Juanito. 18 X 24. Óleo/Tela.

Managua, Nicaragua 15 de agosto 2012.

Ojam Linchff
(Crítico de arte)

Crítica: Una visita de una artista, una

invitación a su poética de las formas
y el color.

José Quant, es un artista nicaragüense,

leonés radicado en Miami. Realizó
estudios en el “Art Center College of
Desing”, fundada en 1930, es
considerada una de las mejores
escuelas de nivel superior en diseño
industrial y artístico en los Ángeles
California.

El martes 14 de agosto del 2012, dicho

artista realiza su primera exposición de pintura en Nicaragua, el lugar que
lo acoge es el Salón de los Cristales del Teatro Nacional Rubén Darío,
donde fue posible apreciar detenidamente su producción artística más
reciente.

Su obra expresa las inquietudes patentes del Realismo contemporáneo

de manera muy particular, los latentes sentimientos expresados en sus
retratados personajes maquillados con la pincelada suelta y pastosa,
refiere un arte figurativo que aleja la recuperación contundente de un
realismo fotográfico, por uno que trabaja la composición planimétrica y los
colores contrastantes de
manera rutilante (Rebecca y
Katrina en rojo) en algunos
casos.

En general se aprecia un
discurso museográfico que
expone a mujeres y
hombres con una
particularidad común; todos
parecen emerger de grupos
sociales discriminados y
sufridos (personas
maltratadas por su
particular o recóndita vida),
sin poses rebuscadas,
expresando un profundo
dolor contenido, Katrina en rojo. 12 X 8. Óleo/Tela

aprisionado, que logra

escapar de la psicología de
cada una de ellas y del
pensamiento incognito que
se pierde en las miradas y
el cansancio de los
hombres (Juanito, Paul).

El artista logra entrar en el

mundo afectivo de cada
personaje, capta ese atisbo

Rebecca. 20 X 24. Óleo/Tela

denunciante que se comunica en paralelo con su sexualidad; gestos,
como movimientos congelados por la incertidumbre, tristeza, angustia,
desamor, remordimiento, rencor. Este instante de captación circunstancial
del gesto y sentimiento, es para Quant, un reto de exteriorización y
plasmación de una totalidad humana dotada de sentido que – como los
impresionistas, de cierta manera, captadores de un momento fugas del
día; de las tonalidades de luz y efectos – debe capturar, en el momento
de retroalimentación entre él y su modelo. Dicha captura retratística la
realiza con destreza hacia una consumación, porque la vida es efímera.
De esta forma concluye cada lienzo en un encuentro como un estudio de
una personalidad que se define en un contexto emotivo. El artista al
respecto dice.: “inicio y termino un cuadro en una sola sesión, es una
adicción que no me permite posponer el trabajo…” (Entrevista personal
realizada el 14 de agosto 2012).

La vida asfixiante, ensimismada de sus retratados es enfatizada por los

colores negros, violetas, rojos, ocres y verdes, todos violentados,
degradados por la mano del artista, intensión cruel de una pincelada
suelta, rugosa, que deforma los contornos.

Los contrastante colores que resaltan y la pérdida de un preciso dibujo se

pierde en las planicies a veces lúgubres de aterradores mensajes en un
ambiente convulsivo que reposa como una “bomba de tiempo”,
demandando la atención del espectador; esta a la que apelan en silencio
los personajes.

La semidesnudez o desnudez de algunas de sus laceradas mujeres es

como un grito que reemplaza la palabra, es la forma corpórea descubierta
porque ya no importan las telas que no logran salvar la vida (Nez en
blanco, Amanda).

En todo el discurso museográfico que

interrelaciona las obras, irrumpe un
desnudo que debió tener un lugar especial
en el mismo: Snow White, sugiere
externalización introspectiva, quizás una
esperanza, un renacer, un cambio, el
momento de intrapersonalidad que puede
ser externalizado hacia el autoamor, no
hay rostro; ni gesto, ni mirada, solo un
despojo de algo, que puede ser punto de
partida para ir hacia adelante, sin Nez en blanco. 9 X 12. Óleo/Tela.
permanencia en el pasado. El desnudo da
la espalda al “mundo de antes”, la luz que
resalta en su dorso y caderas en contraste
con las marcadas sombras, es como una
alusión a dos opuestos (destinos) que se
han enfrentado: Luz y oscuridad (marcas
del pasado), pero que las planicies ya
libres de colores oscuros y rojos
deprimentes, suplantadas por iluminados
campos, preludian la liberación…

Los 18 cuadros comparten la técnica

óleo/lienzo y sus medidas oscilan entre los
Amanda. 11 x 14. Óleo/Tela.
9 y 28 cm.
José Quant, ha dado muestra de una obra madura en intensiones
logradas y técnica que trasciende hacia la búsqueda de nuevos
horizontes que paso a paso desdibujará más la realidad contundente para
adentrarse por completo a
la revolucionaria psiquis
humana.

La exposición está abierta

al público hasta el 31 del
corriente mes, agosto
2012.

MSc. Ojam Linchff.

(Historiador del Arte)

Snow White.16 X 20. Óleo/Tela. .

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