EL ARTE CONTEMPORÁNEO

DE LOS AÑOS CINCUENTA A LA ACTUALIDAD

Los horrores de la Segunda
Guerra Mundial forzaron a
miles de personas a
abandonar Europa, entre
ellos, a muchos científicos,
escritores y artistas. La
ciudad de París quedó
destruida por la Guerra y la
ocupación de que fuera
objeto por las fuerzas
alemanas. De esta manera,
muchos pintores emigraron a
Nueva York, donde
encontrarían apoyo en los
artistas norteamericanos.
 De hecho, ya había
existido un contacto
anterior entre los artistas
de ambos continentes, el
llamado Armory Show en
1913, donde por primera
vez se exhibieron obras
del arte contemporáneo
en tierras americanas, lo
que causó sorpresa y a
veces disgusto entre el
público, pero llamó la
atención a los jóvenes
pintores
estadounidenses.
Estas influencias, así
como la presencia de
los muralistas
mexicanos Orozco y
Rivera en Nueva York
y otras ciudades,
terminarían de
conformar las
influencias que darían
forma a la llamada
Escuela de Nueva
York y en general al
arte contemporáneo
de la segunda mitad
del siglo XX.
A partir de la llegada de los
inmigrantes europeos, el arte se
revitaliza, y Nueva York se convierte
en la nueva capital artística mundial.
Sin embargo, no son solamente las
guerras lo que propicia la aparición
de estas nuevas vanguardias, sino
muchos otros factores combinados,
como la aceleración de la vida
cotidiana, la velocidad en las
comunicaciones, los problemas de
las grandes urbes citadinas…
…la publicidad en los
medios de comunicación
masiva, la creciente
enajenación, la era nuclear,
la Guerra Fría y sus
constantes conflictos, como
Corea, Vietnam, Medio
Oriente, Cuba, etc. El arte
de este periodo histórico es
fiel reflejo del mundo
contemporáneo, con todas
sus contradicciones.
De esta manera, El
expresionismo abstracto,
también llamado action painting
es una de las tendencias que
surgen a finales de los años
cuarenta y principio de los
cincuenta.
Un famoso representante es
Jackson Pollock, quien admiraba
la obra de los muralistas Siqueiros
y Orozco, por lo que pensó en dar
a sus obras dimensiones muy
grandes, como si se tratara de
murales, además de buscar el
automatismo.
Sin embargo, estas obras son absolutamente
abstractas, y se basan en el automatismo predicado
anteriormente por dadaístas y surrealistas, en cuanto a
que la obra artística debe hacerse sin un plan
preconcebido, sino dejando salir los impulsos del
momento de manera libre.
De los indios
norteamericanos extrajo
la idea de pintar grandes
masas de color, pero a
diferencia de aquéllos,
Pollock chorreaba
pinturas de diversos
colores en grandes
lienzos colocados en el
suelo. Otro representante
de esta tendencia es
Willem de Kooning.
Una variante del Expresionismo
abstracto es la llamada Color Field
Painting o “pintura de campos de
color”. Consisten en grandes áreas
coloreadas de tonos que se
mezclan sutilmente entre sí. El
mayor representante de esta
tendencia es Mark Rothko. Más
tarde aparecerían pintores que
mezclaran ambas tendencias, tanto
la dinámica Action Painting como la
pasiva Color Field Paintig. Esta
fusión se manifiesta en las obras de
Robert Motherwell, entre otros
artistas.
A finales de los años cincuenta surge
en Inglaterra una tendencia artística
que se basa en las imágenes del cine,
en los productos comerciales y en la
publicidad. Se llamó Pop Art. Sin
embargo, tuvo más desarrollo y
popularidad en los Estados Unidos
durante la década de los sesenta,
especialmente en los trabajos de su
mayor representante, Andy Warhol,
quien causara gran revuelo con sus
obras donde representa latas de sopas
Campbells, botellas de Coca Cola, y
otros productos comerciales,
que repetía en sus obras hasta la
saturación.
También realizó trabajos usando
los rostros de famosas figuras del
cine, como Marylin Monroe, Elvis
Presley o Elizabeth Taylor.
Algunos críticos consideran esta
tendencia como una crítica a la
sociedad de consumo, mientras
que otros opinan que el Pop Art
es todo lo contrario, un arte
consumista y comercial.
Representante de esta tendencia
es también Roy Lichtenstein,
quien usara los comics como
medio de expresión en sus obras.
También desde los años
cincuenta, pero más
frecuentemente en los
sesenta se elaboran
instalaciones, que suelen
consistir en combinar
objetos de grande o
pequeño formato en las
paredes del museo o
fuera de éste, elaborando
a veces verdaderas
escenografías, para de
esta manera brindar una
experiencia de mayor
vitalidad al espectador.
Las instalaciones iban frecuentemente combinadas
con los happenings, actuaciones personales o de
grupo que solían presentar actitudes absurdas o con
significados poco evidentes. Ambas actividades
parecen tener sus raíces en los eventos dadaístas que
se realizaron a partir de la Primera Guerra Mundial. El
iniciador de ambas tendencias fue el norteamericano
Allan Kaprov. Otro representante es George Segal
quien armaba extensas escenografías de maniquíes.
En los sesenta se presenta
también el Op Art, que consiste
en engañar al ojo con ilusiones
ópticas a través de pinturas,
esculturas o móviles, siempre
abstractos. El más distinguido
representante de esta
tendencia fue Victor Vasarely,
un pintor de origen tanto
francés como húngaro, quien
inspirado en Mondrian y
Kandinski quiso seguir sus
propias investigaciones sobre
la percepción de formas y
colores.
El MINIMALISMO se desarrolló en los años sesenta y
setenta, buscando expresarse con la menor cantidad de
elementos, tanto en pintura como en escultura. Encontramos
obras grandes, de pocos elementos, muy geometrizadas,
colores planos y poco cambiantes. Son obras muy puras y
racionales. Un artista de esta tendencia es Frank Stella
Sin embargo, algunas de estas obras, cuando
interactúan con el paisaje, el movimiento del sol o
algunos elementos luminosos dentro de las salas del
museo, cobran movimiento y se hacen más vitales.
Durante los años setenta sucede
una reacción contra la rigidez del
minimalismo. De esta manera
nace el arte conceptual. Esta
corriente artística propone una
idea o reflexión a través de
distintos medios plásticos,
generalmente instalaciones, que
llevan al espectador al análisis de
ideas, conceptos y situaciones.
Un representante de esta
corriente es Joseph Kosuth quien
en su obra Una y tres sillas, invita
a la reflexión al presentar la silla
esencial, la silla virtual y la silla
real.
El arte conceptual se amplía
cuando los creadores
realizan lo que va a
llamarse a partir de los años
setenta el performance art,
donde los conceptos suelen
expresarse a través de
actuaciones, danzas,
cantos, acciones similares a
las ejecutadas en los
happenings, y a veces
combinando todo esto con
alguna escenografía.

Yves Klein
Un destacado representante
de esta tendencia es Joseph
Beuys, quien se sentó durante
horas en un museo con la cara
pintada hablando sobre el arte
a un conejo muerto.
Dentro del Performance
se encuentra el Body
art, que implicaba una
actuación de profundos
alcances físicos y
orgánicos.
Representante de esta
tendencia es Chis
Burden, quien se
electrocutó a sí mismo
para realizar una
imagen llamada Puerta
al cielo.
Marina Abramovic es una
artista del Performance
desde los años setenta.
Con su novio Ulay realizó
muchas obras dentro de
los museos. Su separación
amorosa fue un
performance también,
desde la Muralla China
hasta el desierto de Gobi.
Se reencontraron años
después, de manera
sorpresiva para ella.
Siguiendo otras inspiraciones, algunos artistas
desarrollaron instalaciones instalando objetos a
veces efímeros y a veces permanentes en lagos,
ríos, montañas, cráteres, bosques, etc. Se busca
una comunión de lo cultural con lo natural.

Christo
Christo
También surge el Land art o Earthwork que se
aproxima, modifica y dialoga con los espacios
naturales.

Robert Smithson
Estas tendencias provocaron una reacción en los
pintores y escultores que aún deseaban expresarse de
maneras más tradicionales, por lo que algunos pintan
con la exactitud de una fotografía en el llamado
hiperrealismo.

Richard Estes
Ron Mueck
 Ricardo
Pulido

Otros artistas reviven e reinterpretan el expresionismo,

el cubismo o el surrealismo y algunas tendencias del
pasado, formulando nuevas propuestas llamadas
neoexpresionismo, neosurrealismo, neocubismo, etc.
Desde los años setenta del
siglo XX hasta el presente se
aprecia una gran exploración
artística, una búsqueda
incansable de técnicas y
materiales nuevos, en
especial, el uso de la basura
y los desechos domésticos e
industriales, como en el Arte
Povera, que nace en Italia y
después aparece su
contraparte, la
Transvanguardia, con temas
Michelangelo
pictóricos, que incluyen obras Pistoletto
del pasado clásico.
Carlo María
Mariani
Algunos artistas continúan
explorando las vanguardias
anteriores, mientras que
otros reaccionan
violentamente ante ellas.
Estas tendencias persisten
hasta el comienzo del siglo
XXI, con búsquedas que
quieren sintetizar o
contradecir de maneras
novedosas las expresiones
artísticas consagradas por
los maestros del pasado
que han logrado la
inmortalidad.
Tigran Tsitoghdzyan