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ANÁLISIS AUDITIVO
Pautas
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Estas pautas nos pueden servir para el análisis escrito convencional.
Se trata de intentar aprender y utilizar de forma correcta los términos que se utilizan para
describir lo que escuchamos. Es importante comprender el significado de cada uno de ellos
para poder utilizarlos adecuadamente en cada momento. Ten en cuenta que, en función de la
música que escuches, tendrás que utilizar unos u otros.
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1. Título de la obra y/o fragmento.
(nombre completo)
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2. Autor.
(nombre completo)
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3. Interpretación. Criterio interpretativo.
(histórico o moderno). Año de la grabación que escuchas.
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Diferentes versiones si las hay intentando hacer una comparativa entre algunas de ellas.
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4. Época.
Cronología lo más aproximada posible.
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5. Estilo. Corriente artística.
(puede o no coincidir con el término que se utiliza en las artes plásticas)
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6. Plantilla.
Tipo de formación (vocal y /o instrumental).
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7. Timbre.
Instrumentos y/o voces que integran la plantilla, instrumentos que predominan, alternancias
entre ellos, juegos tímbricos.
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8. Texto.
(si lo hay).Idioma original y/o traducción si la hubiese; temática o argumento; relación entre
música y texto.
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9. Carácter.
(Se indica al principio de la partitura y suele aparecer acompañando al término relativo al
tempo) Indica la manera de ser de la obra. Nos transmite sentimientos, emociones y estados de
ánimo.
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Podemos utilizar diferentes adjetivos como:
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· Que sugieren tranquilidad: calmado, sereno, apacible, tranquilo, relajante, pausado, reposado
dulce, suave, agradable, sosegado, intimista, delicado.
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· Que sugieren tristeza: lánguido, melancólico, triste, monótono, apagado.
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· Que sugieren fuerza o energía: agitado ,apasionado, acelerado, desbordante, animado,
impetuoso, arrebatado, exaltado, acalorado, precipitado, vigoroso, compulsivo, estimulante.
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· Que sugieren grandeza pretendida: empalagoso, pomposo, rimbombante, ostentoso,
artificioso, deslumbrante, extravagante, espectacular, presuntuoso, grandilocuente, grandioso,
ceremonioso, solemne.
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· Que sugieren alegría: sencillo, simpático, gracioso, encantador, sugestivo, agradable,
cautivador, tierno, alegre, placentero, cómico, divertido, fascinante, pegadizo, natural, seductor,
vital, optimista, amable, chispeante.
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· Que sugieren movimiento: rítmico, energético, marcado.
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· Que sugieren malestar: deprimente, horroroso, desagradable, odioso, inquietante, extraño,
complicado, angustioso, tenebroso, dramático, atormentado, irritante, estridente, agresivo.
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· Que sugieren suspense o tensión: estresante, excitante, impactante, misterioso.
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10. Acentuación y articulación.
Se refiere a la manera de emitir y dar intención a los sonidos, contribuyendo de esta manera
también a determinar el carácter.
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· Picado, interpretando las notas de forma separada unas de otras.
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· Ligado, interpretando las notas de forma unida
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· Otras variantes de picado y ligado: subrayado (apoyo especial), acento (ataque corto e
intenso), staccato (sonidos muy cortos y destacados).
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11. Dinámica y matices.
Cuando hablamos de dinámica nos referimos a la intensidad o al volumen con que se
interpretan ciertos pasajes o una obra musical completa.
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Los signos empleados para precisar los diferentes cambios de intensidad en los distintos
fragmentos musicales son los matices que se escriben con las iniciales de las palabras italianas y
se colocan debajo del pentagrama.
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Los cambios dinámicos que podemos encontrar son:
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· Cambio brusco (entre intensidades extremas).
· Cambio suave (entre intensidades cercanas).
· Plana (sin apenas cambios en la intensidad).
· Gradual. Aquí es donde se encuentran todos aquellos matices que indican un volumen
variable.
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Los matices que indican un volumen estable pretenden que éste se mantenga constante hasta
que aparezca otra indicación que lo modifique.
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Dentro de este tipo encontramos:
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· pp ( pianissimo)
· p (piano)
· mp (mezzopiano)
· mf (mezzoforte)
· f (forte)
· ff (fortissimo)
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Los matices que indican un volumen variable pretenden que la intensidad no se mantenga
estable, sino que vaya cambiando de forma gradual.
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Dentro de este tipo de matices utilizamos términos italianos que nos lo indican:
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· Crescendo ( cresc.): aumentar gradualmente la intensidad.
· Diminuendo ( dim.): disminuir gradualmente la intensidad.
· Sforzando (sfz): acentuar la nota.
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También podemos indicar una variación en el volumen con unos signos llamados reguladores
que equivaldrían a las palabras italianas anteriormente citadas.
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Éstos son:
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> diminuendo
< crescendo
<> combinación de reguladores
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12. Forma y estructura.
Para representar la estructura de una forma musical se emplean las letras del abecedario.
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· El primer tema que aparezca estará representado por la letra A.
· Si el siguiente tema es diferente (contrastante) se le designará con la letra B.
· Si es parecido (variación) con la misma letra pero con una comilla A'.
· Si el tema fuese exactamente igual se nombrará con la misma letra A (repetición).
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Las formas simples más utilizadas son:
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· Forma primaria: un mismo que tema o frase musical que se repite, de manera que la música es
la misma para toda la obra, mientras que lo que cambia es únicamente la letra. Su estructura es
A-A-A… tantas veces como coplas se canten.
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· Forma binaria: obras que se dividen claramente en dos frases o secciones. Pueden ser de tres
tipos:
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- Estructura A-A don de las dos secciones son prácticamente idénticas.
- Estructura A-A´ donde la segunda sección es parecida a la primera pero presenta alguna
modificación de tipo rítmico o melódico.
- Estructura A- B donde la segunda sección es completamente distinta a la primera.
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· Forma ternaria: está estructurada en 3 secciones, con todas sus posibles y variadas
combinaciones, desde A-A-A hasta A-B-C. La forma ternaria más empleada es la siguiente:
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- Estructura A-B-A: en esta forma el compositor propone una primera parte A a la que contrasta
de forma rítmica y melódica una segunda parte B, para volver finalmente a presentar, repitiendo
de forma idéntica, la parte A.
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- Estructura A-B-A´: donde el compositor presenta una primera parte A, a la que contrasta de
forma rítmica y melódica con una segunda parte B, para, finalmente, volver a presentar de
nuevo la primera parte A con variaciones.
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· Forma rondó. Esta forma consiste en un tema (estribillo) que se va intercalando con otros
(estrofas o coplas), siendo estos últimos casi siempre distintos, aunque no siempre esto es así.
Suele presentar la siguiente estructura: A-B-A-C-A-C-A…en donde A es el estribillo, con un tema
principal, que va contrastando con los temas de las diferentes estrofas.
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· Tema con variaciones. Esta forma está estructurada de manera que primero se expone el tema
A, y a continuación van apareciendo variaciones rítmicas, melódicas, modales, etc. del mismo
tema A. Así la estructura de esta forma queda de la siguiente forma: A- A1-A2-A3-A4…
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A todas las estructuras anteriores se les puede añadir un fragmento adicional:
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· Introducción: cuando éste aparece al principio de la composición.
· Coda: cuando aparece al final, dando una sensación de conclusión o finalización.
Todas las demás formas musicales, que reconocemos con nombre propio, se caracterizan por
ser complejas, esto es, por plantear un desarrollo sobre el tema o los temas que se exponen al
comienzo de la obra. A este tipo corresponden: sonata, sinfonía…, que requieren un estudio
individual y pormenorizado en cada caso.
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Lista de algunas formas musicales
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Forma Periodo Definición
Musical

Aria Renacentista Pieza musical para ser cantada por una voz solista, habitualmente
con acompañamiento orquestal y como parte de una ópera o de una
zarzuela.

Suite Barroco Pieza musical compuesta por varios movimientos breves cuyo origen
son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está considerada
como de las primeras manifestaciones orquestales de tipo moderno.
Otras veces se presentaba un tema musical en diferentes danzas. Por
ello se ha considerado este género un antecedente de la forma
sonata que se origina en el siglo XVII.

Sinfonía Barroco, Clasico, Obra para orquesta, de ordinario dividida en cuatro movimientos, cada
Romantico. uno con un tiempo y estructura diferente.

Concierto Barroco, Clasico, Forma musical en la que se compone una obra para un instrumento
Romantico. solista, o en algunos casos también con orquesta incluida, que
usualmente es de tres movimientos siguiendo un patrón de rápido -
lento - rápido.

Estudio Clasico, Romantico Breve composición hecha para practicar una destreza técnica
particular en la ejecución de un instrumento solista.

Impromptu Clasico, Romantico Pieza, tradicionalmente pianística, que se caracteriza por la continua
improvisación. Se estructura normalmente en tres partes ABA (forma
tripartita). Fue cultivada por autores como Schubert, Chopin y Fauré.

Lied Clasico, Romantico Término que se refiere a una composición, típica de los países
germánicos, escrita para un cantante con acompañamiento de piano.
Es característico la brevedad de la forma, la renuncia al virtuosismo
belcantistico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia
de la canción popular alemana.

Rondó Clasico, Romantico Forma musical basada en la repetición de un tema musical. El tema
principal (A) suele desarrollarse tres veces o más. Era una forma muy
atractiva para los compositores y los clavecinistas barrocos del siglo
XVII y principios del siglo XVIII, como Couperin.

Scherzo Clasico, Romantico Se desarrolló a partir del minueto, y gradualmente lo fue sustituyendo
en el tercer (o a veces segundo) movimiento de la sonata, el cuarteto
de cuerdas y la sinfonía. Tradicionalmente conserva la forma ternaria
del minueto, pero es más rápido y casi siempre de naturaleza alegre.

Sonata Clasico, Romantico La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma musical, es
una obra que consta de tres o cuatro movimientos, escrita para uno o
más instrumentos. Inicialmente predominaron las formas de tres
movimientos, especialmente en la época clásica, pero a medida que
aumentaban tanto su complejidad como duración se popularizaron las
de cuatro movimientos. Expo (A - puente - B) Desarrollo - Reexpo
13. Género.
· Culta o popular (folclórica o ligera). La música culta ha sido creada por un compositor usando
la notación musical. La música popular, tiene su origen en la tradición oral.
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· Sacra/religiosa (litúrgica o no litúrgica) o profana/civil. La música religiosa está vinculada a la
liturgia y a los rituales eclesiásticos. La música profana está relacionada con la vida cotidiana y
las celebraciones laicas.
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· Vocal, instrumental o mixto.
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· Puro (con un referente estrictamente musical) o descriptivo (inspirada en un motivo extra
musical).
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· Además, en algunos casos concretos, especificaremos si el género es funcional (música de
circunstancia), cinematográfico (música compuesta para el cine), publicitario (música de
anuncios) o escénico (música con representación en escena).
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14. Textura.
Con este término nos referimos al resultado de la combinación de las diferentes melodías
(disposición horizontal), con la armonía (disposición vertical).
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Los tipos de textura más importantes son:
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· La textura monofónica o monódica. Tipo de textura con una sola línea melódica desprovista de
cualquier tipo de acompañamiento armónico-instrumental.
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Si esta textura es únicamente vocal, la llamamos “a capella”; pero si lleva algún tipo de
acompañamiento instrumental no armónico podrá ser: con acompañamiento de ostinato
rítmico o con bordón.
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Dentro de este tipo de textura existe una variante: la heterofonía que consiste en una melodía
que es doblada al mismo tiempo por uno o varios instrumentos que realizan la misma melodía
aunque con algunos ornamentos.
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· La textura polifónica. Tipo de textura que consiste en varias líneas melódicas que suenan de
manera simultánea y que avanzan de forma independiente con la misma importancia. En ella
encontramos variantes:
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-La textura homofónica: formada por varias líneas melódicas, de igual importancia, que avanzan
de forma melódicamente independiente pero con acordes y figuraciones rítmicas más o menos
simultáneas.
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-La textura contrapuntística, formada por la superposición de varias líneas melódicas, de igual
importancia, que avanzan de forma independiente, tanto melódica como rítmicamente.
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-La polaridad melodía-bajo es un tipo de textura polifónica típica de la época barroca y de
mediados del siglo XVIII. La forman un bajo, ejecutado por un instrumento grave, una parte
central, generalmente interpretada por un instrumento de tecla que toca la armonía (basso
ostinato-bajo cifrado) y una melodía aguda.
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-La textura característica de la obras del clasicismo y del romanticismo: la melodía acompañada,
es aquella en la que la melodía se erige como protagonista principal (realizada por una voz o
por un instrumento) y los acordes, que forman la armonía, corren a cargo de un grupo
instrumental o de un instrumento polifónico.
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15. Ritmo.
En este apartado daremos todos los datos posibles para calificar el ritmo y sus deferentes
elementos. Para ello, seleccionaremos de cada uno de los puntos siguientes las características
que describan la música que escuchamos.
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· Tipo de ritmo: libre o mesurado (medido).
Con el calificativo de libre hacemos alusión únicamente a la música gregoriana. Con el término
mesurado nos referimos a una música que organiza el fluir sonoro en el tiempo de los pulsos y
los acentos de manera ordenada y utilizando para ello diferentes elementos. Estos elementos
organizadores del ritmo son:
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· Compás: división y subdivisión.
Para organizar todos estos elementos utilizamos el compás, que es el que nos permite
establecer una unidad métrica.
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- Por su división en tiempos, los compases pueden ser: binario, ternarios y cuaternarios.
- Por la subdivisión de sus tiempos: simples o subdivisión binaria, compuestos o de subdivisión
ternaria y de amalgama (mezclar varios compases, generalmente dos, en una misma obra).
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· Tempo, movimiento o aire: uniforme, variable, de restablecimiento o libre.
Con este término hacemos referencia a la velocidad con que se interpreta una obra musical y se
indica, desde el siglo XVII, mediante términos italianos que aparecen escritos al principio de la
obra.
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- Los términos uniformes indican una velocidad constante durante toda la obra: largo, lento,
grave (muy lento)- adagio (despacio) -andante (velocidad media)- allegro (rápido). Vivo, vivace,
presto (muy rápido).
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- Los términos que acaban en –íssimo indican un aumento del grado de velocidad
(vivacissimo).
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- Los términos que acaban en –etto indican una disminución del grado de velocidad
(adagietto).
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- Existen además adverbios que se combinan con este tipo de términos para indicar de forma
precisa el grado de velocidad: assai (bastante), poco, non troppo (no demasiado), non tanto,
quasi, più, meno.
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- Los términos que se refieren al movimiento variable indican cambios ocasionales en la
velocidad general de la obra:
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- Los que aumentan progresivamente la velocidad son:
accelerando (accel.) y animando (anim.).

- Los que disminuyen progresivamente la velocidad son:

ritardando (rit.) y rallentando (rall.).
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- Los términos que restablecen el movimiento al tempo inicial de la obra son:
a tempo o in tempo.
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- Los términos de movimiento libre son aquellos que dejan en suspenso la indicación de
tempo inicial: ad libitum o a piacere.
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Desde el siglo XIX, con la invención del metrónomo, también se utilizan las indicaciones
metronómicas. En ellas, la figura que aparece se toma como unidad de pulso y el número, la
cantidad de pulsaciones que han de darse en un minuto. Estas expresiones se colocan al
principio de la obra, encima del pentagrama. Si hay un cambio de tempo en el transcurso de la
misma, el término se coloca después de una doble barra.
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· Otras observaciones de interés. Anacrusas, cambios de tempo, figuras rítmicas predominantes,
ritmos marcados, ostinatos rítmicos, etc.
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16. Melodía.
Sucesión de sonidos de distinta duración y altura. Su clasificación puede hacerse atendiendo a
diferentes aspectos:
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· Dibujo interválico:
- Plano (los sonidos prácticamente no se mueven),
- Ondulante (los sonidos suben y bajan con pequeñas distancias. Es el más empleado),
- En arco (los sonidos comienzan con notas graves y ascienden hasta las notas más agudas,
momento en el que vuelven a descender. También puede ser a la inversa),
- En zig-zag (sonidos entre los que existen grandes distancias),
- Tipo no melódico (ausencia de melodía. Son melodías realizadas por instrumentos de
afinación no determinada como por ejemplo algunos de la familia de percusión, gritos, ruidos,
etc.)
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· Ámbito melódico. Por ámbito se entiende la distancia total que hay desde el sonido más grave
hasta el más agudo. Atendiendo a esto, la melodía puede ser de ámbito estrecho o de ámbito
amplio.
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· Tipo melódico. Entendemos por tipo como el resultado final que se desprende de la melodía:
fluido, discontinuo, ascendente, descendente, etc.
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· Ornamentación. (Si la hay) Este tipo de melodías ornamentadas suelen aparecer sobre todo en
obras del periodo barroco.
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17. Armonía.
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· Tonal (para obras que cronológicamente se ubican con posterioridad al barroco temprano.
También diremos aquí si es mayor o menor) o modal (para obras anteriores al siglo XVII).
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· Consonante o disonante.
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· Tipos de acordes.
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-Cluster: es un acorde musical compuesto de semitonos cromáticos consecutivos distintos (por
ejemplo, las notas do, do♯, re, re♯, mi y fa, sonando al mismo tiempo).
-Poliacordes: acordes de vairas tonalidades sonando al mismo tiempo.
-Mayores, menores, compuestos, aumentados, disonantes...
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· Tipos de escalas. Diatónica, cromática, pentatónica (do re mi sol la), modos jónico (do), dórico
(re), frigio (mi), lidio (fa), mixolidio (sol), eólico (la), lócrio (si)
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· CADENCIAS
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Cadencias conclusivas:
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-Cadencia auténtica perfecta. V - I
Ambos acordes deben estar en estado fundamental y el acorde de tónica terminar con la tónica
en la voz más aguda.
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-Cadencia auténtica imperfecta. V - I
Al igual que la perfecta pero algunos de los acordes están en inversión o no termina con la
tónica en la voz más aguda.
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-Cadencia plagal. IV - I
Suele utilizarse después de una cadencia auténtica, aunque en la literatura musical existen
muchos ejemplos de cadencias plagales como final de frase, que no vienen precedidas por una
cadencia auténtica. La forma menor de la armonía de subdominante se utiliza con frecuencia al
final de un movimiento en modo mayor, lo que proporciona un color particular a su terminación.
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Cadencias no conclusivas:
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-Semicadencia o cadencia a la dominante. V
Descansamos sobre el acorde de dominante. Una pausa momentánea en un fragmento
inacabado.
-Cadencia rota. V - vi o V - IV
Parecida a la cadencia auténtica, pero la tónica final es sustituida por algún otro acorde. Hay
tantas cadencias rotas como acordes a los cuales puede conducir la dominante. La alternativa
más frecuente es V- VI. En modo mayor se suele utilizar la triada mayor sobre el sexto grado
menor para proporcionar un fuerte carácter de sorpresa.
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http://www.teoria.com/referencia/c/cadencia.php
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Otra cadencia:
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-Cadencia frigia. IV6 - V
Se utiliza en modo menor, al final de un movimiento lento o una introducción lenta. Indica la
continuación inmediata de un movimiento rápido, generalmente en la misma tonalidad.
Ej.: Concientros de brademburgo 4 (2 mov) y 3 (2 mov).
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-Tercera Picarda. Se refiere al uso de un acorde mayor de tónica al final de una sección musical
que está en una tonalidad menor o modal. Esto se consigue al aumentar la tercera de la tríada
menor que se espera en un semitono para crear un acorde mayor, como una manera de
resolver. La tercera de Picardía no necesariamente debe emplearse al final de una sección:
puede encontrarse en cualquier cadencia perfecta o plagal donde la tonalidad que predomina
es menor.
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