música del reggae se originó en Jamaica, influenciada, principalmente,

por el ska y el rocksteady, aunque también por otros estilos como el blues o
el jazz. En general, las letras de canciones reggae van ligadas con la crítica
social, aunque algunas canciones abordan temáticas distintos. Bob Marley
es su máximo exponente.

Bob Marley, Los Cafres, Lee Perry, Jimmy Cliff y Gregory Isaacs son
grandes músicos de reggae.

Puedes escuchar a este gran artista en el siguiente vídeo:

19. Hip Hop

El hip hop se desarrolló a finales de los 70, y fue creado en los barrios
marginales de la ciudad de Nueva York por adolescentes afroamericanos.
Junto con este estilo, nacieron también otros movimientos artísticos como
el breakdancing y el graffiti. Muchos de estos jóvenes estaban
desempleados, pero algunos encontraron trabajo como DJs.

En las block parties (fiestas públicas y multitudinarias que congregaban a

muchos miembros de un mismo barrio), éstos mezclaban temas musicales
mientras otros jóvenes rapeaban sobre los repetitivos ritmos. Hoy en día
el hip hop ha evolucionado notablemente y, junto con el R&B,tienen gran
importancia en la escena pop mundial.

2Pac, Notorious BIG, Violadores del Verso, Eminem, 50Cent y Snoop Dogg
son algunos representantes del rap.

20. Drum and bass

La traducción literal de drum and base es “batería y bajo”, porque se

caracteriza por los ritmos rápidos de la batería (generalmente entre 160
y 180 bpm) y las líneas de bajo marcadas. En la actualidad, este enérgico
estilo musical se considera un estilo musical “underground”, pero su
influencia ha sido muy notable en la cultura pop de muchos países como el
Reino Unido.

Pendulum, Noisia, Sub Focus, DJ Fresh y High Contrast son excepcionales

artistas del drum and bass.

21. Garage

El Garage, también conocido como UK Garage, y es un estilo de música

electrónica originado en el Reino Unido. Es un género muy bailable y muy
influenciada por el drum and Bass, en el que es posible encontrar voces
cantadas o rapeadas con un estilo distinto al rap del hip hop. Los raperos
de este género se llaman Garage MC's.
Zed Bias, So Solid Crew, MJ Cole y The Streets son grandes exponentes
del UK Garage.

Aquí tienes un ejemplo de garage:

22. Flamenco

El flamenco es la música tradicional española, que nace en el sur de España

y está íntimamente relacionada con la cultura gitana. Sin embargo, las
raíces del flamenco se encuentran en el mestizaje cultural que se dio en
Andalucía en tiempos de su creación: oriundos, musulmanes, gitanos,
castellanos y judíos; propiciaron su distintivo sonido en el que la voz y la
guitarra tienen protagonismo.

El flamenco se caracteriza contar con talentosos guitarristas (los

“virtuosos”) y el cante jondo, un estilo de cante que realza los más
profundos sentimientos.

Paco de Lucía, Tomatito, Enrique Morente, Estrella Morente y Diego el

Cigala son grandes artistas flamencos.

23. Salsa

La salsa es un estilo musical que va íntimamente ligado al baile que recibe

el mismo nombre. La palabra salsa como tal tiene su origen en el Bronx
neoyorquino, aunque las influencias son puramente latinas, siendo Cuba,
posiblemente, el país con más peso en su creación.

Los ritmos afro-cubanos como el mambo, la guaracha, el son, el montuno, el

jazz afro-cubano, entre otros, se expandieron por todo Latinoamérica y
también llegaron a Estados Unidos, donde la población cubana es notable.
La salsa es uno de los estilos musicales más populares entre las culturas
hispanas.
Héctor Lavoe, Tito Puente, Celia Cruz y Ray Barreto representan a la
perfección este tipo de música.

24. Reggaeton

Reggaeton (también conocido como reguetón) es un género musical que se

originó en Puerto Rico a finales de los años noventa. Está influenciado por
el hip hop y la música latinoamericana y caribeña. La voz incluye el rapeo y
el cante y es un estilo musical muy bailable.

Daddy Yankee, Don Omar, Arcángel, De La Ghetto o Zorman son grandes

representantes del Reggaeton.