Fundación Bilbao Arte Fundazioaren funtzio eta helburuak oinarri sendo

baten gainean finkatuta, Bilboko Udalaren mendeko produkzio espazioa,

hauek honen 20. urtemuga betetzen denean berresten dira. 2019. urtean
zehar sorkuntza artistikoaren zerbitzura dagoen ekimen honen sorreraren
hogei urte ospatuko ditugu, bere mintegi, estudio eta lan espazioetatik ehu-
naka artista pasatzen ikusi dituena. Hauetatik gehiengoa, logikoki, euskal
testuingurutik dator, baina bi hamarkadaz nazioarteko izaera ireki bat eduki
ondoren, Fundazio honek kontinente guztietatik etorritako artisten arte ga-
raikideko proiektuen sormena bultzatzen lagundu du.
Arte kontzeptua substantzialki aldatzen joan den hogei urte izan dira. XX.
Mende amaieran jaio eta bigarren milurtekoaren agurrarekin egin dena, XXI.
Mendean zehar, artearen paradigmak giza-ordena eta politikoaren eralda-
ketarekin bat etorriaz aldatu dira. Teknologia, giza (des)oreka berriak, arazo
ekonomikoak, merkatuan aldaketak, kultura politika eta honen pentsaera
prozesuen eraldaketak...guztia hiritarrei eta arte kolektiboari bere esentzia
birplanteatzeko esfortzu bat eskatzen dion status quo bat aldatzen joan da.
Bilbao Arteren ADNaren konpromiso esplizituak ausart eta berritzaileak di-
ren ekimenekin lan egitea eskatzen du, berriaren emergentziatik sortutako
egin eta sortzearen puntan. Arte garaikideak, oraina eta iraganak bidea era-
kusten dutela jakinik, berezkoa du etorkizuna zalantzan jartzea.
Hogei urtetan zehar diskurtso, prozesu eta baita arte garaikidearen len-
goaiak ere eraldatu egin dira. Zuhurtasunak adierazi eta sen onak ezartzen
duen bezala, sorkuntza garaikideko espazio bat eskuarki birsortu behar da,
eskari berrientzako baliabideak birdoitzera behartzen duen etengabeko
berroreka baten gainean finkatuz.
Zentzu honetan, orain aurkezten dudan urtekari honen edukiak duela ho-
gei urte egindakoarekin gurutzatzerakoan beraien kabuz egindako lanaren
garran­tzia ilustratzen duten irakurketa interesgarri batzuk eransten ditu.
2018. urtean zehar, Fundación Bilbao Arte Fundazioak, dituen modalitate
ezberdinen bitartez, 50 artista baino gehaigo bekatu ditu. Bere mintegietan
100 erabiltzaile baino gehiago hartu ditu, nazioarteko trukaketan ezarri ditu
eta herrialde ezberdinekin kolaborazio prozesuak zabaldu ditu. Era berean,
milaka pertsonek parte hartu dute antolatutako ekintza ezberdinetan. Era-
kusketak, proiekzio zikloak, performanceak, hitzaldiak, aurkezpenak, topa-
ketak, jaialdiak, tailerrak eta mintegiak antolatzen diren ikusleari irekitako
espazioetan burututako ekintzak.
Izan ere, ekintzen egutegian parte hartu eta partaide izan diren gonbidatu-
tako pertsonen zerrenda urtero handituz doa, Bilbao Arteko edukiera eta ba-
liabideak mugaraino eraman arte. Beste aldetik, haziera etengabe, jarrai eta
jasangarri bat mantentzeko asmoa eduki dezakeela sumatzen den muga bat.
Esfortzu honetan asko dira Bilbao Artek jasotzen dituen kolaborazio eta
bultzadak, garran­tzitsuak eta beharrezkoak diren laguntzak.
Guzti honetatik, “egin den horretaz”, hurrengo orrialdeek honen berri eta
xehetasun ­zehatzak azaltzen dituzte.
Aurkezpen linea hauek etorkizunera begira Bilboko Udalak bide eman duen
apustu eta konpromisoa berresteko balio dute, eta, bide batez, BilbaoArte
Fundazioaren hogeigarren urtemuga ospatzeko, ekimenak ibilbide luze eta
itxaropentsu bat izango duen gogo eta segurtasunarekin.

Nekane Alonso
Bilboko Udaleko Kultura Zinegotzia

7
Asentados sobre una base sólida, la función y objetivos de la Fundación Bil-
bao Arte Fundazioa, espacio de producción dependiente del Excelentísimo
Ayuntamiento de Bilbao, se ratifican cuando se cumple su vigésimo cum-
pleaños. A lo largo de 2019 conmemoraremos los veinte años de existencia
de una iniciativa al servicio de la creación artística que ha visto pasar por
sus talleres, estudios y espacios de trabajo a centenares de artistas. La ma-
yor parte proviene, lógicamente, de nuestro contexto vasco, pero, tras dos
décadas de mantener un abierto carácter internacional, esta Fundación ha
contribuido a impulsar los proyectos de creación de arte contemporáneo
con la presencia de artistas que han venido desde todos los continentes.
Han sido veinte años durante los que el concepto artístico ha cambiado sus-
tancialmente. Lo que nació con el final del siglo XX y con la despedida del
segundo milenio se ha hecho, a lo largo del siglo XXI, con un tiempo nue-
vo en el que los paradigmas artísticos han variado en consonancia con la
propia transformación del orden social y político. La tecnología, los nuevos
(des)equilibrios sociales, los problemas económicos, los cambios en el mer-
cado, las transformaciones de las políticas culturales y sus procesos de pen-
samiento… todo ha ido modificando un status quo que exige a la ciudadanía
y al colectivo artístico un esfuerzo para reconsiderar su esencialidad.
El compromiso implícito en el ADN de la Fundación Bilbao Arte exige traba-
jar con las iniciativas más arriesgadas e innovadoras, en la punta de lanza
del hacer y el crear realizados desde la emergencia de lo inédito. Lo propio
del arte contemporáneo no es sino cuestionarse el futuro sabiendo que el
presente y el pasado señalan el camino.
En veinte años, los discursos, los procesos e incluso los lenguajes del arte
contemporáneo se han transformado. Como marca la prudencia e impone
el sentido común, un espacio de creación contemporánea debe reinventarse
de manera habitual y asentarse sobre un reequilibrio permanente que obli-
ga a reajustar sus medios a las nuevas demandas.
En ese sentido, cruzar los contenidos de este anuario que ahora presento
con lo realizado hace veinte años aporta algunas lecturas muy reveladoras
que ilustran por sí mismas la importancia del trabajo realizado.
Durante 2018, la Fundación Bilbao Arte Fundazioa ha becado, a través de
sus diferentes modalidades, a medio centenar de artistas, ha acogido en
sus talleres a más de un centenar de usuarios, ha establecido intercambios
internacionales y ha abierto procesos de colaboración con diferentes países.
Así mismo, miles de personas han participado en sus diferentes actividades.
Actividades realizadas en los espacios abiertos al público donde se organi-
zan exposiciones, ciclos de proyecciones, performances, conferencias, pre-
sentaciones, encuentros, festivales, talleres y seminarios.
De hecho, la relación de las personas invitadas que han protagonizado y han
formado parte del calendario de actividades crece de año en año hasta lle-
var al límite la propia capacidad de Bilbao Arte y sus recursos. Un límite que,
por otro lado, se adivina puede y debe aspirar a mantener un crecimiento
permanente, sostenible y sostenido.
En ese esfuerzo son muchos los colaboradores y apoyos que Bilbao Arte
recibe y cuya ayuda resulta importante y necesaria.
De todo ello, de “lo que se ha hecho”, las siguientes páginas dan pormeno-
rizada cuenta y detalle.
Estas líneas de presentación sirven para reafirmar la apuesta y el compromi-
so de cara al futuro propiciado por el Ayuntamiento de Bilbao y para conme-
morar, de paso, el vigésimo cumpleaños de la Fundación BilbaoArte, con el
deseo y la certeza de que esta iniciativa tenga ante sí un largo e ilusionante
camino.

Nekane Alonso
Concejala de Cultura del Excmo. Ayuntamiento de Bilbao

9
Based on a solid foundation, the role and objectives of BilbaoArte Founda-
tion, a production space belonging to the Bilbao City Council, are proven on
the occasion of its twentieth anniversary. Throughout 2019, we will celebrate
the twenty years of existence of an artistic creation facility initiative that has
seen hundreds of artists pass through its workshops, studios and work-
spaces. Most of the artists come, unsurprisingly, from our background-the
Basque Country. Yet, after two decades of maintaining an open international
character, this Foundation has contributed to promote the projects of con-
temporary art creation with the presence of artists who have come from all
continents.
It has been twenty years during which the concept of art has changed sub-
stantially. What was born at the end of the twentieth century, and with the
farewell of the second millennium, has become, throughout the twenty-first
century, a new age in which artistic paradigms have varied in accordance
with the very transformation of the social and political order. Technology,
new social (im)balances, economy issues, changes in the market, transfor-
mations in cultural policies and their thought processes... everything has
changed a statu quo that demands an effort from citizens and the art collec-
tive to reconsider its essentiality.
The implicit commitment in the DNA of BilbaoArte Foundation requires
working with the most daring and innovative initiatives, at the cutting edge
of doing and creating since the emergence of the unprecedented. What is
characteristic of contemporary art is to question the future, knowing that
the present and the past point at the way.
In twenty years the discourses, the processes and even the languages of
contemporary art have been transformed. As caution and common sense
impose, a space of contemporary creation must reinvent itself on a regular
basis and must be based on a permanent rebalancing that forces readjust-
ing its means to new demands.
In this sense, comparing the contents of this yearbook with what was done
twenty years ago provides some very revealing readings that illustrate for
themselves the importance of the work done.
During 2018, BilbaoArte Foundation has given grants, through different
categories, to fifty artists, has welcomed more than a hundred users into
its workshops, founded international exchanges and opened collaboration
processes with various countries. Likewise, thousands of people have taken
part in its myriad activities. These activities have ben carried out in spaces
open to the public where exhibitions, series of screenings, performances,
conferences, presentations, meetings, festivals, workshops and seminars
are organised.
In fact, the number of invited guests who have been involved in and been
part of the calendar of activities grows year after year to the limit of Bil-
baoArte’s own capacity and resources. A limit that, on the other hand, is
possible to guess and aspire to maintain a permanent, sustainable and sus-
tained growth.
In that endeavour, there are many collaborators and supporters that Bil-
baoArte receives and whose help is important and necessary.
The following pages give a comprehensive account and detail of all this, of
“what has been done”.
These presentation lines serve to reaffirm the bid and commitment for the
future supported by the Bilbao City Council and to celebrate, while we are at
it, the twentieth anniversary of BilbaoArte Foundation, with the desire and
certainty that this initiative will have a long and exciting path ahead.

Nekane Alonso
Culture Councilor of Bilbao City Council

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ÍNDICE
Aurkezpena
Presentación
Presentation
Bekadun artistak
Artistas becados
Grant holder artists
19 Álvaro Albaladejo
23 María Alcaide
27 Raquel Algaba
31 Raquel Asensi
35 Anaïs Boudot
39 Nuria Cano
43 Manuel Casellas
47 Ernesto Casero
51 Xavi Ceerre & Clara Rojas
55 Olivier Etchegaray
59 Ander Garitacelaya
63 Leticia Gaspar García
67 Oier Gil Zapirain
71 Borja Gómez Diez
75 Rakel Gómez Vázquez
79 Raúl Hevia
83 Arrate Hidalgo
87 Jorge Isla
91 Christian Lagata
95 Lusaba
99 Pablo Marte
103 Raquel Meyers
111 Aitziber Olaskoaga Ajuria
115 Onirokino
119 Saray Pérez Castilla
123 Amparo Prieto Monreal
127 Cristina Ramírez
131 Fernando Renes
135 Mabi Revuelta
139 Mar Reykjavik
143 Miguel Sbastida
147 UKA
151 Marianne Wasowska
AURKIBIDEA
TABLE OF CONTENTS
Trukaketako artistak
Artistas de intercambio
Exchange artists
157 Pau Figueres
159 Fernando Villena
161 Sarah Bildstein
163 Janine Maria Schneider
165 Leire Urbeltz
167 Ryu Biho
169 Mireya Martín Larumbe
171 Victoria Adame
173 Niga Salam
173 Azar Othman
175 Taxio Ardanaz
175 Begoña Zubero
Erakusketak
Exposiciones
Exhibitions
181 Winterreise
183 Abundante Amigable Compuesto
185 Hebra
187 Displacement
189 Betadine Su Bata
191 Entre cantar y hablar
193 Muda
195 Paisajes: de la plata al pixel
199 Zentrua
El centro
The centre
203 Jarduerak
Actividades
Activities
15
 BEKADUN ARTISTAK
ARTISTAS BECADOS
GRANT HOLDER ARTISTS

Bere ikerketa pertzepzioaren atzerri-
ratze mekanismoetan ardazten du,
inkontzientean garatutako irudiak
sortzeko konfigurazioa sistemak eta
arte praktiken arteko harremana
ikertuz. Horretarako eskultura eta
instalazioaren bitartez lan multzo
bat sortzen du, pertzepzio desoreka,
asaldatutako egoera krepuskularrak
eta psikopatologien funtzionamen-
dua eta sintomak agerian jarriz.
Lan multzo honek haluzinazioa per­
tzepzio teknologia modura proposa­
tzen du, eguneroko objektuaren
atzerriratze egoerak sortuz. Bere
lanean geometria hainbat efektu
eta eraldaketa sentsorialen eragile
bilakatzen da, begiradaren ohituren
apurketa helburu duten ikusmena-
ren kritika martxan jarriz. Honela
diskurtsoa artikulatzen duten bi ar-
datz nagusi sortzen dira: haluzina-
zioa eta geometria.
Bere egungo proiektuak haluzina-
tutako forma geometrikoak propo-
satzen ditu, triangelua eta honek
espazioan duen proiekzioa, pira-
midea, irudi nagusi bezala hartuz.
Piramideak, erronboak eta obelisko-
ak jarraian datoz, bere forma edo
funtz­ioan aldaketa edo galbideratze
bat jasanaz. Bere formaren bihur-
keta, planoen hedapena eta gainez­
katzea eraginez, kanpoko itxuran
atmosfera eta aldaketa jarraikiak
sortzen dituzten kolore sakon eta
monokromoekin batera.
Alvaro Albaladejo Granadan bizi
eta bertan lan egiten duen eskul-
torea da. Arte Ederretan lizentzia-
tu zen Granadako Unibertsitatean,
Munichgo Akademie der Bildenden
Künstean egonaldi bat burutuz.
Bere azken bakarkako erakusketen
artean hauek dira azpimarragarrie-
nak: FACBA proiektuaren barruan
Zaida aretoan aurkeztutako El fin
del universo (2018); Vueltas y pe-
numbras (2017) PTS aretoa eta Gra-
nadako Aldundiaren Palacio de los
Condes de Gabian aurkeztutako El
ojo y el vértice (2016).
18
Centra su investigación en los me-
canismos de extrañamiento de la
percepción estudiando la relación
existente entre los sistemas de con-
figuración de imágenes desarrolla-
dos en el inconsciente y las prácti-
cas artísticas. Para ello realiza una
serie de trabajos a través de la es-
cultura y la instalación, que ponen
de manifiesto el funcionamiento y
síntomas de trastornos percepti-
vos, estados alterados o crepuscu-
lares y psicopatologías.
Esta serie de trabajos proponen la
alucinación como tecnología per-
ceptiva, creando situaciones de ex-
trañamiento del objeto cotidiano.
En su obra la geometría se convier-
te en el motor de una serie de efec-
tos y transformaciones sensoriales
que ponen en marcha una crítica
del ojo que tiene como objetivo
romper los hábitos de la visión. De
este modo surgen dos ejes princi-
pales que articulan su discurso: la
alucinación y la geometría.
Su proyecto actual propone formas
geométricas alucinadas tomando
como figura principal el triángulo
y su proyección en el espacio, la
pirámide. Pirámides, rombos y obe-
liscos se suceden, sufriendo una al-
teración o perversión en su forma o
función. Provocando retorcimiento
en su forma, expansión de sus ca-
ras, desbordamiento de sus planos,
colores profundos y monocromos
que generan atmósferas y cambios
continuos en su aspecto exterior.
Alvaro Albaladejo es escultor, resi-
de y trabaja en Granada. Se licenció
en Bellas Artes por la Universidad
de Granada, realizando una estan-
cia en la Akademie der Bildenden
Künste en Munich. Entre sus últi-
mas exposiciones individuales des-
tacan: El fin del universo (2018) Sala
Zaida dentro del proyecto FACBA;
Vueltas y penumbras (2017) Sala
PTS y El ojo y el vértice (2016) Pa-
lacio de los Condes de Gabia de la
Diputación de Granada.
Álvaro Albaladejo
Granada, 1983
He focuses his research on the
mechanisms of alienation of per-
ception by studying the relationship
between the image configuration
systems developed in the uncon-
scious and in artistic practices. For
this purpose, he carries out a series
of works through sculpture and in-
stallation, which show the function
and symptoms of perceptive disor-
ders, altered or crepuscular states
and psychopathologies.
This series of works suggest hallu-
cination as a perceptive technology,
creating alienating situations from
everyday objects. In his work, geom-
etry becomes the engine of a series
of effects and transformations that
sets in motion a critique of the eye
with the aim to break the habits of
vision. Thus arise two main concepts
that articulate his discourse: halluci-
nation and geometry.
His current project proposes halluci-
nated geometric shapes taking the
triangle and its projection in space
the pyramid as a main figure. Pyr-
amids, diamonds, obelisks follow
each other, undergoing an altera-
tion or perversion in their form or
function. Provoking a twisting in
their shape, an expansion of their
sides, an overflowing of their planes,
deep colours and monochromes
that create atmospheres and con-
tinuous changes in their external
appearance.
Alvaro Albaladejo is a sculptor
living and working in Granada. He
graduated in Fine Arts from the
University of Granada. He was a
resident artist in the Akademie der
Bildenden Künste in Munich. High-
lights among his latest exhibitions
include El fin del universo (2018)
Sala Zaida within FACBA project;
Vueltas y penumbras (2017) Sala
PTS and El ojo y el vértice (2016)
Palacio de los Condes de Gabia, Re-
gional Government of Granada.
19

Internetek lanerako baliabide be-
zala eduki duen goren unearekin,
estetika —azaleko zentzuan— ka-
pitalizatzen jakin duten profesiona-
lak ugaritu dira. Sedukzioa egungo
artea bilakatu da, detaileen zainke-
tan ardaztuz (honen espektro plas­
tikoan) eta bereziki bisualak diren
narratibak sortuz. Guztia kamerara
hitz egin eta ikuslea liluratzera la-
burbiltzen da, estiloarekin jantzi,
bidaia, artea edo gastronomian
erreferentzia izan, etabar. Hau dela
eta, proiektu honek lanbide berri
hauekin nahasten diren aukera
estetiko eta politikoak ikertzen ditu,
blo­ggerrek erabiltzen dituzten he-
dapen metodoak erreferentziatzat
hartuz eta ikuspuntu kritikoago bat
eskaintzeko euskarria irauliz. Lan
honetan artistak, ustezko influencer
baten eguneroko egoerak irudika-
tuz, Interneteko lanaren hazkun-
dearen eragina dela eta bizi duen
lan-errealitate ezegonkorra argi
erakusten du.
(Terranova, 2001)
María Alcaide Arte Ederretan
graduatua da Sevillako Unibertsi-
tatean, Paris VIII Unibertsitatean
Licence en Arts Plastiques ikaske-
tak egin zituen eta Bartzelonako
Eina-UABen Artea eta Diseinu Iker-
keta Masterra burutu zuen. Hain-
bat erakusketetan partehartu du,
besteak beste, Bartzelonako LOOP
jaialdia Espai Colonarekin edo Fran
Reus Galeriako Panorama. Nazioar-
te mailan bere lana Endless Process
(Muu Helsinki), Translations (Emer-
gent Art Space, AEB), Fiber (Berlin)
edo Jeune Créationen (Beaux Arts
de Paris) erakutsia izan da. Bartze-
lonako Sala d’Art Joveko sorkuntza
saria jaso du, Iniciarteko sariarekin
batera. Hainbat arte egoitza beka
ere lortu ditu, hauen artean Berlin-
go Agora Collective, Bartzelonako
La Escocesa (ikerketa eta esperi-
mentazio beka) edo Sevillako Ate-
lier (CAAC) eta Mendebaldeko Sa-
haran egiten den Artifaritin artista
gonbidatua izan da.
Con el auge de Internet como medio
de trabajo, han proliferado profesio-
nales que han sabido capitalizar la
estética —en su sentido más super-
ficial—. La seducción ha pasado a
ser el arte del momento, primando
el cuidado de los detalles en su es-
pectro más plástico y dando lugar a
narrativas eminentemente visuales.
Todo se resume en hablar a una cá-
mara y embaucar al espectador, ves-
tir con estilo, ser una referencia en
viajes, arte o gastronomía, etc. Por
eso, este proyecto investiga las po-
sibilidades estéticas y políticas que
implican estas nuevas ocupaciones,
tomando como referencia los mé-
todos de difusión utilizados por los
bloggers e intentando subvertir el
medio para ofrecer una perspectiva
más crítica. En este trabajo, la artista
encarna el cuerpo de una supuesta
influencer que, a través de situacio-
nes cotidianas, pone de relieve la
realidad laboral precaria a la que se
enfrenta, en parte provocada por la
expansión del trabajo online.
(Terranova, 2001)
María Alcaide es graduada en Be-
llas Artes por la Universidad de Se-
villa, cursó la Licence en Arts Plas-
tiques en la Université Paris VIII y
tiene un Máster de Investigación en
Arte y Diseño por Eina-UAB en Bar-
celona. Ha participado en diversas
exposiciones como en el festival
LOOP Barcelona junto a Espai Colo-
na o en Panorama de la galería Fran
Reus. A nivel internacional, ha mos-
trado su trabajo en la exposición
Endless Process (Muu Helsinki),
Translations (Emergent Art Space,
EE.UU.), Fiber (Berlín) o Jeune Créa-
tion (Beaux Arts de Paris). Ha recibi-
do el premio de creación de la Sala
d’Art Jove de Barcelona y el premio
Iniciarte. También ha disfrutado de
varias becas de residencia en Ber-
lín (Agora Collective), Barcelona (La
Escocesa, beca de Investigación y
experimentación) o Sevilla (Atelier,
CAAC) y ha figurado como artista
invitada en Artifariti en el Sáhara
Occidental.
María Alcaide
Aracena, 1992
mariaalcaide.com
IG: @materialguerl
With the rise of the Internet as a
means of work, professionals who
have known how to capitalise on
aesthetics have increased in num-
ber. Seduction has become the art
in vogue—the concern over details
in its most plastic spectrum is prior-
itised, leading to highly visual narra-
tives. It all comes down to talking to
a camera and deceiving the viewer,
dressing in style, being a reference
in travel, art, food, etc. Therefore,
this project researches the aesthetic
and political possibilities that these
new occupations involve, taking
the dissemination methods used
by bloggers as a reference and try-
ing to subvert the medium to offer
a more critical perspective. In her
work, the artist embodies the figure
of a so-called influencer, through
everyday situations, highlights the
precarious who labour reality she
faces partly caused by the increase
of online work.
(Terranova, 2001)
María Alcaide is a Fine Art graduate
by the University of Seville, studied
Visual Arts in the University of Paris
VIII and holds a Master’s Degree in
Art Research and Design from Eina-
UAB, Barcelona. She has taken part
in several exhibitions, such as LOOP
Festival Barcelona with Espai Colo-
na, or Fran Reus gallery’s Panora-
ma. Internationally, she has shown
her work in the exhibition Endless
Process (Muu Helsinki), Translations
(Emergent Art Space, USA), Fiber
(Berlín) and Jeune Création (Beaux
Arts de Paris). She has received
the creation award of la Sala d’Art
Jove in Barcelona and the Iniciarte
award. Further, she has received
various residency grants in Berlin
(Agora Collective), Barcelona (La
Escocesa, Research and experimen-
tation grant) and Seville (Atelier,
CAAC) and has featured as a guest
artist in Artifariti, Western Sahara.
23
 Becoming poor, 2018
Blogger affair, 2018 Eskuz egindako jaka, serigrafia eta metala
Bideoa | Video Chaqueta hecha a mano, serigrafía y metal
8:40 min 220 x 150 x 30 cm

“Pieza beltz bat aurretik taularen gai-
nean zegoen beste pieza beltz baten
alboan ipintzen da. Orain elkarrekin,
bakar bat bezala lan egiten dute, el-
karrekin dauden beste pieza txuri
batzuen kontra. Baten bat irteerarik
gabe gelditzen bada eta jokoa utzi
behar badu, honi elkartuta dauden
guztiek egingo dute”.
Bere lanean eraikuntza mentalek
daukaten garrantzia dela eta, eta nola
osatzen gaituzten hauek inguratzen
gaituenaren etengabeko kutsa­
duraren bitartez, Japoni bezalako
inguru baten esperientziak bere iru-
diterian intuitiboki eta parasito-mo-
duan barneratzen diren kontzeptuen
bitartez gizabanakoaren zatiketan
ardazten den ikerketa bati hizpidea
ematen dio. Abiapuntu bezala GO
jokoa hartzen du eta honen bitartez
hau osatzen duten pieza multzoek
gizabanako berdinaren zatitutako
elementu bezala jarduten duten
ekintzarako leku bat asmatzen du.
Ikerketak origamia barneratzen
amaitzen du, bere tolesturen bitartez
gorputzak estali eta hauetan beste
paisaia eta piezak gorde baitaitezke.
Mugimendua erre­alitate fisiko bat
bezala osatzeaz gain kontzientziaren
gorabehera psikikoen parte bezala
ere osatzen den ariketa introspek-
tibo bat.
Raquel Algaba Arte Ederretan gra-
duatua da Madrilgo UCM Uniber­
tsitatean eta Sevillako Unibertsita-
teko Arte Ederren Fakultatean Arte
Masterra burutu zuen. Bere lana,
besteak beste, Xixingo Barjola Mu-
seoa, Fuenlabradako CEARTen edo
Madrilgo Neomudejarren erakutsia
izan da. Bere irudiak mentala eta fi-
sikoaren arteko mugetan daude, gi-
zabanako garaikidearen egoera za-
tikatua adierazteko, honen egoera
desegonkorrak bere gorputza edo
nortasuna berriro adierazi, eralda-
tu edo ordezkatzera mugituko balu
bezala.
“Una figura negra se coloca al lado
de otra figura negra que ya estaba
previamente sobre el tablero. Aho-
ra que están juntas, trabajan, como
unidad, contra otras fichas blancas
también unidas. Si una se queda sin
salida y debe abandonar el juego, lo
harán todas las que estén unidas a
esta”.
Debido a la importancia en su traba-
jo de las construcciones mentales y
cómo estas nos conforman a través
de la contaminación continua de lo
que nos rodea, la experiencia en un
entorno como Japón da pie a una
investigación centrada en la frag-
mentación del individuo a partir de
conceptos que se incorporan a mi
imaginario de una manera intuitiva
y parasitaria. Toma como punto de
partida el juego del GO a través del
cual ideo un lugar de acción donde
los grupos de fichas que lo compo-
nen actúan como elementos frag-
mentados de un mismo individuo.
La investigación acaba incorporando
el origami, debido a que a través de
sus pliegues pueden velarse los cuer-
pos y ocultar en ellos otros paisajes y
otras figuras. Un ejercicio introspec-
tivo donde el movimiento se confor-
ma no sólo como una realidad física,
sino como parte de las fluctuaciones
psíquicas de la conciencia.
Raquel Algaba es graduada en Be-
llas Artes por la UCM de Madrid y po-
see un Master en Arte por la Facultad
de Bellas Artes de Sevilla. Su obra ha
sido expuesta en el Museo Barjola de
Gijón, en el CEART de Fuenlabrada o
en la Neomudéjar de Madrid, entre
otros. Sus figuras habitan un espa-
cio liminal entre lo mental y lo físico,
tratando de reflejar el estado frag-
mentario del sujeto contemporáneo,
cuya condición inestable le mueve a
organizarse como si su cuerpo o su
identidad pudieran reformularse, re-
cambiarse o reponerse.
Raquel Algaba
Madrid, 1992
raquelalgaba.es
“A black figure is placed next to an-
other black figure that was already
previously on the board. Now that
they are together, they work as a
unit, against other white pieces who
are also a team. If one is trapped and
must leave the game, all those who
are joined to it will abandon it too.”
Due to the importance of mental
constructions in the artist’s work
and how they shape us through
continuous contamination of what
surrounds us, the experience in an
environment such as Japan leads to a
research focused on the fragmenta-
tion of the individual from concepts
that are incorporated in her imagina-
tion in an intuitive and parasitic way.
She takes the game GO as a starting
point through which she designs a
place of action where the groups of
figures that form it act as fragment-
ed elements of the same individual.
The research ends up adding origa-
mi, because through its folds, the
bodies can be covered and other
landscapes and figures can be hid-
den. An introspective exercise where
the movement is shaped not only as a
physical reality but also as part of the
psychic fluctuation of consciousness.
Raquel Algaba is a Fine Art graduate
by UCM in Madrid and has a Mas-
ter’s Degree in Art from the Fine Art
Faculty in Sevilla. Her work has been
shown in Barjola Museum in Gijón, in
CEART in Fuenlabrada and in la Ne-
omudéjar in Madrid, among others.
Her figures inhabit a liminal space
between the mental and the physi-
cal, trying to reflect the fragmented
state of the contemporary subject,
whose unstable condition moves
her to organise herself as if her body
and identity could be reformulated,
changed or replaced.
27
La bella imagen. Aproximación I, 2018
Zeramika, esmaltea, egurra eta ehuna
Cerámica, esmalte, madera y textil
75 x 40 x 50 cm

La bella imagen. Aproximación II, 2018 (3 ale | 3 piezas)

Zeramika eta esmaltea
Cerámica y esmalte
50 x 20 x 30 cm

Tirad la escalera I y II, 2017

Grafitozko arkatza Canson paperean
Lápiz grafito sobre papel Canson
20 x 20 cm

Tresnak sortu ditugu, beste era ba-
tean ezinezkoak izango zitzaizkigun
lanak egiteko aukera ematen diguten
funtzio jakin batzuk egiteko auke-
ratutako objektuak, gure gorputza-
ren gaitasunak zabalduz. Objektu
geldi[ezin] hauek gure aukera fisiko
nahiz sinbolikoak hedatzen ­dituzte­,
gure behar kulturalen arabera. Jan-
tzi batek hotzaz babesten gaitu, bai­
ta gizarte-faktoreetatik ere. Gure
hizkuntza, boterea eta esanahiaren
egokitzapenean bizirauten dugu.
Ardatz nagusi bezala zeramika duen
praktika honetan, natura, teknologia
eta gorputzaren mugak zalantzan
jartzen ditu. Gorputzaren aukerak
zabaltzen ditu, hizkuntzaren dikoto-
miatik aldendu eta berezko adiera-
zleetan ikertuz. Gure naturarekiko
harremana planteatzen du, hizkun-
tzan leku ezberdin bat egokitu dio-
guna. Garena eta bizi dugun paisaia
barne-­lotura bezala proposatzen du.
Objektu Geldi[ezin]a proiektua zerami-
ka, zuntza, plastikoa, beira eta metala
biltzen dituen prozesu esperimental
batean eratorri da. Deriba batzu ekin-
tza eta argazki erregistroak nahasten
dituzte. Piezak anbiguoki organikoak
eta artifizialak, hauskorrak eta iraun­
korrak, apaingarriak eta minimoak,
bigunak eta gogorrak edo industria-
lak eta eskuzkoak dira. Izaki hibrido-
ekin batera bizi diren paisaia post-­
industrialak eraginak izan dira.
Zure hizkera ikasi dut nire hizkuntza
mantendu ahal izateko.
Raquel Asensi artista zeramikari
cyborga da. Zeramika artean ikus-
puntu feministen eragina ikertzen
du. Proiektu ezberdinetarako bekak
jaso ditu, hauen artean aipagarrie-
nak “Abrazar el ornamento como
un lenguaje para la insurrección”
(2017) edo “Ideonella” (2018). Bere
lana, bes­teak beste, Rekalde Aretoa,
Bizkaiko Batzar Nagusiak edo Getxo-
arten erakutsia izan da. BilbaoArte
(BLV-ART) edo Sareanen bakarkako
performanceak burutu ditu, taldeka
berriz Spoken Word Bilbaorekin bate-
ra Azkuna Zentroan.
Hemos creado artefactos, objetos de-
signados para funciones específicas
que nos permiten realizar tareas que
de otro modo nos serían imposibles,
expandiendo nuestras capacidades
corporales. Estos objetos [in]quietos
expanden tanto nuestras posibilida-
des físicas como las simbólicas, en
base a nuestras necesidades cultura-
les. Una prenda de ropa nos resguar-
da del frío y también de los factores
sociales. Sobrevivimos en nuestra
adaptación al lenguaje, el poder, la
significación. En esta práctica cuyo
eje central es la cerámica, se cues-
tionan los límites entre naturaleza,
tecnología y cuerpo. Se expanden las
posibilidades corporales, distancián-
dose de la dicotomía del lenguaje,
indagando en significantes propios.
La artista se plantea nuestra relación
con la naturaleza, a la que hemos
asignado un lugar diferenciado en el
lenguaje. Propone como íntimamen-
te ligado lo que somos y el paisaje
que habitamos. El proyecto Objeto [In]
quieto ha derivado en un proceso ex-
perimental que aúna cerámica, textil,
plástico, vidrio, y metal. Algunas de-
rivas combinan acciones y registros
fotográficos. Las piezas son ambi-
guamente orgánicas y artificiales,
frágiles y resistentes, ornamentales y
mínimas, blandas y duras, industria-
les y manuales. Han sido afectadas
por el paisaje post-industrial en el
que conviven con seres híbridos.
He aprendido tu lenguaje para poder
conservar mi lengua.
Raquel Asensi es artista ceramista
cyborg. Investiga sobre la influencia
de las perspectivas feministas en el
arte en cerámica. Ha recibido becas
para proyectos entre los que desta-
can “Abrazar el ornamento como un
lenguaje para la insurrección” (2017)
o “Ideonella” (2018). Su obra ha sido
expuesta en espacios como Sala Re-
kalde, Juntas Generales de Bizkaia,
Getxoarte, entre otros. Ha realizado
performance individuales en Bil-
baoarte (BLV-ART) o Sarean, colecti-
vamente junto a Spoken Word Bilbao
en Azkuna Zentroa.
Raquel Asensi
Bilbao, 1989
raquelasensi.com
We have created artefacts, objects
designed for specific functions that
allow us to perform tasks that other-
wise would be impossible, expanding
our bodily abilities. These rest[less]
objects expand both our physical and
symbolic possibilities, based on our
cultural needs. A piece of clothing
protects us from the cold, and also
from social factors. We survive in
our adaptation to language, power,
meaning. In this experience, whose
central axis is ceramics, the artist
questions the limits between nature,
technology and body. She expands
the possibilities of the body, dis-
tancing herself from the dichotomy
of language, investigating her own
signifiers. She considers our relation-
ship with nature, to which we have
assigned a different place in lan-
guage. The artist posits that what we
are and the landscape we inhabit are
intimately linked. The project ­Rest-
[less] Object has transformed into an
experimental process that combines
ceramics, textiles, plastic, glass, and
metal. Some of those results combine
actions and photographic records.
The pieces are ambiguously organic
and artificial, fragile and resistant, or-
namental and minimal, soft and hard,
industrial and manual. They have
been affected by the post-industrial
landscape in which they coexist with
hybrid beings.
I have learned your language to be able
to keep my tongue.
Raquel Asensi is a cyborg ceramic
artist. She investigates the influence
of feminist perspectives on ceram-
ic art. She has received grants for
projects including “Abrazar el orna-
mento como un lenguaje para la in-
surrección” (2017) and “Ideonella”
(2018). Her work has been exhibited
in spaces such as Sala Rekalde, Juntas
Generales de Bizkaia, and Getxoarte,
among others. She has performed in-
dividual performances in BilbaoArte
(BLV-ART) and Sarean, and collective
ones with Spoken Word Bilbao in Az-
kuna Zentroa.
31
Plantarum Cognitarum
Las plantas que conozco
Zeramika bidriatua eta ehuna
Cerámica vidriada y textil
86 x 25 x 4 cm

Ideonella Premura Cognitiva

Zeramika bidriatua eta ehuna Zeramika bidriatua, material begetala
Cerámica vidriada y plástico Cerámica vidriada, material vegetal
45 x 44 x 15 cm 42 x 16 x 17 cm

Anaïs Boudotek XIX. Mendeko argaz-
kilariak gogora ekartzen dituzten mi-
sio propioak asmatzen ditu. Helburu
argi batekin naturan eginiko ibilal-
diak. Badaki zeren bila dabilen eta be-
harrezko argazkiak soilik egiten ditu.
Amaiera zoriontsua duten hartzeak
dira. Airea, argia edo usainekin
gozatzen du. Iratze eta bestelako lan-
dareak begiratzen ditu eta batzuetan
harriak, maskorrak, landareak, fosi-
lak edo interesgarria iruditzen zaion
bestelako edozein objektu jasotzera
gelditzen da, alkimikoa eta lirikoa den
prozesu batean fotograma batean
bihurtu edo ahozkoa ez den poesia
baten modura bere Wunderkammer-
raren parte izatera pasako dena.
Kantauri itsasoaren olatuek kostalde-
ko arrokak astintzen dituzte. Anaïsek
momentua jasotzen du. Gero labora-
tegiko eta tailerreko lana dator. Bere
lana jalkitze-arroka bat izango balitz
bezala, eta artista diagenesia, pixka-
naka pixkanaka, pinturaren bitartez,
beiraren gainean inpresionatu duen
zilar gelatinazko argazki irudian opa-
kutasun ezberdinak dituzten geruzak
sortzen doa. Argi-ilunak, opakuta-
sunak eta gardentasunak. Argazki
errepresentazioa paisaia onirikoan
bilakatuko da.
Gainera, prozesuan, sekuentziaren
iragankortasunak objektiboa izateari
utzi dio eta esposizioa aldatu egin da.
Hodei bat pasatu al da momentu ho­
rretan? Ez dakigu, baina esposizioa
aldatu egin da. Arrokak agertu eta
olatuen azpian desagertzen dira la-
burra eta poetikoa den film honetan.
Anaïs Boudot. Arte Ederrak ikasten
ditu Metzen. Argazkilaritza Arlesgo
École Nationale Supérieure de la
Photographien eta Le Fresnoy-Stu-
dion Argazkilaritza, bideoa eta tek-
nologia berriak. 2016. urtean Ma­
drilgo l’Academie de Franceren parte
izateko hautatua izan zen eta Casa
Velázquezen (ikertzaile eta sortzaile
frantsesen hispaniar ikasketak) Santa
Teresa de Jesúsen pausoak jarraitzen
zituen proiektu mistiko bat garatzen
du Gaztelako paisaia eta herrietatik.
BilbaoArte bekaduna, 2016tik Parisko
Binome galeriak ordezkatzen da.
Anaïs Boudot inventa sus propias
misiones fotográficas que memoran
las de los fotógrafos del siglo XIX.
Expediciones en la naturaleza con un
objetivo claro. Sabe lo que busca y
hace solo las fotografías necesarias.
Son tomas con final feliz. Disfruta del
aire, de la luz, de los olores… Obser-
va los helechos y otras plantas y en
ocasiones se detiene para recoger
piedras, conchas, vegetales, fósiles o
cualquier objeto que le resulta inte-
resante y que en un proceso entre lo
alquímico y lo lírico podrá convertir
en un fotograma o pasar a formar
parte de su Wunderkammer como
una poesía no verbal.
Las olas del mar Cantábrico azotan
las rocas de la costa. Anaïs recoge el
momento. Después vendrá el trabajo
en el laboratorio y en el taller. Como
si su obra fuera una roca sedimenta-
ria y la artista la diagénesis, poco a
poco, mediante la pintura, va crean-
do capas con diversas opacidades
en la imagen fotográfica de gelatina
de plata que ha impresionado sobre
vidrio. Luces y sombras, opacidades
y transparencias. La representación
fotográfica se convertirá en un pai-
saje onírico.
Además, en el proceso, la temporali-
dad de la secuencia ha dejado de ser
objetiva y la exposición ha cambiado.
¿Ha pasado una nube en ese mo-
mento? No lo sabemos, pero la ex-
posición cambia. Las rocas aparecen
y desaparecen bajo las olas en este
pequeño y poético film.
Anaïs Boudot. Bellas Artes en Metz.
Fotografía en la École Nationale Su-
périeure de la Photographie en Ar-
les. Le Fresnoy-Studio, fotografía,
video y nuevas tecnologías. En 2016,
seleccionada para formar parte de
l’Academie de France en Madrid,
Casa Velázquez (estudio hispanístico
de creadores e investigadores fran-
ceses) realiza un proyecto místico
por paisajes y ciudades de Castilla
tras los pasos de Santa Teresa de
Jesús. Viaja por España. Becada en
BilbaoArte. Desde 2016 es represen-
tada por la galería Binome de Paris.
Anaïs Boudot
Metz, 1984
anaisboudot.net
Anaïs Boudot invents her own pho-
tographic missions that remind us
of the nineteenth century photogra-
phers. Her expeditions into nature
have a clear objective: she knows
what she is looking for and takes
only the necessary pictures. They
are shots with a happy ending. She
enjoys the air, the light, the smells...
She observes the ferns and other
plants and sometimes stops to pick
up stones, shells, plants, fossils, and
any other object that interests her.
Through a process between alchemy
and lyricism she is able to transform
each object into a frame or it will be-
come part of her Wunderkammer as
non-verbal poetry.
The waves of the Cantabrian Sea
pound against the rocks of the coast.
Anaïs captures the moment. Then
comes the work in the laboratory
and workshop. As if her work were a
sedimentary rock and the artist were
diagenesis, slowly, through painting,
she will create layers with different
opacities in the photographic image
of gelatin silver exposed on glass.
Lights and shadows, opacities and
transparencies... The photographic
depiction will become an imaginary
landscape.
Besides, in the process, the se-
quence’s temporality has stopped
being objective and the exposure
has changed. Has a cloud passed by
at that time? We do not know, but
the exposure changes. The rocks ap-
pear and disappear under the waves
in this small and poetic film.
Anaïs Boudot Studied Fine Art in
Metz, Photography at la École Na-
tionale Supérieure de la Photogra-
phie in Arles and Photography, Video
and New Technologies at Le Fres-
noy-Studio. In 2016, she was selected
to be a part of l’Academie de France
in Madrid, Casa Velázquez (Hispanis-
tic studio of French creators and in-
vestigators). Boudot made a mystical
project of landscapes and cities of
Castilla following the steps of Santa
Teresa de Jesús. She travelled Spain
and was awarded a scholarship in Bil-
baoArte. Since 2016, she is represent-
ed by Binome gallery in Paris.
35
 Sin título | Izenburu barik, 2018
Argazki analogikoak beira gainean eta pintura |Fotos analógicas sobre vidrio y pintura
21 x 30 cm

La Alterable Verdad (Egi Aldagarria) dis-
tantzia batera ezarritako hainbat ge-
ruzaz osatutako instalazio baita zein,
ikuspuntu batetik begiratuta, seg-
mentu taldea plano bakar bat osatuz
batzen da; trikimailu optiko bat.
Paisaia-planoa da: egurrezko etxe bat
basoaren erdian. Lehen begiradan
leku bakarti eta lasaia dirudi, pixka
bat itxoiten badugu puntu ezberdine-
tan pertsonak agertuz doaz, denbo-
ra gutxian berriz gordetzen direnak.
Zerbait arraroa gertatzen da, baina ez
dugu ezagutuko, ikuspegi hau ikusle
bakoitzaren begiradak markatua gel-
ditzen da. Nola bota galdera baso ba-
ten esanahi pertsonalaren inguruan.
Eszenan agertu eta desagertzen diren
pertsona hauez gain dena da estati-
koa. Mugimenduan dauden serbo-
motore batzuen bitartez alde batera
eta bestera mugitzen diren silueta zu-
riak, arduino bitartez kontrolatuak.
Era berean tokialdaketa hauek bideo
batekin sinkronizatuak daude, silueta
bakoitzean proiektatzen diren gizaba-
nakoak.
Instalazioa toki finko batetik begi-
ratzen da. Honek ez du esan nahi
proiektuak ikuspuntu ezberdinak ez
dituenik, muntaiak garrantzi handia
hartzen du egiazkoagoa den zer-
baitetan bihurtzean, amets egitera
bultzatzen zaituen zerbait, piezari
mugimenduan dagoen irudiaren triki-
mailua erakustera bultzatuz.
Nuria Cano Arte Ederretan lizentzia-
tua da eta Arte Produkzioan gradu-
ondoa dauka. Formakuntza animazioa
eta teknologia berriekin zabaldu du,
Polonia, Finlandia, Irlanda edo Txe-
kiar Errepublikako kulturekin aberastu
delarik. Diziplina ezberdinekin lan egi-
ten du, instalazioa, teknologia berriak
eta ilustrazioa. BilbaoArteko egoitza
beka jaso du (2018), Elas Fan Tech (A
Coruña, 2013) erakusketan parte har-
tu du, produkzio osteko industrian
lan egin du, Lunchmeat (Praga, 2011)
eta Zurbaran produkzio laguntza jaso
zuen (Extremadura, 2010).
La Alterable Verdad es una instalación
compuesta por varias capas coloca-
das a una distancia desde la que, ob-
servada desde un punto de vista, el
conjunto de segmentos se combinan
formando un único plano; un truco
óptico.
El plano es paisajístico: una casa de
madera en medio de un bosque. En
el primer instante parece un bello
lugar solitario y tranquilo, si espera-
mos un poco comienzan a aparecer
personas en diferentes puntos que al
poco tiempo vuelven a esconderse.
Algo extraño ocurre, pero no lo va-
mos a saber, esta visión queda mar-
cada por la mirada de cada especta-
dor. Como lanzar la pregunta sobre
el significado personal de un bosque.
Todo es estático menos esas per-
sonas que aparecen y desaparecen
en la escena. Siluetas blancas que
se mueven de una lado a otro a tra-
vés de unos servomotores en movi-
miento, controlados por Arduino. A
su vez estos desplazamientos están
sincronizados con un video que son
los individuos proyectados en cada
silueta.
La instalación es observada desde un
lugar fijo. Esto no quiere significar
que el proyecto no tenga diferentes
puntos de visión, el montaje adquie-
re gran importancia, al convertirse
en algo más veraz, algo que te im-
pulsa a soñar, empujando a la pieza
a mostrar la trampa de esa imagen
en movimiento.
Nuria Cano es licenciada en Bellas
Artes y posgraduada en Producción
Artística. Ampliando su formación
en animación y nuevas tecnologías,
enriqueciéndose de otras culturas
como Polonia, Finlandia, Irlanda y
República Checa. Trabaja con distin-
tas disciplinas: instalación, nuevas
tecnologías e ilustración. Ha recibido
la beca de residente en Bilbaoarte
(2018), ha formado parte de la expo-
sición Elas Fan Tech, A Coruña (2013),
trabajó en la industria de postpro-
ducción Lunchmeat, Praga (2011),
recibió la ayuda de producción Zur-
barán, Extremadura (2010).
Nuria Cano
Badajoz, 1982
La Alterable Verdad (The Modifiable
Truth) is an installation composed of
several layers placed at a distance at
which, observed from one point of
view, the set of segments combine
forming a single plane; an optical il-
lusion.
The scene is a landscape: a wooden
house in the middle of a forest. At
first, it seems like a beautiful place,
empty and quiet; if we wait a little,
people begin to appear in different
points and soon hide again. Some-
thing strange happens, but we will
not know. This vision is marked by
each viewer’s look: how to throw
out the question about the personal
meaning of a forest.
Everything is fixed except those peo-
ple who appear and disappear in the
scene. White silhouettes that move
from one side to another through
moving servomotors, controlled by
Arduino. In turn, these movements
are in synch with a video that are
the individuals projected onto each
silhouette.
The installation is observed from
a fixed spot. This does not mean
that the project does not have dif-
ferent observation points; the set
up acquires great importance as it
becomes something more truth-
ful, something that inspires you to
dream, pushing the piece to show
the trap of that image in motion.
Nuria Cano has a Bachelor’s Degree
in Fine Art and post-graduate degree
in Artistic Production. Furthering
her education in animation and new
technologies, she was enriched by
other cultures such as Poland, Fin-
land, Ireland and the Czech Republic.
She works on different media: instal-
lation, new technologies and illus-
tration. She has received a residency
grant from BilbaoArte (2018), she has
taken part in the exhibition Elas Fan
Tech, A Coruña (2013), worked in the
industry of postproduction Lunch-
meat, Praga (2011), and received the
Zurbarán production grant, Extre­
madura (2010).
39
La Alterable Verdad, 2018
Instalazioa | Instalación
150 x 300 cm

Sistema eta gizabanakoen arteko
itun sozialaren apurketaren ondo-
ren gizakiaren biziraupenetik pasa-
ko den ezezagunerantz bideratzen
den aldaketa garai batean aurkitzen
gara. Egoera honetan, Please, rescue
yourselfek testuinguruaren aldakor-
tasunaren begirada bat eskaini nahi
du, sistemaren hauskortasuna era-
kustearekin batera. Sistema hauek,
neurri handi batean, pertsonekiko
interesa galdu dute, gizarteak bizi
duen urritasunaren inguruan go-
goeta egiteko, ziurgabetasun egoe-
ra batetara ahokatzen gaituena eta,
eskasiaren arren, egungo eszenan
gizabanakoaren rola definitzeko
egokia dena.
Lan hau “Galumphing” proiektu-
koa da, prozeduretan ardazten den
eta garapenean dagoen ikerketa
bat. Horrela, arte eremuaren indar
guztiaren ardatz bezala artelan es-
perimentalaren garrantzia onar-
tu nahi da. Momentuz ez dakigu
“Galumphing” zorrozki proiektu
inude bat edo helburu zehatzak ez
dituzten proiektu txikien mukuru
bat den. Edo agian ez da proiektu
bat izango. Aldiz, abiapuntu bezala
aurretik zehaztutako baliabideak
dauzka –diziplina anitzekoak eta
diziplinartekoak– eta bere garape-
na joko aske bat bezala ulertuko
da, aurretiko lege eta muga gabea
baina bat-batekotasuna eta dizipli-
na ezberdinen inbrikatzetik berezko
legeak sortzeko gai dena.
Manuel Casellas Arte Ederretan
lizentziatua da Sevillako uniber­
tsitatean Bilbo, Milan eta Rosarion
ikasketak egin ondoren. Estatuko
eta nazioarteko hainbat arte egoitza
burutu ditu. Gaur egun Andoainen
bizi da eta Euskal Herria eta Sevi­
lla artean lan egiten du. Proiektu
hau gauzatzeko, BilbaoArte Fun-
dazioaren bekaz gain, Tabakaleraren
(Kultura Garaikidearen Nazioarteko
Zentroa) laguntza izan du, lanerako
estudio baten lagapenarekin.
Tras la ruptura del pacto social entre
sistemas e individuos, nos encontra-
mos en una época de cambio hacia
lo desconocido que pasará por la su-
pervivencia del hombre. Desde este
escenario, Please, rescue yourself
pretende ofrecer una visión de lo
volátil del contexto a la vez que mos-
trar la fragilidad del sistema, que en
gran medida ha perdido el interés
por las personas, para reflexionar
sobre la precariedad que padece la
sociedad y que nos aboca a un es-
tado de incertidumbre que, a pesar
de lo malo, es óptimo para definir el
rol del individuo en la escena actual.
Este trabajo pertenece al proyecto
“Galumphing”, una investigación
aún en desarrollo que se centra en
los procedimientos, reconociendo
así la importancia de la obra de arte
experimental como eje en torno al
cual gira todo el potencial del cam-
po artístico. Hasta el momento ni
siquiera sabemos si “Galumphing”
será estrictamente un proyecto no-
driza, un no-proyecto o un cúmulo
de pequeños proyectos en tanto
que carece de objetivos claros, más
bien, tiene unos medios predeter-
minados —multidisciplinares e in-
terdisciplinares— como punto de
partida y su desarrollo se entende-
rá como un juego libre, carente de
reglas o limitaciones previas pero
capaz de generar sus propias reglas
desde la improvisación y la imbrica-
ción de distintas disciplinas.
Manuel Casellas es Licenciado en
BBAA por la Universidad de Sevilla
tras cursar estudios en Bilbao, Milán
y Rosario. Ha realizado diferentes
residencias artísticas a nivel nacio-
nal e internacional. Actualmente
reside en Andoain y trabaja entre
el País Vasco y Sevilla. Para la reali-
zación de este proyecto, además de
la beca de la Fundación Bilbao Arte
ha recibido colaboración, mediante
la cesión de estudio, de Tabakale-
ra Centro Internacional de Cultura
Contemporánea.
Manuel Casellas
Sevilla, 1979
After the fracture of the social pact
between systems and individuals,
we find ourselves in an era of change
towards the unknown that will in-
volve the survival of humanity. From
this scenario, Please, rescue yourself
aims to offer a vision of the unstabil-
ity of the context while showing the
system’s fragility, which has largely
lost interest in people, to reflect on
the precariousness of society. This
leads us to a state of uncertainty
that, in spite of the bad, it is ideal to
define the role of the individual in
the current scene.
This work is part of the project “Ga-
lumphing”, an investigation still in
development that focuses on pro-
cedures. Thus, it recognises the
importance of experimental art as
the main idea around which all the
potential artistic field revolves. Until
now, we do not even know if “Ga-
lumphing” will be a nurturing pro-
ject, a non-project or a series of small
projects, as it lacks a clear objective.
Instead it has some predetermined
means –multidisciplinary and inter-
disciplinary– as a point of departure.
Its development will be understood
as free play, free of rules or limita-
tions but capable of creating its own
rules through improvisation and the
overlap of different disciplines.
Manuel Casellas studied Fine Art at
the University of Seville after stud-
ying in Bilbao, Milan and Rosario.
He has completed various inter-
national and national residencies.
Currently, he lives in Andoain and
works between the Basque Coun-
try and Seville. For the making of
this project, in addition to a grant
from BilbaoArte Foundation, he has
received support from Tabakalera
International Centre for Contempo-
rary Culture in the form of a studio
grant.
43

De rerum nurture artistak naturaren
ideiarekiko (eraikuntza teoriko be-
zala) daukan harremanaren hainbat
alderdi ekiten dituen proiektu bat
da. Piezen zati handi bat multzo bat
bezala artikulatzen da, zeinean filtro
pertsonal baten bitartez, ideia hone-
kin harremana duten gai zehatzak
lantzen diren. Agian pieza hauek eu-
ren artean duten lotura gizaki bezala
natura kontsidera­tzen duen horre-
kin duen jarrera da, hau da, barruan
dagoen zerbait baina nolabait be-
rarekiko bereizten dena. Marrazkia,
collagea eta izaera objektuala duten
piezen bitartez naturarekiko dugun
ikuspuntuaren eraikitako izaera az-
pimarratu eta berezko narratiba bat
sortu nahi du, marrazkietan détour-
nementa estrategia bezala erabiliz,
collageetan museoetatik sortutako
naturaren historiako irudiak artistak
hartutako irudiekin nahastuz eta
pieza objektualetan gure naturaren
hierarkiak zalantzan jarriko dituzten
metaforak planteatuz. Proiektuak
ironikoa eta poetikoaren arteko
izaera narratibo bat dauka, espe-
kulatiboa eta historikoaren artean.
Ideologia eta biologia, enpirismoa
eta herriko jakintza, biologiaren so-
ziologia (Latour) eta sozio-biologia
(Wilson) edo eboluzionismoa eta
mitologiaren arteko elkargune pun-
tuak interesatzen zaiz­kio.
Ernesto Casero Arte Ederretan li-
zentziatua da Valentziako Unibertsi-
tate Politeknikoan. Irudi artistikoa
eta zientifikoaren arteko elkargune
eta desadostasun puntuak estrate-
gia bezala erabiltzen ditu zientzia-
ren historiaren arbitrariotasunaren
inguruko diskurtso estetiko bat arti-
kulatzeko. Parisko Espainiako Esko-
larako Kultura-ministerioaren beka,
Casa de Velázquezeko beka edo La
Térmica Creadores beka jaso ditu.
De rerum nurture es un proyecto que
aborda diversos aspectos de la re-
lación del artista con la idea de na-
turaleza como constructo. La mayor
parte de las piezas se articulan como
un conjunto en el que se tratan, bajo
un filtro personal, temas específicos
relacionados con esta idea, piezas
en las que quizá el nexo común sea
su posición como humano frente a
aquello que considera naturaleza,
es decir, algo a lo que pertenece
pero frente a lo que se distingue de
alguna forma. Mediante el dibujo,
el collage y piezas de carácter obje-
tual trata de evidenciar el carácter
construido de nuestra visión de lo
natural y crear una narrativa pro-
pia, usando el détournement como
estrategia en los dibujos, mezclan-
do imágenes de la historia natural
generada desde los museos con fo-
tografías tomadas por sí mismo en
los collages, y planteando metáforas
que cuestionen nuestras jerarquías
de lo natural en las piezas objetua-
les. El proyecto tiene un carácter na-
rrativo entre lo irónico y lo poético,
entre lo especulativo y lo histórico.
Le interesan los puntos de intersec-
ción y contagio entre la ideología y
la biología, entre el empirismo y el
saber popular, entre la sociología de
la biología (Latour) y la sociobiología
(Wilson), entre el evolucionismo y la
mitología.
Ernesto Casero es licenciado en
Bellas Artes por la Universidad Po-
litécnica de Valencia. Los puntos de
encuentro y fricción entre la ima-
gen artística y la científica le sirven
como estrategias para articular un
discurso estético sobre la arbitrarie-
dad de la historia de la ciencia. Ha
disfrutado de la Beca del Ministerio
de Cultura para el Colegio de Espa-
ña en París, la Beca de la Casa de
Velázquez o la beca de La Térmica
Creadores.
Ernesto Casero
Valencia, 1977
ernestocasero.com
De rerum nurture is a project that
deals with various aspects of the
artist’s relationship with the idea of
nature as a construct. Most of the
pieces are put together as a set in
which they address, under a per-
sonal filter, specific issues related
to this idea, pieces in which perhaps
the common link is his position as a
human facing what he considers na-
ture to be, meaning, something to
which he belongs but from which he
distinguishes himself in some way.
Through drawing, collage and ob-
jectual pieces, he attempts to show
the constructed nature of our vision
of the natural and create a narra-
tive of our own, using détournement
as a strategy in his drawings. Thus,
he mixed images of natural history
created for museums with photo-
graphs taken by him in collages,
and created metaphors that ques-
tion our hierarchies of the natural
in objectual pieces. The project has
a narrative character between the
ironic and the poetic, between the
speculative and the historical. He is
interested in the points of intersec-
tion and contagion between ideolo-
gy and biology, between empiricism
and popular knowledge, between
the sociology of biology (Latour)
and sociobiology (Wilson), between
evolutionism and mythology.
Ernesto Casero graduated in Fine
Arts from the Technical University
of Valencia. The points of encoun-
ter and friction between the artistic
and the scientific image serve as
strategies to articulate an aesthetic
discourse on the arbitrariness of the
history of science. He has received
the Ministry of Culture grant for the
Colegio de España in Paris, Casa de
Velázquez grant and La Térmica Cre-
adores grant.
47
Arsenal para un futuro no demasiado distante, 2018
Goroldioa, egurra | Musgo, madera
Neurri aldakorrak | Medidas variables

Mi planta quiere ser perro, 2018 Una historia de lo natural, 2018 Las plantas sienten todo lo que les hacemos, 2018
Egurra, landarea, txakur uhala, tableta, gurpilak Una historia de lo natural, 2018 Collage Conté paper gainean | Conté sobre papel
Madera, planta, correa de perro, tablet, ruedas Collage 19 x15 cm; 23 x 15 cm 70 x 100 cm
Neurri aldakorrak | Medidas variables 22 x 15 cm

Proiektu hau existitzen diren Deep
Learning prozesu ezberdinen inter-
pretazio humanizatu bat da, hauen
ondorengo gogoeta batekin. Arte
diziplina ezberdinak nahasten dituz-
ten instalazio multzo batez osatzen
da. Hauetan, artifizialki sortutako
irudiak hartzen dira inspirazio iturri
bezala. Zehazki Arthur Boer disei-
natzaileak eta Boris Smeenk pro­
gramatzaileak EpochAl proiektuan
garatutako aplikazioaren bitartez
sortutakoak. Post-internet gizarte
batentzat eduki grafiko hau hartzen
dute edertasun garaikidearen iturri
gisa.
Historikoki artistak natura erabili du
inspirazio nagusi bezala. Honako
honetan gure garaian bizi dugun
gizatasun kentze prozesuari oho-
re egiten zaio eta, organikoa eta
manufakturatuaren bitartez, orain-
dik arrotzak zaizkigun teknologia
multzo bati erantzutea bilatzen da,
baina guk gure burua baino hobeto
ezagutzen gaituzte jada. Adimen ar-
tifizialak sortutako eduki artistikoen
asimilazioaren bitartez eginiko gai
klasikoen berrazterketa bat. Proze-
su matematikoen bitartez sortutako
estereotipo berriak.
Xabi Ceerre Kataluniako Unibertsi-
tatean graduatua da eta Valentziako
Unibertsitatean goi-mailako tekni-
karia. Hangar, Fabra i Coats, Tecla
Sala edo Miro Fundazioaren Espai
13an arte proiektuak sortu ditu.
Bartzelonan bizi ondoren berriki
Amsterdamera mugitu da.
Clara Rojas gaur egun Amster­
damen­ bizi eta bertan lan egiten
du. Arte plastiko eta argazkilaritza-
ko ikasketak Sevillan garatu zituen.
Hainbat taldekako erakusketetan
parte-hartu du. Grafitietatik foto-
muntaketarantz bideratu da. Egu-
nerokotasuna dela eta kulturalki
oharkabekoak diren espazio fisikoak
bere lanaren oinarria dira.
Xavi Ceerre & Clara Rojas
Este proyecto es una interpretación
humanizada de los diferentes pro-
cesos de Deep Learning existentes,
y una posterior reflexión sobre los
mismos. Se compone de una serie
de instalaciones que combinan dife-
rentes disciplinas artísticas. En ellas,
se toma como fuente de inspiración
las imágenes creadas artificialmen-
te. Concretamente mediante la apli-
cación desarrollada por el diseñador
Arthur Boer y el programador Boris
Smeenk en su proyecto EpochAI.
Tomamos de referencia este conte-
nido gráfico como fuente de belleza
contemporánea para una sociedad
post-internet.
Históricamente, el artista ha usado
la naturaleza como principal inspi-
ración. En esta ocasión se hace ho-
nor al proceso deshumanizador de
nuestra época y se busca, mediante
lo orgánico y manufacturado, dar
una respuesta a una serie de tec-
nologías que aún nos resultan ex-
trañas, pero ya nos conocen mucho
mejor que nosotros mismos. Una
revisión de los temas clásicos a tra-
vés de la asimilación del contenido
artístico creado por la inteligencia
artificial. La generación de nuevos
estereotipos a través de procesos
matemáticos.
Xabi Ceerre es graduado por la Uni-
versidad de Cataluña y técnico supe-
rior por la Universidad de Valencia.
Ha producido proyectos artísticos
en espacios como el Hangar, Fabra
i Coats, Tecla Sala o el Espai 13 de la
Fundació Miró. Tras residir en Barce-
lona, recientemente se ha desplaza-
do a Amsterdam.
Clara Rojas actualmente trabaja y
reside en Amsterdam. Realizó sus
estudios en artes plásticas y foto-
grafía en Sevilla. Ha participado en
numerosas exposiciones colectivas.
Viajó desde el graffiti hacia el foto-
montaje. Espacios físicos que cultu-
ralmente pasan desapercibidos por
su cotidianeidad constituyen la base
de su trabajo.
Alcoy, 1991 | Cádiz, 1993
xaviceerre.com | claralovesyou.com
This project is a humanised interpre-
tation of the different existing Deep
Learning projects and a subsequent
reflection on them. It consists of a
series of installations that combine
different artistic disciplines. The ar-
tificially created images are taken
as a source of inspiration in them.
Particularly through the application
developed by designer Arthur Boer
and programmer Boris Smeenk in
their EpochAl project. We take this
visual content as a reference of con-
temporary beauty standards for a
post-internet society.
Historically, the artist has used
nature as main source of inspira-
tion. In this instance, we praise the
dehumanizing process of our age
and seek, through the organic and
the manufactured, to respond to
a series of technologies that seem
still strange to us but already know
us much better than we know our-
selves. A review of classical themes
through the assimilation of artis-
tic content created by artificial in-
telligence. The production of new
stereotypes through mathematical
processes.
Xavi Ceerre is a graduate of the
University of Cataluña and he holds
a higher technical degree from the
University of Valencia. He has pro-
duced artistic projects in places such
as el Hangar, Fabra i Coats, Tecla
Sala and el Espai 13 of Miró Founda-
tion. After living in Barcelona, he has
recently moved to Amsterdam.
Clara Rojas currently lives and
works in Amsterdam. She stud-
ied Plastic Arts and Photography
in Sevilla. Rojas has participated in
various collective exhibitions. She
changed direction from graffiti to-
wards photomontage. The base of
her work are physical spaces that
are culturally overlooked due to their
commonness.
51
Ezkerraldea | Izquierda
Víbora, 2018 Sombra Blanca, 2018
Esmaltea, olioa, akrilikoa, koipe barra eta aerosola mihise gainean Offset inpresioa 160 gr mate paperean
Esmalte, óleo, acrílico, barra grasa y aerosol sobre lienzo Impresión offset en papel mate 160 gr.
97 x 130 cm 70 x 50 cm

Trucada Polar, 2018

Esmaltea, olioa, akrilikoa, koipe barra eta aerosola mihise gainean
Esmalte, óleo, acrílico, barra grasa y aerosol sobre lienzo
97 x 130 cm

Garapen Jasangarriaren Helburuak
gure ekonomia, gizartea eta inguru-
menerako modeloak berregitura-
tuko dituzte. Ze eragin izango du
honek hiriaren itxuran? Urbanis-
moarekin harreman espazial berriak
proposatzeko aukera bat bezala jaso
al daiteke?
Punta Zorroza hiri-diseinurako pro­
iektu batean ideia artistikoen miake-
taren inguruko proiektu bat da. Hiria
hiriko esperientzia berrien eremu bat
bezala kontzebitu daiteke.
Ezaugarri espaziala dimentsio ezber-
dinen gainezarpen bat bezala ekiten
da. Eraikuntzen dimentsioek eta ho-
nen inguruaren dimentsioek espazio
bakar bat sortzen dute, mundu kuan-
tikoan bezala. Arkitektura paisaian
bilakatzen da, eta alderantziz. Jada ez
dago muga espazialik.
Hiria hiru dimentsioko pinturatzat
bezala planteatzen da. Koloreek na-
turara eta artearen historiara buel-
tan garamatzate. Karmin-arrosa
itzal batek zerua, landaretza eta ura
edertzen du, Ambrogio Lorenzettiren
Allegorie ed effetti del Buono e Cattivo
Governo eta Jeronimo Boschen Atse-
ginen baratzeari aipamena eginez.
Hiria berriz asmatzeko natura begi-
ratzeak zentzuzkoa dirudi, trecen-
tora atzera egiten diren praktika
batzuen ezarpen modernoa, artis-
tek irudikapen artistikorako oinarri
berriak sortzen zituzten garaikoa.
­Adierazpen forma berri honek, sor-
men askatasunaren benetako bilake-
ta bat, Errenazimentuko humanismo
berriaren sorkuntza eragin du. Iker-
keta honen helburua proposamen
bat sortzea da: Hiriak gizakiarentzat
diseinatuagoa egon beharko luke.
Olivier Etchegaray. Arte Ederren
akademia batean hezia (ESBA Tours
– Frantzia), 90. hamarkada erdialde-
tik arkitekturaren industrian lan egin
du, arkitektura proiektuak gauza­
tzen zituen aldi berean bere ikerketa
per­tsonalekin jarraituz. Gaur egun
Arkitektura Diseinuaren Gestioa
masterra burutzen ari da Arkitektu-
ra eta Diseinu Eskolan (Madril, IE).
Diseinuari ekiteko orduan, eskuz-
ko marrazketa tekniken erabilera
teknologia berrien erabilera bezain
garran­tzitsua kontsideratzen du.
Los Objetivos de Desarrollo Sosteni­
ble reestructurarán nuestros mode-
los económicos, sociales y medioam-
bientales. ¿Que impacto tendrá esto
en el aspecto de la ciudad? ¿Podría
percibirse como una oportunidad
para proponer nuevas relaciones
­espaciales con el urbanismo?
Punta Zorroza es un trabajo sobre la
exploración de ideas artísticas en un
proyecto de diseño urbano. Conci­
biendo la ciudad como un campo de
nuevas experiencias urbanas.
Se aborda la cualidad espacial como
una superposición de dimensiones
diferentes. Las dimensiones de las
construcciones y las dimensiones de
su entorno producen un solo espa-
cio, como en el mundo cuántico. La
arquitectura se convierte en paisaje,
y viceversa. Ya no quedan fronteras
espaciales.
La ciudad se plantea como una pin-
tura tridimensional. Los colores nos
llevan de vuelta a la naturaleza y la
historia del arte. Un sombreado rosa
carmesí realza el cielo, la vegetación
y el agua, en referencia a Allegorie ed
effetti del Buono e Cattivo Governo de
Ambrogio Lorenzetti y a El jardín de
las delicias de El Bosco.
Para reinventar la ciudad, pare-
ce sensato observar la naturaleza,
analizar la aplicación moderna de
algunas prácticas que se remontan
al Trecento, cuando los artistas crea-
ban nuevos principios de represen-
tación pictórica. Esta nueva forma de
expresión, una auténtica búsqueda
de libertad creativa ha dado lugar al
humanismo del Renacimiento. El ob-
jetivo de esta investigación es gene-
rar una propuesta: la ciudad podría
estar más diseñada para lo humano.
Olivier Etchegaray formado en
una academia de Bellas Artes (ESBA
Tours, Francia), ha trabajado en la in-
dustria arquitectónica desde media-
dos de los 90, continuando con sus
investigaciones personales al mismo
tiempo que llevaba a cabo proyectos
arquitectónicos. Actualmente estu-
dia un Master en Gestión del Diseño
Arquitectónico en la IE Escuela de
Arquitectura y Diseño en Madrid. A
la hora de proceder con el diseño,
considera el uso de técnicas de dibu-
jo manuales tan importantes como el
uso de nuevas tecnologías.
Olivier Etchegaray
Tours, 1967
Sustainable Development Goals will
reshape our environmental, social
and economic models. What impact
will it have on the aspect of the city`s
appearance? Could it be seen as an
opportunity to propose new spatial
relation­ships with urbanism?
Punta Zorroza is a work about ex-
ploring artistic ideas within an urban
design project. The city could be en-
visaged as a potential field for new
urban experiences.
Spatial quality is approached as a su-
perposition of different dimensions.
The dimensions of the constructions
and the dimensions of its environ-
ment produce just a single space,
like in the quantum world. Architec-
ture becomes landscape, and vice
versa. There are no any more spatial
boundaries.
The city is planned like a three-­
dimensional painting. Colours take
us back to nature and history of art.
The sky, vegetation and water are
enhanced by a crimson-pink shad-
ing, in reference to Allegorie ed effetti
del Buono e Cattivo Governo by Am-
brogio Lorenzetti, and to The Garden
of Earthly Delights by Hieronymus
Bosch.
To reinvent the city, it seems judi-
cious to observe nature, to analyse
the modern application of some
practices dating back to the Trecen-
to, when artists were creating new
principles for pictorial representa-
tion. This new form of expression, a
true quest for creative freedom, has
led to the humanism of the Renais-
sance. The purpose of the research
is to generate a proposal: the city
could be more designed for human-
ity.
Olivier Etchegaray, initially trained
in a fine art Academy (ESBA Tours,
France), has been working in the
architecture industry since the
mid-90’s, following some person-
al researc at the same time as he
conducted projects in architectural
practices.  He is currently studying
a MAMD Degree at the IE School of
Architecture and Design in Madrid.
In the design research process, he
considers the use of hand-drawing
technique as crucial as the use of
new technologies.
55

Aurreko orrialdea |Página anterior
Quantum Bilbao, 2017
Tinta paper gainean | Tinta sobre papel | 61 x 46 cm
Punta Zorroza Masterplan, 2018 Study of a Landscape, 2017
Chromaluxe Art | 102 x 178 cm Tinta paper gainean | Tinta sobre papel | 20 x 50 cm
Punta Zorroza Masterplan (detallea), 2018 No Spatial Boundaries, 2017
Chromaluxe Art | 110 x 155 cm Tinta paper gainean | Tinta sobre papel | 101 x 179 cm

Kantauri proiektuaren bitartez ar-
tistak gertuko lotura berezi bat gor-
detzen duen Kantauriko itsasertzeko
hainbat lekuren ikuspuntu pertsonal
bat adierazi nahi du, hainbat ideia
zalantzan jartzeko ­erreferentzia be-
zala erabiltzen duena. Kobre bidez­
ko grabatua eta marrazkia baliabide
dituela, surrealismoa, animismoa
eta japoniar artean inspiratutako
lengoaia artistiko bat erabiltzen du.
Bere estanpa eta marrazkien bi-
tartez artistak bizitza eta heriotza,
denboraren bitarteko ahanztura
edo gizakien tokiekiko jabetza sen-
timendua bezalako kontzeptuen
inguruko egonezinak zabaltzen
ditu. Horretarako paisaia estetiko,
dramatiko eta gehiegizkoaren ele-
mentu bizigabeak aldatu eta bizi,
edo alderantziz, hilzorian dauden
pertsona edo animaliak erakusten
dituzten konposizio nabarrak sor­
tzen ditu. Hauek naturaren parte
izatera pasatzen dira, eta era bere-
an, ahanz­turarena; horrela bizirik
edo hilik dagoenaren ikuspuntu tra-
dizionala zalantzan jarri eta natura
mugagabearen aurrean gizakiaren
harrokeria kritikatzen da, bizitzan
dugun ibilbidearen iraungikortasu-
na eta hutsalkeria eta inguratzen
gaituen guztiaren jabe pentsatzea-
ren irrigarritasuna azalduz.
Ander Garitacelaya Arte Ederretan
lizentziatua da EHUn eta Irakas­
lekorako Formakuntza Masterra
burutu zuen VIUn. Grafika lantzen
du, bere produkzioa marrazkia eta
grabatua, eta nobela grafikoa beza-
lako eremu­etan ardaztuz; 2018. ur-
tean BilbaoArteko Kolaborazio beka
jaso­tzen du. Azpimarragarriak dira
Open Portfolio 2018, Nazioarteko
Grabatu Jaialdia (Bilbo, 2018) edo I
Festival de la Mar (Castro Urdiales,
2018) taldekako erakusketetan izan-
dako partaidetza.
Con el proyecto Kantauri el artista
trata de transmitir una visión perso-
nal de una serie de emplazamientos
de la costa cantábrica con las que
mantiene un vínculo íntimo y es-
pecial, y que utiliza como referen-
cia para cuestionarse una serie de
ideas. Valiéndose de los medios del
grabado en cobre y el dibujo, utiliza
un lenguaje artístico inspirado en el
surrealismo, el animismo y el arte
japonés.
A través de sus estampas y dibujos, el
artista muestra su inquietud acerca
de conceptos como la vida y la muer-
te, el olvido a través del tiempo o el
sentimiento humano de pertenencia
o posesión de los lugares. Para ello
realiza composiciones abigarradas
en las que los elementos inertes del
paisaje estético, dramático y exage-
rado, mutan y cobran vida, o, por
el contrario, en donde se muestran
personas o animales al borde de la
muerte. Estos pasan a formar parte
de la propia naturaleza y, al mismo
tiempo, del olvido; se cuestiona así la
tradicional visión de qué está vivo y
qué está muerto, y critica la vanidad
humana frente la inmensa naturale-
za, mostrando lo efímero e insigni-
ficante de nuestro paso por la vida
y lo ridículo que supone el creernos
los dueños de todo lo que nos rodea.
Ander Garitacelaya es licenciado
en Bellas Artes por la UPV y Máster
en Formación del Profesorado por la
VIU. Trabaja la gráfica, centrando su
producción en el dibujo y el grabado,
y otros campos como la novela grá-
fica; en 2018 disfruta la Beca de Co-
laboración de Bilbaoarte. Destaca su
participación en exposiciones colec-
tivas como la “Open Portfolio” 2018,
del Festival Internacional de Graba-
do, (Bilbao, 2018), y en el I Festival de
la Mar (Castro Urdiales, 2018).
Ander Garitacelaya
Bilbao, 1990
With his Kantauri project, the artist
attempts to convey a personal vision
of a series of locations on the Can-
tabrian coast with which he main-
tains an intimate and special bond,
and which he uses as a reference
to question a series of ideas. Using
copper engraving and drawing me-
dia, he uses an artistic language in-
spired by surrealism, animism and
Japanese art.
Through his prints and drawings, the
artist shows his concern about con-
cepts such as life and death, oblivion
through time and the human feelings
of belonging to or owning places. For
this, he creates clashing composi-
tions in which the inert elements of
the aesthetic, dramatic and exagger-
ated landscape change and come to
life or, on the contrary, where people
or animals are shown on the verge of
death. These become part of nature
itself and, at the same time, of obliv-
ion; the traditional vision of what is
alive and what is dead is questioned.
It is a critique of human vanity at the
inmensity of nature, showing the
ephemeral and insignificant nature
of our passage through life and the
ridiculousness of considering our-
selves to be the owners of everything
that surrounds us.
Ander Garitacelaya graduated in
Fine Arts at the UPV and has a Mas-
ter’s in Teacher Training by VIU. He
focuses on visual art, specifically on
drawing and engraving, and other
fields such as graphic novels; in 2018
he received a collaboration grant
from BilbaoArte.
He has participated in collective ex-
hibitions such as “Open Portfolio”
2018, Festival Internacional de Gra-
bado (Bilbao 2018) and Festival de la
Mar (Casto Urdiales 2018).
59
La gran ola del monte Cerredo, 2018 Invierno en el puerto, 2018 Metamorfosis, 2018 Ogoño duerme en Laga, 2018
Akuaforte eta urtinta Akuaforte eta urtinta Urtinta eta leungailua Akuaforte eta urtinta
Aguafuerte y aguatinta Aguafuerte y aguatinta Aguatinta y bruñidor Aguafuerte y aguatinta
29 x 41 cm 29 x 41 cm 22,5 x 29 cm 20 x 41,5 cm

Eszenen eraldaketa eta lanketak ikus-
lea mundu ilun batean integratzen
dute, orainari erregutzen dion ames-
gaizto postapokaliptikoa. Distopiaren
eszenaratzea baino egungo histo-
riaren isla diren lekuak. Zalantzazkoa,
eta era berean misterioz beteriko
mundu batean ezartzen gaituzten
arkitektura mingarriak, non ahots
kritikoak, nahiz eta orain aldenduak,
eraitsitako hormetan betikotzen di-
ren, hondakinen artean berpizteko
itxaropenarekin. Ez da gizakiaren
arrastorik, nahiz eta honen aztarna
nabari dugun. Inor bizi ez den es-
pazio hauetan ez publizitateak eta
ez hormetako pintaketek ez dute
inongo presentziarik antzematen, ez
gizati­arra ez animalia —ikuslearena
izan ezik—. Logosa, antzinako grezia­
rrek utzitako arrazoibidea, gizarte
garaikideek erakusten duten hutsal-
tasunarekin desberdintzen da. Pen­
tsamendu filosofiko humanista eta
ilustratuaren oinordekoak gara nahiz
eta gure gizarteek neoliberalismo po-
litiko, ekonomiko eta sexualerantz jo
duten. Beldurra indargabetu eta erre-
pikatzen den diskurtso bat entzuten
duen gizarte batean mehatxu ekono-
miko-politikoa da. Hala eta guztiz ere
agian logosa itxaropenerako zirrikitu
bat edo soilik itsaslaminaren-kanta
bat izango da, kronika globalek euren
espazio fantasmagorikoak erakusten
dituzten dramagintzarako antzeztoki
honetan, naturak espazioaren zati
bat berreskuratzen hasi dela dirudien
lekuan.
Leticia Gaspar García doktoregaia
da EHUn eta ikerketa talde batekin ko-
laboratzen du, pinturarekin uztartzen
dituen jarduerak. BilbaoArte egoitza
beka (2018) eta Bizkaiko Foru aldundi-
ko beka (2015) jaso ditu, sari ezberdi-
nekin batera: Cerveirako XX. Nazioar-
teko arte biurtekoa (2018, eskuratze
saria); XLIX “Ciudad de Tomelloso”
pintura eta marrazki lehiaketa (2017,
eskuratze saria); 2017ko XLVIII Alcalá
Hiriko Arte Bisualen lehiaketako 1go
saria.
Leticia Gaspar García
La transformación y la elaboración de
escenas integran al espectador en un
mundo oscuro, pesadilla postapoca-
líptica que apela al presente. Lugares
que lejos de ser escenificación de la
distopía, son reflejo de la historia pre-
sente. Arquitecturas desoladas que
nos posicionan en un mundo incier-
to y a la vez lleno de misterio, en el
que las voces críticas, aunque ahora
ausentes, se perpetúan en los muros
derruidos, acaso con la esperanza de
renacer entre los escombros. No hay
rastro de presencia humana aunque
sí advertimos su huella. En estos es-
pacios despoblados ni la publicidad ni
las pintadas sobre los muros parecen
captar ninguna presencia, ni humana
ni animal —salvo la del espectador—.
El logos, el razonamiento legado por
los antiguos griegos, contrasta con
la inconsistencia que demuestran las
sociedades contemporáneas. Somos
herederos del pensamiento filosófico
humanista e ilustrado aunque nues-
tras sociedades han derivado hacia
el neoliberalismo político, económico,
sexual. El miedo es la amenaza eco-
nómico-política en una sociedad que
decae y escucha el mismo discurso
repetitivo. Con todo, quizá el logos
sea, después de todo, un resquicio de
esperanza o simplemente un canto
de sirena en este escenario drama-
túrgico en el que las crónicas globales
muestran sus espacios fantasmagó-
ricos, donde la naturaleza parece co-
menzar a reclamar parte del espacio.
Leticia Gaspar García es doctoranda
por la UPV/EHU y colabora en un gru-
po de investigación, actividades que
compagina con la pintura. Ha recibi-
do la beca de residente en BilbaoArte
(2018) y la de la  Diputación Foral de
Bizkaia (2015). Así como diferentes
premios: XX Bienal internacional de
arte de Cerveira (2018 adquisición);
XLIX Concurso de Pintura y Dibujo
“Ciudad de Tomelloso” (2017 adquisi-
ción); 1º Premio XLVIII Premio Ciudad
de Alcalá Artes Visuales 2017.
Bilbao, 1982
The transformation and production of
scenes integrate the audience into a
dark world, a post-apocalyptic night-
mare that calls for the present. Places
that, far from being a dramatization
of dystopia, are reflections of current
history. Desolate architectures po-
sition us in a world that is uncertain
and, at the same time, full of mystery.
In this world, critical voices, though
now absent, are preserved within
the ruined walls, maybe hoping to be
reborn from the rubble. There is no
trace of human presence although we
do notice its footprint. In these aban-
doned spaces neither the advertisings
nor the paintings on the walls seem to
capture any presence, neither human
nor animal —except for the viewer—.
Logos, a reasoning legacy of the An-
cient Greeks, contrasts with the incon-
sistency shown by contemporary so-
cieties. We are heirs of humanist and
enlightened philosophical thought,
although our societies have moved
towards political, economic, sexual
neoliberalism. Fear is the econo­mic-
political threat in a society that decays
and listens to the same repetitive dis-
course. However, perhaps the logo is,
after all, a glimpse of hope or just a
siren song in this dramaturgical sce-
nario. There, global chronicles show
their dreamlike spaces where nature
seems to have started claiming part
of the space.
Leticia Gaspar García is a PhD can-
didate at UPV/EHU and collaborates
in a research group, activities that
she combines with painting. She has
received residency grants from Bil-
baoArte (2018) and the Provincial
Council of Bizkaia (2015). She is also
the recipient of various awards: XX Bi-
enal internacional de arte de Cervei-
ra (2018); XLIX Painting and Drawing
Competition “Ciudad de Tomelloso”
(2018); 1st Prize XLVIII City of Alcalá
Visual Arts Award 2017.
63
Aurreko orria | Página anterior
Babel, 2018
Akrilikoa loneta gainean
Acrílico sobre loneta
70 x 150 cm
Home, 2018 Lunaticus, 2018
Akrilikoa loneta gainean Akrilikoa loneta gainean
Acrílico sobre loneta Acrílico sobre loneta
150 x 140 cm 150 x 140 cm

Crossed By mugak oszilatzen duen
momentuan honen mugimendua
atzemateko ariketa bat da, hau ma-
terial sinboliko bezala harrapatuz.
Urtean bi aldiz, urtarrilak 31 eta
uztailak 31ko gauerdietan, Faisaien
uharteak Espainia eta Frantziaren
artean jurisdikzioa aldatzen du. Bi-
dasoa ibaiaren erdian kokatzen den
jabekidetza hau muga mugitu eta
honen ibilbidea urtero aldatzen den
munduko toki bakarra da. Crossed
by proiektuak momentu honetaz ba-
liatzen da muga atzeman eta hau ar-
tearen artikulazioaren bitartez arte
garaikideko artelanen artean gil­
tzaperatzeko. Lehen ekintzan Oier
Gil mugak gainditua izan zen. Inor
bizi ez den uharte honetara bakarrik
heldu zen urtarrilak 31ko gauerdi
hotzean, jabekidetzak jurisdikzioa
aldatzen duen momentu zehatzean
bertan egoteko. Momentu jakin
horretan Faisaien uhartean zegoe-
la, Gilek muga gainditu beharrean,
muga izan zen mugitzerakoan ar-
tista gainditu zuena. Bigarren arte-
lanak mugako linearen oszilazioa
argazkiaren bitartez atzematen du,
uhartea oraindik Frantziako jabe­
tza zuela obturadorea zabalduz eta
Espainiako jabetza izatera pasa zen
momentuan hau itxiz. Argazkiak
mugaren mugimenduan kameraren
memoria txartelean harrapatu zuen.
Proiektuaren hirugarren eta azken
lanean, mugen arteko materia bat
sortu zen, mugaren linea sinbolikoa
fisiko bihurtu eta artistak prozedura
industrial baten bitartez pellet ba-
tean gorde zuena.
Oier Gil Zapirain Arte Ederretan
Lizentziatua da EHUan eta Pompeu
Fabra Unibertsitateko Arte Digita-
len masterra burutu zuen. Artista
kritikoa eta kontzeptuala, bideo eta
argazkiarekin lan egiten du. Azken
aldian mugen inguruko ikerke-
tan ardaztu du bere lana. 2018an
BilbaoArteko produkzio beka eta
2017ko Ribera beka jaso ditu. Bere
lana, besteak beste, Artium museoa,
TEA Tenerife espazio de las Artes,
BBVA Fundazioa eta INJUVEko Ama-
dis aretoan erakutsia izan da.
Crossed By es un ejercicio de atrapar
el movimiento de la frontera cuando
esta oscila y apresarla en material
simbólico. Dos veces cada año, el 31
de enero y 31 de julio a medianoche,
la isla de los Faisanes cambia de ju-
risdicción entre España y Francia.
Este condominio, ubicado en el cen-
tro del río Bidasoa, es el único lugar
del mundo donde la línea de la fron-
tera se mueve y cambia su trazado
anualmente. El proyecto Crossed By
aprovecha este instante para cazar
y encerrar la frontera en obras de
arte contemporáneo a través de la
articulación artística. En la primera
acción, Oier Gil fue atravesado por
la frontera. Alcanzó la inhabitada isla
en solitario, en la helada medianoche
del 31 de enero para estar presente
en el momento exacto en el que el
condominio cambia de jurisdicción.
Estando en la isla de los Faisanes en
ese momento concreto, en vez de
Gil cruzar la frontera, fue la frontera
quien al moverse atravesó al artista.
La segunda obra atrapa la oscila-
ción de la línea fronteriza mediante
la fotografía. Abriendo el obturador
cuando la isla pertenecía a Francia y
cerrándola cuando esta pasó a ser
España, la captura fotográfica ence-
rró el movimiento de la línea fronte-
riza en la tarjeta de memoria de la cá-
mara. En la tercera y última obra del
proyecto, se creó una materia trans-
fronteriza, convirtiendo en físico la
símbolica línea de la frontera que el
artista encerró en pellet mediante un
procedimiento industrial.
Oier Gil Zapirain Es licenciado en
Bellas Artes por la UPV/EHU y máster
en Artes Digitales en la Univ. Pompeu
Fabra. Artista crítico y conceptual,
trabaja con técnicas como el vídeo
y la fotografía. Últimamente centra
su trabajo en la investigación acerca
de las fronteras. Ha recibido la beca
de producción de Bilbaoarte en 2018
y la beca Ribera 2017. Ha expuesto
su trabajo en el museo Artium, TEA
Tenerife espacio de las artes, Funda-
ción BBVA y la sala Amadís de INJUVE,
entre otros.
Oier Gil Zapirain
Irun, 1990
oiergil.com
Crossed By is an act of trapping a
border’s movement when it oscil-
lates, and of imprisoning it in sym-
bolic material. Twice a year, at mid-
night on January 31st and July 31st,
the island known as Pheasant Island
switches jurisdiction between Spain
and France. This condominium, loca-
ted in the middle of Bidasoa river, is
the only place in the world in which
the border moves and switches its
outline annually. The project grabs
this chance and hunts and traps the
border in works of contemporary art
through artistic articulation. During
Oier Gil’s first action, the border
went through the artist. He reached
the uninhabited island by himself, on
a freezing night on January 31st, at
midnight, so as to be present at the
exact moment in which the condo-
minium changed jurisdiction. Being
on Pheasant Island at that specific
time, Gil did not cross the border;
instead, the border went through
him as it moved. The second work
traps the oscillation of the border-
line though photography. Opening
the camera shutter when the island
belonged to France and shutting it
when it becomes Spain, the snaps-
hot trapped the movement of the
borderline inside the camera’s me-
mory card. In the project’s third and
last piece, a cross-border material
was created, turning the borderline
from symbolic into physical, which
the artist locked inside pellets by
means of an industrial process.
Oier Gil Zapirain holds a bachelor’s
degree in Fine Art by the Univer-
sity of the Basque Country and an
MA in Digital Art by Pompeu Fabra
university. As a critical and concept
artist, he works in media such as vi-
deo and photography. Recently he
has been focusing his work on rese-
arch around borders. He has been
award­ed a 2018 BilbaoArte produc-
tion grant and 2017 Ribera grant.
He has exhibited his work at Artium
museum, TEA Tenerife espacio de
las artes, BBVA Foundation and IN-
JUVE’s Amadís room, among others.
67

Esku azpian iltzatua daramat zure
izena, sakontasun biziz, inork ez
dezake jada aditu. Han ba­rru-
barruan, kakanarru eta kontingen-
te, posible izatera jolasten duzu.
Nire keinu traketsenetatik sartu
egiten zara, abisu eman barik. Ez-
jakintasunaren jakinean nolabait,
mugatzen zaitut libre izan zai-
tezen: Gaur adierazteari egiozu uko.
Ezbeharren ilunabarrean gertatu
zen dena, onartezin zaidan aldea
altxatu zitzaizun jaiotzeko keinu
bezala egiten, pisua galtzen ze-
nuen heinean. Orduantxe hasi zi-
ren dantzan bion suzko mingainak,
hildakoen iragatearen antzera. Ha-
sierara heldu ginen.
Nor naiz ni, ba, egiteko ala ez egi-
teko? Zurea da nire desordena-
menduaren errua. Halakoa zara,
dena eskaintzen duzu. Guk beti
dena. Behin eta berriro. Gaia beti
da berdina, zenbat aldiz eror dai-
teke aingeru bat? Hauxe da, gu; es-
timan zauria, urradura bat; holan
elkar ukitzea.
Zer duzu? Argi esan: bakarrik sen-
tizen zara mundu ulertuan. Jada
inor ez da zutaz oroitzen, tristezia
soilik. Ez al duzu inoiz bukatuko?
Hator! Su emadazu!
Borja Gómez Diez Arte Ederretan
graduatua Euskal Herriko Uniber­
tsitatean, Gradu Amaierako Sari
Berezia jaso zuen 2015ean. 2017an
Pintura Masterra bukatu zuen uni-
bertsitate berean eta La Cour des
Arts egoitza programan parte har-
tu zuen, Saint-Rémy-de-Provencen.
Bere lana bakarka erakutsi du Ger-
nikako Elai-Alai aretoan “DU-DA”
erakusketan (2017). Talde erakus-
keta aipagarrienen artean aurkitzen
dira: “Iritziak” eta “Saiaketak” Xabier
Sáenz de Gorbearen komisariotzaz,
Sanz Enea Kultur Etxean (Zarautz,
2014) eta Windsor Kulturgintzan (Bil-
bao, 2014); eta “Oculta oculta dulce
dulce ríe” Naratan (Bilbao, 2018).
Llevo en el revés de la mano clava-
do tu nombre, tan profundo que
ya nadie puede oírlo. Allá al fondo
pequeña y contingente juegas a ser
posible.
Te cuelas por mis gestos más tor-
pes, sin dar aviso. En una especie
de entender no entendiendo, te
pongo límites para que seas libre:
Hoy debes renunciar a dar cuenta.
Todo ocurrió como por accidente
aquella noche. Se levantó una parte
inasumible de mí, mientras tú ibas
liberándote del peso. Pude ver en-
tonces como vuestras lenguas de
llama se entrelazaban de la manera
en que discurren los muertos. Lle-
gamos al final desde donde empe-
zamos.
Quién soy yo, pues, para hacer o no
hacer si fuiste tú quien hizo mi con-
ducta desordenada. ¿Qué te pensa-
bas? Eres así, lo das todo. Nosotros
siempre todo. Una y otra vez. El
tema es siempre el mismo, ¿cuán-
tas veces cae un ángel? Es esto, lo
nuestro; un sentimiento herido, un
desgarro; es tocarnos así.
¿Que te pasa? Dímelo claro: te sien-
tes sola en el mundo interpretado.
Ya nadie se acuerda de ti, sólo la
tristeza. ¿No piensas acabar nunca?
¡Ven! ¡Préndeme fuego!
Borja Gómez Diez graduado en
Arte por la Universidad del País
Vasco, obtiene el Premio Extraor-
dinario de Fin de Carrera en 2015.
En 2017 completa allí un Master en
Pintura y participa en el programa
de residencias de La Cour des Arts
en Saint-Rémy-de-Provence. Ha ex-
puesto su trabajo individualmente
en la sala Elai-Alai de Gernika con
“DU-DA” en 2017. Ha participado en
varias exposiciones colectivas, entre
las que destacan: “Iritziak” y “Saiake-
tak”, comisariadas por Xabier Sáenz
de Gorbea en Sanz Enea Kultur Etxea,
Zarautz y en Windsor Kulturgintza,
Bilbao (2014); y “Oculta oculta dulce
dulce ríe” en Narata (2018).
Borja Gómez Diez
Sestao, 1993
I carry your name nailed in the back
of my hand, so deep that it can no
longer be heard. There, at the bot-
tom small and contingent you play
with being possible.
You sneak in through my clumsiest
gestures, without prior notice nor
measure. And in a sort of under-
standing by not understanding, I set
the boundaries so that you can be
free: Today you must renounce giving
account.
That night everything happened as if
by chance. The hardest part of mine
to assume stood while you got rid of
your weight. Then I was able to see
your flaming tongues ignited into
the dance of the dead. We arrived to
the end where we start from.
Who am I to do or not? It was you
who made my nature wild. What
where you thinking? You are that
way, you give it all. We, always all.
Time and time again, the theme is
always the same, how many times
does an angel fall? It is that, what
is ours; a wounded feeling, a tear;
touching each other like this.
What’s wrong? Say it clear: you feel
lonely in the interpreted world. No
one remembers you any longer, but
sadness. Will you ever end?
Come! Set me on fire!
Borja Gómez Diez graduated with
honours in Fine Arts from the Uni-
versity of the Basque Country in
2015. In 2017 he finished his Mas-
ter’s Degree in Painting and was a
resident artist in La Cour des Arts,
Saint-Rémy-de-Provence. He has
shown his work in the solo exhibi-
tion “DU-DA” in Elai-Alai, Gernika
(2017). He has also participated in
various collective exhibitions, such
as “Iritziak” and “Saiaketak” cu-
rated by Xabier Sáenz de Gorbea
respectively in Sanz Enea Kultur
Etxea, (Zarautz, 2014), and Windsor
Kulturgintza, (Bilbao, 2014); and
“Oculta oculta dulce dulce ríe” in
Narata (Bilbao, 2018).
71

“Rojoultramar“ proiektuak india-
noen etxeetako palmerak hartzen
ditu behaketa objektu moduan,
“picudo rojo“ esaten zaion intsek-
tuaren izurritea dela eta mehatxu-
pean aurkitzen den sinbolo koloni-
ala. Intsektua Asiako hego-ekialdetik
dator, espezie inbaditzaile bezala ka-
talogatua eta Espainiara inmobi-
liarien“ boom“a deituriko garaian
ekarritakoa. Momentu historiko ez-
berdinetan nahitaezko migrazioen
arteko lotura bilatuz, neokolonialis-
moaren deskribapen garaikide bat
azaltzen da. Sinboloen iraunaldia
paisaian eta kapitalismoaren jarrai-
tutasunen aurrean duten erantzu-
nek memoria, kultura eta identitate-
aren babesak aurre egin behar dien
erronka be­ rrien inguruan gogoeta
egiteko balio dute. Mapak, eskemak,
dokumentuak, ibilbideak edo ikerke-
ta botanikoek lineala ez den histo-
riaren kontakizun konplexu baten di-
seinua adierazten dute, mehatxuaren
irakurketa berri baten zirriborroa
egiteko abiapuntua. Pilatutako
artxibo bisuala zianotipiatik ikerketa
plastikorako material bilakatzen da,
proiektuarekin bi norabidetan lotzen
den argazkilaritza teknika analogi-
koa: historikoki, teknika hemeretzi-
garren mendekoa izanik, indianoen
migrazio-mugimenduen garaia, eta
sinbolikoki, migrazio eta komertzio
prozesuena, honen ultramar urdi-
naren kolore biziaren bitartez.
Rakel Gómez Vázquez Arte Ederre-
tan lizentziatua da eta INCREARTE
Masterra burutu zuen EHUan. Bere
formakuntza Florentziako Academia
de Belli Arti eta Buenos Airesko Di
Tella Unibertsitatean osatu du. Gaur
egun bere doktore tesia idazten ari
da EHUan eta bertan irakaslea da.
Sorkuntza beka eta sari ezberdinak
lortu ditu: Bizkaiko Foru Aldundiko
arte plastikoen beka, Eremuak edo
Etxepare. Bere produkzioak sor-
kuntza ikerketa bezala ulertzen du
eta hedatzen den dokumentazio
baten moduan artikulatzen da. Pai-
saia kultura eratze baten modura
esploratzen du, memoria eta identi-
tatearen arazo politiko eta sozialak
irudikatzen dituena.
Rakel Gómez Vázquez
El proyecto “Rojoultramar” toma
como objeto de observación las
palmeras de las casas indianas, un
símbolo colonial que está amena-
zado por el avance de la plaga del
picudo rojo. Insecto originario del
sudeste asiático, catalogado como
especie invasora y traído a España
en la época del boom inmobiliario.
Buscando la conexión entre mi-
graciones forzosas en momentos
históricos distintos, exponemos un
retrato contemporáneo de la neo-
colonialidad. La vigencia de sím-
bolos en el paisaje y su respuesta
a las continuidades del capitalismo
sirven para reflexionar sobre los
nuevos retos a los que se enfrenta
la preservación de la memoria, la
cultura y la identidad. Mapas, es-
quemas, documentos, rutas y estu-
dios botánicos significan el comple-
jo diseño de un relato no lineal de la
Historia desde el que esbozar una
relectura de esta amenaza. El archi-
vo visual acumulado se convierte
en material para una investigación
plástica desde la cianotipia, técnica
de fotografía analógica que se vin-
cula al proyecto en dos direcciones:
históricamente, al tratarse de una
técnica decimonónica, época del
movimiento migratorio indiano, y
simbólicamente, a través de su in-
tenso color azul ultramar, a los pro-
cesos migratorios y comerciales.
Rakel Gómez Vázquez es licen-
ciada en Bellas Artes y Master en
INCREARTE por la UPV/EHU. Ha
completado su formación en la
Academia de Belli Arti de Florencia
y la Universidad Di Tella de Buenos
Aires. Actualmente está escribien-
do su tesis doctoral y es profesora
en la UPV/EHU. Ha recibido be-
cas y premios a la creación como:
Beca de artes plásticas Diputación
foral de Bizkaia, Eremuak o Etxe-
pare. Su producción entiende la
creación como investigación y se
articula como una documentación
expandida. Explora el paisaje como
construcción cultural, que retrata
problemáticas político-sociales de
memoria e identidad.
Bilbao, 1982
rakelgomezvazquez.com
The “Rojoultramar” project takes as
its object of analysis the palm trees
of the Indiano houses, a colonial
symbol that is under threat by the
advance of the red weevil plague.
Originally from Southeast Asia and
labelled as an invasive species, the
insect was brought to Spain at the
time of the real estate boom. Look-
ing for the connection between
forced migrations in different his-
torical moments, we present a con-
temporary portrait of Neo-colonial-
ism. The validity of the symbols in
the landscape and its response to
the continuities of capitalism serves
to reflect on the new challenges
faced by the preservation of mem-
ory, culture and identity. Maps,
drawings, documents, routes and
botanical studies demonstrate the
complex design of a non-linear nar-
rative of history, and this outlines
a re-reading of this threat. The ac-
cumulated visual archive becomes
a material for visual investigation
from cyanotype, an analogue pho-
tography technique, which is linked
to the project in two directions: his-
torically, being a nineteenth centu-
ry technique, period of the Indiano
migration movement, and symbol-
ically, through its intense ultrama-
rine colour, to migratory and com-
mercial processes.
Rakel Gómez Vázquez has a Bache-
lor’s Degree in Fine Arts and a Mas-
ter’s Degree in Research and Cre-
ation (INCREARTE) from UPV/EHU.
She has completed her training in
la Academia de Belli Arti of Florence
and la Universidad Di Tella, Buenos
Aires. Currently, she is writing her
PhD thesis and is a lecturer at the
UPV/EHU. She has received grants
and awards to creativity such as
Visual Arts Grant from the Region-
al Council of Bizkaia, Eremuak and
Etxepare. Her production considers
creation as research, and it is artic-
ulated as extended documentation.
She explores the landscape as a
cultural construction that portrays
socio-political problems of memory
and identity.
75
Laborategi-mahaia, instalazioa. 240 x 90 cm. Open Studio 2018 Mesa laboratorio, instalación. 240 x 90 cm. Open studio 2018
Zianotipia froga-liburua, ohar eta marrazki koadernoak, artxiboen dokumentazioa eta behaketarako objektuak Libro de pruebas de cianotipias, cuadernos de notas y dibujos, documentación de archivos y objetos de observación
Indianoen argazki eta negatiboak eta “picudo rojo” larven kapuluak metamorfosiaren ostean eklosionatuak Fotografias y negativos de indianos, capullos de larvas de picudo rojo eclosionados tras la metamorfosis

Pinturaren istorio bat Bilbon 8 ba­
rruti, 39 auzo, 872 kale, 6 hilabete,
artxibo 1, 2 hanka eta mapa 1en bi-
dez artistak Bilboko kaleen ba­rrena
dabilen bitartean egiten duen kon-
takizunaren titulu esplizitu eta ar-
gia da. Planoa eskuan duela, ba-
nan banan, barrutiz barruti, auzoz
auzo, eta pintatutako eraikuntzen
kolore laginak jasoz, kalean bertan,
lehenik ibilbide horretatik artxibo
zehatz bat garatu eta jarraian hi-
riaren mapa kromatiko bat sortuz.
Bide batez, ibilbidea eta ibiltzearen
ekintza bera hiriaren inguruko iker-
keta bat gordetzen duen joko baten
moduan, hiria ikusteko, bisitatzeko
edo turistikoa den inguru bezala,
souvenir, objektu bisual edo iru-
di batean bihurgarria. Guzti ibili
eta begiratutako hiria. Istorio hau
Bilboko hiriaren 2018ko istorio ez-
berdin naiz zehatza da, zenbaki eta
kolore bitartez kontatutakoa, zienti-
fikoa, egiazkoa eta era berean be­
rriz ibiliaz antola daitekeen tipolo-
gia duten taldetan eratua. Ibiltzean
dago gakoa.
Raúl Hevia DEA tituluduna da Ar-
tearen Historian Oviedoko Uniber­
tsitatean. Argazkia, instalazioa edo
liburua bezalako diziplinetan lan
egiten du, kutsatu eta, nahi ala ez
edo jakin ala ez, guztiok itxura ber-
dina edukitzea bultzatzen gaituz-
ten erreprodukzio eta errepikapen
mekanismoak ikertzen ditu. Azken
urtetan artista egoiliarra izan da
Lisboako Carpe Diem, Santander-
ko Cabo Mayor Arte Zentroan eta
1646en, Hagan. Inoiz ez du maita-
sun handia sentitzen ez duen ezer
egiten.
Una historia de la pintura en Bilbao a
través de 8 distritos, 39 barrios, 872
calles, 6 meses, 1 archivo, 2 piernas y
1 mapa es el título explícito y claro
de un relato que se realiza a medi-
da que el artista va recorriendo las
calles de la ciudad de Bilbao, plano
en mano, una a una, distrito a dis-
trito, barrio a barrio, y recogiendo
muestras de color de los edificios
pintados, a pie de calle, para ela-
borar desde ese itinerario un archi-
vo exhaustivo primero y luego un
mapa cromático de toda la ciudad
y plantear, de paso, el recorrido
y el acto de andar como un juego
detrás del que se encuentra una
investigación sobre la ciudad como
entorno mirable, visitable, turístico
y susceptible de convertirse en sou-
venir, en objeto visual o en imagen.
Una ciudad andada entera y vista
entera. Esta historia es una historia
de la ciudad de Bilbao en 2018 rigu-
rosa pero diferente, contada en nú-
meros y en colores, organizada en
grupos cuya tipología es científica,
veraz y al mismo tiempo suscepti-
ble de reorganizarse a medida que
se vuelva a andar. Andar es la clave.
Raúl Hevia es DEA en Historia del
Arte por la Universidad de Oviedo.
Trabaja con distintas disciplinas
como la fotografía, la instalación
o el libro, donde investiga los me-
canismos de reproducción y de re-
petición que nos contaminan y que
hacen que todos nos parezcamos
tanto, lo queramos o no, lo sepa-
mos o no. En los últimos años ha
sido artista en residencia en Carpe
Diem, Lisboa, Centro de Arte Cabo
Mayor, Santander y en 1646, en La
Haya. No realiza nunca nada por lo
que no sienta un gran afecto.
Raúl Hevia
Oviedo, 1965
A history of paint in Bilbao across 8
districts, 39 neighbourhoods, 872
streets, 6 months, 1 archive, 2 legs
and 1 map is the clear, explicit title
given to a story shaped as the art-
ist walks around the streets of the
city of Bilbao, map in hand, one by
one, district by district, neighbour-
hood by neighbourhood. The artist
gathers colour samples from the
painted buildings at street level,
primarily to produce a comprehen-
sive archive from that path. Then a
chromatic map of the whole city is
created while he reflects on the act
of walking as a game with a certain
background: the research of the
city as a “lookable”, visitable, tour-
istic environment, able to turn into
souvenir, visual object or image. A
city is walked and seen whole. This
story is a precise but different his-
tory of the city of Bilbao in 2018,
which is told in numbers and col-
ours, organized in groups whose
typology is scientific, accurate, and
at the same time, capable of being
reorganized once you start walking
again. Walking is the key.
Raúl Hevia has a MAS degree in
History of Art from the University of
Oviedo. He works in different disci-
plines such as photography, instal-
lation, and bookmaking, in which
he researches the reproduction
and repetition mechanisms that
contaminate us and make us all
look alike, whether we like it or not,
whether we know it or not. In re-
cent years, he has been artist in res-
idence at Carpe Diem, Lisbon; Cen-
tro de Arte Cabo Mayor, Santander
and at 1646, in The Hague. He never
makes anything he does not feel a
deep affection for.
79
 Una historia de la pintura en Bilbao a través de 8 distritos,­
39 barrios, 872 calles, 6 meses, 1 archivo, 2 piernas y 1 mapa, 2018
Instalazioa, argazkia eta mapa | Instalación, fotografía y mapa
Neurri aldakorrak | Medidas variables

Babel-18 hizkuntza ez-hegemonikoen
biziraupena espazio-esplorazio etor-
kizun batean frogatzeko asmoz bu-
ruratuako zientzia fikzio-ariketa bat
da, emozioak eta geopolitika korapi-
latzen dituzten hariak agerian jartzen
dituen tramankulu bilakatua. Samu-
el Delany idazle estatubatuarraren
Babel-17 eleberritik sortzen da ideia:
1966an Delanyk etorkizun urruti bat
asmatu zuen zeinean pertsonaiek
euskaraz egiten duten arrisku mi-
sioetan. Honek inspiratua, artista
museoaren egitura tradizionalaz ba-
liatzen da fizkzioak osatzeko biharko
aztarnak izango balira bezala ekoiz­
tuta dauden objektuen inguruan.
Beraz, BilbaoArteko kideek marratu-
tako metakrilato bat Bilbo-Marte ferry
baten komuneko ispilu hondatuta da;
beste plastiko arrosa Zorrotzaurretik
Asteroide Gerrikora lekuz aldatu den
metal astun lantegi baten sartze txar-
telak dira; edo kasete batzuek orbi-
tan dagoen zinemagile somali baten
eguneroko bizitza daramate, bere
familiak Lurran bergrabatuak.
Objektu bakoitzaren atzean badago
kolaborazio-prozesu bat, bai itxuran
bai funtsan, artistaren eta berari ger-
tu diren hiztunen artean. Prozesu
honen heinean hainbat galdera egin
zituzten; hots, hizkuntza eta bere
purutasuna, mekanografia internet
garaian, nazio-estatuaren gainbehe-
ra eta transnazionalismoa. Honela,
ikusgai jarrita dauden artefaktuak
—telebista eta kitschen eraginak
azaltzen dituztenak— alderantzizko
denbora-kapsula bilakatzen dira,
zein­etan artistak eta bere kolabo-
ratzaileek oroipenak uzten dituzten,
baita haien neurrietara etorkizuna
kutsatzeko gaitasuna daukaten bes­
te easter egg sinbolikoak ere.
Arrate Hidalgok ingeles filologia
ikasi zuen Deustuko Unibertsitatean
eta Erdi-Aroko literaturan espezializa-
tu zen Leedsen. 2014. urtetik zientzia
fikzio feminista argitaratzen du. Itzul-
tzaile, idazle eta kultura-kudeatzaile
gisa, pentsaera espekulatiboa sustat-
zen du askapenarekiko tresnatzat.
Bere lehenengo arte erakusketa Bil-
baoArteko Ateak Zabalik 2018 da.
Babel-18 es un ejercicio de ciencia
ficción ideado inicialmente como
demostración de la supervivencia
de lenguas no hegemónicas en un
futuro de exploración espacial y de-
venido artefacto visibilizador de los
hilos que entrelazan lo emocional y
lo geopolítico. Inspirada por la nove-
la Babel-17 del autor clave estadou-
nidense Samuel Delany, que en 1966
imaginó un futuro lejano en el que
los personajes hablaban euskera du-
rante misiones de riesgo, la artista se
sirve de la estructura tradicional del
museo para urdir ficciones alrededor
de objetos fabricados hoy como res-
tos del mañana.
Así, un metacrilato intervenido por
sus compañeros de BilbaoArte es
en realidad el castigado espejo del
lavabo de un ferry Bilbao-Marte,
mientras que el rosa fluorescente
son tarjetas de acceso a una fábrica
de metales pesados que pasó de Zo-
rrozaurre al Cinturón de Asteroides,
o unas cintas de cassette recogen un
día en la vida de un cineasta somalí
en órbita cuya voz ha regrabado su
familia en Tierra.
Detrás de cada objeto se halla un
proceso colaborativo en forma y
fondo entre la artista y diferentes
hablantes cercanos a ella, durante el
cual se plantearon cuestiones sobre
la lengua y su pureza, la mecanogra-
fía en tiempos de internet, la erosión
de la nación-estado y el transnacio-
nalismo. Los artefactos expuestos
—de obvias influencias televisivas y
kitsch— se convierten de este modo
en cápsulas del tiempo invertidas en
las que la artista y sus colaboradores
depositan recuerdos y otros simbóli-
cos “huevos de pascua” capaces de
contaminar el futuro a su medida.
Arrate Hidalgo estudió filología in-
glesa en la Universidad de Deusto y
se especializó en literatura medieval
en la Universidad de Leeds. Desde
2014 es editora de ciencia ficción fe-
minista y dedica su tiempo como tra-
ductora, escritora y gestora cultural a
promover el pensamiento especula-
tivo como herramienta para la libera-
ción. La jornada de Puertas Abiertas
2018 de BilbaoArte es su primera ex-
posición artística.
Arrate Hidalgo
Bilbao, 1987
Babel-18 is a science fiction exercise
devised initially as proof of the sur-
vival of non-hegemonic languages​​
in a future of space exploration,
which eventually became an artifact
rendering visible the threads that
intertwine the emotional and the
geopolitical. Inspired by Babel-17, a
novel by key US author Samuel De-
lany, who in 1966 imagined a distant
future in which the characters spoke
Basque during missions, the artist
uses the structure of the museum
to create fictions around objects
produced today as the remains of
tomorrow.
Thus, a methacrylate intervened by
fellow BilbaoArte residents is ac-
tually the vandalised mirror from
a Bilbao-Mars ferry sink, while the
fluorescent pink plastic are access
cards to a heavy metal factory that
moved from Zorrozaurre to the As-
teroid Belt, or cassette tapes cap-
ture a day in the life of a Somali film-
maker in orbit whose voice has been
­re-recorded by his family on Earth.
Behind each object there is a collab-
orative process in form and content
between the artist and different
speakers close to her, during which
questions were raised about the lan-
guage and its purity, typing in times
of the Internet, the erosion of the
nation-state and transnationalism.
The exposed artifacts —of obvious
television and kitsch influences—
become in this way inverted time
capsules in which the artist and her
collaborators deposit memories and
other symbolic “Easter eggs” capa-
ble of contaminating the future to
their measure.
Arrate Hidalgo studied English phi-
lology at the University of Deusto
and specialized in Medieval literature
at the University of Leeds. Since 2014,
she has been a feminist science fic-
tion editor and she devotes her time
as a translator, freelance writer, and
cultural manager to promote specu-
lative thinking as a tool for liberation.
BilbaoArte Open Doors 2018 is her
first art exhibition.
83
 “
The Eye spoke something ominous. Ordi-
narily the corporate could only converse
with the discorporate—and remember the
conversation—over special equipment.
Rydra solved the problem by immediately
translating whatever they spoke to her into
Basque before the weak synapses broke.
Though the original words were lost, the
translation remained: Those broken cir-
cuit plates weren’t your imagination, was
the gist of the Basque she retained.
[…]
Under the arch the Baron and Baroness
waited for her. As the Baroness took her
arm, the chamber orchestra on the dais fell
to their instruments.
“Come, we’re down this way.”
She kept near the puffy matron through
the people milling about the serpentine
table that curved and twisted back on it-
self.
“We’re over there.”
And the Basque message: Captain, on
your transcriber, something’s coming over
back on the ship. The small explosion in
her mind stopped her.
“Babel-17!”
The Baron turned to her. “Yes, Captain
Wong?” She watched uncertainty score
tense lines on his face.
“Is there any place in the yards with par-
ticularly important materials or research
going on that might be unguarded now?”

”
Samuel R. Delany, Babel-17 (1966)

Goian | Arriba Behean | Abajo

MEFESA metalurgikaren bulegoen Laserrez grabatu eta ebakitako
pantaila-argazkia (Google Maps) | metakrilatoa | Metacrilato grabado y Kasete zintak, DYMO etiketak |
Captura de pantalla de las oficinas de cortado al láser Cintas de cassette, etiquetas DYMO
la metalúrgica MEFESA (Google Maps) 45 x 85 mm 109 x 70 x 17 mm

“Blanco de España” tradizionalki
pintura artistikoan erabilitako mate-
rial bat da. Gaur egun, daukan balio
eskasagatik, eraikuntzako langileek
erabilia da kaleko ibiltariek lanean
ari diren lokalaren barrualdea ikus
ez dezaten. Hau da, erreminta —
piktoriko— moduan erabiltzen da
ikusmen dispositibo —erakusleiho—
baten gainean, era berean euskarria
dena. Inprobisatutako pintore honen
keinua lehen momentua balio artis­
tikorik ez duten sinbolo hauei balio
hau ematearen interesetik sortzen
den proiektuaren abiapuntua da.
Argazkilaritzaren praktikatik, ready­-
-made bat izango balitz bezala,
«pintore-­langile» honen teknika erre-
produzitzen du, artearen historia­
rekin loturak sortuz, amerikar es-
presionismo abstraktuaren keinu
bereizgarri batez jabetuz.
Ekintza honen bitartez, interes artis-
tikorik ez duena, langileak hauteman
daitekeenaren muga bat sortzen
du, lokalaren barruan aurkitzen den
erre­alitatea zentsuratuz. Momentu
honetatik aurrera, oinezkoen ikus-
mena mugatzen da, establezimen-
duaren ba­rrualdeko pertzepzioa
deu­seztatuz komunikaziorako xe-
derik ez duen trazu baten bitartez,
nahiz eta keinu abstraktu baten bi-
tartez errealitate berri bat proposa­
tzen duen, errepresentazioaren ideia
ezintasun bezala zalantzan jarriz.
Jorge Isla. Ikus-entzunezko komu-
nikazioa graduatua eta Arte Produk-
zioan Masterra (UPV). Besteak beste,
VEGAP beka eta MECDri esker Parisko
College d’Espagne arte egoitza lortu
ditu. Bere lana bakarka Valentziako
Naturaren Historia Museoan, Photo-
españa, Kir Royal Gallery, Kordobako
XV. Argazkilaritza biurtekoa, Antonio
Puyó galeria eta CentroCentro Cibele-
sen erakutsia izan da, hainbat taldeka-
ko erakusketekin batera.
“Blanco de España” es un mate-
rial empleado tradicionalmente en
pintura artística. En la actualidad,
debido a su escaso valor material,
es utilizado por los trabajadores de
la construcción para impedir que el
viandante vea el interior del local en
el que trabajan. Es decir, se usa como
una herramienta —pictórica— sobre
un dispositivo de visión —escapara-
te— que hace las veces de soporte.
El gesto de este improvisado pintor
es el detonante de un proyecto que
surge del interés por dotar a estos
símbolos del valor artístico del que
carecen en su momento primigenio.
A través de la práctica fotográfica,
como si de un ready-made se tratara,
reproduzco la técnica de ese «pintor-
trabajador», creando vínculos con la
historia del arte, apropiándome de
un gesto tan característico como es
el del expresionismo abstracto ame-
ricano.
Mediante esta intervención, que ca-
rece de inquietud artística, el opera-
rio crea una frontera perceptiva cen-
surando la realidad que se encuentra
en el interior del local. A partir de ese
momento, la visión de los peatones,
se ve limitada, cancelando la percep-
ción del interior del establecimiento
en reforma mediante un trazo que
carece de cualquier pretensión co-
municativa, pese a que propone una
nueva realidad a través de una gesto
abstracto, cuestionando la idea de
representación como imposibilidad.
Jorge Isla. Graduado en Comunica-
ción Audiovisual y Máster en Produc-
ción Artística por la UPV. Ha recibido,
entre otras, las becas VEGAP y la resi-
dencia en el College d’Espagne à Paris
gracias al MECD. Su obra ha sido ex-
puesta de forma individual en el Mu-
seo de Historia Natural de Valencia,
en Photoespaña, en Kir Royal Gallery,
en la XV Bienal de Fotografía de Cór-
doba, en la Galeria Antonia Puyó y en
­CentroCentro Cibeles, además de di-
versas muestras colectivas.
Jorge Isla
Huesca, 1992
jorgeisla.com
“Blanco de España” is a material tra-
ditionally used in artistic painting.
Currently, due to its limited materi-
al value, it is used by construction
workers to prevent pedestrians
from seeing inside of the premises
­where­ they work. That is, it is used
as a —pictorial— tool on a visual de-
vice —a shop window— that works
as a support.
The gesture of this improvising
painter is the trigger for a project
that arises from an interest in en-
dowing these symbols with the
artistic value they lack in their orig-
inal state. Through photographic
practice, as if it were a ready-made,
the artist produces a «painter-work-
er» technique, creating a link with
the history of art, appropriating a
gesture as characteristic as that of
American abstract expressionism.
By means of this intervention, which
lacks artistic concerns, the worker
creates a perceptive border by cen-
soring the reality that is found inside
the establishment. From that mo-
ment on, the pedestrians’ vision is
limited. This cancels the perception
of the establishment’s interior by a
stroke that lacks any communica-
tive intention despite suggesting a
new reality through an abstract ges-
ture that questions the idea of rep-
resentation as impossibility.
Jorge Isla graduated in Audiovisual
Communication and has a Master’s
degree in Artistic Production from
the UPV. He has received, among
others, the VEGAP grants, residence
in el College d’Espagne in Paris
thanks to MECD. His work has been
exhibited individually in el Museo de
Historia Natural de Valencia, in Pho-
toespaña, in Kir Royal Gallery, in XV
Photography Biennial of Córdoba, in
la Galeria Antonia Puyó and in Cen-
troCentro Cibeles, in addition to vari-
ous collective exhibitions.
87
I/B “Blanco de España” seriekoa, 2018 S/T de la serie “Blanco de España”, 2018
Binilo eta artxibo paper gaineko inpresio digitala, pinu egurra eta “blanco de España”. Neurri aldakorrak. Impresión digital sobre papel archivo y vinilo, madera de pino y blanco de España. Medidas variables.

Salir del surco al labrar la tierra.
“Etxe orratz baten bizitzaren bitar-
tez gizarte bihozgabe eta bakarti
baten muina deskribatu daiteke,
non pertsonak logela publikoetan
bizi diren eta kanpoaldea hain kon-
trakoa izanik ahal duena ez dela
inoiz etxetik ateratzen, eguneroko
beharrak laguntzaileen esku utziz.
Plazerra irudimenaren bidaietan
soilik bilatzen da, drogek suspertu-
tako ihes metaletan”. Viaggio al ter-
mine della città, Leonardo Lippolis,
2009.
Proiektu hau inguruko errealitatea-
rekin harreman zuzen eta primitibo
bat errekuperatzeko beharrarekin
sortzen da, non gure esperientziak
merkantzia bilakatu eta existentzia
kontsumo eta publizitate objektue-
kin nahastua aurkitzen den.
Subjektuaren abandonuak eta oi-
narrien ahultzeak plano etiko nahiz
estetikoan gauzak erakusten dizki-
gute, aribidean dagoen distopia
katastrofiko batekin jakitun garela,
kapital globalak sortutako honda-
kin garaikidea berehalakoa den
apokalipsi baten sinboloa delarik.
Gizakiak sortutako hondakinak, ez
denborak.
Eszenaratze bat egitea da Laga-
taren interesa, azken kurtsoan
egindako eta prozesuan dauden
hainbat lan biltzen dituen environ-
ment bat. Eguneroko bizitzaren ar-
tifizialtasuna eta esku-hartzearen
inguruko gogoeta egiteko helburu-
arekin, etxeko irudiaren eraikuntza-
tik abiatuz, bizi dugun testuinguru
post-mediatiko batean.
Christian Lagata. A SECASen, Ar-
tistas Andaluces de Ahora, CAAC
eta Luis Adelantadoko XIX CALLen
hautatua eta 2015ko Iniciarten pro-
dukzio beka baten irabazlea. Mi­
quel Casablancas 2018 saria, 20º Fo-
toPres La Caixako bigarren edizioan
eta PhotoEspaña 2016an finalista
izan da, azken honetan “Estatuko
argazkilaritza liburu hoberena“.
Salir del surco al labrar la tierra.
“A través de la vida de un rascacie-
los es posible describir el núcleo de
una sociedad despiadada y desierta,
donde las personas viven en dormi-
torios públicos y donde el exterior
es tan hostil que quien puede no
sale nunca de casa, delegando las
necesidades cotidianas a auxiliares.
El placer se busca únicamente en los
viajes de la imaginación, en huidas
mentales estimuladas por drogas.“
Viaggio al termine della città, Leonar-
do Lippolis, 2009
Este proyecto surge bajo la necesi-
dad de recuperar una relación más
directa y primitiva con la realidad
circundante, donde nuestras pro-
pias experiencias se convierten en
mercancía y en la que la existencia
se encuentra entremezclada con los
objetos de consumo y la publicidad.
El abandono del sujeto y el debili-
tamiento de los principios quieren
decirnos cosas tanto en el plano
ético como en el estético, siendo
conscientes de una distopía catas-
trófica en curso, en la que las ruinas
contemporáneas producidas por el
capital global es el símbolo de un
apocalipsis inminente. Ruinas pro-
ducidas no por el paso del tiempo
sino por el hombre.
El interés de Lagata es llevar a cabo
una puesta en escena, un environ-
ment en el que tienen cabida varios
trabajos realizados en el último cur-
so y en proceso. Con el objetivo de
generar una reflexión sobre la artifi-
cialidad y la mediatización de la vida
cotidiana, a partir de la construcción
de una imagen del hogar, en un con-
texto post-mediático como el que vi-
vimos.
Christian Lagata Seleccionado en
A SECAS. Artistas Andaluces de Aho-
ra, CAAC, en el XIX CALL de Luis Ade-
lantado Valencia y ganador de una
de las becas de producción Iniciarte
2015. Ha sido finalista del Premi Mi-
quel Casablancas 2018, de la segun-
da edición del 20º FotoPres La Caixa
y de PhotoEspaña 2016 “Mejor libro
de fotografía nacional”.
Christian Lagata
Jerez de la Frontera, 1986
Salir del surco al labrar la tierra.
“Throughout the life of a skyscrap-
er, it is possible to describe the core
of a ruthless and deserted society,
in which people live in public bed-
rooms and the outside is so hostile
that no one can leave the house,
delegating their daily needs onto
assistants. Pleasure is sought only
in imaginary journeys, in the mental
escapes stimulated by drugs.” Viag-
gio al termine della città, Leonardo
Lippolis, 2009
This project arises from the neces-
sity to restore a more direct and
primitive relationship with the sur-
rounding reality, where our own ex-
periences become merchandise and
in which existence is intermingled
with the objects of consumption and
advertising.
The abandonment of the subject
and the weakening of the principles
have meanings both on ethical and
aesthetic levels. We are aware of an
ongoing catastrophic dystopia, in
which the contemporary ruins pro-
duced by the global capital are the
symbol of an inevitable apocalypse.
The ruins are not produced by the
passing of time but by man.
The artist’s interest is to create a
platform, an environment in which
various works completed during the
last year and some in progress have
a place. The aim is to generate a re-
flection on the artificiality and medi-
atization of daily life, starting from
the construction of an image of the
home, in a post-media context as
the one we live in.
Christian Lagata was selected for A
SECAS, Artistas Andaluces de Ahora,
CAAC; XIX CALL de Luis Adelantado,
Valencia and he was awardedone
of the Iniciarte production grants
in 2015. He has been a finalist of
Premi Miquel Casablancas 2018, of
the second edition of 20th FotoPres
La Caixa and of PhotoEspaña 2016
“Best national photography book.”
91
Salir del surco al labrar la tierra, 2018 Salir del surco al labrar la tierra, 2018
Egurra, berreskuraturiko materialak, hormigoia, esmaltea, metakrilatoa, metalak eta biniloa Madera, materiales recuperados, hormigón, esmalte, metacrilato, metales y vinilo
Neurri aldakorrak Medidas variables

“Confesión de Huida” inguratzen
gaituen munduarekiko gogoeta
baten emaitza da, sentsibilitatez eta
emozioz beteriko hausnarketarena.
Pertsona, toki eta elementu kalte-
garriz beteriko mundua. Proiektu
honekin, artistaren bizipen per­
tsonalak profitatuz, artista beraren
lekukotasunaren berri izanen dugu
berezko kodigo artistiko batekin,
min ematen gaituen horretaz alden-
du eta hazteko aukera ematen gai-
tuenerantz hurbiltzeko beharraren
gaineko gogoeta sustatzeko nahiaz.
Proiektu honen genesia emozio-
katarsi baten prozesua da, non na­
rratibak bizipenak antolatu eta be­
rregituratzen dituen. Modu honetara
sortzen da era grafiko batean ema-
kumea, non haria eta ilustrazioaren
bitartez artista bera sinbolikoki josi
egiten den emakumezkoaren figu-
raren bidez. Hala, jostea prozesu me-
kaniko-erreflexibo legez aitortu egi­
ten da, ukimen-trazua, ehun-gaiaren
berezko ezaugarria dena, istorioaren
narratzaile moduan identifikatzeaz
batera. Irudiek sinbologia bikoitza
adierazten dute inplizituki erabiltzen
den materiala dela medio, “txanpon
baten bi aldeak”. Bestalde, aldi be-
rean eta ezinbestean irakurgaitza
den lengoaia sortzen da, sentitzen
eta ezkutatzen dugun horren erre­
presentazioa; egin nahi dugulako ez-
kutatu, edo apika, ezkutatu oraindik
ez dugulako ikasi hau zelan adierazi.
Lusabak bi aldeei protagonismo bera
ematen die, bai erakusketa formatu-
an, bai liburu formatuan, pentsamen-
duen distortsioa eta ha­ uen uler-
menak dakarren pisua islatuz.
Lusaba (Lucía Sáiz Báez) Sorkuntza
eta diseinuan graduatua da, Arte
Ederretako fakultatean, UPV/EHU-n.
Bere lana testuaren bitartez jaiotzen
da, zeinarekin material grafikoa
sortzen duen, bai ilustrazio eran, bai
fotografikoan. 2018. urtean Egoiliar
beka jaso du BilbaoArteren eskutik.
Aldi berean, zenbait autoedizio azo-
ketan parte hartu izan du, ZAWP eta
BALA-k antolaturikoak. Publikazio
ezberdinetan ere partaide izan da,
Flamantes eta Afán Afán-en besteak
beste, HagoCosas-ek bultzaturikoak.
“Confesión de Huida” es resultado
de la reflexión desde lo sensible y
emocional del mundo que nos ro-
dea. Un mundo plagado de perso-
nas, lugares y elementos perjudi-
ciales. Con este proyecto, mediante
las vivencias personales de la artis-
ta, conoceremos sus testimonios a
través de un código artístico propio,
buscando incentivar la reflexión en
torno a la necesidad real de alejarse
de lo que nos hiere y lo importante
que es acercarse a lo que nos hace
crecer. La génesis de este trabajo es
un proceso de catarsis emocional,
donde la narrativa organiza y re-
estructura sus experiencias. Surge
así de forma gráfica la mujer, don-
de a través del hilo y la ilustración
la artista es cosida simbólicamente
mediante la figura femenina, reco-
nociendo el coser como un proceso
mecánico-reflexivo, y el trazo táctil,
propio del material textil, como na-
rrador de historias. Sus ilustraciones
nos muestran una doble simbolo-
gía implícita por el material usado,
“las dos caras de la moneda”. Por
un lado, la convencional, la que se
comprende y se muestra. Por otro
lado, inevitable y paralelamente, se
construye un lenguaje ilegible, una
cara que representa todo aquello
que sentimos y ocultamos, quizá
porque queremos hacerlo, quizá
porque aún no hemos aprendido
a expresarlo. Lusaba da el mismo
protagonismo a ambas caras, tanto
en formato expositivo como en for-
mato libro, reflejando la distorsión
de los pensamientos y el carácter de
peso que tiene entenderlos.
Lusaba (Lucía Sáiz Báez) es gradua-
da en Creación y Diseño por la Facul-
tad de Bellas Artes de la UPV/EHU.
Su trabajo nace con el texto y des-
de el cual genera material gráfico,
tanto ilustrativo como fotográfico.
Ha recibido la beca de residente en
BilbaoArte en 2018. Además ha par-
ticipado en diferentes ferias de auto-
edición como las organizadas por el
ZAWP y BALA. También ha formado
parte de publicaciones como Flaman-
tes y Afán Afán por HagoCosas.
Lusaba
Torrelavega, 1995
“Confesión de Huida” is the re-
sult of a reflection upon the world
around us, rooted in sensibility and
emotions. This is a world brimming
with harmful people, places and el-
ements. This project, which parts
from the artist’s lived experience,
reveals us her testimony through
the use of an artistic code of her
own, looking to promote reflection
around the very real need to dis-
tance ourselves from what hurts us,
and around the importance of com-
ing nearer what helps us grow. The
genesis of this project is a process
of emotional catharsis, in which the
artist’s experiences are organised
and restructured by storytelling.
Thus emerges the visual shape of a
woman, in which the artist, by means
of thread and illustration, is sym-
bolically sewn through the female
shape. The artist recognises sewing
as a mechanical-reflective process,
and the textile’s tactile strokes as
storytellers. Her illustrations show
us a double set of symbols implicit
in the material she uses—“two sides
of the same coin”. On one hand,
the conventional side, that which is
understood and displayed. On the
other, inevitably and alongside the
other, an illegible language is built,
a side that represents all that we
feel and hide, perhaps on purpose,
or perhaps because we have not
learned how to express it. Lusaba
gives both sides equal importance,
both in exhibition and book format,
mirroring the distortion of thought
and the crucial importance of its
comprehension.
Lusaba (Lucía Sáiz Báez) is a Cre-
ation and Design graduate by the
UPV/EHU’s School of Fine Art. Her
work originates in the text, from
which she produces visual mate-
rial in the forms of illustration an
photography. She has been a 2018
BilbaoArte resident artist. She has
taken part in various self-publishing
fairs held by organisations such as
ZAWP and BALA. She has also been
part of publications such as Flaman-
tes and Afán Afán by HagoCosas.
95
 “Confesión de Huida”, 2018
Paper josia | Cosido en papel
29,7 x 42 cm

Franziska Gazeren benetako bizitza.
Antzerkiko bere lehen paperak
antzezten hasi zenean (duela ez
asko, hamar, hamabost urte) ez
zen memorizatzeko gai sentitzen.
Besapeetatik izerditzen zuen. Bene-
tako beldur bat. Nola ezarri antzez-
tokian, edo pertsona multzo baten
aurrean, eta ikasitako testua erraz-
tasun ahaztezin batekin errepikatu?
Beretzako perfekzioa errepikapen
zehatz eta doi batean aurkitzen zen.
Koma bat ere ez bidean utzi. Bere
interpretazioak kristalezko kopa
zabukatu ondoren ardoaren mal-
koen aieruaren modukoa izan behar
zuen. Aieru hau ez da idazten. Olio­
tsua da. Piktorikoa. Irrist egiten du.
Kristala da. Hura.
Aktore asko inprobisatzen jaki-
teaz harrotzen dira. Berak ez zuen
antzerkia aukeratu inprobisatzen
ikasteko. Edozer gauza bezalakoa
izan nahi zuen. Gauza guztien berdi-
na. Berak “berdintzat” era tradizio-
nal batean ulertzen zuen: eramaile
soil bat ezkutatzen duen maskara.
Honen bitan banatzea inplikatzen
du. Kontzientzia espazialki bertan ez
dagoen toki batetara joaten zen, le-
kuan gelditzen zen gorputza maska-
raren esku gelditzen zelarik. Agian
berak, momentu honetan, zera
pentsatzen zuen “zerbait barnetik
maitatu dezakegu, zehazki ez dau-
kagulako edo ez dagoelako.”
Nolabait heriotza funtzio bakoitzean
bizitzen da.
Pablo Marte artista, idazle eta
ikertzailea da. Bere lana, besteak
beste, Bilboko Arte Ederren Museoa,
Zinebi jaialdia (Bilbo), O cineclube
(Santiago de Compostela), HANGAR
Centro de Investigação Artística (Lis-
boa), Koldo Mitxelena (Donostia),
Azkuna Zen­troa (Bilbo), Tabakalera
(Donostia), Kadist Art Foundation
(París), CA2M (Mostoles, Madril), Ar-
tium (Gasteiz), BAD jaialdia (Bilbo),
Arteleku (Donostia) edo BilbaoArte
Fundazioan (Bilbo) erakutsia izan da.
La verdadera vida de Franziska Gaze
Cuando comenzó a interpretar sus
primeros papeles en teatro (de esto
no hace tanto, diez, quince años) se
creía incapaz de memorizar. Le suda-
ban las axilas. Era un temor en toda
regla. ¿Cómo podría plantarse en un
escenario, o delante de un corro de
personas, y repetir con inolvidable
sencillez el texto aprendido? Para
ella la perfección se encontraba en
una siempre fiel y exacta repetición.
No dejarse ni siquiera una coma.
Su interpretación debía ser como la
insinuación de las lágrimas del vino
en el cristal de una copa tras ser ba-
lanceada. Esta insinuación no se es-
cribe. Es oleosa. Pictórica. Se desliza.
Es el cristal. Ella.
Muchos actores se vanaglorian de
saber improvisar. Ella no eligió el
teatro para aprender a improvisar.
Quería poder ser igual a cualquier
cosa. A todas las cosas. Ella entendía
“lo igual” de un modo tradicional: la
máscara detrás de la que se esconde
una mera portadora. Esto implicaba
un desdoblamiento. La conciencia
se retiraba a un lugar espacialmen-
te no presente, mientras el cuerpo
presente era dejado a cargo de la
máscara. Aquí tal vez ella pensara
“podemos amar algo íntimamente,
precisamente porque no lo tenemos
o no está”.
De algún modo vive la muerte en
cada función.
Pablo Marte es artista, escritor e in-
vestigador. Ha mostrado su trabajo
en contextos como el Museo de Be-
llas Artes de Bilbao, Festival Zinebi,
O cineclube (Santiago de Composte-
la), HANGAR Centro de Investigação
Artística (Lisboa), Koldo Mitxelena,
Azkuna Zentroa, Tabakalera, Kadist
Art Foundation (París), CA2M (Mós-
toles, Madrid), Artium, BAD (Festival
de Teatro y Performance de Bilbao),
Arteleku y la Fundación BilbaoArte,
entre otros.
Pablo Marte
Cádiz, 1975
pablomarte.com
The real life of Franziska Gaze
When she began to play her first
roles in theatre (not so long ago,
ten, fifteen years ago) she thought
herself incapable of memorising.
Her armpits were sweating. It was
a ­full-fledged fear. How could she
stand on a stage, or in front of a cir-
cle of people, and repeat with unfor-
gettable simplicity the text learned?
For her, perfection was found in an
always faithful and exact repetition.
Not to miss even a comma. Her in-
terpretation should be like the sug-
gestion of the tears of a wine on the
surface of a glass after it is tipped.
This suggestiom is not written. It is
oily. Pictorial. It slides.
It is glass. Her.
Many actors brag about knowing
how to improvise. She did not choo-
se theatre to learn to improvise. She
wanted to be like anything. Like all
things. She understood “the same”
in a traditional way: the mask be-
hind which a mere carrier hides.
This implied a split. Consciousness
retreated to a place not spatially
present, while the present body was
left in charge of the mask. Here ma-
ybe she thought “we can love some-
thing intimately, precisely because
we do not have it or it is not there.”
In a way, she lives death in each per-
formance.
Pablo Marte is an artist and re-
searcher. He has shown his work
in contexts such as Bilbao Fine Art
Museum, Zinebi Festival, Cineclube
(Santiago de Compostela), HANGAR
Centro de Investigação Artistica
(Lisboa), Koldo Mitxelena, Azku-
na Zentroa, Tabakalera, Kadist Art
Foundation (Paris), CA2M (Mósto-
les, Madrid), Artium, BAD Festival de
Teatro y Performance (Bilbao), Ar-
teleku, and BilbaoArte Foundation,
among others.
99

I’m here [for now].
Jag är här [nu iallafall].
[De momento] estoy aquí.
“Hedatutako mekanografia proiektu
bat (KYBDslöjd), bere esanahia gutxi
gorabehera ‘esku-trebetasuna tekla-
tu batekin’ bezala definitu daiteke,
testuaren karaktereak eta teklatuko
pultsazioak pantailatik kanpora gau­
zatzen ditu eta teknologiarekin du-
gun harreman parasitoa zalantzan
jartzen du. Ez da asmaketa arbitrario
bat. Bere oinarri eta erreferentziak
idazteko makinan dauzka, poesia
konkretua, demoszenea eta brutalis­
moa. Idazteko makinak gauzatzeare-
kin laguntzen du, poesiak sistemare-
kin laguntzen duen bitartean, ikasi
beharreko lengoaia basati bat. Com-
modore 64ak (PESCII) hornitutako
karaktereak edergarririk gabe erabil-
tzen dira, arkitektura basatian hormi-
goia bezala, espiritua eta bere garai­
ko kontraesanak harrapatuz. Batez
ere teknologiekin elektrokutatu den
belaunaldi batekoa naiz. Ironiak eta
zinismoak ezegonkortasun, onarpen
eta etsipen egoera batetara eraman
gaituztela dirudi. Erabilera erraza eta
momentuko pozaren tiraniak zabor-
tegira eta aspergarritasunera gara-
matzaten disuasio taktikak besterik
ez dira. Garai digitalean bizi gara eta
ez da paradoxa horietaz aske bizi den
inor. Etorkizuneko bizitza tekleatu
egiten da. [Oraingoz] hemen nago,
eta hau da esan behar dudana”.
Raquel Meyersek bere praktika he-
datutako mekanografia bezala de-
finitzen du (KYBDslöjd), lasaitasuna
eta ausarkeria nagusi diren karakte-
re kolpe eta antzinako teknologien
alegia garaikide bat. Bere lana arte
zentro, galeria eta jaialdi ezberdine-
tan erakutsia izan da, besteak beste,
Transmediale, LABoral, iMAL, Xpo
Gallery, Liste Art Fair Basel, La Casa
Encendida, FILE, CRUCE, Hek, The
Wrong, ALT_Cph, LEV, MFRU, BEK,
Piksel, Le Shadok, Musée L, Fylkin-
gen, Galerie Charlot, La Gaîté lyrique
edo CAAC.
I’m here [for now].
Jag är här [nu iallafall].
[De momento] estoy aquí.
“Un proyecto de mecanografía ex-
pandida (KYBDslöjd) cuyo significado
podría definirse grosso modo como
‘destreza manual con un teclado’,
que materializa los caracteres de
texto y las pulsaciones de teclado
más allá de la pantalla y cuestiona
nuestra relación parasitaria con la
tecnología. No es una mera inven-
ción arbitraria. Tiene sus bases y re-
ferencias en la máquina de escribir,
la poesía concreta, la demoscene y el
brutalismo. La máquina de escribir
aporta la ejecución mientras que la
poesía contribuye con un sistema,
un lenguaje brutal que debe apren-
derse. Los caracteres provistos por el
Commodore 64 (PETSCII) se utilizan
sin adornos, como el hormigón en la
arquitectura brutalista, capturando
el espíritu y las contradicciones de
su tiempo. Pertenezco a una genera-
ción que, sobre todo, se ha electrocu-
tado con las tecnologías. La ironía y
el cinismo parecen habernos llevado
a un estado de precariedad, acepta-
ción y resignación. La tiranía del fácil
de usar y la satisfacción inmediata no
son más que qué tácticas de disua-
sión que nos están llevando al verte-
dero y al aburrimiento. Vivimos en la
era digital y no hay nadie que se le
libre de las paradojas. La vida futura
se teclea. [De momento] estoy aquí, y
esto es lo que tengo que decir”.
Raquel Meyers define su prácti-
ca como mecanografía expandida
(KYBDslöjd) una fábula contempo-
ránea a golpe de caracteres y tec-
nologías del pasado donde reina la
calma y la temeridad. Su trabajo ha
sido mostrado en centros de arte,
galerías y festivales como Transme-
diale, LABoral, iMAL, Xpo Gallery,
Liste Art Fair Basel, La Casa encen-
dida, FILE, CRUCE, HeK, The Wrong,
Alt_Cph, LEV, MFRU, BEK, Piksel, Le
Shadok, Musée L, Fylkingen, Galerie
Charlot, La Gaîté lyrique, CAAC...
Raquel Meyers
Cartagena, 1977
I’m here [for now].
Jag är här [nu iallafall].
[De momento] estoy aquí.
“An expanded typing project (KYBD-
slöjd) whose significance can be de-
fined roughly as ‘manual skill with a
keyboard’ that materialises the text
characters and the typing on a key-
board beyond the screen and ques-
tions our parasitic relationship with
technology. It is not a mere arbi-
trary intervention. It is based on and
refers to the typewriter, Concrete
Poetry, Demoscene and Brutalism.
The typewriter contributes to the
execution, while poetry contributes
to a system, a brutal language that
should be learnt. The characters in
Commodore 64 (PETSCII) are used
without ornament like concrete in
brutalist architecture, capturing the
spirit and the contradictions of its
time. I belong to a generation which,
above all, has been electrocuted by
technologies. Irony and Cynicism
seem to have taken us to a precar-
ious state: acceptance and resigna-
tion. The tyranny of easy to use and
immediate satisfaction are just de-
terrence methods that are bringing
us to the dump and to boredom. We
live in a digital era and no one is free
from paradoxes. The future is typed.
I’m here [for now], and that is what
I have to say”.
Raquel Meyers defines her prac-
tice as expended typing (KYBDslö-
jd), a contemporary tale built out
of characters and technologies
from the past in which calm and
boldness rule. Her work has been
shown in art centres, galleries and
festivals, such as Transmediale, LA-
Boral, Imal, Xpo Gallery, Liste Art
Fair Basel, La Casa encendida, FILE,
CRUCE, HeK, The Wrong, Alt_Cph,
LEV, MFRU, BEK, Piksel, Le Shadok,
Musée L, Fylkingen, Galerie Charlot,
La Gaîté lyrique, CAAC…
103
Trueno, 2018 I’m here [for now]. Jag är här [nu iallafall]. [De momento] estoy aquí, 2018
Commodore 64, TV CRT, LANDSCII (PETSCII mosaic on the Land) / Performance Arte-ikerketa, serigrafia | Investigación artística, serigrafía

“Conchita et nous” Frantziako emaku-
me emigrante espainiarren historia-
ra hurbiltzen da, bereziki Parisen, 60
eta 70. hamarkadetan. “Conchitas“
edo bonne à tout faire deiturikoen
inguruan jakin-mina, batzuetan
inozoa, lan honen muina da. Proiektu
honek espainiar emigrazioan ema-
kumearen papera eta honen irudika-
penaren inguruan ikertzen du, jakin
gabe, memoria eta historia beraren
eraikuntza zalantzan jarriz.
Proiektu hau Parisko Colegio de
España eta BilbaoArte Fundazioko
egoitzen emaitza da. Egoitza bate-
an garai historiko honekin lotuta-
ko agenteei egindako elkarrizketei
buruz ikertu eta lan egin zen (le-
kukotasunak, historiagileak, sozio-
logoak,...), Frantziako hiriburuko
ohizko auzo espainiarretan izaera
ezberdinetako argazkiak ere egin
ziren. Proiektu hau aurkezteko, bes-
teak beste, argazki, ikus-entzunezko
grabaketa, eskultura edo serigrafiez
osatutako gailu bat erabili zen.
BilbaoArteko egoitza proiektuari ba-
lizko gorputz eta itxura fisikoa ema-
teko erabili da. Hau instalazio bate-
kin gauzatu zen, irudiak, eskulturak,
soinuak edo elkarrizketen bitartez
gai berdinaren inguruko kontakizun
posible guztiak aurkeztez direlarik,
errepresentazioaren izaera polie­
drikoa eta sakonki traketsa eta naifa
den dokumentalista etnografiko
bat bezala jokatzen duen artista be-
raren rolaren bitartez honekin du-
gun harre­mana agerian jarriz.
Joan Morera Arbones Arte Ede­rretan
lizentziatua eta doktorea da. 2014.
urtean Buenos Airesgo Museo de la
Emigración Gallega en la Argentina
(MEGA) zentroan ikerketa egoitza bat
egin zuen. Honez gain Oberako (Ar-
gentina) “La Pinguela”-n ere egoitza
bat burutu zuen. 2017. urtean zehar
MECDren FORMARTE bekari esker
Parisgo Colegio de Españan egoitza
bat burutzen du. Bestelako egoitze-
tan parte-hartzeaz gain, besteak bes-
te kultura instituzio eta arte galeria
ezberdinekin lan egin du.
Joan Morera Arbones
“Conchita et nous” se aproxima a la
historia de las mujeres emigrantes
españolas en Francia, fundamen-
talmente en París, durante los años
sesenta y setenta. La curiosidad, a
veces ingenua, sobre las llamadas
Conchitas o bonne à tout faire es el
núcleo de este trabajo. Este proyec-
to indaga sobre el papel de las mu-
jeres en la emigración española y su
representación cuestionándose, sin
darnos cuenta, la propia construc-
ción de la memoria y de la historia.
Este proyecto es fruto de una resi-
dencia en el Colegio de España en
París y en la Fundación BilbaoArte.
Durante esa residencia se investigó
y se trabajó sobre entrevistas reali-
zadas a agentes vinculados con este
periodo histórico (testimonios, histo-
riadores, sociólogas, etc.), así como
se realizaron fotografías de diversa
índole en los barrios típicamente es-
pañoles de la capital francesa. Para
presentar este proyecto se utilizó un
dispositivo compuesto por fotogra-
fías, grabaciones audiovisuales, es-
culturas, serigrafías, etc.
La residencia en BilbaoArte se em-
pleó para darle un hipotético cuerpo
y presencia física al proyecto. Esto se
materializó en una instalación me-
diante la cual se presentan (usando
imágenes, esculturas, sonidos, entre-
vistas...) los posibles relatos sobre un
mismo tema, poniendo en evidencia
el carácter poliédrico de la represen-
tación y nuestra relación con ella a
través del rol del propio “artista” que
actúa como una suerte de documen-
talista etnográfico profundamente
torpe y naif.
Joan Morera Arbones es Doctor y
Licenciado en Bellas Artes. En el 2014,
realiza una estancia de investigación
en Buenos Aires en el Museo de la
Emigración Gallega en la Argentina
(MEGA). También realiza una resi-
dencia artística en la “La Pinguela”,
en Oberá (Argentina). Durante el 2017
realiza una estancia en residencia en
el Colegio de España en Paris con la
beca FORMARTE del MECD. Además
de participar en otras residencia ha
trabajado con diferentes instituciones
culturales, galerías de arte, etc.
Vigo, 1984
“Conchita et nous” approaches the
history of the Spanish women mi-
grants in France, mainly in Paris,
during the sixties and seventies.
The curiosity, at times naïve, about
the so-called “Conchitas” or bonne
à tout faire is the core of this work.
This project investigates the role of
women in the Spanish migrations
and their representation by ques-
tioning, unintentionally, its own con-
struction of memory and history.
This project is the product of a resi-
dency in Colegio de España in Paris
and in BilbaoArte Foundation. Dur-
ing said residency, research and
work were done on interviews with
agents connected to this historical
period (testimonies, historians, soci-
ologists, etc.). Besides, various types
of photographs are taken in the typi-
cally Spanish neighbourhoods of the
French capital. To present this pro-
ject, the artist created a device com-
posed of photographs, audiovisual
recordings, sculptures, screen-print-
ings, etc.
The residency in BilbaoArte was
used to give the project a hypothet-
ical body and physical presence.
This is materialized in an installation
through which the possible stores
about the same topic are presented
(using images, sculptures, sounds,
interviews…). The representation of
the polyhedral character and our
relationship with her is revealed
through the artist’s own role as a
sort of deeply inept and naïve eth-
nographical documentarist.
Joan Morera Arbones is a Doctor
and Bachelor of Fine Arts. In 2014,
he enjoyed a research residency in
Buenos Aires at Museo de la Em-
igración Gallega en la Argentina
(MEGA). He also completed an ar-
tistic residency at “La Pinguela”, in
Oberá (Argentina). During 2017, he
stayed at el Colegio de España in
Paris via a FORMARTE Grant from
MECD. In addition to participating
in other residencies, he has worked
with different cultural institutions,
art galleries, etc.
107
 Instalazioaren ikuspegi orokorra | Vista general de la instalación, 2018
Eskaiolazko eskulturak, egurrezko estruktura, argazkiak, serigrafiak, liburuak, audioa eta ikus-entzunezko dokumentazioa
Esculturas de escayola, estructura de madera, fotografías, serigrafías, libros, audio y documentación audiovisual
Aurreko Orrialdea | Página anterior Neurri aldakorrak | Medidas variables
Esperanza cantando, 2018 Blanco sobre blanco. ILUOAET Paris,
Argazki digitala Z/B, Inkjet inpresioa | Fotografía dígital B/N, typologies d´immeubles haussmanniens, 2018 Bois de Boulogne, 2018
Impresión chorro de tinta Serigrafia | Serigrafía Argazkia 35 mm Z/B, Inkjet inpresioa | Fotografía 35 mm B/N, impresión chorro de tinta
320 x 106,7 cm 29,7 x 42 cm 21 x 29,7 cm

Langile-klasearen parte diren eta ko-
lonizatutako herrialdeetatik datozen
arrazatutako pertsona migratzai-
leen aurkako irudi, aurkezpen eta
irudikapen uholdearen aurrean,
Dar Salamek disidentzia eta desa-
dostasun espazio bat sortu nahi du.
Ezagutzaren sorkuntza kontrolatzen
duten instituzio eta egiturek gorputz
hauetan gauzatu duten “bestearen”
kontrol ariketan pitzadura bat, sub-
jektu pasiboak, antolatzeko, ekin edo
ahots propioa edukitzeko gai ez di-
renak kontsideratuak. Proiektua Bil-
baoArteko egoitza burutzen dudan
bitartean San Franciskoko auzoan
ezagutzen ditudan hainbat pertso-
nei egiten diedan gonbidapenarekin
hasten da, azken hilabeteetan Afrika-
ko herrialde ezberdinetatik Bilbora
iritsi berri direnak. Nork bere burua
irudikatu eta taldekako eztabaidetan
oinarritutako metodologien bitartez,
parte-hartzaileek bideo kamerak
eta erabili eta botatzeko argazki ka-
merak erabiltzen dituzte euren egu-
nerokotasuna dokumentatzeko.
Artxiboa memoriaren kudeaketa
eta historiaren inskripziorako gailu
bezala ulertuta, Dar Salam mundu
guztiarentzat eskuragarri dagoen
kontsultarako artxibo bezala gauza-
tuko da, etorkizunerako ekarpen eta
kolaborazioei zabalik. San Frantziz-
ko-ko auzo bilbotarrean, Martza-
na eta Erriberako Zubiaren arteko
espazioari, Dar Salam (Senegaleko
hiria, “bakearen etxea” esan nahi du-
ena) deritzote han egunero batzen
diren Senegaleko zein beste Afrikako
pertsona ugariek.
Aitziber Olaskoaga Zinea eta
Ikus-entzunezko Inguruetan gradua-
tua da ESCACen eta gaur egun Kali-
forniako Institute of the Artseko Zine
eta Bideo masterra burutzen ari da,
unibertsitateko zineman proiekzio-
nista lan egiten duelarik. Bideo eta
zine proiektuak burutzen ditu eta
Prismáticas taldearen parte da, Pilar
Monsellekin batera. Bartzelonako La
Capellan gauzatu zen Em sé arrapats
al coll els tentacles del pop (Loop
Festival, 2018) eta Azkuna Zentroko
Bi Dos Two (2018) erakusketen parte
izan ­­da.
Aitziber Olaskoaga Ajuria
Frente al torrente de imágenes, pre-
sentaciones y representaciones hos-
tiles de personas migrantes racializa-
das pertenecientes a la clase obrera,
y provenientes de territorios coloni-
zados, Dar Salam pretende crear un
espacio de disidencia y discrepancia.
Una brecha en el ejercicio de control
de la “otredad” que las instituciones y
estructuras que controlan la produc-
ción de conocimiento han ejercido so-
bre estos cuerpos, considerados suje-
tos pasivos, incapaces de organizarse,
actuar o tener voz propia. El proyecto
arranca como una invitación que rea-
lizo a varias personas que conozco en
el barrio bilbaíno de San Francisco y
que acaban de llegar a Bilbao desde
distintos países africanos en los últi-
mos meses. Mediante metodologías
basadas en la autorrepresentación
y discusiones colectivas, los partici-
pantes utilizan cámaras de video y de
usar y tirar de fotografía, para docu-
mentar su día a día.
Entendiendo el archivo como un dis-
positivo de gestión de memoria e
inscripción de la historia, Dar Salam
se materializará en un archivo de
consulta abierto a todo el mundo, así
como a futuras aportaciones y cola-
boraciones. Dar Salam (una ciudad
de Senegal que significa “casa de la
paz”) es como se refieren al espacio
situado entre el Puente de La Ribera y
la Calle Marzana en el barrio bilbaíno
de San Francisco, los numerosos se-
negaleses, así como otras personas
de origen africano, que cada día se
reúnen en este espacio.
Aitziber Olaskoaga es graduada
en Cine y Medios Audiovisuales por
el ESCAC, y actualmente estudia un
máster de Cine y Video en California
Institute of the Arts, donde trabaja
como proyeccionista del cine de la
universidad. Realiza proyectos de vi-
deo y cine y forma parte del colectivo
Prismáticas, junto a Pilar Monsell. Ha
formado parte de la exposición Em sé
arrapats al coll els tentacles del pop
de Loop Festival (2018) en La Capella,
Barcelona, y Bi Dos Two en el Azkuna
Zentroa (2018).
Bilbao, 1980
In opposition to the stream of hos-
tile images, presentations and rep-
resentations of working class mi-
grants of colour from colonized
territories, Dar Salam aims to create
a space of disagreement and dis-
crepancy. A gap in the exercise of
controlling “otherness” that the in-
stitutions and structures in control
of the production of knowledge have
exercised over these bodies, consid-
ered as passive subjects, incapable of
organising, acting or having a voice of
their own. This project starts as an in-
vitation I extended to several people
that I met in the San Fransisco neigh-
borhood during the months I’ve been
a resident artist in BilbaoArte, and
who have arrived in Bilbao from dif-
ferent African countries over the past
few months. Through methodologies
based on self-representation and col-
lective discussions, participants use
video cameras and disposable pho-
tography cameras to document their
daily life.
Understanding the archive as a device
of memory and registration manage-
ment of the history, Dar Salam will
come into being as a consultation file
open to everyone, as well as to future
contributions and collaborations. Dar
Salam (a city in Senegal that means
“house of peace”) is how the numer-
ous Senegalese, as well as people
from other African countries, refer to
the space located between the La Rib-
era Bridge and Marzana Street in the
neighborhood of San Francisco, in Bil-
bao, in which they gather every day.
Aitziber Olaskoaga graduated in
Cinema and Audiovisual Media at
ESCAC and is currently studying a
Master’s degree in Cinema and Vid-
eo in the California Institute of the
Arts, where she works as a film pro-
jectionist at the university’s cinema.
She does video projects and cine-
ma and is a part of the Prismáticas
collective, along with Pilar Monsell.
She was part of the exhibition Em sé
arrapats al coll els tentacles del pop
in Loop Festival (2018) in La Capella,
Barcelona, and Bi Dos Two in Azku-
na Zentroa (2018).
111
1 eta 2 Mansour Keita-ren irudiak | Imágenes 1 y 2 de Mansour Keita
HD Bideoa | Video HD

3 eta 4 Djibi Mbaye-ren irudiak | Imágenes 3 y 4 de Djibi Mbaye

35 mm argazkia | Foto fija 35 mm

Zinema eta musikaren arteko elkar-
gunean markatu dute irteera pun-
tua, musika eta irudia, fotograme-
tako edukiak eta soinu optikoaren
esploraziorako pelikula erpinean
eragile anbibalente moduan ezarriz
eta kanal hau soinu-mihise moduan
esploratuz. Material plastiko honek,
alde batetik, kolorea plasmatzeko
metodo originalak berregiteko balio
izan du, proiektorearen argia irudi
taupakariak zizelkatzeko erreferente
emankor bezala erabiliz, eta beste
aldetik, 35 mmko pelikula euskarri
bezala erabiliz irudiaren soinuranzko
eraldaketa esploratuz. Honetarako
zinemako bi proiektoreen irakurle
optikoetatik abiatuz bi makina sortu
dituzte. Proiektorearen bi irakurle
bakan hauek, beraiek sortu eta di-
seinatutako mekanismo alternati­
boak dituztenak, pelikularen gainean
irudia eraldatzeko gai dira, soinuan
diseinatutako trama, testura, marra­
dura, etbar...oinarrituak. Gainin-
presio zehatzen bitartez kameran
atzemana, obturatutako argia era as-
kotako difrakzio eta iragazteetan be-
reizia izan da, sinestesia mekanikoan
­erritmo bisuala eraikitzeko orduan
erreferente bakar bezala baliagarriak
izan diren kolore pultsuak. Honekin
lotuta noten uhin frekuentzia forma
geo­metrikoen errepikapenerako eral-
daketa taula baten sorreran ere ikertu
da, irakurle hauek irakurriak izatean
nota harmonikoen eskalak igor­tzen
dituzten tramak elaboratzeko aukera
ematen dutenak.
Enrique del Castillo 1982. urte-
an jaio zen Jaenen. Arte Ederretan
lizentziatua da Granadako Unibertsi­
tatean eta Bartzelonako Unibertsi-
tatean Arte produkzioa eta Ikerketa
Masterra burutu zuen. Beste aldetik
goi mailako gradua dauka musika
kontserbatorio ofizialaren ikaskete-
tan.
Miguel Puertas 1980. urtean jaio zen
Almerian. Argazkilaritza eta publizita-
te grafikoan ikasketa akademikoekin,
ikus-entzunekoen teknikaren bitar-
tez espresio poetikoan abian jartzen
da, irudi argentikoaren alkimia eta
proiekzioaren mekanika lotzen di-
tuen arte praktika bat garatuz.
En la intersección entre cinema y mú-
sica hemos marcado un punto de par-
tida, colocando la película en el vértice
como agente ambivalente para la ex-
ploración de música e imagen, con-
tenido en fotogramas y sonido ópti-
co, hemos explorado este canal cual
lienzo sonoro. Este material plástico
ha servido por un lado para recrear
métodos originales de plasmación
del color, utilizando la luz del proyec-
tor como fecundo referente a la hora
de cincelar imágenes palpitantes, y
por otro, explorando la transforma-
ción de la imagen en sonido usando
como soporte la película de 35mm.
Para ello se han fabricado dos máqui-
nas partiendo de los lectores ópticos
de dos proyectores de cine. Estos
lectores aislados del proyector, con
mecanismos alternativos de diseño
y fabricación propias, son capaces de
transformar la imagen sobre película,
consistente en tramas diseñadas, tex-
turas, rayado, etc, en sonido. Captura-
da en cámara con minuciosas sobre-
impresiones, la luz obturada ha sido
descompuesta en múltiples difraccio-
nes y filtrados, pulsos de color que
han servido como único referente a
la hora de construir el ritmo visual en
la mecánica sinestesia. También se ha
investigado a este respecto en la ela-
boración de una tabla de conversión
de la frecuencia de onda de las notas
a repetición de formas geométricas,
que permite elaborar tramas que
emiten escalas de notas armónicas al
ser leídas por los lectores.
Enrique del Castillo nace en Jaén en
1982. Es licenciado en bellas artes en
la universidad de Granada y Máster
en produción artística e investiga-
ción por la Universidad de Barcelona.
Tiene a su vez grado superior en es-
tudios en el conservatorio oficial de
música.
Miguel Puertas, nacido en Almería
en 1980. Estudios académicos en Fo-
tografía y Gráfica Publicitaria, arran-
ca en la expresión poética a través de
la técnica audiovisual, desarrollando
una práctica artística que une la al-
quimia de la imagen argéntica y la
mecánica de proyección.
Onirokino
Jaén, 1982 | Almería, 1980
At the intersection between cinema
and music we have marked a point
of departure, placing the film at its
vortex as an ambivalent agent for the
exploration of music and image con-
tained in frames and optical sound.
We have explored this channel as
an auditive canvas. This plastic ma-
terial has served on the one hand to
recreate original methods of colour
display, using the light from the pro-
jector as a fertile reference when chis-
elling pulsating images; on the other
hand, to explore the transformation
of the image into sound using 35
mm film as medium. For which two
machines have been made from the
optical readers of two cinema pro-
jectors. These readers, isolated from
the projector, alongside alternative
homemade design and manufacture
mechanisms, are able to transform
the image on film (consisting of de-
signed frames, textures, scratches,
etc) into sound. Captured on cam-
era with meticulously superimposed
printing, the light caught within the
shutter has been decomposed into
multiple diffraction and filtering,
colour pulsations that served as the
only reference when constructing
the mechanical synesthesia’s visual
rhythm. Regarding this, research has
also been done towards composing
a conversion chart for note wave fre-
quencies to repetitions of geomet-
ric forms, which allows to produce
frames that send out harmonic note
scales when read by readers.
Enrique del Castillo was born in
Jaén in 1982. He has Bachelor’s De-
gree in Fine Arts by the Univerity of
Granada and a Master’s Degree in
artistic production and research by
the University of Barcelona. He also
holds a diploma by the official music
conservatory.
Miguel Puertas was born in Alm-
ería in 1980. He pursued a university
degree in Photography and Graphic
Advertising, starting out in poet-
ic expression through audio-visual
techniques, developing an artistic
practice that unites the alchemy of
the silver image and projection me-
chanics.
115

“Treatise” izenburupean gizarte-
aren partetik ugaritasunaren mu-
gen gainditzetik abiatzen diren ins-
talazio ziklo bat gordetzen da eta
gaur egungo ikuskizunaren gizar-
tean kokatzen gaituzte. Proiektu
hau egungo gorentasuna zatitzeko
beharretik abiatzen da eta alden-
dutako gizarte berri hauen sarean
barneratzen gaitu, naturala eta arti-
fiziala, eta paisaia hauek habitatzen
dituen subjektua eta objektuaren
arteko akordio bat lortzeko.Egoera
honi txertatuta, “Teatrise”-k gure
mendebaldeko begiradak bere ibil-
bidean alde batera uzten dituen
pitzaduretan barneratzen da, mun-
dura iristeko beste bideak aldarrika-
tuz (soinua, ukimena, usaimena...),
zeramika-materialak MediaArt-re-
kin bat-egitean, lur-jausi honetan
erre­minta egokia bilakatzen da,
memoria berriak eta amnesien ar-
tean noraezean dabiltzan lekuen
metamorfosiak anplifikatuz. Insta-
lazio interaktibo-sentikorrez osa-
tutako ziklo honen konfigurazio
arkitektoniko­-eskultorikoa itxuraz
barne bizitzarik ez duten pertsonai
moduan ezartzen da, baina espa-
zioaren jabetza hartzerako orduan
ikusleak aktibatu eta ezagutzera
ematen ditu: soinuak, argiak, usai-
nak... sare soziokultural berrietan
gordetako mezuak. “Teatrise”-ek
ikuslearen erosotasun gunea astint-
zen du eta bere laguntza bilatzen
du gaur egungo estratu geologiko
hegemonikoa eta azal berri honetan
bizi den izakiaren arteko akordio ba-
tetara iristeko.
Saray Pérez Castilla. Arte Ederretan
Lizentziatua (2012) eta Zeramika Arte
eta Funtzioa Masterrean espezializa-
tua (2014) EHUn. Gaur egun Paisajes
del diálogo en la era de la compleji-
dad doktoradutza tesia garatzen ari
da. Hainbat beka, sari, erakusketa
edo egoitzekin saritua izan da, hauen
artean, “Barriek” Rekalde Aretoa,
CDAN, MUSAC, CAB, Shedding the
skin – LinzIMPORT, Ar­chitekturforum
Oberosterreich, Biz­­kaiko Foru aldun-
diko produkzio beka, ARTIFARITI, ER-
TIBIL, Montehermoso...
Saray Pérez Castilla
Bajo el título “Treatise” subyacen un
ciclo de instalaciones que parten de
la superación social de los limites de
la abundancia y nos sitúan en la so-
ciedad actual del espectáculo. Este
proyecto parte de la necesidad de
desmembrar la supremacía actual y
nos adentra en el entramado de es-
tas nuevas sociedades tan desvincu-
ladas, para llegar a un acuerdo, entre
lo natural y lo artificial, el sujeto y
el objeto que habita estos paisajes.
Subordinada a esta situación “Trea-
tise”, se adentra en las fisuras que
obvia nuestra mirada occidental en
su travesía, reivindicando otras for-
mas de llegar al mundo (el sonido,
el tacto, el olor…), en la que el ma-
terial cerámico en conjunción con el
MediaArt, se convierte en la herra-
mienta idónea en este desprendi-
miento, amplificando las metamor-
fosis de los lugares que vagan entre
las nuevas memorias y las amnesias.
La configuración arquitectónica-es-
cultórica del ciclo de instalaciones
interactivas­-sensitivas, se sitúan
como personajes sin vida interior
aparentemente, pero que en la toma
de posesión del espacio, el espec-
tador las activa y le revela: sonidos,
luces, olores... mensajes ocultos en
los nuevos entramados socio-cultu-
rales. “Treatise”, agita el espacio de
confort del espectador-observador
y busca su complicidad para llegar a
un acuerdo entre los estratos geoló-
gicos hegemónicos actuales y el ser
que habita esa nueva piel.
Saray Pérez Castilla. Licenciada en
Bellas Artes (2012) y especializada en
el Master de Cerámica Arte y Función
(2014) UPV-EHU; donde en la actuali-
dad desarrolla la tesis doctoral Paisa-
jes del diálogo en la era de la comple-
jidad. Ha sido premiada con diversas
becas, premios, exposiciones, resi-
dencias, etc. Tales como: “Barriek”
Sala Rekalde, CDAN, MUSAC, CAB,
Shedding the skin – LinzIMPORT, Ar-
chitekturforum Oberosterreich, Beca
de producción de la Diputación Foral
de Bizkaia, ARTIFARITI, ERTIBIL, Mon-
tehermoso…
Burgos/Bilbao, 1987
Under the title “Treatise” lies a series
of installations that, parting from
society’s surpassing of the limits of
abundance, place us in our current
society of spectacle. This project sets
off from the necessity to dismember
the current supremacy. It takes us
into the fabric of these very discon-
nected new societies to reach an
agreement between the natural and
the artificial, the subject and the ob-
ject that inhabits these landscapes.
Subordinated to this “Treatise” situa-
tion, it goes deep into the cracks that
our western look fails to acknowledge
on its journey. It defends other ways
of reaching the world (sound, touch,
smell…), in which the ceramic mate-
rial, joined with MediaArt, becomes
the ideal tool in this detachment,
increasing the transformation of the
places that wander between the new
memories and the amnesias. The
architectural-sculptural composition
of the series of interactive-sensitive
installations are placed as apparent-
ly lifeless characters, but which, in
taking possessions of the space, the
viewer activates and reveals: sounds,
lights, smells… messages hidden in
the new cultural frameworks. “Trea-
tise” shakes the comfort space of
the audience-observer and search-
es for their complicity to reach an
agreement between the hegemonic
geological strata and the being that
inhabits this new skin.
Saray Pérez Castilla holds a Bach-
elor’s degree in Fine Art (2012) and
a Masters of Ceramic Art and Func-
tion (2014) by UPV-EHU; where she
currently writes the doctoral thesis
“Landscapes of dialogue in the age of
complexity.” She has been awarded
various grants, awards, exhibitions,
and residencies, including “Barriek”
Sala Rekalde, CDAN, MUSAC, CAB,
Shedding the skin – LinzIMPORT, Ar-
chitekturforum Oberosterreich, Pro-
duction Grant from Provincial Coun-
cil of Bizkaia, ARTIFARITI, ERTIBIL,
Monterhermoso…
119
120

“Eguzki beltzak argi lantegietan”
Artistak argiaren materialtasunerako
bere gerturatze mekanismoak desar-
tikulatzea bilatu du. Erreka-makina­-
-argia loturan ikertu du, aurreko
ikerketen xedea, Kadagua eta Ibaiza-
bal erreketan ezarritako antzinako
zentral hidrauliko txikien azterketa
ibilbideen bitartez: elektrifikazioa, ar-
gitasunaren ohitura modernoa.
Linternek —argi zientifiko bezala
trebatutako begiak— uretan erre­
belazio berdina ihardetsi zuten:
iluntasuna balaren kanpoaldean eta
argitasun gorena erdialdean, itsual-
diaren muina. Eta lehen argi fabrika
hauek, ­errota eta landa artean, argi
zientifikoa, erlijiosoa, filosofikoa, ar-
tistikoa eta teknologikoaren argiaren
bidea nola atzera egin adieraziz.
Balmasedan; itsututa eta argiaren
muina oztopatzera behartuta, ilunta-
suna argiaren zirkuluaren erdian ze-
goela konturatu zen; elektrifikatutako
erreketan argia eransten duen eguzki
beltza, non erreka-makina-energia
konbinazioak kolaborazio sareak eta
memoria kolektiboa aktibatu zituen,
“Hausturarako” bidea erakutsiz: au-
tohornikuntzarako zen­tral txiki bat,
jabeak berak eraikia, erro­tariaren se-
mea, bizitza osoko lana.
“Ikusi ez nuena ikusi nuen” izan zen
(Lezama Lima), begirada itotzea;
begiaren puntu itsua, borondatezko
itsutasun baten hasera, energia hor-
nikuntza sistema hartan adierazia:
jardunean dagoen zentral txikietatik
txikiena, trantsizio energetikoa eta
zibilizazio aldaketaren hastapena.
Amparo Prieto Monreal. Artista
bisuala (Txileko Unibertsitatea); Ar-
giztapen Diseinuan Masterra, Sala-
mancako unibertsitatea eta Ikerketa
Geografikorako Metodo eta tekni-
ketan Masterra, Uned; Zaragozako
Unibertsitateko “Patrimonio, Socie-
dades y Espacios de Frontera” pro­
graman doktoregaia. Bere ikerketa
argia eta honek energia fluxu plane-
tario bezala duen zirkulazioan ardaz-
ten da, bere eremu-ikerketa landa
inguruetako elektrifikazio prozesu
Argi-probak uretan | Pruebas de luz en el agua
historikoetan garatuz.
Kadagua ibaia, Balmaseda.
Amparo Prieto Monreal
“Soles negros en las fábricas de luz”
La artista ha buscado desarticular
sus mecanismos de aproximación a
la materialidad de la luz. Ha indaga-
do el nexo río-máquina-luz, objeto
de anteriores investigaciones, me-
diante rutas de reconocimiento por
antiguas minicentrales hidráulicas
sobre los ríos Kadagua e Ibaizabal:
electrificación, hábito moderno de la
claridad.
Las linternas —ojos adiestrados
como foco científico— replicaron en
el agua la misma revelación: oscuri-
dad fuera del haz y máxima luz en el
centro, núcleo del deslumbramiento.
Y esas primeras “fabricas de luz”,
entre molinos y ruralidad, señalando
cómo desandar el camino de la luz
científica, religiosa, filosófica, artísti-
ca, tecnológica.
En Balmaseda; deslumbrada y obli-
gada a obstruir el núcleo de luz, ob-
servó que la oscuridad se encontra-
ba en el centro del círculo de luz; sol
negro que traga luz en ríos electri-
ficados, donde la intercombinación
río-máquina-energía activó redes
de colaboración y memoria colecti-
va, mostrándole el camino hacia “La
Rotura”: una minicentral para el au-
toabastecimiento, construida por su
propio dueño, hijo de molinero, obra
de toda una vida.
Fue el “vi lo que no vi” (Lezama Lima),
ahogamiento de la mirada; punto
ciego del ojo, inicio de una ceguera
voluntaria, expresado en aquel sis-
tema de abastecimiento energético:
la más pequeña minicentral en fun-
cionamiento, albor de la transición
energética y del cambio civilizatorio.
Amparo Prieto Monreal. Artista vi-
sual (Universidad de Chile); Master
en Diseño de Iluminación, Universi-
dad de Salamanca y en Métodos y
Técnicas de Investigación Geográfi-
ca, Uned; Doctoranda del Programa
“Patrimonio, Sociedades y Espacios
de Frontera” Universidad de Zara-
goza. Su invéstigación se centra en
la luz y su circulación en tanto flujo
energético planetario, desarrollando
trabajo de campo en zonas rurales
donde ha explorado los procesos
históricos de electrificación.
Chile, 1973
“Black suns in the light factories”
The artist has sought to dislocate
her approach to the materiality of
light. She has investigated river-ma-
chine-light connection, object of pre-
vious research, by exploration routes
around old hydraulic mini-power
plants on the rivers Kadagua and
Ibaizabal: electrification, modern
habit of clarity.
The torches —eyes trained to be sci-
entific flashlights— replicated the
same revelation in the water: dark-
ness out of the beam and maximum
light in the centre, core of the glare.
And those first “factories of light”,
between mills and rural life, point
out how to retrace back the path of
scientific, religious, philosophical, ar-
tistic and technological light.
In Balmaseda, dazzled and forced
to block the core of light, she ob-
served that the darkness was in the
centre of the circle of light; a black
sun swallowing light in electrified
rivers, where the interconnection
river-­machine-energy activated net-
works of collaboration and collective
memory. This shows the way to “La
Rotura” (The Break): a mini-power
plant for self-supply, built by its own
owner, a miller’s son, the project of
a lifetime.
It was the “I saw what I did not
see” (Lezama Lima), drowning of
the gaze; blind spot of the eye, the
beginning of a voluntary blindness,
expressed in that energy supply sys-
tem: the smallest mini-power plant
in operation, the dawn of the energy
transition and civilizational change.
Amparo Prieto Monreal. Visual art-
ist (University of Chile); Master in
Lighting Design, University of Sala-
manca and in Methods and Technics
of Geographical Research, Uned;
PhD candidate of the “Patrimony,
Societies and Border Spaces” Pro-
gramme, University of Zaragoza. Her
research focuses on light and its cir-
culation as a planetary energy flow,
developing fieldwork in rural areas
where she has explored the historical
processes of electrification.
123
 Eskuinaldea | Derecha
Zirriborroak eta eskemak | Bocetos y esquemas Erregistroa | Registro
Lan prozesua | Proceso de trabajo Landa-lana | Trabajo de campo

Limes, 2018
Poliuretano erretxina eta akrilikoa
Resina de poliuretano y pintura acrílica
41,5 x 80 x 69 cm
Hurrengo orria | Siguiente página
Hacia la noche, 2018
Tinta txinatarra paper gainean
Tinta china sobre papel
150 x 200 cm
126
Proiektu hau Cristina Ramirezen izu
kosmikoa eta honen irudikapenaren
inguruko ikerketaren barruan dago.
Honako honetan H.P. Lovecraft, Ar-
thur Machen edo William H. Hod-
gson idazleen obra literariotik abia-
tzen da marrazkia eta eskulturaren
bitartez izu kosmikoaren paisaiaren
itun bat sortzeko, fikzioa eta espeku-
lazioaren bitartez paisaia kategoria
sail bat ezarri eta zehaztuz.
Lanak gizakiaren eremuari dagoki-
on guztiaren erabateko aldentzetik
sortzen dira: begirada berehalakoa
eta antropozentrikotik mugitzen da
kosmos zabal eta axolagabeari arre-
ta jartzeko.
Paradoxak, izan beharko lukeena
baina ez dena, lanaren beste ar-
datzetako bat da: galbideratze on-
tologikoa, izu kosmikoak plantea­
tzen duen gatazka psikologikoaren
jatorria. Pentsa ezinezkoa, bestea,
irudikatzeko saiakera bat. Honek
lan espekulatibo bat sortzen du,
zientzia­-fikzioaren antzera usteeta-
tik sortzen diren marrazki eta eskul-
turak, ezinezkoa den gertaera baten
txertatzearen bitartez errealaren
urraketan parte hartzen dutenak.
Proiektuan paisaia eta natura era
berean antzeztokia eta protagonista
dira; dagoeneko gizakiaren eskutan
ez dagoen mundu baten irudikape-
na, naturaz gaindiko jatorria diten
indarrek ibilia, nahasia eta astindua.
Cristina Ramirezek Artearen Histo-
ria (Madrilgo Unibertsitate Conplu-
tentsea) eta Arte Ederretako (Gra-
nadako Unibertsitatea) ikasketak
burutu ditu. DKV-Makma marrazketa
saria jasotzen du, Conplutentse Fun-
dazioaren Joven sariarekin batera
eta Iniciarte programako produkzio
laguntzetan hautatua da. Eslovenia
(BB-Art Colony) edo Italiako (Casa
Falconieri) arte egoitzetan parte har-
tu du eta bere lana bakarka edo tal-
deka Madril, Valentzia edo Granada-
ko aretoetan erakutsia izan da.
Este proyecto forma parte de la in-
vestigación de Cristina Ramírez en
torno al horror cósmico y su repre-
sentación. En esta ocasión parte de
la obra literaria de autores como
H.P. Lovecraft, Arthur Machen o
William H. Hodgson para generar a
través del dibujo y la escultura una
suerte de tratado de paisaje del ho-
rror cósmico, estableciendo y con-
cretando una serie de categorías
paisajísticas a partir de la ficción y
la especulación.
Las obras surgen de un completo
desapego por todo lo relativo a la
esfera de lo humano: la mirada se
desplaza de lo inmediato y antro-
pocéntrico para prestar atención al
vasto e indiferente cosmos.
La paradoja, lo que debería ser y
no es, supone otro de los ejes del
trabajo: la perversión ontológica,
germen del conflicto psicológico
que plantea el horror cósmico. Un
intento de representar lo impen-
sable, lo otro. Esto da lugar a un
trabajo especulativo, dibujos y es-
culturas que como la ciencia ficción
surgen de conjeturas y participan
de la transgresión de lo real me-
diante la inserción de un hecho im-
posible.
En el proyecto paisaje y naturale-
za son escenario y protagonista al
mismo tiempo; representando un
mundo que ya no pertenece al ser
humano, recorrido, removido y agi-
tado por fuerzas de origen sobre-
natural.
Cristina Ramírez se forma en His-
toria del Arte (Universidad Complu-
tense de Madrid) y en Bellas Artes
(Universidad de Granada). Recibe
el premio de dibujo DKV-Makma, el
Premio Joven de la Fundación Com-
plutense y es seleccionada por el
programa Iniciarte de ayudas a la
producción. Ha disfrutado de resi-
dencias en Eslovenia (BB-Art Co-
lony) o en Italia (Casa Falconieri) y
su obra ha sido expuesta de mane-
ra individual y colectiva en salas de
Madrid, Valencia o Granada.
Cristina Ramírez
Toledo, 1981
cristina-ramirez.com
This project is part of Cristina
Ramírez’s research on cosmic hor-
ror and its representation. This
work stems from the literary work
of authors such as H.P. Lovecraft,
Arthur Machen and William H.
Hodgson to create a kind of treatise
on the landscape of cosmic horror
through drawing and sculpture, es-
tablishing and concentrating on a
series of landscape categories that
part from fiction and speculation.
The works arise from a complete
detachment from everything relat-
ed to the human sphere: the gaze
moves away from the immediate
and anthropocentric to pay atten-
tion to the vast and indifferent cos-
mos.
The paradox, what should be and
is not, is another central concept
in the work: the ontological perver-
sion, the germ (seed) of the psycho-
logical conflict created by cosmic
horror. An attempt to represent the
unthinkable, the other. This gives
rise to a speculative work, drawings
and sculptures, like science fiction,
arise from conjecture and partici-
pate in the transgression of the real
by inserting an impossible fact.
In the project, landscape and na-
ture are setting and protagonist
at the same time; it represents a
world that no longer belongs to
human beings, traced, shaken and
unsettled by forces of supernatural
origin.
Cristina Ramírez studied History
of Art (Complutense University of
Madrid) and Fine Arts (Universi-
ty of Granada). She received the
DKV-Makma drawing award, Pre-
mio Joven from the Compultense
Foundation and she was selected
for the Iniciarte programme of pro-
duction grants. She was a resident
artist in Slovenia (BB-Art Colony)
and Italy (Casa Falconieri) and her
work has been exhibited individual-
ly and collectively in Madrid, Valen-
cia and Granada.
127
 Fernando Renes
Covarrubias, Burgos, 1970
fernandorenes.com

Oloa Avena Oatmeal

Kakaoa Cacao Cocoa
Eztia Miel Honey
Ahuntz esnea Leche de cabra Goat’s Milk
Sabinarentzako esnea Leche para Sabina Milk for Sabina
Komuneko papera Papel higiénico Toilet Paper
Sukaldeko papera Papel de cocina Kitchen Roll
Arrakasta Éxito Success
Reineta sagarrak Manzanas reineta Reineta Apples

Fernando Renes artista bisuala Fernando Renes artista visual Fernando Renes visual artist
47 urte 47 años 47 years old
167 zm 167 cm 5 feet 5 inches
83 Kg 83 Kg 183 pounds

Azkenaldian bere lana erakutsi du
MUSAC, Museo de arte contem-
poráneo de Castilla y León; Museo
Patio Herreriano, Valladolid; Cen­
troCentro, Madrid; MAC Gas Natural
Fenosa, A Coruña; DA2, Salamanca;
CAM Raleigh, Carolina del Norte;
Centre d´art La Panera, Lleida, bes-
teak beste.
Últimamente se ha podido ver su
obra en el MUSAC, Museo de arte
contemporáneo de Castilla y León;
Museo Patio Herreriano, Vallado-
lid; CentroCentro, Madrid; MAC Gas
Natural Fenosa, A Coruña; DA2, Sa-
lamanca; CAM Raleigh, Carolina del
Norte; Centre d´art La Panera, Llei-
da, entre otros.
Lately he has shown his work at
MUSAC, Museo de arte contemporá-
neo de Castilla y León; Museo Patio
Herreriano, Valladolid; CentroCentro,
Madrid; MAC Gas Natural Fenosa, A
Coruña; DA2, Salamanca; CAM Ra-
leigh, North Carolina; Centre d´art La
Panera, Lleida, among others.

130 131
132

Gizadiak planetako aberats basatie-
nak bilatzen dituen bitartean pinpi-
linpauxak molestatzen dituela amets
egiten dut. Egiten ditudan hegaldi
arriskutsuetako batean materia ilu-
na zeharkatu eta desinformazioaren
hilerrian gordetako zientzialari bat
aurkitzen dut.
—Sasikumeak beti ezkutatzen dira.
Bere eskuko harriak Isabellaren
buruaren gainetik pasatzen dela
ikusten dut eta honek desertuko
duna batzuen atzean distiratzen
du. Bere gutunetan, Isabellak hodei
sakratu baten atzean gordeta pasa-
tako egun luzeez hitz egiten dit, bere
beldurra ezkutatuz:
—Eraikitzeko denbora behar dut,
denbora bat suntsitzeko.
Mabi Revuelta. Gure Artea 2016
Sariaren Irabazle, bere sorkuntza
jarduna aintzat hartze gisa, ospe
handiko erakundeetan egin ditu
erakusketak, hala nola, Bilboko Gug-
genheim Museo; ISCP, New York;
Txinan eta Japonian, Pekingo eta
Tokioko Cervantes Institutuak, New
Yorkeko Museo Erotikoan; ARTIUM
Museoa, Vitoria-Gasteiz; TEA Mu-
seoa, Tenerife; Casa Encendida, Ma-
dril; BilbaoArte Fundazioa edo Bilbo-
ko Vanguardia eta Madrilgo Raquel
Ponce galeriak. Bere azken era-
kusketa indibiduala 2015ean egin
zuen Gasteizko ARTIUM Museoan.
Egun, ikerketa ildo berri bat ari da
garatzen, BBVA Fundazioak Ikerke-
ta eta Kultur Sorkuntzarako (2016)
eman dion diru laguntza bati esker.
Sueño que la humanidad molesta a
las mariposas mientras busca a los
millonarios más salvajes del plane-
ta. En uno de mis vuelos peligrosos,
atravieso la materia oscura y descu-
bro a un científico refugiado en el ce-
menterio de la desinformación.
—Los bastardos siempre se esconden.
Veo cómo la piedra de su mano so-
brevuela la cabeza de Isabella y ésta
destella tras las dunas de un desier-
to. En sus cartas, Isabella me habla
de sus largas jornadas oculta detrás
de una nube sagrada, encubriendo
su miedo:
—Necesito tiempo para construir,
para destruir un tiempo.
Mabi Revuelta Ganadora del Pre-
mio Gure Artea 2016 como recono-
cimiento a su actividad creativa, ha
realizado exposiciones en institu-
ciones de prestigio como el Museo
Guggenheim, Bilbao; ISCP, Nueva
York; Instituto Cervantes de Pekín,
China y Tokio, Japón; Museo Eróti-
co, Nueva York; Museo ARTIUM, Vi-
toria-Gasteiz; Museo TEA, Tenerife;
Casa Encendida, Madrid; Fundación
BilbaoArte o las galerías Vanguar-
dia, Bilbao y Raquel Ponce, Madrid.
Su última exposición individual ha
tenido lugar en el Museo ARTIUM de
Vitoria-Gasteiz en 2015. Actualmente
está desarrollando una nueva línea
de investigación artística gracias a la
concesión de una Ayuda de la Funda-
ción BBVA para Investigación y Crea-
ción Cultural (año 2016).
Mabi Revuelta
Bilbao, 1967
mabirevuelta.com
I dream of humanity bothering the
butterflies while searching for the
wildest millionaires on the planet.
On one of my dangerous flights, I go
through dark matter and discover a
scientist refugee in the cemetery of
disinformation.
—The bastards always hide.
I see how the stone of his hand flies
over Isabella’s head and it blinks be-
hind the dunes of a desert. In her
letters, Isabella tells me about her
long journeys hidden behind a sacred
cloud, covering up her fear:
—I need time to build, to destroy a
time.
Mabi Revuelta Winner of Gure Ar-
tea 2016 Award in recognition of her
creative activity; has held shows in
prestigious institutions including Mu-
seo Guggenheim Bilbao; ISCP, New
York; Instituto Cervantes in Beijing,
China and Tokyo, Japan; Erotic Mu-
seum, New York; Museo ARTIUM,
Vitoria-Gasteiz; Museo TEA, Tenerife;
Casa Encendida, Madrid; Fundación
BilbaoArte and Vanguardia Galleries,
Bilbao and Raquel Ponce, Madrid.
Her latest individual exhibition took
place at the Museo ARTIUM in Vito-
ria-Gasteiz in 2015. She is currently
developing a new research line made
possible by the granting of Funding
from the BBVA Foundation for Re-
search and Cultural Creation (2016).
135

Waaitt* politikotik harantzago
sinboloak sortzen dituen jendetzaz
nahita egindako saio bat da.
Edo gutxiago.
3 ekitaldirentzat 3 toki dituen egitu-
ra batean jarduten da
—bederatzi modu—.
Austen duena hiru gorputz dira:
ume bat, Julia Martos eta nire aitak
osatzen duten sorkuntza jakin bat.
Hau da formarekiko pertsona batzuk.
Apurtzen den sistema bat noski.
Horrela eta beste erara.
Gorputza arraroena dela esaten dut,
Jaliscoko conga eta gainerakoak eta
gainerakoen artean dauden irudiak
hartzen ditut.
Burdina eta plan jakin bat galdetzen
diot nire buruari.
Eo eo,
oe.
* High School Musical, “We Are All In
This Together” (2006)
Mar Reykjavik Arte Ederretan lizen-
tziatua da Valentziako Unibertsitate
Politeknikoan eta Madrilgo Master-
Laven Ikus-entzunezko Sorkuntza
Garaikidea masterra burutu zuen.
Bere lana estatu mailan La Galle-
ra, Fundación La Posta, Valentziako
Octubre CCC i el Muvim, Espacio
Oculto, Storm And Drunk, Madrilen,
Salamancako Da2 Artium, Teneri-
feko COAC, edo Getxoko El Respira-
deron erakutsi izan da, eta nazioarte
mailan Berlingo NGBK galeria, Stoc-
kholmgo SupermarketArtFair edo
Buenos Airesgo El Recoletan. Boxes
taldearen sortzaileetako bat. %50
Cinépoème. %33 Guardar Imagen
Como.
Waaitt* es un ensayo a posta de la
multitud que genera símbolos más
allá de lo político.
O menos.
Se actúa sobre una estructura que
dispone tres lugares para tres actos
—nueve maneras—.
Lo que aguanta son tres cuerpos:
una generación concreta que confor-
man un niño, Julia Martos y mi padre.
Esto es algunas personas de acuerdo
con la forma.
Un sistema que se rompe, claro.
Así y asá.
Digo que el cuerpo es lo más extra-
ño, tomo la conga de Jalisco y las
imágenes que hay entre los demás y
lo demás.
Me pregunto el hierro y un plan en
concreto.
Eo eo,
oe.
* High School Musical, “We Are All In
This Together” (2006)
Mar Reykjavik es licenciada en
­Bellas Artes por la UPV, Valencia y
máster en Laboratorio de Creación
Audiovisual Contemporánea, Mas-
terLav, Madrid. Su trabajo se ha
puesto en espacios a nivel nacional
como La Gallera, Fundación La Posta,
Octubre CCC i el Muvim en Valencia,
Espacio Oculto, Storm And Drunk,
en Madrid, Da2 Artium en Salaman-
ca, COAC en Tenerife, El Respirade-
ro en Getxo e internacionales como
Galeria NGBK, Berlín, Supermarke-
tArtFair, Estocolmo o El Recoleta,
Buenos Aires. Co-fundadora del co-
lectivo Boxes. 50% Cinépoème. 33%
de Guardar Imagen Como.
Mar Reykjavik
Sagunt, 1995
marreykjavik.es
Waaitt* is a deliberate rehearsal of
the crowd that creates symbols be-
yond the political.
Or less.
The acting is done on a structure that
has three places for three acts
—nine ways—.
What stands are three bodies: a con-
crete generation that is formed by a
child, Julia Martos and my father.
This is some people according to the
form.
A system that breaks, of course.
So and so.
I say that the body is the strangest,
I take the conga of Jalisco and the
images that there are between the
others and the rest.
I ask myself the iron and a plan in
particular.
Eo eo,
oe.
* High School Musical, “We Are All In
This Together” (2006)
Mar Reykjavik graduated in Fine
Arts from UPV, Valencia, and has a
Master’s Degree in Laboratory of
Contemporary Audiovisual Creation,
MasterLav, Madrid. Her work has
been exhibited nationwide in spaces
such as La Gallera, Fundación La Pos-
ta, Octubre CCC and Muvim in Valen-
cia; Espacio Oculto, Storm And Drunk
in Madrid; Da2 Artium in Salamanca;
COAC in Tenerife; El Respiradero in
Getxo and internationally such as
Galeria NGBK in Berlin; Supermarke-
tArtFair, Stockholm, and El Recoleta
in Buenos Aires. She is co-founder of
the Boxes collective. 50% Cinépoème.
33% Save Image As.
139
140 141

Getxoko (Bizkaia) hondartzak es-
taltzen dituen arroka sedimenta-
rioen estratuetan, Tunelboka eta
Gorrondatxen, geologikoa izateaz
gain kulturala den sistema estra-
tigrafiko bat existitzen da. Arroka
zatiek euren historia materialaren
intsignia kargatzen dute. Bizkaiko
Labe garai eta Zeramika Produktuen
Elkarte Orokorraren garaira atze-
ra garamatzan historia bat, hauen
markak oraindik adreilu erregogor
eta bestelako produktu manufak-
turatuen zatietan ikusgai direnak:
“Suarry”; “Uriarte Hermanos y Com-
pañía”; “Procersa”; ”Glenboig”.
1906 eta 1970 artean Bizkaiko Labe
Garaien Elkarteak Kantauri Itsaso-
ra hondakin industrialen 125 miloi
tona bota zituen, gaur egun fun-
dizioetatik datorren zepazko estratu
arrokatsu batean ikusgai dena. Dau-
kan gogortasun eta trinkotze maila
nabarmenak (jatorrizko materialak
berrogei eta ehun eta hamabost
urteko antzinatasunarekin datatuak
izan direnez), ez dira soilik gaur
egun Bilboko estuarioan Iraultza
Industrialaren lekukotasuna bezala
existitzen, Antropozenoaren aro
geologiko berri baten fosil gisa-
baizik. Tunelboka eta Gorrondatxek
maila estratigrafikoan gizakiaren
jarduerak utzi duen aztarna eta ho-
nen ekintzak planetaren funtziona-
mendu sistemak aldatzen ari diren
modua ikertzeko mundu mailan e­­
rreferentzia den erregistro geologi-
ko bat osatzen dute.
Miguel Sbastidak Obra Social La
Caixaren beka bati esker School of
the Art Institute of Chicagon Arte
Ederren Masterra burutu zuen. Arte
Ederretan lizentziatua da Madrilgo
Complutentse Unibertsitatean eta
lizentziaturako ikasketak Holanda
eta Kanadan burutu ditu. Bere lana
nazioarte mailan Zhou B Art Center,
ARCO, Korea Foundation Gallery,
Hyde Park Art Center, Expo Chica-
go, Centro del Carme, MUA, Sullivan
Galleries edo Laboral Centro de Ar-
ten erakutsia izan da.
En los estratos de roca sedimentaria
que cubre las playas de Getxo (Viz-
caya) en Tunelboka y Gorrondatxe,
existe un sistema estratigráfico que
no es sólo geológico, sino también
cultural. Fragmentos de roca cargan
la insignia de su historia material.
Una historia que nos desplaza atrás
en el tiempo hasta los Altos Hornos
de Vizcaya y la Sociedad General de
Productos Cerámicos, cuyas marcas
pueden ser todavía observadas en
fragmentos de ladrillos refractarios
y otros productos manufacturados:
“Suarry”; “Uriarte Hermanos y Compa-
ñía”; “Procersa”; ”Glenboig”.
Entre 1906 y 1970, la Sociedad Altos
Hornos de Vizcaya vertió al Mar Can-
tábrico más de 125 millones de tone-
ladas de desechos industriales, que
yacen hoy expuestos en un estrato
rocoso de escoria procedente de las
fundiciones. Su remarcable nivel de
dureza y compactación (dado que
sus materiales de procedencia han
sido datados entre cuarenta y ciento
quince años de antigüedad), existen
hoy no sólo como testimonio de la
Revolución Industrial en el estuario
de Bilbao, sino como fósiles para
la nueva edad geológica del Antro-
poceno. Tunelboka y Gorrondatxe,
conforman un registro geológico de
referencia a nivel mundial en el que
se puede estudiar la huella que la
actividad humana ha dejado a nivel
estratigráfico, y el modo en que las
actividades humanas están alteran-
do los sistemas de funcionamiento
planetario.
Miguel Sbastida ha realizado un
Master in Fine Arts en el School of
the Art Institute of Chicago gracias
a una beca de Obra Social La Caixa.
Es licenciado en Bellas Artes por la
Universidad Complutense y ha rea-
lizado estudios de licenciatura en
Holanda y Canadá. Su obra ha sido
expuesta internacionalmente en
venues como Zhou B Art Center,
ARCO, Korea Foundation Gallery,
Hyde Park Art Center, Expo Chica-
go, Centro del Carme, MUA, Sullivan
Galleries o Laboral Centro de Arte.
Miguel Sbastida
Madrid, 1989
In the strata of sedimentary rock
that covers the beaches of Getxo
(Vizcaya), in Tunelboka and Gorron-
datxe, there is a stratigraphic sys-
tem that is not only geological, but
also cultural. The fragments of rock
carry the badge of its material histo-
ry. A history that takes us back to the
time of Altos Hornos de Vizcaya and
la Sociedad General de Productos
Cerámicos, whose marks can still be
seen in fragments of fireproof bricks
and other manufactured products:
“Suarry”; “Uriarte Hermanos y Com-
pañía”; “Procersa”; ”Glenboig”.
Between 1906 and 1970, Sociedad
Altos Hornos de Vizcaya dumped
more than 125 million tonnes of
industrial waste into the Cantabri-
an Sea, which lie exposed today
over a slag rock stratum from the
foundry. Its remarkable level of
hardness and compaction (given
that their materials of origin have
been dated between forty and one
hundred and fifteen years old), they
exist today not only as proof of the
Industrial Revolution in the estuary
of Bilbao, but also as fossils for the
new geological Anthropocene era.
Tunelboka and Gorrandatxe form
a geological record reference on a
global level in which the footprint
that the human activity has left at
the stratigraphic level and the way
human activities are changing the
systems of planetary functioning
can be studied.
Miguel Sbastida graduated from
a Master in Fine Arts at the School
of the Art Institute of Chicago, with
a scholarship from La Caixa Foun-
dation. He completed a Bachelor
in Fine Arts from Universidad Com-
plutense of Madrid after his fellow
studies to Holland and Canada. His
works have been shown internation-
ally at venues such as, the Zhou B
Art Center, ARCO, Korea Foundation
Gallery, Hyde Park Art Center, Expo
Chicago, Centro del Carme, MUA,
Sullivan Galleries o Laboral Centro
de Arte.
143
 Stratotype, 2018
Esku hartutako adreilua, zeramika refraktarioa, site-specific hondarra eta eskaiola pigmentatua
Ladrillos intervenidos, cerámica refractaria, arenas site-specific y escayola pigmentada
30 x 19 x 119 cm

Terror / Kultura gizartearen aldake-
ten aurrean erantzun gogoetatsu
baten modura ikuslearengan bel-
durra, ezinegona edo aldakortasu-
na eragiteko borondateari deritza-
ion terminoa da. Bere nahitasuna
ondorengo manifestuan laburbil-
tzen da: Terror / Kultura zera da:
- Pentsamendu sistemen sinbolo
estereotipatuak desegituratu. - in-
terpretazio subjektiboaren estimu-
lua ikuslearekin harreman modura.
- Kontzeptu sinesgaitzen aurkezpe-
na, iragar daitekeen ordena batetik
urrun. - Forma eta kontzeptuaren
bitarteko beldurraren etengabeko
aipamena. - Beldurra eta arrazio-
naltasunaren arteko guda. - Go-
goetarako sistema berrien ekar-
pena kultura herrikoiaren sarean.
- Espazio publikoan ustekabekoa,
aldakortasuna eta gogoetaren
eransketa. Lengoaia artistikoak
hondatzeko indar subertsiboan mi-
atuko da, hibridazioa praktikatuz
eta euskarri tipografiko, figurati-
bo eta abstraktuen ezpurutasuna
eta kutsaduragatik apustu eginaz.
Lan honen ekintza hiriko eremuan
eta esfera publikoan ardaztez da,
beti menperatze egituren kontrako
gogoetak sortuz. Hiriko espazioa
eskuratzeko estrategiak burutuko
dira, gogoeta eta jarreraren sorre-
ran arituko diren ikuspuntu berriak
gehituz, herriko kulturaren ahots
beldurgarrienak adieraziz.
UKA Goi Mailako Teknikaria da Di-
seinu Grafiko eta Ilustrazioan Gas-
teizko EASDen eta gaur egun disei-
natzaile eta muralista lan egiten du.
Bertako hainbat taldekako erakus-
ketetan parte hartu du: Secret Walls
Bilbao (Bilbo), GART´15 eta ‘18 (Alg-
orta), Trapagraff 2016, 2017, 2018
(Trapaga), Ibiladi Of Styles 2017­
( Arteaga).
Terror / Kultura es un término que
hace referencia a la voluntad de pro-
vocar en el espectador sensaciones
de temor, inestabilidad o incomo-
didad como una respuesta reflexi-
va a los cambios en la sociedad. Su
intencionalidad se resume en el si-
guiente manifiesto: Terror / Kultura
es: - Desestructurar los símbolos
estereotipados de los sistemas de
pensamiento. - El estímulo de la
interpretación subjetiva como co-
municación con el espectador. - La
presentación de conceptos impro-
bables, lejos del orden predecible.
- La constante alusión al terror a tra-
vés de forma y concepto. - La batalla
entre el miedo y la racionalidad. - La
contribución de nuevos sistemas de
pensamiento en el tejido de la cul-
tura popular. - La incorporación en
el espacio público de la sorpresa, la
inestabilidad y la reflexión. Se inda-
gará en el potencial subversivo de
minar los lenguajes artísticos, prac-
ticando la hibridación, apostando
por la impureza y el contagio de me-
dios tipográficos, figurativos y abs-
tractos. La acción de este trabajo se
concentra en el ámbito urbano y la
esfera pública, intentando siempre
generar pensamientos de oposición
a las estructuras de dominación. Se
ejecutarán estrategias de apropia-
ción del espacio urbano aportando
nuevas visiones que actúen como
generadores de pensamiento y acti-
tud, reflejando las voces más terri-
bles de la cultura popular.
UKA es Técnico Superior en Diseño
Gráfico e Ilustración por la EASD de
Vitoria-Gasteiz y actualmente traba-
ja como diseñador y muralista. Ha
tomado parte en varias exhibicio-
nes colectivas locales: Secret Walls
Bilbao (Bilbao), GART´15 y ‘18 (Al-
gorta), Trapagraff 2016, 2017, 2018
(Trápaga), Ibiladi Of Styles 2017
(Arteaga).
UKA
Margen Izquierda, 1982
Estudio: fatcombostudio.com
Portafolio: behance.net/iamuka
Fanpage: instagram.com/ukaisdead
Terror / Kultura (Culture of Fear)
is a term that refers to the will to
provoke sensations of fear, insta-
bility or discomfort as a reflexive
response to changes in society. Its
intentionality is summarised in the
following manifesto: Terror / Kul-
tura (Culture of Fear) is: - Decon-
structing the stereotypical symbols
of the system of thought. – Stimula-
tion of subjective interpretation as
communication with the audience.
– Presentation of improbable con-
cepts, far from a clear order. - The
constant allusion to terror through
form and concept. – The fight be-
tween fear and rationality. – Con-
tribution of new thought systems
in the fabric of popular culture.
– Incorporation of surprise, insta-
bility and reflection in the public
space. It is investigated in the sub-
versive potential of undermining
artistic languages, practicing the
hybridization, counting on a de-
fect and infection of typographic,
figurative and abstract media. The
effect of this work is concentrat-
ed on the urban environment and
public sphere, always trying to cre-
ate thoughts of opposition against
domination structures. Strategies
of appropriation will be implement-
ed in the urban space, contributing
new visions that act as creators of
thought and attitude, reflecting the
most terrible voices of popular cul-
ture.
UKA has a Higher Technician Degree
in Graphic Design and Illustration
from EASD in Vitoria-Gasteiz and cu-
rrently works as a designer and mu-
ralist. He has taken part in various
local collective exhibitions: Secret
Walls Bilbao (Bilbao), GART’15 and
’18 (Algorta), Trapagraff 2016, 2017,
2018 (Trápaga), Ibiladi Of Styles
2017 (Arteaga).
147
Aupai Aupai 2.0 Mickey Knows Flúorhead
Terror / Kultura. 100 x 70 cm Terror / Kultura. 100 x 70 cm Terror / Kultura. 100 x 70 cm Terror / Kultura. 100 x 70 cm
Serigrafia eta spraia paper gainean Serigrafia eta spraia paper gainean Serigrafia eta spraia paper gainean Serigrafia eta spraia paper gainean
Serigrafía y spray sobre papel Serigrafía y spray sobre papel Serigrafía y spray sobre papel Serigrafía y spray sobre papel

Terrormouse Ezkerraldea Terrorburns Thug Life

Terror / Kultura 100 x 70 cm Terror / Kultura. 100 x 70 cm Terror / Kultura. 100 x 70 cm Terror / Kultura. 100 x 70 cm
Serigrafia eta spraia paper gainean Serigrafia eta spraia paper gainean Serigrafia eta spraia paper gainean Serigrafia eta spraia paper gainean
Serigrafía y spray sobre papel Serigrafía y spray sobre papel Serigrafía y spray sobre papel Serigrafía y spray sobre papel

Sin título (Fosfenos) , 2018
Inkjet inpresioa azal fosforeszente baten gainean,
ausazko kliska-flasha
Impresión chorro de tinta en superficie fosforescente,
flash con disparo aleatorio
30 x 40 cm
“Sonámbulo Magnético (en cur-
so)” ametsen inguruko argazki-lan
bat da. Literatura hispanofonoaren
errekurtso onirikoaren azterketa-
tik hasi ondoren (mises en abîme
eta beste meta-fikzio mota batzuk),
proiektua progresiboki artistaren
ametsen egunkarian ardaztuz doa.
Argazkia duen izaera adierazgarri
dela eta “erreala” denarekin nahas­
ten den euskarri bat izanik, proiektu
honek berez erronka bat da: nola
atera argazki bat irudi mental bati?
Argia erreminta tekniko eta metafo-
riko moduan erabiliz lan egiten dut,
ikusleari irudia forma ezberdinetan
adierazten laguntzen dioten gailu-
ak sortzeko, argazkia instalazioaren
planora eramanaz. Argazki erregis­
troak ere nahastu ditu, Interneteko
irudietatik antzinako prozesuetara,
aktibitate onirikoa eta birtualtasuna-
rekin dugun esperientziaren artean
paralelotasun bat sortu daitekeena-
ren ideian oinarrituz. Psikoanalisia
edo surrealismotik haratago, ame­
tsek irudiekin pentsatzen dugula
uzten dute agerian, hizkuntzaren
aurrekoa edo honen paraleloa den
pentsamendu (mota) bat. Ahozkoa
ez izanik, honek egituratzen duen
munduarekiko harremana aberas­
tua dago, oihartzun eta misterioz
betea, arrazoimena eta kontzien­
tziatik haratago dauden mailak bar-
ne hartuz.
Marianne Wasowska antropo-
logian lizentziatua da eta Arlesko
Argazkilaritza Eskolan (ESNP) diplo-
matua. Bere argazkilaritza lana epe
luzeko proiektu dokumental eta
irudi mentalen inguruko ikerketa-
ren artean zatitzen da; azken aldian
ametsetan interesatu da. 2017An
Casa de Velazquezeko artista kidea
izan zen eta BilbaoArte Fundazio-
aren 2018ko beka jaso du. Studio
Hans Lucasek ordezkatua da eta Eu-
ropa eta Buenos Aires artean bizi da
gaur egun.
Marianne Wasowska
“Sonámbulo Magnético (en curso)”
es un trabajo fotográfico sobre los
sueños. Habiendo empezado por
un estudio del recurso onírico en
la literatura hispanófona (mises en
abîme y otras formas de metafic-
ción), el proyecto fue centrándose
­progresivamente en el propio diario
de sueños de la artista. Siendo la
fotografía un medio que por su ca-
rácter indicial suele confundirse con
lo “real”, este proyecto comprende
en sí un desafío: ¿cómo fotografiar
una imagen mental? Trabajó usan-
do la luz como herramienta técnica
y metafórica para crear dispositivos
que permiten a la imagen mani-
festarse al espectador de distintas
formas, llevando la fotografía al
plano de la instalación. También ha
mezclado los registros fotográficos,
desde imágenes de internet hasta
procesos antiguos, basándose en la
idea de que se puede concebir un
paralelo entre la actividad onírica
y nuestra experiencia de la virtuali-
dad. Más allá del psicoanálisis o del
surrealismo, lo que los sueños po-
nen en evidencia es el hecho de que
pensamos con imágenes, de mane-
ra anterior o paralela al lenguaje. Al
no ser verbal, la relación con el mun-
do que este estructura se encuentra
enriquecida, llena de ecos y miste-
rios, al abarcar niveles más allá de la
razón y de la consciencia.
Marianne Wasowska es licencia-
da en antropología y diplomada de
la Escuela de Fotografía de Arles
(ENSP). Su trabajo fotográfico se
divide entre proyectos documenta-
les de largo plazo, e investigaciones
sobre las imágenes mentales; se in-
teresó últimamente en los sueños.
Ha sido miembro artista de la Casa
de Velázquez en 2017 y recibió una
beca en la Fundación BilbaoArte en
2018. Es representada por el Studio
Hans Lucas y vive ­actualmente en-
tre Europa y Buenos Aires.
París, 1988
“Sonámbulo Magnético (en curso)”
[Magnetic Sleepwalker (in progress)]
is a photography project about
dreams. Having started with a study
of dream vision in Hispanophone lit-
erature (mises en abîme and other
metafictional forms), the project pro-
gressively focused on the artist’s own
dream journal. Since photography is
a medium whose indicative charac-
ter is often confused with the “real”,
this project includes a challenge: how
to photograph a mental image? By
using light as a technical and meta-
phorical tool to create devices that
allow the image to express different
forms to the audience, photography
becomes a part of the installation.
In addition, the work has blended
the photographic search, from inter-
net images to old processes, based
on the idea that a parallelism can be
conceived between the dream activ-
ity and our experience of virtuality.
Beyond psychoanalysis or surrealism,
what dreams reveal is the fact that we
think with images: in a way previous
or parallel to language. Since it is not
verbal, the relationship with the world
it structures is enriched, full of echoes
and mysteries, to encompass levels
beyond reason and consciousness.
Marianne Wasowska has a degree
in Anthropology and a diploma from
the School of Photography in Arles
(ENSP). Her photography work is di-
vided between long-term documen-
tary projects and research on mental
images. Lately, she has become in-
terested in dreams. She has been an
artist member in la Casa de Velázquez
in 2017 and received a grant from
BilbaoArte in 2018. Wasowska is rep-
resented by Hans Lucas Studio and
currently lives between Europe and
Buenos Aires.
151
Voyager / Classer (Talismanes), 2018
Biniloa norabide bakarreko ispilu gainean
Vinilo en espejo unidireccional.
80 x 110 cm
Sin título (The dream camera), (detallea). 2018
Bideomapping proiekzioa, hiru argi-kutxak Egurrezko idulkiak (80-110 zm), gailu argidun autonomoak,
berreskuratutako maletetan, gauza pertsonalak diapositibak, ikuskailuak
Proyección en videomapping, conjunto de tres cajas de luz Peanas de madera (de 80 a 110 cm), dispositivos luminosos
en maletas recuperadas, objetos personales autónomos, diapositivas, visionadoras de diapositivas
 TRUKAKETAKO ARTISTAK
ARTISTAS DE INTERCAMBIO
EXCHANGE ARTISTS

Imbalanced garai hyper-modernoa-
ren­ gehiegikerien esploraziotik sor­
tzen den berezko imaginario baten
sorreran ardazten da. Gure inguru-
arekin oreka utopiko bat ezartzeko
bilaketan, lan honek bizi espazioare-
kin dugun harreman sozial, politiko
eta ekonomikoren garapenera hur-
bilketa bat proposatzen du, aro ga-
raikidearen eraikuntzarako elemen-
tu garrantzitsuak diren mugimendu
globala eta masa-turismoaren kon-
traesanetatik sortzen diren arazoak
aintzakotzat hartuz. Jolas-parke bi-
lakaturiko hiriari egindako begira-
datik eta souvenir objektua egoera
hau irudikatzen duen ideia modura,
Imbalanced (desorekatua) Bregen-
zen iraila eta urria artean egindako
lau ekintza ezberdin biltzen ditu.
Kontrollzaun eta 3in1ek zuzenean
espazio publikoa eta pribatua defi-
nitu eta kontrolatzen dugun modua
ikertzen dute; beste aldetik, Broken
Pattern/Made in China eta Five Minute
Souvenirs gizakiak bere bizi espazioa
ustiatzeko garatu dituen estrategia
ezberdinetan ardazten dira.
Pau Figueres Arte Ederretan
lizentziatua da EHUan eta Enpresa
Kudeaketa eta Administrazioan,
marketing espezialitatean, Coven­
tryko Unibertsitatean (Erresuma
Batua). Doktoradutza ikasketen zati
bat Penn Stateko Unibertsitatean
garatu zituen (AEB). Estatu nahiz
nazioarte mailan hainbat erakus-
keta burutu ditu, hauen artean ai-
pagarrienak Bilboko Guggenheim
museoa edo Gasteizko Artiumen
parte-hartutako taldekako erakus-
ketak. Beka eta sari ezberdinak jaso
ditu, besteak beste, Gipuzkoako
Artista Gazteen lehiaketako proiek-
tu saria, BilbaoArteko egoitza eta
produkzio beka, Bizkaiako Foru Al-
dundiko beka, Bitamine Faktoriako
Transfronterizos beka edo BilbaoAr-
te-KunstHaus Bregenz egoitza beka.
Kubo Beltza Mobile Arte Gallery arte
publikoko proiektuaren sortzailea
da, arte praktika eta komisariaketa-
ren artean garatzen den proiektua,
eta Gilfiguer arte taldearen kide
sortzailea.
Imbalanced se centra en la creación
de un imaginario propio que sur-
ge de la exploración de los excesos
de la era hipermoderna. En la bús-
queda por establecer un equilibrio
utópico con nuestro hábitat, este
trabajo propone un acercamiento
al desarrollo de nuestra relación
social, política y económica con
nuestro espacio vital, atendiendo
a los problemas que surgen desde
las contradicciones del lo global y
el turismo de masas como elemen-
to importante de la construcción
de la contemporaneidad. Desde la
mirada a la ciudad convertida en
parque de atracciones y el objeto
souvenir como idea de representa-
ción de esta situación, Imbalanced
(desequilibrado) recoge cuatro ac-
ciones distintas realizadas en Bre-
genz (Austria) durante los meses de
septiembre y octubre. Kontrollzaun
y 3in1 estudian directamente la ma-
nera en la que controlamos y defini-
mos el espacio público y privado; y
por otro lado Broken Pattern/Made in
China y Five Minute Souvenirs se cen-
tran en las distintas estrategias que
el ser humano ha desarrollado para
explotar su espacio vital.
Pau Figueres Es licenciado en Bellas
Artes en la UPV-EHU y en Gestión y
Administración de Empresas en la
especialidad de marketing en la Uni-
versidad de Coventry (UK). Realiza
parte de sus estudios de doctora-
do en la universidad de Penn State
(EEUU). Ha realizado exposiciones a
nivel nacional e internacional donde
destacan exposiciones colectivas en
el Museo Guggenheim Bilbao y Ar-
tium de Vitoria. Ha recibido distintas
becas y premios, premio proyecto en
Artistas Noveles de Gipuzkoa, beca
BilbaoArte de residente y de pro-
ducción, beca Diputación de Bizkaia,
beca Transfronterizos de Bitamine
Faktoria, beca residencia Bilbaoarte­-
KunstHaus Bregenz. Es fundador del
proyecto de arte público Kubo Beltza
Mobile Art Gallery, proyecto híbrido
que se desarrolla entre la práctica
artística y el comisariado, y miem-
bro cofundador del grupo artístico
­Gilfiguer.
Pau Figueres
Donostia, 1973
Imbalanced focused on building a
personal imagination based on the
exploration of the excesses of the
hypermodern era. In the search for
establishing an ideal balance with
our habitat, this work suggests an
approach to the development of
our social, political and economic
relationship with our living space,
dealing with the problems that arise
from the contradictions of global and
mass tourism as an important ele-
ment of the construction of contem-
poraneity. From the view of the city
converted into an amusement park
and the souvenir object as represent-
ative of this situation, Imbalanced
collects four different actions carried
out in Bregenz (Austria) during the
months of September and October.
Kontrollzaun and 3in1 directly study
the way we control and define the
public and private space; on the oth-
er hand, Broken Pattern/Made in Chi-
na and Five Minute Souvenirs focus on
different strategies that human be-
ings have developed to exploit their
living space.
Pau Figueres has a degree in Fine
Art from the University of the Basque
Country and Management and Busi-
ness Administration specialised in
marketing from Coventry University
(UK). He did part of his doctoral stud-
ies at Penn State University (USA). He
has exhibited nationally and interna-
tionally; collective show highlights
include the Guggenheim Museum
Bilbao and Artium in Vitoria. He has
received various grants and awards:
First project in Artistas Noveles de
Gipuzkoa, BilbaoArte residency and
production grant, Council of Bizkaia
grant, Transfronterizos de Bitamine
Faktoria grant, BilbaoArte-Kun-
stHaus Bregenz residency grant. He
is the founder of the public art pro-
ject Kubo Beltza Mobile Art Gallery,
a hybrid project developed between
artistic and curatorial practice, and
a cofounder of the Gilfiguer artistic
group.
157

Fernando Villenak Bregenzko Kunst-
hausen egindako trukaketa egoitzan
zehar garatutako proiektuak giza-
kiak inguruarekin duen harremana,
ingurua bera eta honetan ibiltzeko
mapa eta memoriaren erabileraren
inguruko gogoeta bat dakar. Artis-
ta, beste baliabideekin egindako
hibridazioaren bitartez mapez, ko-
mertzialak nahiz memoriatik jaiota-
ko zirri­borro originalak, eta Vorarl-
bergeko biztanleek toki edo espazio
konkretu baten inguruan galdetuta
emandako azalpenekin baliatu da,
artistak hau igarotzen duen bitar-
tean esperientzia bilakatuz, neurri
batean tokiaren bere memoriatik,
gainontzeko subjektuentzat karto-
grafia pertsonal eta gertagaitza, es-
perientzia hau plano artistikora era-
manaz. Pintura, argazkia, jasotako
argazki batzuen ordenagailu bidezko
manipulazioa, Voralberg eta Bregenz
inguruan ibiltzen zen bitartean GPS
bitartez grabatutako ibilbideak eta
bertako mapen gaineko lan eta es-
ku-hartzeak izan dira Fernando Ville-
nak bere proiektua aurrera eramate-
ko erabili dituen baliabideak.
Fernando Villena Arte Ederretan
lizentziatua da EHUn (2001). Bere
formakuntza New Yorkeko School of
Visual Artsen bete du eta EHUn pin-
tura masterra burutu zuen. Hainbat
bakarkako eta taldekako erakuske-
tetan parte hartu du, estatu nahiz
nazioarte mailan. Besteak beste Biz-
kaiko Foru Aldundiko Arte bisualen
beka jaso du, BilbaoArte, Rogaland
Kunstsenter, Birch Creek Residency,
Addaya Centre D’Art Contemporani,
Area Lugar de Proyectos, Ballinglen
Arts Foundation, Fits Foundation eta
Bregenz Kunsthaus egoitza bekekin
batera. Bere lana erakunde ezber-
dinen bildumen parte da, besteak
beste, Coca-cola fundazioa, Bizkaiko
Foru Aldundia, BilbaoArte Fundazioa,
Addaya Centre D’Art Contempora-
ni, Ballinglen Arts Foundation eta
hainbat bilduma pribatu.
El proyecto desarrollado por Fer-
nando Villena durante su residencia
de intercambio en el Kunsthaus de
Bregenz implica una reflexión ­sobre
la relación del ser humano con el
entorno, el propio entorno en sí, así
como la utilización del mapa y la me-
moria como recurso a la hora de mo-
verse por él. El artista a través de su
hibridación con otros medios se ha
valido de mapas, tanto comerciales
como esbozos originales que nacen
de la memoria y las explicaciones de
los habitantes del Vorarlberg al pre-
guntarles por un lugar o espacio con-
creto, transformándose en una expe-
riencia en sí a medida que el artista
lo transita, en parte de su propia me-
moria del lugar, en una cartografía
personal e improbable para el resto
de sujetos, llevando esa experiencia
al plano artístico. La pintura, fotogra-
fía, manipulación por ordenador de
algunas de las imágenes obtenidas,
rutas grabadas en su GPS conforme
transitaba por el entorno de Bregenz
y el Vorarlberg, así como interven-
ción y el trabajo sobre mapas de la
zona han sido los medios elegidos
por Fernando Villena para llevar a
cabo su proyecto.
Fernando Villena licenciado en Be-
llas Artes por la Universidad del País
Vasco en el 2001. Amplía su forma-
ción en School of Visual Arts, Nueva
York y estudia un máster de pintura
en la Universidad del País Vasco. Ha
participado en numerosas exposicio-
nes individuales y colectivas, a nivel
nacional como internacional. Entre
otras, ha disfrutado de la Beca de Ar-
tes Visuales de la Diputación Foral de
Bizkaia, de las becas de residencia en
Bilbao Arte, Rogaland Kunstsenter,
Birch Creek Residency, Addaya Cen-
tre D’Art Contemporani, Área Lugar
de Proyectos, Ballinglen Arts Foun-
dation, Fits Foundation y de la beca
de intercambio de BilbaoArte en el
Bregenz Kunsthaus. Su obra está
representada en colecciones de insti-
tuciones como Fundación Coca–Cola,
Diputación Foral de Bizkaia, Bilbao
Arte, Addaya Centre D’Art Contem-
porani, Ballinglen Arts Foundation y
en diversas colecciones privadas.
Fernando Villena
Bilbao, 1974
fernandovillena.es
The project developed by Fernando
Villena during his exchange residen-
cy in Kunsthaus, Bregenz, suggests
a reflection on humanity’s relation-
ship with the environment, on the
environment itself, and on the use
of maps and memory as a resource
when moving around it. The artist,
through his hybridization with other
media, has used maps —both com-
mercial and original sketches— come
from the memories and explanations
of Vorarlberg’s inhabitants who were
asked about a specific place or space.
The artist transforms this into an ex-
perience in itself as he moves around
it, partly from his own memory of the
place, to a personal, improbable car-
tography for the rest of the subjects,
and takes that experience into the art
field. Painting, photography, com-
puter-manipulated images, routes
recorded on his GPS as he passed
through the surroundings of Bre-
genz and Vorarlberg, as well as inter-
ventions of maps of the area, are the
media chosen by Fernando Villena to
carry out his project.
Fernando Villena is a graduate in
Fine Arts by the University of the
Basque Country in 2001. He fur-
thered his education in the School
of Visual Arts, New York and stud-
ied a Master in Painting at the Uni-
versity of the Basque Country. He
has participated in various solo and
group exhibitions, nationally and in-
ternationally. Among others, he has
received the Visual Arts grant from
the Regional Council of Bizkaia, resi-
dency grants in BilbaoArte, Regoland
Kunstsenter, Birch Creek Residency,
Addaya Centre D’Art Contemporani,
Área Lugar de Proyectos, Ballinglen
Arts Foundation, Fits Foundation and
exchange grant from BilbaoArte in
Bregenz Kunsthaus. His work is rep-
resented in collections of institutions
such as the Coca-Cola Foundation,
the Regional Council of Bizkaia, Bil-
baoArte, Addaya Centre D’Art Con-
temorani, Ballinglen Arts Foundation
and in various private collections.
159

Sara Bildsteinen obrak alienazioaren
fenomenoa lantzen du. Munduaren
etengabeko digitalizazioarekin, bere
lanaren aspektu nagusienetako bat
aldaketa geldo eta objektuen ezau-
garri material-inmanenteak begi-
ratzean datza, hauek inguru mate-
rialarekin duten elkarreraginarekin
batera. Bilbon ura eta kolorearen
arteko harremanarekin esperimen-
tatzen hasi zen 100 kromotografia
zatien multzo baterako parame­
troak zehazteko, hau munduko toki
guztietako 100 laginekin osatzen da.
Ura natura eta errekurtso naturalen
banaketaren desorekaren adieraz-
garri nabari bat da, industrializazioa
eta garapen ekonomikoa bezalako
giza-faktoreen bitartez. Kromato-
grafiaren bereizketa prozesuan, ko-
lore partikulak uraren lurrun­ketaren
arabera egituratzen dira. Prozesuak
egun batzuk irauten ditu, azkenik
uretatik altxatzen diren izakiak di-
ruditen egiturak azaleratzen diren
arte. Forma amorfo hauek mun-
duaren ikuspegiaren baten du-
rundatzea gogorarazten digute,
munduaren baldintza alienagarriei
aurkako estrategia potentzial bat
eskaintzen diena. Horrela, serieak,
logika kapitalistaren pareko mundu
batean prozesu historiko eta kultu-
ralen arteko harre­mana abordatzen
du. Artistak, Atlantikoko ura lehen
aldiz erabiliz, leku jakin honen es-
pezifikazioak kontutan hartzen ditu.
Sarah Bildsteinek Vienako Arte
Ederren Akademiako diploma bat
dauka. Bere lanak, garai postin-
dustriala eta kontsumo kulturaren
interfazean, metafora, abstrakzioa
eta subjektu alienatuaren behaketa
lantzen du. Alienazioaren diskur­
tsoan kokatzen diren abstrakzioaren
aukerak interesatzen zaizkio. Bere
praktikak metodo estetikoen po-
litiken eragina dauka, era berean
tematikoak eta toki zehatzei lo-
tutakoak diren inguruen aurrean
erantzuten duelarik.
La obra de Sarah Bildstein trabaja el
fenómeno de la alienación. Con la
digitalización progresiva de ­nuest­ro
mundo, un aspecto central de su
trabajo es la observación de cam-
bios lentos y las propiedades mate-
riales-inmanentes de los objetos, así
como su interacción con el entorno
material. En Bilbao empezó a expe-
rimentar con las relaciones entre el
agua y el color para determinar los
parámetros para una serie de cro-
matografías en 100 partes, que con-
sisten en 100 muestras diferentes de
agua de todas partes del mundo. El
agua es un indicador sensible de un
desequilibrio en la naturaleza y en la
distribución de los recursos natura-
les, por medio de factores humanos
tales como la industrialización y el
desarrollo económico. En el proceso
de separación de la cromatografía,
las partículas de color se estructu-
ran según la evaporación del agua.
El proceso lleva unos días hasta que,
al fin, emergen unas estructuras
como seres que se elevasen de entre
el agua. Estas formas amorfas nos
recuerdan el resonar de una visión
del mundo que ofrece una contraes-
trategia potencial a las condiciones
alienantes de este. Así, la serie abor-
da la relación entre procesos his-
tóricos y culturales en un mundo a
semejanza de la lógica capitalista. La
artista, al utilizar agua del Atlántico
por primera vez, lo que hace es tener
en cuenta las especificidades de este
espacio.
Sarah Bildstein posee un diploma
de la Academia de Bellas Artes de
Viena. Su obra trata la metáfora, la
abstracción y la observación del su-
jeto alienado en la interfaz de la era
postindustrial y la cultura de consu-
mo. Le interesan las posibilidades de
la abstracción enmarcada en discur-
sos de alienación. Su práctica está in-
fluida por la política de los métodos
estéticos a la par que reacciona a
contextos temáticos y ligados a ubi-
caciones concretas.
Sarah Bildstein
Feldkirch, 1987
sarahbildstein.com
Sarah Bildstein’s work deals with the
phenomenon of alienation. With the
progressive digitization of our world,
a central aspect of her work is the
observation of slow changes and
the material-immanent properties
of things and their interplay with the
material environment. In Bilbao, she
started experimenting with relations
between water and colour to deter-
mine the parameters for a 100-part
series of chromatographies, consist-
ing of 100 different samples of water
from all over the world. Water is a
sensitive indicator of an imbalance in
nature and natural resource distribu-
tion, through the human-led factors
of industrialization and economic
development. In the separation pro-
cess of chromatography, the colour
particles are structured by the evap-
oration of water. The process takes
a few days until, eventually, struc-
tures emerge that resemble beings
rising from out of the water. These
amorphous forms are reminiscent
of a resonant worldview that offers a
potential counter-strategy to alienat-
ed world conditions. The series thus
addresses the relationship between
historical and cultural processes in
a world shaped by capitalistic logic.
By using seawater from the Atlantic
for the very first time, she is taking
into account the specificities of this
space.
Sarah Bildstein was born in Austria
and holds a diploma from the Acad-
emy of Fine Arts in Vienna. Her work
concerns metaphor, abstraction and
the observation of the alienated sub-
ject at the interface of the post-indus-
trial age and consumer culture. She
is concerned with the possibilities of
abstraction within discourses of al-
ienation. Her practice is influenced
by the politics of aesthetic methods
and reacts to site-specific and the-
matic contexts.
161

Profilak kopiatzeko pinta baten
altzairuzko orratz finak negatiboan
moldeak ateratzeko erabili daitezke.
Trazatutako ingeradak galtzen doaz
forma berriek hauen lekua hartzen
dutenean.
Artistak Bilboko 14 toki bisitatu zi-
tuen metodo honen bitartez hainbat
elementu arkitektoniko dokumen-
tatzeko. Hauen artean kalos­tra ba-
ten zatiak, pareta baten iskinak eta
Bilboko etxe zaharrenetako bat go-
gorarazten duen monumentu baten
azalera aurkitzen dira.
14 toki hauen koordenatuek Fibo-
nacciren zenbaki-segidan oinarritzen
den espiral batean dute sorburu,
artistak Bilbo hiriko mapa batean
1:15.000 eskalan marraztu zuena.
Barekurkuilo baten itxurako marraz-
ki hau BilbaoArte Fundazioko estu-
dioan sortu zen, hemendik, artistak,
Remigius Gnetner arkitektoarekin
batera, hiriko koordenatu guztietatik
bilatu zuen. Arkitektoari argazkiak
atera zizkion ingeradak trazatzen,
prozesua, elementu arkitektonikoak
eta kokapen zehatza dokumentatuz.
Erakusketan beraien artean lotura
duten hiru argazki sail ikus daitez-
ke, marraztutako hiriko planoarekin
batera. Artistak bere lanean hiriko
arkitektura miatzen du, etengabeko
aldaketan dagoen hiriko erliebea eta
honen dinamikak.
Janine Maria Schneider Vienako
Arte Ederretako Arte Performati­
boen departamentuan ikasi zuen.
Bere lanean aukera performatibo
adierazgarriak ikertzen ditu, gaur
egun arkitekturarekin daukan el-
karrekintzan. Bere arte praktikaren
muinean jasotze eta memoriaren ez-
tabaidak daude. 2009tik barraskiloa
errepikatzen den motibo bat da bere
lanean. Gaur egun Vienan bizi da eta
bertan lan egiten du.
Janine Maria Schneider
Las finas agujas de acero de una pin-
ta copiadora de perfiles se puede uti-
lizar para extraer moldes en negati-
vo. Los contornos trazados empiezan
a perder cuando formas nuevas ocu-
pan su lugar.
La artista visitó 14 ubicaciones en la
villa de Bilbao para documentar va-
rios elementos arquitectónicos por
medio de este método. Entre ellos se
cuentan partes de una balaustrada,
las esquinas de una pared y la super-
ficie de un monumento que recuerda
a una de las casas más antiguas de
Bilbao.
Las coordenadas de estos 14 puntos
derivan de una espiral basada en la
secuencia numérica de ­Fibonacci,
que la artista dibujó en un mapa
urbano de Bilbao a la escala de
1:15.000. Este dibujo similar a un
caracol se originó en el estudio de
la Fundación BilbaoArte, desde la
cual la artista, junto al arquitecto
Remigius Gnetner, buscó por to-
das las coordenadas de la ciudad.
Fotografió al arquitecto trazando
los contornos, documentando el
proceso, los elementos arquitectó-
nicos y la ubicación específica. En la
exposición se pueden ver tres series
fotográficas conectadas, además del
plano urbano con el dibujo. La artista
­explora en su obra la arquitectura ur-
bana, el paisaje urbano en constante
evolución y sus dinámicas.
Janine Maria Schneider estudió en
el departamento de Artes Performa-
tivas de la Academia de Bellas Artes
de Viena. En su obra explora posi-
bilidades performativas expresivas,
actualmente en su interacción con
lo arquitectónico. Al centro de su
práctica artística se sitúan cuestiones
de recepción y memoria. El caracol
es un motivo recurrente en toda su
obra desde 2009. Actualmente vive y
trabaja en Viena.
Dornbirn, 1986
janinemariaschneider.com
The fine steel pins of a profile gau-
ge can be used to extract negative
moulds. The contours traced begin
to lose their shape once new forms
take their place.
The artist visited 14 locations in the
city of Bilbao to document varied
architectural elements using this
method. These included parts of a
balustrade, the edges of a wall, and
the surface of a monument which is
reminiscent of one of the oldest hou-
ses in Bilbao.
The coordinates of these 14 spots
derived from a spiral based on the
Fibunacci number sequence, which
the artist drew on a city map of
Bilbao on a scale of 1:15,000. This
snail-like drawing originated in the
studio of the BilbaoArte Foundation,
from where, together with the archi-
tect Remigius Gnetner, she searched
through the coordinates of the city.
She photographed the architect as
he traced the contours, documen-
ting the process, the architectural
elements and the specific location.
Three connected photo series, as
well as the city map with the drawing,
can be seen in the exhibition room.
In her work, the artist explores urban
architecture, the constantly evolving
cityscape and its dynamics.
Janine Maria Schneider studied in
the Performative Arts department at
the Academy of Fine Arts, Vienna. In
her work, she explores preformative
expressive possibilities, currently at
their interface with the architectural.
Questions of receiving and remem-
bering are central in her artistic prac-
tice. Since 2009, the snail is a recur-
ring motif throughout her work. She
currently lives and works in Vienna.
163

Del Bosintang al Puppy Face Seulen
garatu egin den hedatutako ilustra-
zio proiektu bat da. Tituluak zakurra
metafora bezala aipatzen du. Nazio-
arteko begiradatik, Bosintangaren
(zakur zopa) kontsumoak eztabaida
handia eragiten du. Begetarianoa
elebe­rrian, Han Kang hegokore-
arrak kapitalismoa eta patriarkatua-
ren faktore atzerakoiei aurre egiten
dien emakume baten ezbeharra
kontatzen du, animaliak jateari utzi
eta nagusiki begetala den izaki bi-
hurtzeko.
Inperialismo estatubatuarraren
menperatzetik, Han errekaren ur-
bazterren hazkunde ekonomikoak
kapitalismo basatienari ateak zabal-
du dizkio. Konfuzianismoa bezalako
tradizioen kalterako izan den “zabal-
tze” honek Byung Chul Han bezala-
ko pentsalariak inspiratu ditu, hau
“gardentasunaren gizartea” bezala
izendatu dutelarik. Horrela deskri-
batzen du gure postmodernitatean
norberaren irudiak zabaltzeko dau-
kagun behar boluntario aseezina.
Urbeltzek “puppy face”-a daukaten
filtroen populartasuna ekialdea eta
mendebaldearen arteko kultura
talkaren paradoxa bezala proposa­
tzen du, zakur zopa eta Instagra-
meko sel­fien arteko linea kronolo-
giko hipotetiko baten bitartez. Linea
honetan Zen budismotik K-Popera
doazen elementuak ezartzen ditu,
Haenyeoetatik pasatuz, Jeju uharte-
ko adineko andre itsaspekariak.
Leire Urbeltz Arte Ederretan lizen-
tziatua da. Ikerketa eta Sorkuntza
Masterra EHUan eta Eina-UAB Esko-
lako Sormenezko Ilustrazioa eta
Komunikazio Bisualean teknikaria.
BBVA Fundazioaren Leonardo beka.
Sema Nanji (Seul), Centro Cultural
El Paso del Norte (Ciudad Juarez),
Manga Art Studio (Pekín) eta Bilbao-
arten artista egoiliarra. Nafarroako
Topaketen 1. saria eta Nafarroako
Sorkuntzarako Laguntza jaso ditu.
Del Bosintang al Puppy Face es un
proyecto de ilustración expandida
desarrollado en Seúl. El título hace
referencia al perro como metáfora.
Desde la mirada internacional, el
consumo del Bosintang (sopa de pe-
rro) despierta una gran controversia.
En su novela La Vegetariana, la surco-
reana Han Kang relata el drama de
una mujer que se enfrenta a los fac-
tores reaccionarios del capitalismo y
del patriarcado, dejando de comer
animales para convertirse en un ser
esencialmente vegetal.
Desde la dominación del imperialis-
mo estadounidense, el crecimiento
económico de las orillas del Río Han
ha dado vía libre al capitalismo más
feroz. Esta “apertura” en detrimento
de tradiciones como el Confuncianis-
mo, está inspirando a pensadores
como Byung Chul Han a denominar
esta como la “sociedad de la trans-
parencia” . Así describe el insaciable
impulso para la divulgación volunta-
ria de imágenes autorreferenciales
en nuestra posmodernidad.
Urbeltz propone la popularización de
los filtros con “puppy face” como una
paradoja del choque cultural entre
oriente y occidente a través de una
hipotética línea cronológica entre la
sopa de perro y los selfies de Insta-
gram. En esta línea situa elementos
que van desde el Budismo zen al
K-Pop , pasando por las Haenyeo, las
ancianas buceadoras de la isla de
Jeju.
Leire Urbeltz es licenciada en Be­
llas Artes, Máster en Investigación y
Creación en Arte por la UPV y técnico
en Ilustración Creativa y Comunica-
ción Visual en la Escuela Eina-UAB.
Beca Leonardo Fundación BBVA. Ar-
tista residente en: Sema Nanji (Seúl),
Centro Cultural El Paso del Norte
(Ciudad Juárez), Manga Art Studio
(Pekín) y BilbaoArte. 1.º premio En-
cuentros de Navarra y beneficiaria
de las Ayudas a la Creación del Go-
bierno de Navarra.
Leire Urbeltz
Iruñea, 1985
leireurbeltz.com
Del Bosintang al Puppy Face (From
Bosintang to Puppy Face) is an ex-
panded illustration project devel-
oped in Seoul. The title refers to the
dog as a metaphor. From the inter-
national point of view, consumption
of Bosintang (dog soup) raises a
great controversy. In her novel The
Vegetarian, South Korean author Han
Kang narrates the drama of a woman
who faces the reactionary elements
of capitalism and the patriarchy, and
stops eating animals to become an
essentially vegetal being.
Since the domination of American
imperialism, the economic growth
of the banks of Han River has given
way to the fiercest capitalism. This
“openness” to the detriment of tra-
ditions such as Confucianism is in-
spiring thinkers like Byung Chul Han
to call this the “society of transpar-
ency.” This describes the insatiable
impulse for voluntary exposure of
self-­referential images in our post-
modernity.
Urbeltz suggests the popularisation
of “puppy face” filters as a contra-
diction of the cultural clash between
East and West through a hypotheti-
cal chronological line between dog
soup and Instagram selfies. In this
line, she places elements that range
from Zen Buddhism to K-pop to the
Haenyeo, the old women divers of
Jeju island.
Leire Urbeltz has a Bachelor’s De-
gree in Fine Arts, a Master’s Degree
in Art Research and Creation from
UPV and a technical degree in Crea-
tive Illustration and Visual Communi-
cation from Escuela Eina-UAB.
BBVA Foundation Leonardo Grant.
Resident Artist in: Sema Nan-
ji (Seoul), Paso del Norte Cultural
Center (Ciudad Juárez), Manga Art
Studio (Beijing) and BilbaoArte. First
prize Encuentros de Navarra and
receiver of the Creation Help from
Navarra Government.
165

“KkwaengGeulangKkwaengKkwaen-
gKkaeng” da artelan honen izenbu-
rua, kkwaenggwariaren onomatope-
ia, korear musika tresna tradizionala.
Instrumentu honen soinua hautsita-
ko argiaren soinuarekin ezaguna da.
Nahastutako soinuan ere barnerat-
zen da eta distantzia luzeak egiteko
gai da. Beraz, orkestra zuzendariaren
antzera, korear musika instrumentu
tradizionalean progresuan dagoen
erritmo aldaketaren berri eman eta
interpretazioaren jarioa aldatzearen
papera betetzen du.
Lan hau interes eta ideologia nazional
eta etnia garaikideen arteko gatazka
eta banaketak gainditzeko diseinatu
zen. Mundua eraikitzen duten giza-
banakoen ahotsak biltzeko desioa
ere adierazi zuen, aldaketa sakon ba-
ten bolada bat sortzean dagoen se-
kulako boterea erakusteko. Artelan
hau, artistak BilbaoArten izan zuen
egoitzan egina, eraikuntza kokatzen
den kalean halabeharrez aurkitutako
hiritarren partaidetzarekin sortu zen.
Artistak parte-hartzaileek eguzkiaren
argia eskuko ispilu batekin islatu eta
hau kameraren objektiboaren kontra
apuntatzen zuten momentua jaso
zuen.
Ryu Biho. Bere lehen bakarkako
erakusketaren ondoren, “The Steel
Sun” (2000), “Artistic Acts through
Hacking”­(artista, aktibista eta ko-
munikazio garaikidearen ikertza-
ileekin eratutako “artea, gizartea
eta euskarrien ikerketa talde bat”,
2001) eta “Parasite: Tactical Media
Networks” (2004-2006) proiektuen
antolatzaileetariko bat izan da. Arte
ekintza eta ikerketak ere zuzendu
ditu. Garai honetan, artea eta gizar-
tearen inguruko eztabaida estetiko-
ak planteatzen zituzten lanak burutu
zituen, hauen artean, “Extreme Pri-
vate Practice” (2010), “Mutual Esca-
pe” (2010) eta “Twin Peaks” (2011).
Hainbat taldekako erakusketetan ere
parte hartu du. Sungkokgo Arte Mu-
seoak 2015ean “Sungkokgo Biharko
Artista” saria izendatzeko gonbidatu
zuen, bakarkako erakusketa bat an-
tolatuz. 2017an, Koreako Arte Kon­
tseiluaren laguntzarekin Berlingo
Künstlerhaus Bethanienen egoitza
programan parte hartu zuen.
El título de esta obra es “Kkwaeng
Geulang Kkwaeng Kkwaeng Kkaeng”,
onomatopeya del kkwaenggwari, un
instrumento tradicional coreano. Al
sonido de este instrumento se lo co-
noce como el de una luz rota. Tam-
bién penetra sonidos mezclados y es
capaz de viajar largas distancias. Por
lo tanto, como el director de una or-
questa, cumple el papel de notificar
el cambio de ritmo de la armonía en
progreso en el instrumento musical
tradicional coreano y de cambiar el
fluir de la interpretación.
Esta obra se diseñó para superar los
conflictos y divisiones entre intere-
ses e ideologías nacionales y étnicas
contemporáneas. También reflejó el
deseo de reunir las voces de indivi-
duos que conforman el mundo para
demostrar el gran poder que hay en
crear una ola de profundo cambio.
Esta obra, que se realizó durante la
residencia del artista en BilbaoArte,
se creó con la praticipación de ciu-
dadanos que se encontraban por
azar en la calle del edificio. El artista
capturó los momentos en los que los
participantes reflejaban la luz del sol
contra un espejo de mano y apunta-
ban a el objetivo de la cámara.
Ryu Biho. Tras su primera exposi-
ción individual, titulada “The Steel
Sun” en 2000, ha coorganizado “Ar-
tistic Acts through Hacking” (2001)
(un “grupo de investigación del
arte, la sociedad y los medios” con
artistas, activistas e investigadores
de comunicación contemporáneos)
y “Parasite: Tactical Media Networ-
ks” (2004-2006), etc. También ha
dirigido actividades artísticas y de
investigación. Durante este perio-
do, realizó obras que planteaban
cuestiones estéticas sobre el arte y
la sociedad, como “Extreme Private
Practice” (2010), “Mutual Escape”
(2010) y “Twin Peaks” (2011). Tam-
bién participó en múltiples exposi-
ciones colectivas. El Museo de Arte
de Sungkok lo invitó en 2015 para
nombrarlo “Premio ‘Artista de Sun-
gkok del Mañana’”, organizando una
exposición individual. Participó en el
programa de residencias del Künst-
lerhaus Bethanien en Berlin con el
apoyo del Consejo Coreano de las
Artes en 2017.
Ryu Biho
Gunsan, 1970
The title of this work is “Kkwaeng
Geulang Kkwaeng Kkwaeng Kkaeng”,
the onomatopoeia of the kkwaeng-
gwari, a traditional Korean instru-
ment. The sound of this instrument is
known as the sound of a broken light.
It also penetrates the mixed sound
and travels a long distance. Thus,
like the conductor of the orchestra, it
plays the role of notifying the rhythm
change of the harmony which is pro-
gressing in the Korean traditional
musical instrument and changing
the flow of the performance.
This work was designed to overcome
the conflicts and divisions of contem-
porary national and ethnic interests
and ideologies. It also reflected the
desire to gather the voices of individ-
uals who make up the world to show
the great power of creating a wave
of great change. This work, which
was carried out during the artist
residency at BilbaoArte, was created
by the participation of citizens who
happened to meet in the building’s
alleyway. The artist captured the mo-
ments when the participants reflect-
ed the sunlight into a hand mirror
and pointed toward the camera lens.
Ryu Biho. Following his first solo
exhibition titled “The Steel Sun” in
2000, has co-organized “Artistic Acts
through Hacking” (2001) (a ‘research
group on art, society and media’ with
contemporary artists, organisers
and media researchers’) and “Para-
site-Tactical Media Networks” (2004-
2006), etc. and conducted research
and artistic activities. Throughout
this period, he released artworks
raising aesthetic questions on art
and society, including “Extreme
Private Practice” (2010), “Mutual
Escape” (2010) and “Twin Peaks”
(2011). He also participated in vari-
ous group exhibitions. He was invit-
ed to Sungkok Art Museum in 2015 to
be recognised as “Awardee of ‘Sung-
kok Artist of Tomorrow’”, organising
a solo exhibition. He participated in
the residency programme in Küns-
tlerhaus Bethanien in Berlin with the
support of the Korean Arts Council in
2017.
167

“‘15 urte hemen egon nintzela’-k,
paper gaineko obra eta dokumen-
tazio material ezberdinetako multzo
batean, helburu jakin batekin —me-
moria berreskuratu— Parisera iris­
ten den pertsona baten bizitzaren
hiru hilabete kontatzen ditu. Proiek-
tuko pertsonai nagusia (fikziozko ni
bat) deriba situazionistarantz joko
du gordetako edo ahaztutako bizi-
tzako zati bat argitaratzen lagundu-
ko dion psikogeografia antzeko bat
trata­tzeko.
Alain Robbe Grilleten Dans le la-
byrinthe testuaren logika narrati-
boa marrazkira eramanaz, baita
Alain Resnaisen L’Année dernière à
Marienbad-eko nahasmen sentipe-
na ere, alter ego honek alegiazko
espazio batetik noraezean ibiltzea
uzten nau, beti nirekin harremana
daukaten espazio errealen bitartez,
memoria eta nortasunaren arte-
ko harreman korapilatsua plante-
atzeko. Esnatzearen bilaketa da,
esnatzea baino prozesu guzti hau
eragiten duena.”
Mireya Martín Larumbe artista bi-
suala, ikertzailea eta irakaslea da.
Arte Ederretan Lizentziatua, Gene-
roan Aditua, Soziologian Masterra
eta Generoko Soziologia Bisualean
aurkeztu zuen master amaierako
lana. Bere praktika artistikoan sub­
jektibotasunaren produkzioa, nor-
tasunaren adierazpenak edo me-
moria eta honen prozesuak lantzen
ditu. Poetikotasunetik lan eginaz eta
marrazkia eta animazio esperimen-
tala oinarrizko diziplina dituela, bere
lanak Bilbo, Madril, Paris, Kalifornia,
Praga edo Palermoko erakusketa
zein jaialdietan erakutsi dira.
Mireya Martín Larumbe
“‘Hace 15 años que estuve aquí’ pre-
senta, en un conjunto de obra sobre
papel y diverso material documental,
tres meses en la vida de una perso-
na que llega a París con un objetivo
marcado: recuperar la memoria. El
personaje central del proyecto (un
yo ficcionado) recurrirá a la deriva si-
tuacionista para tratar una suerte de
psicogeografía que le ayude a des-
velar una parte de su vida que sabe
oculta u olvidada.
Trasladando al dibujo la lógica narra-
tiva del texto de Alain Robbe Grillet
Dans le labyrinthe, así como la sen-
sación de desconcierto característi-
ca de L’Année dernière à Marienbad
de Alain Resnais, este alter ego me
permite deambular por un espacio
imaginario, siempre a través de es-
pacios reales de alguna manera re-
lacionados conmigo, para plantear
la inextricable relación entre memo-
ria e identidad. Es la búsqueda del
desvelamiento, más que el desvela-
miento en sí, la que motiva todo este
proceso.”
Mireya Martín Larumbe es artista
visual, investigadora y docente. Li-
cenciada en Bellas Artes, Experta en
Género, Máster en Sociología y TFM
en Sociología Visual y de Género. En
su práctica artística aborda temas
como la producción de subjetivida-
des, las expresiones de la identidad
o la memoria y sus procesos. Tra-
bajando siempre desde lo poético
y mediante el dibujo y la animación
experimental como disciplinas prin-
cipales, sus obras se han visto en
exposiciones y festivales en Bilbao,
Madrid, París, California, Praga o Pa-
lermo.
Iruñea, 1980
“Hace 15 años que estuve aquí” (It
has been 15 years since i was here)
presents, in a set of works on paper
and various documenting materials,
three months from the life of a per-
son who arrives in Paris with a clear
objective: to recover their memory.
The project’s central character (a fic-
tional self) will resort to the situation-
ist derive to try a kind of psychogeog-
raphy that will help her reveal a part
of her life that is hidden or forgotten.
By transferring the narrative logic
of Alain Robbe Grillet’s text Dans le
labyrinthe to drawing, as well as the
sensation of confusion characteris-
ing Alain Resnais’s L’Année dernière
á Marienbad, this alter ego allows
me to wander around an imaginary
space, always through real spaces
somehow related to me, in order to
posit the inextricable relationship be-
tween memory and identity. It is the
search for revelation, rather than the
revelation itself, that motivates this
whole process.
Mireya Martín Larumbe is a visual
artist, researcher and teacher. Bach-
elor of Fine Arts, Expert in Gender,
Master in Sociology and Master’s De-
gree Final Project in Visual and Gen-
der Sociology. In her artistic practice,
she deals with topics such as the pro-
duction of subjectivities, the expres-
sions of identity, and memory and
its processes. Always working from
the poetic and through drawing and
experimental animation as main dis-
ciplines, her works have been seen
in exhibitions and festivals in Bilbao,
Madrid, Paris, California, Prague and
Palermo.
169

Iraungikorra ez dela existitzen sinis-
ten badugu?
Existitzen da eta, agian, betiere-
koaren sostengua izan daiteke;
hortxe bere lilurapena, bere boterea,
bere paradoxa. Guk sinesten dugu
eta denbora pasa arren garaiezinak
imajinatzera jolasten dugu, bizitzaren
galkortasuna adieraziz, bizitza bera
(galkorra eta neurgaitza), irudia eta
ahotsa, forma eta testua, testura eta
trazuaren bitartez, existentzia errea-
litate galkorren erdiespen bat sortuz
hasi eta amaitzen den ezinezko oso-
tasun bat bezala.
Argazkilaritza eta poesia sinbiosian,
elikatuak eta elikagaiak, kontzep-
tu baten zerbitzura dauden izakiak,
galkortasunaren balioa azpimarratu,
bere zentzua batzen garen une ze-
hatzean atzematen duela.
Eta arnastean itsaso garela ohartzen
bagara?
Victoria Adame argazkilaria da eta
Zuzenbidean lizentziatua (Espainia
eta Italia). Gaur egun, gizatasuna
eta emozioak abiapuntu hartu-
rik, aktiboki argazkilaritza proiek-
tu be­rrien so­ rreran lan egiten du.
2015ean, Madrid 24 PhotoEspaña
lehiaketan finalista izan zen, bere
argazkiak Cibeles Jauregian eta Ca­
llaon erakutsi zirelarik. Urte berean
Lens Cul­ture Exposure Awardsetan
ere finalista izan zen. 2016an Descu­
brimientos PhotoEspañan hautatua
da. 2016an ere Botí Fundazioaren
beka jaso zuen arte plastikoen alo­
rreko espezializazio programan, eta
Botí Fundazioaren VIII. Bienalerako
hautatu zuten. Berriki Aperturako
(Malaga) lehen saria irabazi du. Urte
honetan bertan, aldaketa klimati-
koaren inguruan eginiko lan bat
dela eta, International Photography
Awardsen (IPA. Los Ángeles, AEB)
Ohorezko Aipamen bat jaso du. Bere
azken proiektuetako batek, “Mio-
pia”, 2017an PACen (plataforma de
Arte Contemporáneo) Art House
Holland beka jaso du, Holandan bu-
rututako proiektua, Gala Fundazioan
bakarki erakutsi dena eta Fundación
Viana-BilbaoArte 7. edizioko bekaren
irabazlea izan da, bertan, Mikel Alvira
idazlearekin batera, oraingo proiektu
“fotopoetikoa” garatu duelarik.
¿Y si nos creemos que lo efímero no
existe?
Existe y, tal vez, sea el sustento de lo
eterno; ahí su fascinación, su poder,
su paradoja. Nosotros lo creemos y
jugamos a imaginarnos invencibles
pese al tiempo, expresando lo efí-
mero de la vida, la vida misma (efí-
mera e inconmensurable), mediante
imagen y voz, forma y texto, textura
y trazo, como un todo imposible en
el que la existencia empieza y termi-
na generando una consecución de
realidades efímeras.
Fotografía y poesía en simbiosis,
nutridas y nutrientes, creaturas al
servicio de un concepto, lo efímero
puesto en valor, que atrapa su senti-
do en el instante preciso por el cual
nos sumamos.
¿Y si al respirar descubrimos que so-
mos mar?
Victoria Adame es fotógrafa y
licenciada en Derecho (España e
Italia). Actualmente, trabaja en la
creación de nuevos proyectos foto-
gráficos centrándose en lo huma-
no y en las emociones como punto
de partida. En 2015 es finalista en
Madrid 24 PhotoEspaña, exponién­
dose sus fotografías en el Palacio de
Cibeles y Callao, Madrid. Ese mismo
año es finalista para los Lens Culture
Exposure Awards (Londres). En 2016
es seleccionada para Descubrimien-
tos PhotoEspaña. También en 2016
fue becada por la Fundación Botí con
el programa de Apoyo a la creación,
además de ser seleccionada en la VIII
Bienal de la Fundación Botí. En 2017
ganó el primer premio de Apertura
(Málaga). En este mismo año ha reci-
bido una Mención Honorífica por el
International Photography Awards
(IPA. Los Ángeles, EE.UU.) por un tra-
bajo sobre el cambio climático. Uno
de sus últimos proyectos, “Miopía”,
ha ganado en 2017 la Beca Art Hou-
se Holland (Holanda) de plataforma
de Arte Contemporáneo también
expuesta individualmente en la
Fundación Gala y ganadora de la 7.ª
Edición de la beca Fundación Viana-­
BilbaoArte donde ha desa­rrollado su
actual proyecto fotopoético realizado
junto al escritor Mikel Alvira.
Victoria Adame
Córdoba, 1983
victoriaadame.com
It exists and, perhaps, it is the sus-
tenance of the eternal: hence its fas-
cination, its power, its paradox. We
believe it and we play at imagining
ourselves invincible in spite of time,
expressing the ephemerality of life,
life itself (ephemeral and immeas-
urable), through image and voice,
form and text, texture and stroke,
as an impossible whole where exist-
ence begins and ends creating a re-
alization of ephemeral realities.
Photography and poetry in symbio-
sis, nourished and nutritious, crea-
tures at the service of a concept, the
ephemeral valued, which captures
its meaning at the precise moment
in which we join.
What if we discover that we are sea
when we breathe?
Victoria Adame is a photographer
and Law graduate (Spain and Italy).
Currently, she works actively in the
creation of new photography pro-
jects focusing on humanness and
emotions as a starting point. In 2015,
she was a finalist in the Madrid 24
PhotoEspaña, exhibiting her photo-
graphs in the Palacio de Cibeles and
in Callao, Madrid. In the same year,
she was the finalist of the Lens Cul-
ture Exposure Awards (London). In
2016 she was selected for Discoveries
of PhotoEspaña. Also in 2016, she re-
ceived a grant from Botí Foundation
in the field of visual arts programme,
in addition to participating in the VIII
Biennial of Botí Foundation. She has
recently won the first prize of Ap-
ertura (Málaga). In the same year,
she received an Honorable Mention
from the International Photogra-
phy Awards (IPA. Los Angeles, USA)
for a work on climate change. One
of her latest projects, “Miopía”, has
won the 2017 Art House Holland
Scholarship PAC Contemporary Art
platform, also shown individually at
the Gala Foundation. She has been
the winner of the 7th Edition of the
Viana-BilbaoArte Foundation grant
where she has developed her cur-
rent photopoetic project together
with the writer Mikel Alvira.
171

“‘Zein da desberdintasuna?’ Nire la-
naren izenburu bezala planteatzen
dudan galdera da, ikus dezakegun
ez, argazki biak nireak dira, eta ia
berdinak, desberdintasun bakarra
hijab edo niqab-a da, baina hau ez
da desberdinasun hutsean geldi­tzen.
Nire eguneroko bizitzan jendeak
hijaba dela eta era desberdinean
tratatzen naute, hau leku guztietan
gertatzen delarik, leku batzuetan
hobe tratatzen dute estaldurik egon-
da eta beste leku batzuetan kon-
trakoa. Baina azkenean ez al naiz zu
bezalako gizakia? Hemen ageri naiz
bi eratan jantzita, eta bietan beste
edozein pertsona arrunt bezala ageri
be­harko nintzen. Zergaitik oihal zati
batek ni nola tratatzera bideratzen
zaitu, eta ez benetan errealitatean
naizen pertsona bezala onartzera?”
“Mire lanak gizarteko arazoeta-
tik sor­tzen dira, hauek gero nire
ikerkun­tzarako eta artelanerako tres-
na bihurtzen direlarik. Orokorrean
gai hauei buruzko galdera batekin
hazten naiz, eta hauekin gero bere
lan prozezua diseinatzen dut.
Gaur eguneko gizarteko arazoekin
lan egiteko erabakiaren arrazoia
hurrengoa hau da, gizartean beti
galdera berriak eta gaurkotasuneko
gai biziak ematen direlako, honetan
egoeraren aldaketekin etengabeko
eraldakuntzak emanez.
Gaurko mundu modernoarekin ema-
ten ditugun topaketetan, galderak
kontestu berri batean aurkitzen dira,
eta gizartea eta pentsamendua alda-
tuz ondorio bezala. Proiektu hontan
gaur eguneko arazo batean oinarri­
tzen naiz, zuzenki lekuaren gaian.”
“‘¿Cuál es la diferencia?’ una pre-
gunta que formulo como título de
mi trabajo, como se puede ver, am-
bas fotos son mías y ambas son casi
idénticas, la principal diferencia es el
hijab o el niqab, esto no es solo una
diferencia. En mi vida diaria, mien-
tras paseo, la gente toma ese punto
como su principal excusa para tra-
tarme de manera diferente, y suce-
de en todas partes, algunos lugares
tratan mejor ir cubierta o viceversa,
pero al final ¿no soy humana como
tú ?, y aquí estoy en ambas formas,
ninguna de las cuales cambia el he-
cho de que soy como cualquier otra
persona, ¿por qué un pedazo de tela
tiene que hacerte elegir cómo me
tratas, y no en función de quien soy
en realidad?”
“Mis trabajos surgen de los proble-
mas de la sociedad que luego se
convierten en una herramienta para
mi investigación sobre un tema con-
creto en mi obra. Generalmente em-
piezo con una pregunta sobre cada
uno de estos temas en los que luego
diseño mi plan de trabajo. Mi razón
para trabajar en los problemas de la
sociedad es porque siempre contie-
nen preguntas y temas vivos del mo-
mento actual que se renuevan y cam-
bian continuamente con los cambios
de las situaciones.
Dados nuestros encuentros con el
mundo moderno, las preguntas se
encuentran en un nuevo contexto,
y la sociedad y el pensamiento cam-
bian como resultado. En este proyec-
to, he trabajado en un problema ac-
tual, especialmente en el lugar.”
Niga Salam
Solimania, 1998
“‘What is the difference?‘ a question
I put up as the title of my work, as
you can see both photos are me and
both are almost identical, the main
difference is the hijab or niqab, this
is not just one difference. In my daily
life as I walk around, people take this
point as their main excuse to treat
me differently, and it is widely spread
everywhere, some places treat the
covered better or vice versa, but at
the end aren’t i but a human like
you?, and here I am in both forms
which none of them changes the fact
that I am me, and just like anybody
else, why does a piece of fabric have
to make you choose on how you
treat me, but not based on who I ac-
tually am?”
Azar Othman
Solimania, 1987
“My works stem from society’s is-
sues which then become a tool for
my research on a certain topic for my
art work. I usually start with a ques-
tion on each one of these topics on
which I then design my work plan.
My reason for working on society’s
issues is because it always contains
lively questions and topics of the
current time which are continuously
renewed and changed with the chan-
ges of the situations.
Given our encounters with the mo-
dern world, the questions find them-
selves in a new context, and the
society and thought would change
as a result. In this project, I will work
on a current issue especially on the
place in which I execute the work.”
173

Taxio Ardanaz Bilbon bizi da eta ber-
tan lan egiten du. Arte Ederretan
lizentziatua EHUn, azken urtetan
Habana, Bregenz, Bilbo, Mexiko Hi-
ria eta Pekinen arte egoitzak burutu
ditu.
Gaur egun Taxioren lan artistikoa
ideal politikoak fede absolutuaren
momentuetan irudikatzeko moduen
ikerketan ardazten da, gure artean
gatazka egoera hauek utzi dituzten
eraikuntza memorial eta hondakin
fisiko eta ideologikoen bitartez.
Begoña Zubero argazkilari bezala
Madrilgo Unibertsitate Konpluten­
tsean eta New Yorken (School of Vi-
sual Arts) hezi zen, azken honetan
lau urtez bizi eta lan egin zuelarik.
Gaur egun Bilbon bizi da eta bertan
lan egiten du.
Bere lehen proiektuetatik egikera
tekniko, formal eta estetiko bikaina
duen tesi argazkilaritza bat garatu
du, dokumentazioak eta ikerketak
sakonera intelektual handi bat duten
irudiak sortzen lagundu diolarik.
Taxio Ardanaz vive y trabaja en Bil-
bao. Licenciado en Bellas Artes por la
Universidad del País Vasco, en los úl-
timos años ha realizado residencias
en La Habana, Bregenz, Bilbao, Ciu-
dad de México y Pekín.
El trabajo artístico de Taxio se cent-
ra actualmente en el estudio de los
diferentes modos de representación
de los ideales políticos en momen-
tos de fe absoluta, a partir de las
construcciones memoriales y de los
restos físicos e ideológicos que estas
situaciones de alta conflictividad han
dejado entre nosotros.
Begoña Zubero se formó como
fotógrafa en Madrid (Universidad
Complutense de Madrid) y Nueva
York (School of Visual Arts), donde
vivió y trabajó durante cuatro años.
Actualmente vive y trabaja en Bilbao.
Desde sus primeros proyectos ha de-
sarrollado una fotografía de tesis de
impecable factura técnica, formal y
estética, en la que la documentación
e investigación le han permitido ela-
borar unas imágenes de gran calado
intelectual.
Taxio Ardanaz
Iruñea, 1978
Taxio Ardanaz lives and works in
Bilbao. Graduated in Fine Arts from
the University of Basque Country, in
recent years he has participated in
residency programmes at Havana,
Bregenz, Bilbao, Mexico City and Bei-
jing.
Taxio’s artistic work is currently focu-
sed on the study of different modes
of representation of political ideals
during times of absolute faith, from
the memorial constructions and the
physical and ideological remainders
that these situations of high conflict
have left among us.
Begoña Zubero
Bilbao, 1962
Begoña Zubero studied photography
in Madrid (Complutense University
of Madrid) and New York (School of
Visual Arts), where she lived and wor-
ked for four years. She currently lives
and works in Bilbao.
Since her first projects, she has de-
veloped a photography theory of
exceptional technical, formal and
aesthetic style, in which the docu-
mentation and research have al-
lowed her to produce images of
great intellectual depth.
175
 EKOIZPEN PROPIOKO ERAKUSKETAK
EXPOSICIONES DE PRODUCCIÓN PROPIA
SELF PRODUCED EXHIBITIONS
 WINTERREISE
Ines Garcíak, neguko paisaia baten
bitartez, Franz Schubert musikagile
austriarraren “Winterreise” lanean
oinarrituz ibiltari baten barrena
ikusgai uzten du.
1828. urtean Franz Schubertek Win-
terreise lana konposatu zuen, ahots
eta pianorako 24 abestien multzo
baten bitartez eta definitu gabeko
argumentu batekin, bere maiteak
maite ez duela jakin ondoren ibiltari
batek neguko paisaia baten barrena
duen pasealdia kontatzen du. Es-
tilo erromantikoa duen lan bat da,
non hitzek paisaia eta ibiltariaren
sentimendu etsiak deskribatzen
dituzten. Baina lanaren osotasuna
urrunago doa, izaera existentzial
nabaria duen pieza bat bihurtzen
delarik, kanpoaldeko paisaia barre-
neko munduan bilakatzen delarik.
Winterreise austriar musikagilearen
Lied famatuaren berrirakurketa bat
da, esentzia edo ezerezera abiatzen
diren deriba existentzial berdine-
kin baina denbora angelu ezberdin
­batetik.
Ines García Bartzelonako Arte Ede­
rren Fakultatean lizentziatua da eta
ikasketa urte hauetan urte betez
Balira joateko beka bat jasotzen
du. Abbas Kiarostami, Victor Erice,
Gabriel Orozco eta Wilfredo Prietok
emandako tailerretan parte-hartzen
du, bere formakuntza osatuz. Esta-
tu mailan Bartzelona, Madrid eta
Bilbon antolaturiko hainbat era-
kusketetan parte-hartu du eta bere
bideo-lanak CA2M, Murtziako La
Conservera, LOOP edo Bartzelona-
ko SCREEN Festibalean proiektatuak
izan dira.
Nazioarte mailan bere ikus-entzu-
nezko lanak hainbat jaialditan aur-
keztu dira, besteak beste, Nueva
Yorkeko Bideoarte Latino jaialdia,
Teherango Zine Jaialdia edo Buenos
Aireseko FIVA. Azken urtetan bere
lana Les Rencontres Internationales
Paris/Berlin/Madril, Tabakalera edo
Lisboako Cervantes Institutuan era-
kutsi du.
Inés García hace visible a través del
paisaje invernal el mundo interior de
un caminante basándose en “Winte-
rreise” la obra del compositor aus-
triaco Franz Schubert.
En 1828 Franz Schubert compuso
Winterreise, un conjunto de 24 can-
ciones para piano y voz que relatan,
sin una línea argumental definida,
el paseo de un caminante a través
de un paisaje invernal, tras conocer
que su amada le ha rechazado. Es
una obra de estilo romántico, donde
la letra describe el paisaje y los sen-
timientos desesperados del cami-
nante, pero el conjunto de la obra va
más allá y se convierte en una pieza
de marcado carácter existencialista
donde el paisaje exterior se transfor-
ma en mundo interior. Winterreise
es una re-lectura del famoso Lied del
compositor austriaco, desde un án-
gulo temporal diferente, pero con las
mismas derivas existenciales hacia la
esencia o la nada.
Inés García Se licencia en Bellas Ar-
tes por la Facultad de Barcelona y
durante sus estudios recibe una beca
de un año en Bali. Decide ir comple-
tando su formación participando en
talleres impartidos por Abbas Kiaros-
tami, Víctor Erice, Gabriel Orozco y
Wilfredo Prieto. A nivel nacional, ha
participado en varias exposiciones
en Barcelona, Madrid y Bilbao, sus
vídeos han sido proyectados en el
CA2M, en La Conservera de Murcia,
en el LOOP, y en el SCREEN Festival
en Barcelona entre otros.
Internacionalmente sus piezas au-
diovisuales se han podido ver en di-
versos festivales como el Festival de
Videoarte Latino de Nueva York, en el
Festival de Cine de Teherán y el FIVA
en Buenos Aires, y en otras ciudades.
En los últimos años ha mostrado su
trabajo en Les Rencontres Interna-
tionales París/Berlín/Madrid, en Ta-
bakalera y en el Instituo Cervantes
de Lisboa.
Inés García
2018.02.02 > 2018.02.03
Inés García renders a wanderer’s
inner world visible through a winter
landscape based on “Winterreise”,
a piece by Austrian composer Franz
Schubert.
In 1828 Franz Schubert composed
Winterreise, a set of 24 songs for
piano and voice, which narrate, with-
out a defined plot line, a wanderer’s
walk through a winter landscape af-
ter learning that his loved one has
rejected him. It is a work belonging
to the Romantic style, in which the
lyrics describe the landscape and the
traveller’s desperate feelings. How-
ever, the entire work goes beyond
it and becomes a markedly existen-
tialist piece, in which the exterior
landscape transforms into the inner
world. Winterreise is a re-reading
of the famous Lied by the Austrian
composer, from a different temporal
perspective, but sharing the same
existential drifts towards essence or
nothingness.
Inés García graduated in Fine Art at
the University of Barcelona. During
her studies, she received a scholar-
ship to study in Bali for one year. She
decided to complete her training by
attending workshops taught by Ab-
bas Kiarostami, Víctor Erice, Gabriel
Orozco and Wilfredo Prieto. Nation-
ally, she has taken part in several
exhibitions in Barcelona, Madrid and
Bilbao, her videos have been shown
at CA2M, La Conservera de Murcia,
LOOP, and SCREEN Festival in Barce-
lona, among others.
Her audiovisual pieces have been
screened internationally at Festival
de Videoarte Latino in New York,
the Tehran Film Festival, and FIVA
Buenos Aires, among other cities. In
recent years she has exhibited her
work at Les Recontres Internation-
ales Paris/Berlin/Madrid, Tabakalera
and the Cervantes Insitute in Lisbon.
181
 ABUNDANTE AMIGABLE COMPUESTO
Abundante Amigable Compuesto kon-
takizun grafiko bat da, hitzik gabe-
koa, non lineak paperaren azalera
guztia hartzen duen, historian zehar
ezarri zaion bigarren mailako pape-
ra zalantzan jartzeko. Antzinako es-
kribauak, idazten jarri baino lehen,
orri­aren barrualdeko estruktura linea
bitartez diseinatzen zuen, horrela, do-
kumentua edo idatziari konposaketa
sendo eta irakurgarri bat emanaz.
Linea hauen arteko tartea testuaren
generoa eta erabilitako tipografiaren
arabera aldatu egiten da. Distantzia
hau sistema metriko dezimalaren
unitate minimo bateraino gutxitzen
badugu, milimetroa, espazio honen
aukera linea bera da. Proiektua hau
96 marrazkitan garatzen da, bikoteka
aurkezturik, orrialde bikoitz modura,
seriea osatzen duten 48 koadroeta-
riko bakoitzean. Toda cosa es un par-
lamento de lineas. Kontakizun berezi
honen ezaugarri nagusienetako bat
hazkuntza logiko eta mailakatua da.
Ageriko hazkuntza bat barnealdetik,
seriea handitzen doala zatitzaileen ar-
teko distantzia handitzen doalarik, eta
baita kanpoaldetik ere, DIN A formatu
guztiak lan berdinaren barruan barne
hartuz.
Manu Blazquez (Valentzia, 1978),
Castelloko Jaume Primeren garatzen
ditu unibertsitate ikasketak. Publizi-
tateko ikasketen lehen zikloa eta di-
seinatzaile grafiko moduan edukita-
ko esperientzia garai baten ondoren
Italiara bidaiatzen du eta Boloniako
Arte Ederren Akademian Arte Grafi-
koen ikasketa hasten du, izenburutzat
“Comunicazione e riproducibilità”
duen tesi batekin diplomatu delarik,
bi urtez Cataldo Serafini irakaslearen
laguntzaile bezala jarduten delarik.
2011 amaieran, Grezian, Xenis Sachi-
nis grabatu irakaslearen alboan aro
berri bat hasten du, Aristoteles de Te-
salónica unibertsitatean. Gaur egun
zenbaki-kodeen aukera plastikoen
inguruko ikerketan barrenduta dago.
Abundante Amigable Compuesto es
un relato gráfico, sin palabras, don-
de la línea tratará de ocupar toda la
superficie del folio para cuestionar el
papel secundario que le ha sido otor-
gado a lo largo de toda la historia. El
antiguo escribano, antes de ponerse
a escribir, diseñaba mediante líneas
la estructura interna de la página eri-
giendo, de esta manera, una compo-
sición sólida y legible al documento o
escrito. La separación entre estas lí-
neas varía según el género del texto y
los caracteres tipográficos utilizados.
Si disminuimos dicha distancia hasta
una de las unidades mínimas de me-
dida del sistema métrico decimal, el
milímetro, la posibilidad de este es-
pacio es la línea misma. Este proyecto
se desarrolla a lo largo de 96 dibujos,
presentados por parejas a modo de
“doble página” en cada uno de los 48
cuadros que componen la serie. Toda
cosa es un parlamento de líneas. La ca-
racterística principal de este singular
“relato” es el crecimiento lógico y pro-
gresivo. Un crecimiento evidente de
forma interna, al abrirse la distancia
entre divisores a medida que crece la
serie, así como también exteriormen-
te, al abarcar todos los formatos DIN
A en un mismo trabajo.
Manuel Blázquez (Valencia, 1978),
desarrolla los estudios universitarios
en la Jaume Primer de Castellón. Tras
el primer ciclo en publicidad y un pe-
ríodo de experiencia como diseñador
gráfico, se traslada a Italia donde
comienza el estudio de la Gráfica Ar-
tística en la Academia de Bellas Artes
de Bolonia, donde se diploma con
una tesis titulada “Comunicazione
e riproducibilità” y trabaja dos años
como asistente del profesor Cataldo
Serafini. A finales del 2011 inicia una
nueva etapa en Grecia junto al profe-
sor de Grabado Xenis Sachinis de la
Universidad Aristóteles de Tesalónica.
Actualmente profundiza su investiga-
ción entorno a los códigos numéricos
y sus posibilidades plásticas.
Manu Blázquez
2018.09.03 > 2018.06.04
Abundante Amigable Compuesto is
a wordless graphic story, in which
the line will try to occupy the entire
surface of the paper to question the
supporting role that has been giv-
en throughout the story. Ancient
scribes, before starting to write, de-
signed the internal structure of the
page with lines, hence building a
solid and readable composition for
the document or writing. The sepa-
ration between these lines varies ac-
cording to the genre of the text and
typographical characters used. If we
decrease this distance to one of the
minimum units of measurement of
the metric system, millimetre, the
possibility of this space is the line it-
self. This project is developed along
96 drawings, presented in pairs
as a “double page” in each of the
48 paintings that form the series.
Everything is a dialogue of lines. The
main feature of this singular “story”
is logical and progressive growth.
As the series grows, there is an ob-
vious internal growth due to the in-
creasing distance between dividers.
There is also an external growth due
to the use of all DIN A formats within
the project.
Manu Blázquez (Valencia, 1978),
studied at Jaume Primer de Castel-
lon University. After the first course
in advertising and working as a
graphic designer for a period, he
moved to Italy where he pursued
studies in Artistic Graphics at the
Academy of Fine Arts, from which
he graduated with a thesis entitled
“Comunicazione e riproducibilità”
and worked for two years as an as-
sistant to Professor Cataldo Serafini.
At the end of 2011, a new stage in
Greece begins with the engraving
Professor Xenis Sachinis from the
Aristotle University of Thessaloniki.
He is currently furthering his re-
search around numerical codes and
its plastic possibilities.
183
 HEBRA
Zuharrek “Hebra”rekin aurrez behar
formal bat dela eta sortuak diren
hainbat elementu estrukturalen bi-
tartez irudiak sortzeko gaitasunaren
inguruan gogoeta bat egiten du.
Ni naiz zure irudia, zure azalera, zu eus-
ten nauen estruktura, nire sostengua.
Hebra hainbat elementu estruktural
irudian bilakatzearen arazoaren in-
guruan garatzen da, bere onarpen
formalaren ondoren, eskultura lanen
adierazle naturalaren funtsezko par-
te bezala osatzen delarik. Argi epel
batek erortzen diren gauzen soinua
argiztatzen du. Artistak, bere lanen
bitartez, irudian hainbat elementu
estrukturalen omisioaren inguruko
gogoeta proposatzen du, hauen ba­
rrualdeko egiturena adibidez, histo-
rian zehar irudiaren analisian. Artista
zarauztarrak elementu hauen ikerke-
tari heltzen dio hauek “hebra” bezala
izendatuz, osotasun baten zati ezber-
dinak lotzen dituzten hariak bezala.
Zuhar Iruretagoiena Labeaga
Arte Ederretan doktorea da EHUan
eta Arte Digitalen masterra burutu
zuen Pompeu Fabra Unibertsitate-
an. Bere lana, besteak beste, Bilboko
Guggenheim Museoa, Donostiako
San Telmo Museoa, CAAM, Manches-
terko NY Space, Londresko Pinta, La
Casa Encendida, c-art Galerie Prantl
& Boch Bregenz, Bilboko Rekalde
Aretoa, Getariko Balenciaga Museoa,
Donostiako KM, Gabarron Founda-
tion eta Espainiar Kultura Zentro ez-
berdinetan, hauen artea, Tegucigal-
pa, San José, Mexiko DF, Montevideo,
Kordoba eta Managua. Hainbat sari
eta beka jaso ditu, Generación 2008
Caja Madrid, Ertibil 2009, Gipuzkoa-
ko Artista Gazteen Lehiaketa 2010,
Muro Guggenheim, KUNSTHAUS
Bregenz egoitza (Austria), BilbaoArte
Fundazioaren egoitza beka (utzitako
espazioaren modalitatean), Rekalde
Aretoko Nekatoenea Artistes en Ré-
sidence egoitza (Hendaia, Frantzia)
edo LABORE DSS2016 egoitza beka.
Zuhar Iruretagoiena Labeaga
Zuhar reflexiona con “Hebra” sobre la
capacidad de crear imágenes a partir
de ciertos elementos estructurales
que a priori solo son producidos por
necesidad formal.
Yo soy tu imagen, tu superficie, tú la
estructura que me sustenta, mi apoyo
Hebra problematiza sobre la conver-
sión en imagen de ciertos elementos
estructurales, que tras su asunción
formal, se conforman como parte
elemental de la naturaleza signifi-
cante de la operación escultórica.Una
tibia luz ilumina el ruido de las cosas
cuando caen.La artista propone a tra-
vés de sus piezas una reflexión sobre
la omisión de ciertos elementos es-
tructurales en la imagen, como por
ejemplo su esqueleto interno, en el
análisis de la imagen a lo largo de la
Historia. La artista zarauztarra abor-
da la investigación de estos elemen-
tos denominándolos “hebras”, como
los hilos que unen las distintas partes
de un todo.
Zuhar Iruretagoiena Labeaga
Doctora en BB. AA. Por la UPV/EHU y
Master en Artes Digitales, por la Uni-
versidad Pompeu Fabra. Su trabajo
ha sido mostrado en lugares como el
Guggenheim Museum Bilbao, Museo
San Telmo Donostia-San Sebastian
CAAM, NY Space Manchester, Pinta
Londres, La casa encendida, Madrid,
c-art Galerie Prantl & Boch Bregenz
Bregenz, Sala Rekalde Bilbao, Museo
Balenciaga Getaria, KM, Donostia
San Sebastian, Gabarron Fundation,
Centro Cultural de España en, Tegu-
cigalpa, San José, Mexico DF, Mon-
tevideo, Córdoba y Managua, entre
otros. Ha recibido diversos premios
y Becas como Generación 2008 Caja
Madrid, Ertibil 2009, Artista Noveles
Guipuzcoanos 2010, Muro Guggen-
heim, Beca Residencia KUNSTHAUS
Bregenz (Austria), Beca de residencia
Espacio de cesión temporal Funda-
ción BilbaoArte, Beca residencia Sala
Rekalde, Nekatoenea Artistes en Ré-
sidence Hendaia Francia, Beca-Resi-
dencia LABORE, DSS2016.
2018.13.04 > 2018.11.05
With “Hebra”, Zuhar Iruretagoiena
reflects on the ability to create imag-
es from structural elements that are
primarily produced by necessity.
I am your image, your surface; you
are the structure that sustains me, my
support. Hebra questions the trans-
formation of certain key elements
into image, which after their formal
acknowledgement, turn into a funda-
mental part of the significant nature
of the sculptural operation. A warm
light illuminates the noise of things
falling. Through her pieces, the artist
suggests a reflection on exclusion of
certain key elements in the image,
such as its internal skeleton, in the
analysis of the image throughout
history. The Zarautz-born artist from
presents the investigation of these
elements by naming them “hebras”
(threads), like the threads that unite
the different parts of a whole.
Zuhar Iruretagoiena Labeaga
Doctor of Fine Arts by the UPV/EHU,
has a Master’s Degree in Digital Arts
by the University of Pompeu Fabra.
Her work has been shown in different
places such as Guggenheim Muse-
um Bilbao, San Telmo Donostia-San
Sebastian CAAM Museum, NY Space
Manchester, Pinta London, La casa en-
cendida Madrid, c-art Galerie Prantl &
Boch Bregenz Bregenz, Sala Rekalde
Bilbao, Balenciaga Getaria Museum,
KM Donostia San Sebastian, Gabarron
Foundation, Cultural Center of Spain
in Tegucigalpa, San José, Mexico DF,
Monteviedo, Córdoba and Managua,
among others. She has received sev-
eral awards and grants such as Gen-
eración 2008 Caja Madrid, Ertibil 2009,
Artista Noveles Guipuzcoanos 2010,
Muro Guggenheim, KUNSTHAUS Bre-
genz Residency Grant (Austria), Res-
idency Grant Temporary assignment
space BilbaoArte Foundation, Sala
Rekalde Residency Grant, Nekatoenea
Artists in Residence Hendaya France,
Grant-Residency LABORE, DSS2016.
185
 DISPLACEMENT
Macarenok hiriko arkitektura eta
hauetan egoten diren taldeen ara-
bera eraldatu eta kirola egin, oku-
patu edo hauek esku hartzen diren
espazio publikoetan interesa era-
kusten du. Harmailak, hesiak, eskai-
lerak...artista bilbotarrak ikertu eta
sorkuntza eskultorikora eramaten
dituen elementuak dira. Hiriko es-
pazioa osatzen duten dispositibo
ezberdin hauen berregokitzearen
interes honek artista hauen sorre-
ran eman diren prozedura eta deri-
betan arreta jartzera eramaten du,
gogoeta hau sorkuntza birtualaren
eremura eramatera bultzatzen due­
larik, 3D animazioaren bitartez. Gra-
dualki, Ion Macarenoren lanaren ga-
rapenean, euskarri eta irudi digitala
gailu eskultorikoaren parte izaten
hasi da. Prozesu digitalarekin duen
inplikazio berri honek gizarte garai-
kidearen konplexutasunaren berri
emateko beharrean aurkitzen du
jatorria, bereziki errepresentazio di-
gitalaren mugetan adierazten dena.
Horrela, teknologia berrien sarre-
rak bere ikerketan garrantzi berezia
hartzen du, arte praktikan espazioa/
tokia eta zentzua eraikitzeko po-
tentzial handia dutela ulertzen bai-
tu, era berean gaurkotasunezko
“errepresentazio pantaila” prozesu
digital eta hauen forma anitzen bi-
tartekotzaren ideia aintzat hartuz.
Ion Macarenok bakarka, besteak
beste, José de la Fuente Galeria,
Rekalde Aretoa eta Montehermoso
Kultura Zentroan erakutsi ditu bere
lanak. Halaber hainbat taldekako
erakusketa eta nazio ezberdinetako
ferietan parte-hartu du. Arte Ede­
rretan doktorea EHUan, 2010. ur-
tetik ikerketaren ikerketa eremuan
garatzen du bere lana unibertsitate
bereko Eskultura Departamentuan.
Macareno muestra interés por las
arquitecturas urbanas y los espacios
públicos que son transformados
por las necesidades de los grupos
que los habitan y utilizan para hacer
deporte, ocuparlos o intervenirlos.
Gradas, vallas, escaleras… son ele-
mentos que el artista bilbaíno inves-
tiga y traslada a la creación escultó-
rica. Este interés por la readaptación
de los distintos dispositivos que
configuran el espacio urbano mue-
ve al artista a fijarse también en los
procedimientos y derivas en su crea-
ción y lo lleva a  trasladar esta mis-
ma cuestión al plano de la creación
virtual, a través de la animación 3D.
En el desarrollo del trabajo de  Ion
Macareno  el soporte e imagen di-
gital comienza gradualmente a for-
mar parte material del dispositivo
escultórico. Esta nueva implicación
con los procedimientos digitales
tiene su origen en la necesidad de
dar cuenta de la complejidad de las
sociedades contemporáneas, espe-
cialmente manifestada en términos
de representación digital.
Así, la incorporación de nuevas tec-
nologías cobra importancia en su
estudio ya que entiende que estas
herramientas contienen gran po-
tencial para construir espacio/lugar
y sentido en la práctica del artista,
atendiendo de igual manera a esa
idea según la cual la “pantalla de re-
presentación” en la actualidad viene
mediada por procesos digitales y
sus múltiples formas.
Ion Macareno ha expuesto de for-
ma individual en la Galería José de
la Fuente, la Sala Rekalde y el Centro
Cultural Montehermoso entre otros
espacios. Así mismo ha participado
en numerosas exposiciones colec-
tivas y ferias en diferentes países.
Doctor en Bellas Artes por la Univer-
sidad del País Vasco, desde 2010 de-
sarrolla su actividad en el ámbito de
la investigación dentro del Depar-
tamento de Escultura de la misma
universidad.
Ion Macareno
2018.18.05 > 2018.15.26
Macareno shows interest in urban
architecture and public spaces that
are transformed according to the
needs of the groups inhabiting and
using them to do sports, to occupy
or to intervene. Grandstands, fenc-
es, stairs… these are the elements
that the Bilbao-born artist investi-
gates and translates into sculpture.
This interest in the readaptation of
the different devices that make up
the urban space moves the artist to
pay attention also to the procedures
and drifts in his creation, and makes
him question it in the field of virtual
creation via 3D animation. In the de-
velopment of Macareno’s work the
medium and the digital image grad-
ually begin to form a material part
of the sculptural device. This new
involvement in digital procedures
originates in the need to give an
account on the complexity of con-
temporary societies, especially as it
manifests in digital representation.
Thus, the incorporation of new tech-
nologies becomes important in his
study following his understanding
that these tools have great potential
to build space/place and meaning in
the artist’s practice, also discussing
the idea that today’s “screen of rep-
resentation” is mediated by digital
processes and its multiple forms.
Ion Macareno has shown his work
individually in José de la Fuente
Gallery, Sala Rekalde and Montehe-
rmoso Cultural Centre, among oth-
er spaces. He has also participated
in several collective exhibitions and
festivals in different countries. As a
Doctor of Fine Arts by the University
of the Basque Country, since 2010
he has pursued his research within
the Department of Sculpture at the
same university.
187
 BETADINE SU BATA
Izaera esperimental sakon bat duen
erakusketa honetan, Kordobako ar-
tistak instalazio handi bat osatzen
duten eskuz landutako tramankulu
arraroen bilduma bat zabaltzen du,
bere bideo-sorkuntza burugabeetan
bizitza lortzen dutenak. Bere proiek-
tuak softwaretik datozen efektu
digitalen erabileraren desegitea bi-
latzen du, hauek pelikula urratu eta
honi gainjartzen zaizkion errekurtso
plastiko eta analogikoekin ordezka-
tuz, horrela, esanahi berriak sortu
eta etengabeko aldaketan dagoen
berezko lengoaia autonomo bat lor-
tuz. Beatrizek prozesua arte espre-
sio modura goratzen du, trikimailua
disimulurik gabe erakutsiz eta ja­
rraitutako pausoak agerian uzteare-
kin jolastuz.
Betadine Su Bata izenburua sortze-
ra iritsi ez zen musika talde baten
izenetik dator, Sanchez eta Marta
Peláezek osatua izango zena.
Beatriz Sánchez Marrazkilari, per-
formera, ikus-entzunezko sortzaile
eta aktibista digitala da, eta alderdi ez-
berdinetatik jarduten da diskurtso he-
teronormatiboak eta informazioaren
gizarteak gugan duten eragina az-
tertzerako orduan. Estrategia eta
teknika desberdinen bitartez, Bea­
trizi berdin dio hiritar arduratsuaren
eta desiragarritasun sozialaren irudi
subjetiboak zalantzan jartzea, “deso-
bediente zibilak” bilakatuz eta jaki-
naren gainean modu libre batean
barregarri geratzera bultzatuz; baita
hausnarketa-akzio bat ahalbidetu
ere, gizonentzako sexografiak ema-
kumeengan eragiten dituen ondorio
kosifikatzaileen gainean; edota cy-
berpunk grinarekin bat sare sozial
birtualek eskaintzen dituzten [aurrei-
kusi gabeko] aukerei buruzko ikerke-
ta praktikoan ere aritzea, identitateak
desgorpuztu eta identitate paralelo
batean bergauzatzeko [trabestitze-
ko]beste identitate digitalekin harre-
manetan jarri eta ezinezko istorioak
sortuz.
En esta muestra de carácter profun-
damente experimental, la artista cor-
dobesa despliega una colección de
creaciones artesanales que forman
una gran instalación de pequeños
artefactos extraños que cobran vida
en sus disparatadas videocreaciones.
Su proyecto busca disolver el uso de
los efectos digitales propios del soft­
ware, sustituyéndolos por recursos
plásticos y analógicos que se super-
ponen y rayan la película, generando
nuevos significados y alcanzando
un lenguaje propio y autónomo en
permanente mutación. Beatriz en-
salza el proceso como forma de ex-
presión artística, mostrando el truco
sin tapujos y jugando a evidenciar los
pasos seguidos. El título Betadine Su
Bata surge del nombre de una banda
musical que no llegó a formalizarse y
que estaría constituida por Sánchez y
Marta Peláez.
Beatriz Sánchez es dibujante, perfor-
mera, creadora audiovisual, y actúa
desde distintos frentes en relación
al análisis del impacto que origina en
nosotros el discurso heteronormati-
vo y la sociedad de la información. A
través de distintas estrategias y téc-
nicas, a Beatriz tanto le da poner en
cuestión las figuras subjetivadas del
ciudadano responsable y el deseable
social incitándonos a convertirnos
en “desobedientes cibiles”; como
posibilitar una reflexión-acción del
efecto cosificador que sobre la mujer
ejerce la sexografía para hombres; o
en concordancia con el anhelo cyber-
punk realizar una indagación prácti-
ca de las posibilidades [no previstas]
que ofrecen las redes sociales virtua-
les para descorporeizar la identidad
y travestirse en una personalidad
paralela con capacidad para interac-
tuar con otras identidades digitales y
generar historias imposibles.
Beatriz Sánchez
2018.17.08 > 2018.14.09
In this deeply experimental exhibi-
tion, the Cordoba-born artist dis-
plays a collection of handcrafted
creations. These creations form a
great installation of strange little
artefacts that come to life in her lu-
dicrous video-creations. Her project
seeks to dissolve the use of soft-
ware’s own digital effects, replac-
ing them with visual and analogue
resources that overlap and scratch
the film, producing new meanings
and achieving a self-contained and
autonomous language in perma-
nent mutation. Beatriz uplifts the
process as a means of artistic ex-
pression, unreservedly showing the
strings and playing at demonstrate
the steps taken. The title Betadine
Su Bata comes from the name of
a band that was never formed and
whose members would have been
Sánchez and Marta Peláez.
Beatriz Sánchez is a cartoonist,
performer, and audiovisual crea-
tor acting from different fields in
order to analyse the impact that
heteronormative discourse and
information society makes on us.
Through different strategies and
techniques, Beatriz is not afraid of
questioning the subjective roles of
the responsible citizen and socially
desirable person by encouraging us
to cibil disobedience”; how to make
a reflection-action of the objectify-
ing effect that sexography for men
has on women; or (in accordance
with the cyberpunk desire to carry
out a practical investigation of the
[unforeseen] disembodying possi-
bilities offered by virtual and social
networks on identity) to cross-dress
into a parallel personality with the
capacity to interact with other digi-
tal identities and create impossible
stories.
189
 ENTRE CANTAR Y HABLAR
Erakusketa honetan, artistak idatzi,
hitz egin, kantatu eta errezitatzearen
arteko muga eta bat-egiteak bilatzen
ditu. “Entre cantar y hablar” Spresch-
gesang termino musikal baten erre-
ferentzia da eta abestu eta hitz egite-
aren artean dagoen teknika bokal bati
igortzen dio.
Hitz egin eta idazteko momentuaren
arteko mugak aztertzen dira. Hitzaren
musikaltasuna eta poesiarako for-
ma berriak bilatzen dira. Benitoren
testuen antzezpena. Ahozko olerki
testu batetik abiatuta lurrean sortu-
tako estrukturak. Lurraren eraldake-
ta erre­zitaldi espazio moduan erabili
ahal izateko, ibilera edo egotearen
gainetik dagoen altueran sortutako
azalera. Azalera baten altuera ezber-
dinak aztertzen dira hau agertoki,
idulki ala podium batean bilakatzeko.
Altuera egoa bezala hartuta, testu ba-
koitzak bere egoera emozionalarekin
bat datorren lurrarekiko distantzia
bat behar du. Harrokeria, gailentasu-
na eta hantustea edo apaltasuna eta
segurtasun eza. Egoa neurri unitate
bezala. Errezitatutako olerki testuak
aldarrikatzen dituen altuera, ibilbide,
gogoeta eta errespetu maila ezber-
dinak: intonazioa, erritmoa, metrika,
estruktura eta luzapena dira kontutan
hartzeko balioak.
María Benito Píriz (1992), Arte Ede­­
rre­tan graduatua da EHUan (2014)
Ikerketa eta Sorkuntza Masterra bu-
rutu du unibertsitate berean (2015).
Eskultura, bideoa, soinua ala idazke-
raren moduko diziplinekin lan egiten
du. Bizkaiko Foru Aldundiko sorkuntza
beka jaso du (2018) eta BilbaoArteko
urtebeteko egoitza beka (2017).
Bere lana Bilboko Guggenheim Mu-
seoa, Noaingo Kultura Zentroa, Erti-
bil, Okela AMP, BilbaoArte Fundazioa
eta Errioxako Arte Joven Erakusketa,
azken honetan “Transformación de
poesía” bideoari esker 3. saria lortu
zuelarik.
En esta muestra, la artista busca los
límites y confluencias entre escribir,
hablar, cantar y recitar. «Entre cantar
y hablar» hace referencia al térmi-
no musical «Sprechgesang​» que se
emplea para referirse a una técnica
vocal que se encuentra entre cantar
y hablar.
Se analizan los límites entre el mo-
mento de hablar y de escribir. Se
busca la musicalidad de la palabra y
las nuevas formas para la poesía. La
escenificación de sus textos. Estruc-
turas de suelo creadas a partir de
un texto poético oralizado. La modi-
ficación del suelo para ser utilizado
como espacio de recital creando una
superficie a una altura superior a la
del caminar, al de estar. Se analizan
las diferentes alturas de una superfi-
cie para convertirse en escenario, en
peana, en podium. Teniendo la altura
como el ego, cada texto necesita de
una distancia del suelo acorde con el
estado emocional del texto. La arro-
gancia, la prepotencia y la soberbia o
la humildad y la inseguridad. El ego
como unidad de medida. Los distin-
tos niveles de altura, de recorrido, de
reflexión, de respeto que pretende el
texto poético recitado: la entonación,
el ritmo, la métrica, la estructura y la
duración son los valores a tener en
cuenta.
María Benito Píriz (1992), graduada
en Bellas Artes por la UPV (2014) y
máster de Investigación y Creación
en arte (2015) en la misma universi-
dad. Trabaja con distintas disciplinas
como la escultura, el video, el audio
y la escritura. Ha recibido la beca de
creación de la Diputación Foral de
Bizkaia (2018) y la beca de residencia
de un año de BilbaoArte (2017).
Su trabajo ha sido mostrado en sitios
como el Guggenheim Museum Bil-
bao, Centro Cultural de Noain, Ertibil,
Okela AMP, Fundación BilbaoArte y
en la Muestra de Arte joven de la Rio-
ja recibiendo un tercer premio con el
video “Transformación de poesía”.
María Benito Píriz
2018.21.09 > 2018.19.10
In this exhibition, the artist search-
es for the limits and convergence
between writing, speaking, singing
and reciting. “Entre cantar y hablar”
refers to the music term “Sprechge-
sang” which is used to refer to a vo-
cal technique that is between sing-
ing and speaking.
The limits between the time of
speaking and writing are analysed.
The musicality of the word and the
new forms of poetry are sought.
For the representation of my texts,
ground structures are created from
an oralized poetic text, the floor
is modified to be used as a recital
space, a surface created higher than
the walking level. To convert it to a
stage on a stand, on a podium, the
different heights of a surface are an-
alysed. Having the height as the ego,
each text needs a distance from the
ground according to the emotional
state of the text. Arrogance, disdain
and pride or humility and insecurity.
The ego as a unit of measurement.
The recited poetic text aims the
different levels of height, the path,
the reflection, the respect: the into-
nation, the rhythm, the metric, the
structure and the duration are the
values to have in mind.
María Benio Píriz (1992) is a Fine Art
graduate by the UPV (2014) and has
her Master’s Degree in Art Research
and Creation (2015) from the same
University. She works with different
disciplines such as sculpture, video,
audio and writing. She has received
creation grant of the Regional Coun-
cil of Bizkaia (2018) and one-year
residency grant of BilbaoArte (2017).
Her work has been shown in places
such as Guggenheim Museum Bil-
bao, Cultural Center of Noain, Ertibil,
Okela AMP, BilbaoArte Foundation
and in la Muestra de Arte joven de
la Rioja, she received a third price
with the video “Transformación de
poesía”.
191
 MUDA
“Muda” gauzen hizkuntzen in-
guruan eginiko esperimentazio
praktiko batean oinarritzen da, bul­
tzadei, hausnarketei eta kontrae-
sanei lotua. Objektu funtzionalekin
erlazionatuta dauden interesetatik
abiatuz, Uxuek prozezu bat marraz-
ten du zeinetan proposamenaren
posibilitate ani­tzak nabarmentzen
dira, espazioa, denbora, forma eta
funtzioarekin elkarrizketa ebolutibo
bat posible egiten duen sistemak
sortuz.
Lantzen dituen konposizioak (guzti
aldagarri bat osatzen duten gauzen
multzoa bezala),materialak, siste-
mak eta gaurkotasuna islatzen eta
sintesira doazen piezak lotzen ditu.
Hasierako bultzada esparru tridi-
mentsionaleko laborategi nahasi
batean bideratzen da, testuinguru
esperimental batean metodologia
tradizional dezberdinak teknologi
berriekin bateratzen dituelarik.
Uxue López Iruretagoyena Blbon
bizi eta lan egiten du. Arteko gra-
duatua da EHU-koArte Ederretako
fakultatean. “Keramika; artea eta
funtzioa” izeneko masterretik bere
lana keramikak dauzkan ezauga-
rriekin nahasten hasten da, alda­
tzeko aukera eta funtzioa erreferen­
tzia-puntuak bilakatuz. Gaur egun,
Bilbon kokaturiko Hemen. izeneko
proiektuan murgildua dago, non
artea eta diseinuarekin erlaziona-
turiko jardueretan lan kolektiboan
dihardute, ikasten, irakasten eta
partekatzen.
Uxue López Iruretagoyena
“Muda” se fundamenta en una ex-
perimentación práctica entorno al
lenguaje de las cosas sujeta a la ten-
sión entre el impulso, la reflexión y la
contra­dicción. Partiendo de intereses
asociados a las relaciones con el ob-
jeto funcional, Uxue, dibuja un pro-
ceso en el que destaca la multiposi-
bilidad como propuesta significativa,
generando sistemas que permiten
un diálogo evolutivo con el espacio,
el tiempo, la forma y la función.
Los compuestos en los que trabaja,
como un conjunto de cosas que com-
ponen un todo variable, aúnan mate-
riales, sistemas y piezas que tienden
a la síntesis y reflejan un ahora. El im-
pulso inicial deriva en un laboratorio
interdisciplinar en el plano de la tridi-
mensionalidad a través de procesos
que recogen distintas metodologías
tradicionales combinadas con nue-
vas tecnologías en un contexto expe-
rimental.
Uxue López Iruretagoyena vive y
trabaja en Bilbao. Es Graduada en
Arte por la Facultad de Bellas Artes
de la UPV/EHU. Tras su paso por el
Máster en Cerámica; arte y función,
su trabajo empieza a verse influen-
ciado por las características de la ce-
rámica, y referenciado por el objeto
funcional y la posibilidad de cambio.
Actualmente se encuentra inmersa
en el proyecto Hemen., un espacio/
taller abierto, desde el que desarrolla
un trabajo en colectivo, enseñando,
aprendiendo e intercambiando des-
de la práctica artística y el diseño en
Bilbao.
2018.10.26 > 2018.23.11
A practical experiment around the
language of things, “Muda” is linked
to the tension between impulse, re-
flection, and contradiction. It parts
from the artist’s interest in the re-
lationship with the functional ob-
ject. Uxue draws a process in which
multipossibility is highlighted as a
significant proposal; she generates
systems that enable an evolutionary
dialogue between space, time, form,
and function.
The composites used by the artist,
in terms of an ensemble of things
composing a variable whole, bring
together materials, systems, and
components, all of which tend to-
wards synthesis and reflect certain
“nowness”. The initial impulse drifts
within an hybrid lab on the three-di-
mensionality plane through pro-
cesses that unite a range of tradi-
tional methodologies, on one hand,
and new technologies, on the other,
within an experimental context.
Uxue López Iruretagoyena lives
and works in Bilbao. She’s got an
Arts degree from the Arts Faculty at
the University of the Basque Coun-
try (UPV/EHU). Since she got her
Master´s degree in Clay; art and
function, her work started to get
swayed by the features of clay, and
referenced by functional objects
and the possibility of change. She
is currently working on a project
called Hemen, where she is carrying
out collective work, teaching, learn-
ing and exchanging from practices
related to art and design in the city
of Bilbao.
193
 PAISAJES: DE LA PLATA AL PIXEL
Zentroak ekoiztutako erakusketa ho-
netan Fundazioaren argazki bildu-
matik aukeratutako piezek paisaia-
rekiko interesa partekatzen dute.
Erakusketan 2000 eta 2017 urte ar-
tean BilbaoArte egoitza izan duten
ondorengo artistek parte hartzen
dute: Erika Ede, Laia Sala, Marie
Sommer, Bego Antón Arias, María
Anwander, Carla Andrade, Ainhoa
Akutain, Mikel Escauriaza, Karlos
Martínez, Íñigo Tena, Carlos Irijalba,
Roberto Aguirrezabala, Greta Alfaro,
Íñigo Garatu, Cristina Fontsaré, Iñaki
Sáez, Alejandro Arteche, Francisco
Navarrete, Cristina Ferrández Box y
Raquel Durán eta Anybal Mira.
Paisaia aitzinean zegoen eta gu ez
gaudenean bertan jarraituko du.
Beraz, ez da arraroa, arte praktikatik,
bata bestearen atzetik, artista ugari
naturak eragiten duen indar magne-
tiko liluragarri honetara hurbiltzea.
Zilarretik pixelera titulatu dugu,
azken bi hamarkada hauek argaz-
kilaritzaren eremuan muineko eral-
daketa bat behartzeko funtsezkoak
izan baitira. Eguzkiak zauritutako zi-
larrean itsatsitako argi aztarna haiek
orain prozesu digitalekin bizikide
(eta ordezkatuak) dira.
Pikorra pixel bilakatu da eta horren
ingurukoa da hitzordu hau. Argaz-
kia eta paisaiarekin jolasten duten
20 proposamen. Bilbao Arte Fun-
dazioaren bilduma publikoaren par-
te diren 20 proposamen, erakusketa
honetan ordezkatzen gaituztenak.
Hauekin barne ibilbide lasai bat iru-
dikatzen da, bidaia kezkagarri eta
heterogeneoa. Bata eta besteen ar-
tean ia bi hamarkadako tartea eta
argia atzemateko oso ezberdinak
diren bi sistema daude. Baina proze-
suen gainetik eta hauen begiradak
eutsiz, hogei artisten hogei paisaia
dira, Bilbao Arte bera eta honen sor-
men eremuaren laburpen bat egite-
ko, hilabete gutxi barru honen exis-
tentziaren bi hamarkada ospatzeko
prestatzen ari garenean.
Artista ugari | Varios artistas
Las piezas, seleccionadas a partir
de la colección de obra fotográfica
de la Fundación, comparten un in-
terés por el paisaje en esta muestra
producida en el centro. Los artis-
tas residentes en BilbaoArte desde
2000 hasta 2017 que participan en
la muestra son: Erika Ede, Laia Sala,
Marie Sommer, Bego Antón Arias,
María Anwander, Carla Andrade,
Ainhoa Akutain, Mikel Escauriaza,
Karlos Martínez, Íñigo Tena, Car-
los Irijalba, Roberto Aguirrezabala,
Greta Alfaro, Íñigo Garatu, Cristina
Fontsaré, Iñaki Sáez, Alejandro Ar-
teche, Francisco Navarrete, Cristi-
na Ferrández Box y Raquel Durán y
Any­bal Mira.
El paisaje nos antecede y el paisaje
nos sucederá cuando no estemos
aquí. No es extraño pues que, des-
de la práctica artística, la naturaleza
ejerza un fascinante poder magnéti-
co en el que desembarcan uno tras
otro infinidad de artistas. De la plata
al pixel lo titulamos, porque estas
dos décadas han sido sustanciales
para forzar una modificación verte-
bral en el terreno de la fotografía.
Aquellas huellas de luz adheridas
en la plata herida por el sol conviven
ahora, (y se ven desplazadas), con
los procesos digitales. El grano ha
devenido en pixel y de eso va esta
cita. Veinte propuestas que juegan
con la fotografía y el paisaje. Vein-
te obras que pertenecen a la colec-
ción pública de la Fundación Bilbao
Arte y que, en esta muestra, nos
representan. Con ellas se esboza
un ­recor­­rido íntimo y sosegado, un
periplo inquietante y heterogéneo.
Entre unas y otras hay casi dos dé-
cadas de distancia y dos sistemas
muy diferentes de captar la luz. Pero
por encima de procesos y sostenien-
do sus miradas, son veinte paisajes
de veinte artistas para resumir una
parcela del hacer de y en Bilbao Arte
cuando nos preparamos para ce-
lebrar, dentro de unos meses, dos
décadas de existencia.
2018.06.29 > 2018.08.06
Photography group exhibition.
The pieces of this exhibition, curated
in-house, have been selected from
the Foundation’s collection around
a shared interest in landscape. The
artists who completed residencies
in BilbaoArte from 2000 to 2017
and have taken part in the exhibi-
tion are: Erika Ede, Laia Sala, Marie
Sommer, Bego Antón Arias, María
Anwander, Carla Andrade, Ainhoa
Akutain, Mikel Escauriaza, Karlos
Martínez, Íñigo Tena, Carlos Irijalba,
Roberto Aguirrezabala, Greta Alfaro,
Íñigo Garatu, Cristina Fontsaré, Iña-
ki Sáez, Alejandro Arteche, Francisco
Navarrete, Cristina Ferrández Box,
Raquel Durán and Anybal Mira.
The landscape precedes us and the
landscape will succeed us when we
are no longer here. It is not surpris-
ing that, from the artistic practice,
nature should exert such a fasci-
nating magnetic attraction towards
which numerous artists drift one
after another. We have named the
exhibition “From silver to pixels” be-
cause these two decades have been
fundamental to forcing a structural
modification in the field of pho-
tography. Those traces of light on
the sun-marked silver now coexist
with (and are displaced by) digital
processes. The grain has become
a pixel and that is what this date is
about. Twenty approaches that play
with photography and the land-
scape. Twenty works that belong to
the public collection of BilbaoArte
Foundation portray us in this exhi-
bition. With them an intimate and
peaceful journey is sketched, a dis-
turbing and heterogeneous journey.
There are two decades of difference
and two very different systems of
capturing light between them. How-
ever, beyond the processes and
holding the gaze, these are twenty
landscapes by twenty artists to sum-
marise the doing by and within Bil-
baoArte, as we prepare to celebrate
two decades of existence in a few
months’ time.
195
 ZENTRUA
EL CENTRO
THE CENTRE
BilbaoArte ekoizpen artistikorako
zentro bat da eta Bilboko Udal Go-
renaren Kultur Sailari lotuta dago.
Sortzaile gazteen eskura jartzen
ditu beha­ rrezkoak diren baliobide
eta azpiegiturak euren egitasmo
artistikoak garatzeko. 1998an sortu
zenetik, ondoko ekintzen garape-
nean zentratu da: proiektu artisti-
koak garatzeko bekak; ikastaroak,
mintegiak eta hitzaldiak; hauetan,
nazioartean ospea duten sortzai-
leek parte hartzen dute; sortzaile
gazteen erakusketak eta ateak za-
balitako jardunaldiak; artistak beste
nazioarteko (Kunsthaus Bregenz,
Cité des Arts de París, SeMA Nanji
Residency Seul) eta nazioko (Viana
Fundazioa-Cajasur, Córdoba) ar-
te-zentroekin mugikortasun pro­
gramak eta aholkularitza artistikoa
erakundeen proiektuak garatzeko.
BilbaoArteren helburu behinena,
sortzaile gazteen profesionalizazioa
erraztea da eta, era berean, arte-
aren praktikarako beha­rrezko azpie-
gitura modernoak komunitate artis-
tikoaren eskura jartzea. Honetarako,
BilbaoArtek 3.500m2 inguruko azale-
ra erabilgarria dauka, lau solairutan
banatuta, zamaketarako kaia, eta
gainera: erakusketa gela, edozein
jarduera artistikorako egokituta;
hamabi lagapen-gune, egitasmo
artistikoak garatzeko; argazkigintza,
eskultura, grabatu, serigrafia tekno-
logia berriak eta MediaLab tailerrak,
filmazio-aretoaz gain, arte jarduera-
rako beharrezko makineria eta bi-
tarteko guztiez hornitutak. Halaber,
langile adituak ere badaude. Hauek
erabiltzaileei aholkuak eman eta az-
piegituren funtzionamendu zuzena
bermatzen dute eta Art House Zi-
nema: proiekzio eta hitzaldietarako
areto polibalentea.
BilbaoArte es un centro de produc-
ción artística, dependiente del Área
de Cultura del Excmo. Ayuntamiento
de Bilbao, que pone a disposición de
los artistas residentes los medios e
infraestructuras necesarias para el
desarrollo de sus propuestas. Des-
de su inauguración en 1998, centra
su labor en las siguientes activida-
des: becas para el desarrollo de
proyectos artísticos; cursos, semina-
rios y conferencias en las que partici-
pan creadores de consolidado pres-
tigio internacional; exposiciones de
jóvenes creadores y jornadas de puer-
tas abiertas; programas de movilidad
con otros centros artísticos, nacionales
(Fundación Viana-Cajasur, Córdoba) e
internacionales (Kunsthaus Bregenz,
Cité des Arts de París, SeMA Nanji Re-
sidency Seul) y asesoramiento artístico
para el desarrollo de proyectos institu-
cionales.
El objetivo fundamental de BilbaoAr-
te es proporcionar una destacada
profesionalización de los artistas y
poner a disposición de la comunidad
artística modernas infraestructuras
para la práctica artística. Para ello,
BilbaoArte cuenta con una superficie
aproximada de 3.500m2 útiles, dividi-
dos en cuatro plantas, un muelle de
carga y descarga, además de: sala
de exposiciones, acondicionada para
cualquier intervención artística; doce
espacios de cesión para el desarrollo
de proyectos artísticos; talleres de fo-
tografía, escultura, grabado, serigra-
fía, nuevas tecnologías y MediaLab
así como un plató de filmación, equi-
pados con todo tipo de maquinaria
y de útiles para la práctica artística.
Asimismo, disponen de personal es-
pecializado encargado de asesorar
a los usuarios y de garantizar el co-
rrecto funcionamiento de las infraes-
tructuras y el Art House Zinema, una
sala polivalente para proyecciones y
conferencias.
BilbaoArte is an artistic production
centre belonging - the Culture De-
partment of the Bilbao City Council.
It provides young creators with the
means and infrastructures required
- develop their artistic ideas. Since it
opened in 1998, it has been focused
on the development of the following
programmes and activities: grants
for the development of artistic pro-
jects; courses, seminars and con-
ferences involving consolidated
and prestigious international crea-
tors; exhibitions by young creators
and open days, artist mobility pro-
grammes with other national (Fun-
dación Viana-Cajasur, Córdoba) and
international (Kunsthaus Bregenz,
Cité des Arts de París, SeMA Nanji
Residency Seul) artistic centres and
artistic advice for the development
of institutional projects.
The main aim of BilbaoArte is - pro-
vide outstanding professionalisa-
tion of young creators, and making
available modern infrastructures
for artistic practices within the art
community. For this purpose, Bil-
baoArte has a usable surface area of
approximately 3.500m2, divided into
four floors, as well as a loading and
unloading area and the following
facilities: exhibition room equipped
for any artistic intervention; twelve
studio spaces that are lent out for
the development of artistic projects;
photography, sculpture, engraving,
silkscreening, new technologies
and MediaLab workshops, as well
as a film set, provided with all the
equipment and facilities needed
for artistic practice. They also have
specialised personnel in charge of
providing information for users and
guaranteeing the correct use of
the infrastructures and Art House
Zinema: screening and conference
room.
201
 JARDUERAK
ACTIVIDADES
ACTIVITIES
 Erakusketak | Exposiciones | Exhibitions

Otsailak 2 - Martxoak 2 2 de febrero - 2 de marzo 2 February - 2 March

Inés García Inés García Inés García
Winterreise Winterreise Winterreise

Martxoak 9 - Apirilak 6 9 de marzo - 6 de abril 9 March - 6 April

Manu Blázquez Manu Blázquez Manu Blázquez
Abundante Amigable Compuesto Abundante Amigable Compuesto Abundante Amigable Compuesto

Apirilak 6 - Apirilak 20 6 de abril - 20 de abril 6 April - 20 April

Talde Erakusketa Exposición colectiva Collective exhibition
Ikastaro Politen 5. urteurrena 5º aniversario de los Cursos Bonitos 5th anniversary of the Pretty Courses

Apirilak 13 - Maiatzak 11 13 de abril - 11 de mayo 13 April - 11 May

Zuhar Iruretagoiena Labeaga Zuhar Iruretagoiena Labeaga Zuhar Iruretagoiena Labeaga
Hebra Hebra Hebra

Maiatzak 18 - Ekainak 15 18 de mayo - 15 de junio 18 May - 15 June

Ion Macareno Ion Macareno Ion Macareno
Displacement Displacement Displacement

Ekainak 27 27 de junio 27 June

Ryu Biho Ryu Biho Ryu Biho
Open Studios Open Studios Open Studios

Ekainak 28 28 de junio 28 June

BilbaoArteko artistak Artistas de BilbaoArte BilbaoArte artists
Puertas (entre)abiertas Puertas (entre)abiertas Puertas (entre)abiertas

Ekainak 29 - Abuztuak 6 29 de junio - 6 de agosto 29 June - 6 August

Talde erakusketa Exposición colectiva Collective exhibition
Paisajes: de la plata al pixel Paisajes: de la plata al pixel Paisajes: de la plata al pixel

Abuztuak 17 - Irailak 14 17 de agosto - 14 de septiembre 17 August - 14 September

Beatriz Sánchez Beatriz Sánchez Beatriz Sánchez
Betadine Su Bata Betadine Su Bata Betadine Su Bata

Irailak 21 - Urriak 19 21 de septiembre - 19 de octubre 21 September - 19 October

María Benito Píriz María Benito Píriz María Benito Píriz
Entre cantar y hablar Entre cantar y hablar Entre cantar y hablar

Urriak 26 - Azaroak 23 26 de octubre - 23 de noviembre 26 October - 23 November

Uxue López Iruretagoyena Uxue López Iruretagoyena Uxue López Iruretagoyena
Muda Muda Muda

Urriak 30 30 de octubre 30 October

Sarah Bildstein & Sarah Bildstein & Sarah Bildstein &
Janine Maria Schneider Janine Maria Schneider Janine Maria Schneider
Open Studios Open Studios Open Studios

Azaroak 5 - Azaroak 16 5 de noviembre - 16 de noviembre 5 November - 16 November

Beruta Beruta Beruta
Equilibria Equilibria Equilibria

Abenduak 7 - Abenduak 18 7 de diciembre - 18 de diciembre 7 December - 18 December

BilbaoArteko artistak Artistas de BilbaoArte BilbaoArte artists
Ateak zabalik 2018 Puertas Abiertas 2018 Open Doors 2018

204 205
 Mintegiak, hitzaldiak eta ikuskizunak
Seminarios, conferencias y espectáculos
Seminars, talks and performances

Urtarrilak 22 - Urtarrilak 25 22 de enero - 25 de enero 22 January - 25 January

Jon Bilbao Jon Bilbao Jon Bilbao
Tailerra: Fabrikazio digitala Me- Taller: Fabricación digital en el Workshop: Digital making in Me-
diaLab-ean VIII MediaLab VIII diaLab VIII

Urtarrilak 23 - Urtarrilak 24 23 de enero - 24 de enero 23 January - 24 January

Clara Boj, Helen Torres,
Pablo de Soto &
Fabrizio Terranova
Jardunaldiak: 2056. Artea, zientzia
eta gizartea etorkizun klimatikoen
aurrean
Clara Boj, Helen Torres,
Pablo de Soto &
Fabrizio Terranova
Jornadas: 2056. Arte, ciencia y so-
ciedad ante los futuros climáticos
Clara Boj, Helen Torres,
Pablo de Soto &
Fabrizio Terranova
Jornadas: 2056. Art, science and
society in the face of climate futures

Otsailak 5 - Otsailak 14 5 de febrero - 14 de febrero 5 February - 14 February

Blanca Ortiga Blanca Ortiga Blanca Ortiga
Tailerra: Mapping artistentzat Taller: Mapping para artistas Workshop: Mapping for artists

Otsailak 5 - Otsailak 7 5 de febrero - 7 de febrero 5 February - 7 February

Jon Bilbao Jon Bilbao Jon Bilbao
Tailerra: Fabrikazio digitala Taller: Fabricación digital Workshop: Digital making

Otsailak 20 20 de febrero 20 February

Émilie Jouvet Émilie Jouvet Émilie Jouvet
Masterclass Zinegoak 2018 Masterclass Zinegoak 2018 Masterclass Zinegoak 2018

Martxoak 2 2 de marzo 2 March

Oriol Mallart & Oriol Mallart & Oriol Mallart &
Carmen Santamaría Carmen Santamaría Carmen Santamaría
Kontzertua: Primera Schubertiada Concierto: Primera Schubertiada Concert: Primera Schubertiada
Ines Garcíaren Winterreise erakus- Clausura de la exposición Winter- Ines García’s Winterreise exhibi-
ketaren itxiera reise de Inés García tion closing

Martxoak 3 3 de marzo 3 March

Lázaro Louzao Lázaro Louzao Lázaro Louzao
Masterclass Zinegoak 2018 Masterclass Zinegoak 2018 Masterclass Zinegoak 2018

Martxoak 5 - Martxoak 9 5 de marzo - 9 de marzo 5 March - 9 March

Pilar Valdivieso Pilar Valdivieso Pilar Valdivieso
Tailerra: Serigrafiaren hastapenei Taller: Curso de iniciación a la Taller: Curso de iniciación a la
buruzko ikastaroa serigrafía serigrafía

Martxoak 27 27 de marzo 27 March

VII. Ikerketarekin topaketak
Nerea Apodaka
A z a r a z a. Elegir in loco entre
amar o tener la razón
Cristina González
Imágenes que se mueven, imágenes
que mueren
VII. Encuentros con la investigación
Nerea Apodaka
A z a r a z a. Elegir in loco entre
amar o tener la razón
Cristina González
Imágenes que se mueven, imágenes
que mueren
VII. Encounters with Research
Nerea Apodaka
A z a r a z a. Elegir in loco entre
amar o tener la razón
Cristina González
Imágenes que se mueven, imágenes
que mueren

Apirilak 3 3 de abril 3 April

VII. Ikerketarekin topaketak
Haizea Salazar
Materialización de lo Intangible. Di-
lemas de Restauración y Problemas
de Exposición
VII. Encuentros con la investigación
Haizea Salazar
Materialización de lo Intangible. Di-
lemas de Restauración y Problemas
de Exposición
VII. Encounters with Research
Haizea Salazar
Materialización de lo Intangible. Di-
lemas de Restauración y Problemas
de Exposición

207
Apirilak 3 - Apirilak 6 3 de abril - 6 de abril 3 April - 6 April inscrito en el muro inscrito en el muro inscrito en el muro
Isol Misenta Isol Misenta Isol Misenta
Ilustrazio ikastaroa Bonito Editori- Curso de ilustración en colabo- Illustration course in collaboration Apirilak 18 18 de abril 18 April
alekin elkarlanean ración con Bonito Editorial with Bonito Editorial André da Loba André da Loba André da Loba
Hitzaldia: Pregunta! Exclamación? Conferencia: Pregunta! Exclamación? Talk: Pregunta! Exclamación? Punto:
Apirilak 4 4 de abril 4 April Punto: Piedra! Papel? Tijera Punto: Piedra! Papel? Tijera Piedra! Papel? Tijera
Isol Misenta Isol Misenta Isol Misenta
Hitzaldia: Elogio de lo salvaje Conferencia: Elogio de lo salvaje Talk: Elogio de lo salvaje Apirilak 20 20 de abril 20 April
Celluloid Jam Celluloid Jam Celluloid Jam
Apirilak 6 6 de abril 6 April Kontzertua: Ikastaro Politen 5. Concierto: 5º aniversario Cursos Concert: Pretty Courses 5th anni-
Coqo Djette Coqo Djette Coqo Djette urteurrena Bonitos versary
Kontzertua: Ikastaro Politen 5. Concierto: 5º aniversario Cursos Concert: 5th anniversary of the
urteurrena Bonitos Pretty Courses Apirilak 24 24 de abril 24 April
VII. Ikerketarekin topaketak VII. Encuentros con la investigación VII. Encounters with Research
Apirilak 9 - Apirilak 13 9 de abril - 13 de abril 9 April - 13 April Leire Muñoz Leire Muñoz Leire Muñoz
Sonia Pulido Sonia Pulido Sonia Pulido Eco -Intervalo-Obstáculo-Resonan- Eco -Intervalo-Obstáculo-Resonan- Eco -Intervalo-Obstáculo-Resonan-
Ilustrazio ikastaroa Bonito Editori- Curso de ilustración en colabo- Illustration course in collaboration cia-Reflexión cia-Reflexión cia-Reflexión
alekin elkarlanean ración con Bonito Editorial with Bonito Editorial María Jesús Vasquez María Jesús Vasquez María Jesús Vasquez
Casitas para el alma. La animita Casitas para el alma. La animita Casitas para el alma. La animita
Apirilak 9 - Apirilak 27 9 de abril - 27 de abril 9 April - 27 April y la estética ritual en las manifes- y la estética ritual en las manifes- y la estética ritual en las manifes-
David Hornback David Hornback David Hornback taciones populares de la cultura taciones populares de la cultura taciones populares de la cultura
Argazkilaritza tailerra: Reconst- Taller de fotografía: Reconst- Photography workshop: Reconst- Latinoamericana en Chile Latinoamericana en Chile Latinoamericana en Chile
ruyendo el retrato ruyendo el retrato ruyendo el retrato
Apirilak 25 25 de abril 25 April
Apirilak 10 10 de abril 10 April Lorea Oar-Arteta y Héctor Rey Lorea Oar-Arteta y Héctor Rey Lorea Oar-Arteta y Héctor Rey
VII. Ikerketarekin topaketak VII. Encuentros con la investigación VII. Encounters with Research Kontzertua Concierto Concert
Mónica Zorrila Mónica Zorrila Mónica Zorrila
Al hilo de la trama Al hilo de la trama Al hilo de la trama Apirilak 26 26 de abril 26 April
David Hornback David Hornback David Hornback
Apirilak 11 11 de abril 11 April Hitzaldia: Reconstruyendo el retrato Conferencia: Reconstruyendo el Talk: Reconstruyendo el retrato
Sonia Pulido Sonia Pulido Sonia Pulido retrato
Hitzaldia: Viajes aquí, allí y alre- Conferencia: Viajes aquí, allí y Talk: Viajes aquí, allí y alrededor
dedor alrededor Maiatzak 7 - Maiatzak 11 7 de mayo - 11 de mayo 7 May - 11 May
Jonathan García Lana Jonathan García Lana Jonathan García Lana
Apirilak 12 12 de abril 12 April Ikastaroa: Lutheria esperimentala Curso: Luthería experimental Course: Luthería experimental
Purple Vellocet & Los Ojos Purple Vellocet & Los Ojos Purple Vellocet & Los Ojos
Kontzertua. UniSound unibertsita- Concierto. Circuito UniSound de Concert. UniSound circuit of uni- Maiatzak 9 9 de mayo 9 May
teko banden zirkuitoa bandas universitarias versity bands SSALNK, Al Karpenter, SSALNK, Al Karpenter, SSALNK, Al Karpenter,
M. Angel García & M. Angel García & M. Angel García &
Apirilak 13 13 de abril 13 April Enrique Hurtado Enrique Hurtado Enrique Hurtado
Lester & Eliza Lester & Eliza Lester & Eliza Kontzertu esperimentalak Conciertos experimentales Experimental concerts
Kontzertua: Ikastaro Politen 5. Concierto: 5º aniversario Cursos Concert: Pretty Courses 5th anni-
urteurrena Bonitos versary Maiatzak 10 10 de mayo 10 May
AAAh, Oier Iruretagoiena, Sator- AAAh, Oier Iruretagoiena, Sator- AAAh, Oier Iruretagoiena, Sator-
Apirilak 16 - Apirilak 20 16 de abril - 20 de abril 16 April - 20 April duo & Lucas Gaudin duo & Lucas Gaudin duo & Lucas Gaudin
André da Loba André da Loba André da Loba Kontzertu esperimentalak Conciertos experimentales Experimental concerts
Ilustrazio ikastaroa Bonito Editori- Curso de ilustración en colabo- Illustration course in collaboration
alekin elkarlanean ración con Bonito Editorial with con Bonito Editorial Maiatzak 11 11 de mayo 11 May
Raquelilla Pitukka Raquelilla Pitukka Raquelilla Pitukka
Apirilak 17 17 de abril 17 April Zuhar Iruretagoienaren Hebra Performance de clausura de la Zuhar Iruretagoiena’s Hebra exhi-
VII. Ikerketarekin topaketak VII. Encuentros con la investigación VII. Encounters with Research erakusketaren itxiera perfor- exposición Hebra de Zuhar Irure- bition closing performance
Maite Mentxaka Maite Mentxaka Maite Mentxaka mancea tagoiena
Observar vs pertenecer. Autoanálisis Observar vs pertenecer. Autoanálisis Observar vs pertenecer. Autoanálisis
de mecanismos de reapropiación de mecanismos de reapropiación de mecanismos de reapropiación Maiatzak 18 18 de mayo 18 May
sujeto - entorno sujeto - entorno sujeto - entorno Ximo Abadía Ximo Abadía Ximo Abadía
Myriam Guesalaga Myriam Guesalaga Myriam Guesalaga Ikastaroa eta hitzaldia: Ilustrar la Curso y conferencia: Ilustrar la Course and talk: Ilustrar la sátira
Grafía y superficie. El trazo gestual Grafía y superficie. El trazo gestual Grafía y superficie. El trazo gestual sátira contra la censura sátira contra la censura contra la censura

208 209
Maiatzak 21 - Maiatzak 22
Petra Pérez, Sergio García,
Tomeu Simonet, Iñaki Esteban,
Javier San Martín,
Txema Agiriano, María Ptqk,
Itxaso Díaz, Bulegoa z/b,
Okela Sormen Lantegia,
Ismael Manterola
Bilbao Art District Jardunaldiak:
Notas para un (re)conocimiento
Maiatzak 31
André Letria
Hitzaldia: La ilustración como metá-
fora mundo
Maiatzak 31 - Ekainak 1
André Letria
Ilustrazio mintegia Euskal Irudigi-
leak APIErekin lankidetzan
Ekainak 6 - Ekainak 8
Estibaliz Alonso,
Aintzane Pagadigorria,
Vanesa Fernández,
Margarita Ledo, Ana Pfaf, Ariad-
na Ribas,
María Isabel Martínez,
Diana Toucedo,
Ingrid Guardiola, Coral Cruz,
Anna Solà, Amanda Villavieja
Ikastaroa: Territorios y Fronteras
2018 WE MEAN. Nosotras y el cine
documental contemporáneo
Ekainak 14 - Ekainak 15
Colectivo zurekin
BLV-Art Performancea: «Cocktail:
agitar y servir templado»
Ekainak 15
Ainara LeGardon
BLV-Art Performancea
Ekainak 21
Yves Leterme
Kaligrafia hitzaldia
Ekainak 25
Olivier Etchegaray
Hitzaldia: Punta Zorrozaurre
Ekainak 25 - Ekainak 26
Jinhee Kim
Tailerrak: Japoniar margozketa eta
Txinatar eta japoniar kaligrafia
210
21 de mayo -22 de mayo
Petra Pérez, Sergio García,
Tomeu Simonet, Iñaki Esteban,
Javier San Martín,
Txema Agiriano, María Ptqk,
Itxaso Díaz, Bulegoa z/b,
Okela Sormen Lantegia,
Ismael Manterola
Jornadas Bilbao Art District:
Notas para un (re)conocimiento
31 de mayo
André Letria
Conferencia: La ilustración como
metáfora mundo
31 de mayo - 1 de junio
André Letria
Seminario de ilustración en colabo-
ración con Euskal Irudigileak APIE
6 de junio - 8 de junio
Estibaliz Alonso,
Aintzane Pagadigorria,
Vanesa Fernández,
Margarita Ledo, Ana Pfaf, Ariad-
na Ribas,
María Isabel Martínez,
Diana Toucedo,
Ingrid Guardiola, Coral Cruz,
Anna Solà, Amanda Villavieja
Curso: Territorios y Fronteras
2018 WE MEAN. Nosotras y el cine
documental contemporáneo
14 de junio - 15 de junio
Colectivo Zurekin
Performance BLV-Art: «Cocktail:
agitar y servir templado»
15 de junio
Ainara LeGardon
Performance BLV-Art
21 de junio
Yves Leterme
Conferencia de caligrafía
25 de junio
Olivier Etchegaray
Conferencia: Punta Zorrozaurre
25 de junio - 26 junio
Jinhee Kim
Talleres: Pintura japonesa y Cali-
grafía china y japonesa
21 May - 22 May
Petra Pérez, Sergio García,
Tomeu Simonet, Iñaki Esteban,
Javier San Martín,
Txema Agiriano, María Ptqk,
Itxaso Díaz, Bulegoa z/b,
Okela Sormen Lantegia,
Ismael Manterola
Bilbao Art District Conferences:
Notas para un (re)conocimiento
31 May
André Letria
Talk: La ilustración como metáfora
mundo
31 May - 1 June
André Letria
Illustration seminar in collabora-
tion with Euskal Irudigileak APIE
6 June - 8 June
Estibaliz Alonso,
Aintzane Pagadigorria,
Vanesa Fernández,
Margarita Ledo, Ana Pfaf, Ariad-
na Ribas,
María Isabel Martínez,
Diana Toucedo,
Ingrid Guardiola, Coral Cruz,
Anna Solà, Amanda Villavieja
Course: Territorios y Fronteras
2018 WE MEAN. Nosotras y el cine
documental contemporáneo
14 June - 15 June
Colectivo Zurekin
BLV-Art Performance: «Cocktail:
agitar y servir templado»
15 June
Ainara LeGardon
BLV-Art Performance
21 June
Yves Leterme
Talk on calligraphy
25 June
Olivier Etchegaray
Talk: Punta Zorrozaurre
25 June - 26 June
Jinhee Kim
Workshops: Japanese painting and
Chinese and japanese calligraphy
Uztailak 2 - Uztailak 11 2 de julio - 11 de julio 2 July - 11 July
David Arteagoitia David Arteagoitia David Arteagoitia
Grabatu ikastaroa: Sustracción y Curso de grabado: Sustracción y Engraving course: Sustracción y
adición en el grabado contemporá- adición en el grabado contemporá- adición en el grabado contemporá-
neo neo neo
Uztailak 9 - Uztailak 17 9 de julio- 17 de julio 9 July - 17 July
María Velasco María Velasco María Velasco
Tailerra: Dramaturgias de la Trans- Taller: Dramaturgias de la Transge- Workshop: Dramaturgias de la
genericidad nericidad Transgenericidad
Uztailak 11 11 de Julio 11 July
Gorka Rugoti Gorka Rugoti Gorka Rugoti
Filma laburra aurkezpena: Presentación de cortometraje: Short film presentation:
Condenado Condenado Condenado
Abuztuak 27 - Abuztuak 30 27 de agosto - 30 de agosto 27 August - 30 August
Jon Bilbao Jon Bilbao Jon Bilbao
Fabrikazio digitalerako tailerrak XI Taller de fabricación digital XI Digital making workshops XI Me-
BilbaoArteko MediaLab MediaLab BilbaoArte diaLab BilbaoArte
Irailak 12 12 de septiembre 12 September
Ex! poesía, MEM & Spazio Grossi Ex! poesía, MEM & Spazio Grossi Ex! poesía, MEM & Spazio Grossi
Performancea: ¡Dada! Una noche Performance: ¡Dada! Una noche de Performance: ¡Dada! Una noche de
de poesía provocativa, performance poesía provocativa, performance y poesía provocativa, performance y
y música música música
Irailak 13 13 de septiembre 13 September
Antonio Santamarina Antonio Santamarina Antonio Santamarina
Mintegia: Bergman, paso a paso Seminario: Bergman, paso a paso Seminar: Bergman, paso a paso
Irailak 14 14 de septiembre 14 September
Santos Zunzunegui Santos Zunzunegui Santos Zunzunegui
Mintegia: Bergman y la melancolía Seminario: Bergman y la melancolía Seminar: Bergman y la melancolía
Urriak 5 5 de octubre 5 October
Norberto Albóniga Buruaga Norberto Albóniga Buruaga Norberto Albóniga Buruaga
Mintzaldia: Melville, Melville… Conferencia: Melville, Melville… Talk: Melville, Melville…
Urriak 17 17 de octubre 17 October
Jabier Villarreal Jabier Villarreal Jabier Villarreal
Mintzaldia: Cosa mentale, cosa Conferencia: Cosa mentale, cosa Talk: Cosa mentale, cosa sensuale.
sensuale. Mapas (anti)textuales y sensuale. Mapas (anti)textuales y Mapas (anti)textuales y panoramas
panoramas (in)voluntarios de Roma panoramas (in)voluntarios de Roma (in)voluntarios de Roma
Urriak 22 22 de octubre 22 October
Muelle 3 & BAD Muelle 3 & BAD Muelle 3 & BAD
Liburu aurkezpena: Muelle 30 urte Presentación de libro: Muelle 30 Book presentation: Muelle 30 urte
urte
Urriak 22 - Azaroak 9 22 de octubre - 9 de noviembre 22 October - 9 November
Malús Arbide & Beruta Malús Arbide & Beruta Malús Arbide & Beruta
Ikastaroa: Heterotextil: El textil Curso: Heterotextil: El textil como Course: Heterotextil: El textil como
como material significativo en el material significativo en el proyecto material significativo en el proyecto
proyecto artístico artístico artístico
211

Azaroak 5 - Azaroak 9
Fátima Conesa
Ikastaroa: Litografía sobre plancha
de aluminio
Azaroak 7
Dr. Reynaldo Anderson,
Stacey Robinson,
Sheree Renée Thomas,
Saray Pérez Castilla,
Raquel Meyers &
Maielis González
Afrikako diasporaren arte espeku-
latiboen jardunaldiak:
Afrofuturismo 2.0
Black Speculative Arts Move-
ment-ekin lankidetzan
Azaroak 9
Proiekzioak eta solasaldia: Actúe
con naturalidad. Hacia el arte sono-
ro desde el cine experimental
AMEE, ACE & INAEM-rekin elkar-
kidetzan
Azaroak 19
Gabriel Villota
Masterclass: Trazas audiovisuales
entre la danza y la performance
Zinetika Festival-rekin elkarki-
detzan
Azaroak 20
Patxi Araujo
Masterclass: A plena luz del sol
sucede el día (la interfaz perfecta)
Zinetika Festival-rekin elkarki-
detzan
Azaroak 29
Fernando Renes, Garikoitz
Fraga, Juan Francisco Rueda &
Arturo Comas
Liburu aurkezpena:
Fernando Renes Genalguacil
Abenduak 11 - Abenduak 13
BilbaoArteko artistak
Ateak Zabalik 2018ko artistekin
topaketak
212
5 de noviembre - 9 de noviembre
Fátima Conesa
Curso: Litografía sobre plancha de
aluminio
7 de noviembre
Dr. Reynaldo Anderson,
Stacey Robinson,
Sheree Renée Thomas,
Saray Pérez Castilla,
Raquel Meyers &
Maielis González
Jornadas de artes especulativas de
la diáspora africana:
Afrofuturismo 2.0
En colaboración con Black
Speculative Arts Movement
9 de noviembre
Proyecciones y coloquio: Actúe con
naturalidad. Hacia el arte sonoro
desde el cine experimental
En colaboración con AMEE, ACE &
INAEM
19 de noviembre
Gabriel Villota
Masterclass: Trazas audiovisuales
entre la danza y la performance
En colaboración con Zinetika
Festival
20 de noviembre
Patxi Araujo
Masterclass: A plena luz del sol
sucede el día (la interfaz perfecta)
En colaboración con Zinetika
Festival
29 de noviembre
Fernando Renes, Garikoitz
Fraga, Juan Francisco Rueda &
Arturo Comas
Presentación de libro:
Fernando Renes Genalguacil
11 de diciembre - 13 de diciembre
Artistas BilbaoArte
Encuentros con los artistas de
Puertas Abiertas 2018
5 November - 9 November
Fátima Conesa
Course: Litografía sobre plancha de
aluminio
7 November
Dr. Reynaldo Anderson,
Stacey Robinson,
Sheree Renée Thomas,
Saray Pérez Castilla,
Raquel Meyers &
Maielis González
Speculative arts of the African
diaspora symposium:
Afrofuturismo 2.0
In collaboration with Black
Speculative Arts Movement
9 November
Screenings and round table:
Actúe con naturalidad. Hacia el arte
sonoro desde el cine experimental
In collaboration with AMEE, ACE &
INAEM
19 November
Gabriel Villota
Masterclass: Trazas audiovisuales
entre la danza y la performance
In collaboration with Zinetika
Festival
20 November
Patxi Araujo
Masterclass: A plena luz del sol
sucede el día (la interfaz perfecta)
In collaboration with Zinetika
Festival
29 November
Fernando Renes, Garikoitz
Fraga, Juan Francisco Rueda &
Arturo Comas
Book presentation:
Fernando Renes Genalguacil
11 December - 13 December
BilbaoArte’s artists
Encounters with Open Doors
2018’s artists
Urtarrilak 11 - Otsailak 16
Ver el sonido, oír el pensamiento
II zikloa
Urtarrilak 11 eta Otsailak 16
Searching for Sugar Man,
Malik Bendjelloul
Urtarrilak 12 eta 18
When You’re Strange, Tom Dicillo
Urtarrilak 19 eta 25
Joy Division, Grant Gee
Urtarrilak 26 eta otsailak 1
God Help the Girl, Stuart Murdoch
Otsailak 2 eta 8
CSNY Déjà Vu, Neil Young
Otsailak 9 eta 15
Tournée, Mathieu Amalric
Urtarrilak 26
Azken asteazkeneko hitzordua
zine frantziarrarekin
L’Inhumaine, Marcel L’Herbier
Otsailak 21 - Otsailak 24
Zinegoak LGTB Film Festival
Otsailak 20
Discreet, Travis Mathews
Otsailak 21
Who Will Fuck Daddy?, Antiffa Väns-
terfitta
Otsailak 22
Les îles, Yan Gonzalez
Où en êtes-vous, Joao Pedro Rodri-
gues?, Joao Pedro Rodrigues
Ulrike’s Brain, Bruce LaBruce
Otsailak 23
Grimsey, Richard García Vázquez
Otsailak 26
Walk on the Wild Side, Edward
Dmytryk
Otsailak 27
Victim, Basil Dearden
Otsailak 26
Azken asteazkeneko hitzordua
zine frantziarrarekin
La Planète `sauvage, René Laloux
Martxoak 2 - 26ra
Robert Bresson zikloa
Martxoak 2 eta 5
Un condamné à mort s’est
échappé
Martxoak 9 eta 12
Au hasard Balthazar
Proiekzioak | Proyecciones | Screenings
11 de enero - 16 de febrero
Ciclo Ver el sonido, oír el pensa-
miento II
11 de enero y 16 de febrero
Searching for Sugar Man,
Malik Bendjelloul
12 y 18 de enero
When You’re Strange, Tom Dicillo
19 y 25 de enero
Joy Division, Grant Gee
26 de enero y 1 de febrero
God Help the Girl, Stuart Murdoch
2 y 8 de febrero
CSNY Déjà Vu, Neil Young
9 y 15 de febrero
Tournée, Mathieu Amalric
26 de enero
La cita último miércoles con el
cine francés
L’Inhumaine, Marcel L’Herbier
21 de febrero - 24 de febrero
Zinegoak LGTB Film Festival
20 de febrero
Discreet, Travis Mathews
21 de febrero
Who Will Fuck Daddy?, Antiffa Väns-
terfitta
22 de febrero
Les îles, Yan Gonzalez
Où en êtes-vous, Joao Pedro Rodri-
gues?, Joao Pedro Rodrigues
Ulrike’s Brain, Bruce LaBruce
23 de febrero
Grimsey, Richard García Vázquez
26 de febrero
Walk on the Wild Side, Edward
Dmytryk
27 de febrero
Victim, Basil Dearden
26 de febrero
La cita último miércoles con el
cine francés
El planeta salvaje, René Laloux
2 de marzo - 26 de marzo
Ciclo Robert Bresson
2 y 5 de marzo
Un condenado a muerte se ha escapa-
do
9 y 12 de marzo
Al azar de Baltasar
11 January - 16 February
Ver el sonido, oír el pensamiento
II series
11 January and 16 February
Searching for Sugar Man,
Malik Bendjelloul
12 and 18 January
When You’re Strange, Tom Dicillo
19 and 25 January
Joy Division, Grant Gee
26 January and 1 February
God Help the Girl, Stuart Murdoch
2 and 8 February
CSNY Déjà Vu, Neil Young
9 and 15 February
Tournée, Mathieu Amalric
26 January
Last Wednesdays’ date with
French cinema
L’Inhumaine, Marcel L’Herbier
21 February - 24 February
Zinegoak LGTB Film Festival
20 February
Discreet, Travis Mathews
21 February
Who Will Fuck Daddy?, Antiffa Väns-
terfitta
22 February
Les îles, Yan Gonzalez
Où en êtes-vous, Joao Pedro Rodri-
gues?, Joao Pedro Rodrigues
Ulrike’s Brain, Bruce LaBruce
23 February
Grimsey, Richard García Vázquez
26 February
Walk on the Wild Side, Edward
Dmytryk
27 February
Victim, Basil Dearden
26 February
Last Wednesdays’ date with
French cinema
La Planète Sauvage, René Laloux
2 March - 26 March
Robert Bresson series
2 and 5 March
Un condamné à mort s’est
échappé
9 and 12 March
Au hasard Balthazar
213
Martxoak 16 eta 19 16 y 19 de marzo 16 and 19 March
Mouchette Mouchette Mouchette Apirilak 26 26 de abril 26 April
Martxoak 23 eta 26 23 y 26 de marzo 23 and 26 March Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with
Le Diable probablement El diablo probablemente Le Diable probablement zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Monsieur Klein, Joseph Losey El otro señor Klein, Joseph Losey Monsieur Klein, Joseph Losey
Martxoak 6 6 de marzo 6 March
Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub- Apirilak 27 - Irailak 10era 27 de abril - 10 de septiembre 27 April - 10 September
zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque Ingmar Bergman zikloa Ciclo Ingmar Bergman Ingmar Bergman series
Itzaletan egiten duguna, Lo que hacemos en las sombras, What We Do in the Shadows,
Jemaine Clement & Taika Waititi Jemaine Clement & Taika Waititi Jemaine Clement & Taika Waititi Apirilak 27 eta 30 27 y 30 de abril 27 and 30 April
Sommaren med Monika Un verano con Mónica Sommaren med Monika
Martxoak 7 - Martxoak 22 7 de marzo - 22 de marzo 7 March - 22 March Maiatzak 4 eta 7 4 y 7 de mayo 4 and 7 May
Silencios Maléficos zikloa Ciclo Silencios Maléficos Silencios Maléficos series Gycklarnas afton Noche de circo Gycklarnas afton
Maiatzak 11 eta 14 11 y 14 de mayo 11 and 14 May
Martxoak 7 eta 22 7 y 22 de marzo 7 and 22 March Kvinnodröm Sueños Kvinnodröm
Körkarlen (The Phantom Carriage), La carreta fantasma, Körkarlen (The Phantom Carriage), Maiatzak 18 eta 21 18 y 21 de mayo 18 and 21 May
Victor Sjöström Victor Sjöström Victor Sjöström Sommarnattens leende Sonrisas de una noche de verano Sommarnattens leende
Martxoak 8 eta 14 8 y 14 de marzo 8 and 14 March Maiatzak 25 eta 28 25 y 28 de mayo 25 and 28 May
Häxan, Benjamin Christensen Häxan, Benjamin Christensen Häxan, Benjamin Christensen Det sjunde inseglet El séptimo sello Det sjunde inseglet
Martxoak 15 eta 21 15 y 21 de marzo 15 and 21 March Ekainak 1 eta 4 1 y 4 de junio 1 and 4 June
Blade af Satans bog, Las páginas libro de Satán, Blade af Satans bog, Smultronstället Fresas salvajes Smultronstället
Carl Theodor Dreyer Carl Theodor Dreyer Carl Theodor Dreyer Ekainak 8 eta 11 8 y 11 de junio 8 and 11 June
Ansiktet El rostro Ansiktet
Martxoak 20 20 de marzo 20 March Ekainak 15 eta 18 15 y 18 de junio 15 and 18 June
À voix haute - La force de la parole, A viva voz, Stéphane de Freitas & À voix haute - La force de la parole, Jungfrukällan El manantial de la doncella Jungfrukällan
Stéphane de Freitas & Ladj Ly Ladj Ly Stéphane de Freitas & Ladj Ly Ekainak 22 eta 25 22 y 25 de junio 22 and 25 June
Såsom i en spegel Como en un espejo Såsom i en spegel
Martxoak 28 28 de marzo 28 March Ekainak 29 eta uztailak 2 29 de junio y 2 de julio 29 June and 2 July
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with Tystnaden El silencio Tystnaden
zine frantziarrarekin cine francés French cinema Uztailak 6 eta 9 6 y 9 de julio 6 and 9 July
La Marquise d’O (Die Marquise von La marquesa de O, Eric Rohmer La Marquise D’O La Marquise d’O (Die Persona Persona Persona
O...), Eric Rohmer Marquise von O...), Eric Rohmer Uztailak 13 eta 16 13 y 16 de julio 13 and 16 July
Vargtimmen La hora lobo Vargtimmen
Apirilak 3 3 de abril 3 April Uztailak 20 eta 23 20 y 23 de julio 20 and 23 July
Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub- Skammen La vergüenza Skammen
zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque Uztailak 27 eta 30 27 y 30 de julio 27 and 30 July
Papusza, Joanna Kos-Krauze & Papusza, Joanna Kos-Krauze & Papusza, Joanna Kos-Krauze & En passion Pasión En passion
Krzysztof Krauze Krzysztof Krauze Krzysztof Krauze Abuztuak 3 eta 6 3 y 6 de agosto 3 and 6 August
Viskningar och rop Gritos y susurros Viskningar och rop
Apirilak 4 - Apirilak 12 4 de abril - 12 de abril 4 April - 12 April Abuztuak 10 eta 13 10 y 13 de agosto 10 and 13 August
Cine, Cine, Cine zikloa Ciclo Cine, Cine, Cine Cine, Cine, Cine series Höstsonaten Sonata de otoño Höstsonaten
Abuztuak 17 eta 20 17 y 20 de agosto 17 and 20 August
Apirilak 4 eta 12 4 y 12 de abril 4 and 12 April Fårö-dokument 1979 Documento sobre Fårö Fårö-dokument 1979
Hitchcock/Truffaut, Kent Jones Hitchcock/Truffaut, Kent Jones Hitchcock/Truffaut, Kent Jones Abuztuak 31 eta Irailak 3 31 de agosto y 3 de septiembre 31 August and 3 September
Apirilak 5 eta 11 5 y 11 de abril 5 and 11 April Aus dem Leben der Marionetten De la vida de las marionetas Aus dem Leben der Marionetten
Voyage à travers le cinéma français, Las películas de mi vida, Voyage à travers le cinéma français, Irailak 7 eta 10 7 y 10 de septiembre 7 and 10 September
Bertrand Tavernier Bertrand Tavernier Bertrand Tavernier Fanny och Alexander Fanny y Alexander Fanny och Alexander

Apirilak 6 - Apirilak 23 6 de abril - 23 de abril 6 April - 23 April Maiatzak 7 - Maiatzak 25 7 de mayo - 25 de mayo 7 May - 25 May
Alain Resnais zikloa Ciclo Alain Resnais Alain Resnais series Story of Film: An Odyssey zikloa Ciclo Story of Film: An Odyssey Story of Film: An Odyssey series

Apirilak 6 eta 9 6 y 9 de abril 6 and 9 April Birth of the Cinema Los albores de un nuevo arte Birth of the Cinema
Nuit et Brouillard Noche y niebla Nuit et Brouillard The Hollywood Dream El triunfo cine americano The Hollywood Dream
Apirilak 13 eta 16 13 y 16 de abril 13 and 16 April The Golden Age of World Cinema Los rebeldes cine The Golden Age of World Cinema
Hiroshima mon amour Hiroshima, mon amour Hiroshima mon amour The Arrival of Sound Los grandes géneros y el surgir cine The Arrival of Sound
Apirilak 20 eta 23 20 y 23 de abril 20 and 23 April europeo
Muriel ou le temps d’un retour Muriel Muriel ou le temps d’un retour Post-War Cinema La guerra y los nuevos lenguajes Post-War Cinema

214 215
Sex & Melodrama Sexo, drama, pasión y rabia Sex & Melodrama Kundo: min-ran-eui si-dae, Kundo: Age of the Rampant, Kundo: min-ran-eui si-dae,
European New Wave El nuevo cine europeo European New Wave Yoon Jong-bin Yoon Jong-bin Yoon Jong-bin
New Directors, New Form Una nueva ola New Directors, New Form
American Cinema of the 70s El nuevo cine americano American Cinema of the 70s Ekainak 27 27 de junio 27 June
Movies to Change the World Directores de un cine radical Movies to Change the World Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with
The Arrival of Multiplexes and Asian Innovación en la cultura popular The Arrival of Multiplexes and Asian zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Mainstream Mainstream Ascenseur pour l’Échafaud, Ascensor para el cadalso, Ascenseur pour l’Échafaud,
Fight the Power: Protest in Film Cine y protesta Fight the Power: Protest in Film Louis Malle Louis Malle Louis Malle
New Boundaries: World Cinema in Los últimos días antes digital New Boundaries: World Cinema in
Africa, Asia & Latin America Africa, Asia & Latin America Ekainak 28 - Abuztuak 2 28 de junio - 2 de agosto 28 June - 2 August
New American Independents & The La llegada digital New American Independents & The Jacques Tati zikloa Ciclo Jacques Tati Jacques Tati series
Digital Revolution Digital Revolution
Cinema Today and the Future El futuro cine Cinema Today and the Future Ekainak 28 eta Abuztuak 2 28 de junio y 2 de agosto 28 June and 2 August
Jour de fête Día de fiesta Jour de fête
Maiatzak 8 8 de mayo 8 May Uztailak 5 eta Abuztuak 9 5 de julio y 9 de agosto 5 July and 9 August
Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub- Les vacances de Monsieur Hulot Las vacaciones señor Hulot Les vacances de Monsieur Hulot
zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque Uztailak 12 eta Abuztuak 16 12 de julio y 16 de agosto 12 July and 16 August
Eskerrik asko, ugazaba!, ¡Gracias jefe!, Merci patron!, Mon oncle Mi tío Mon oncle
François Ruffin François Ruffin François Ruffin Uztailak 19 eta Abuztuak 23 19 de julio y 23 de agosto 19 July and 23 August
Playtime Playtime Playtime
Maiatzak 15 - Maiatzak 31 15 de mayo - 31 de mayo 15 May - 31 May Uztailak 26 eta Abuztuak 30 26 de julio y 30 de agosto 26 July and 30 August
Mayo Francés zikloa Ciclo Mayo Francés Mayo Francés series Trafic Tráfico Trafic
Abuztuak 1 eta Irailak 6 1 de agosto y 6 de septiembre 1 August and 6 September
Maiatzak 15 eta 24 15 y 24 de mayo 15 and 24 May Parade Zafarrancho en el circo Parade
Sixties, Chris Marker Sixties, Chris Marker Sixties, Chris Marker Abuztuak 8 eta Irailak 5 8 de agosto y 5 de septiembre 8 August and 5 September
Maiatzak 17 eta 29 17 y 29 de mayo 17 and 29 May On demande une brute Se busca contrincante On demande une brute
Tous au Larzac, Christian Rouaud Tous au Larzac, Christian Rouaud Tous au Larzac, Christian Rouaud (Charles Barroisekin) (con Charles Barrois) (with Charles Barrois)
Maiatzak 22 eta 31 22 y 31 de mayo 22 and 31 May Gai dimanche Domingo alegre Gai dimanche
Les Lip - L’imagination au pouvoir, Les Lip - L’imagination au pouvoir, Les Lip - L’imagination au pouvoir, (Jacques Berrekin) (con Jacques Berr) (with Jacques Berr)
Christian Rouaud Christian Rouaud Christian Rouaud Forza Bastia Forza Bastia Forza Bastia
(Sophie Tatischeffekin) (con Sophie Tatischeff) (with Sophie Tatischeff)
Maiatzak 30 30 de mayo 30 May Dégustation maison Degustación casera Dégustation maison
Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with (Sophie Tatischeffekin) (con Sophie Tatischeff) (with Sophie Tatischeff)
zine frantziarrarekin cine francés French cinema Soigne ton gauche Cuida tu izquierda Soigne ton gauche
Pierrot le fou, Pierrot el loco, Pierrot le fou, Cours du soir Clases nocturnas Cours du soir
Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard L’école des facteurs Escuela de carteros L’école des facteurs

Ekainak 5 5 de junio 5 June Uztailak 3 3 de julio 3 July

Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub- Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub-
zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque
Falta den irudia, Rithy Panh La imagen perdida, Rithy Panh L’Image Manquante, Rithy Panh Janis, Amy Berg Janis, Amy Berg Janis: Little Girl Blue, Amy Berg

Ekainak 12 - Ekainak 21 12 de junio - 21 de junio 12 June - 21 June Uztailak 17 17 de julio 17 July

Corea Inédita zikloa Ciclo Corea Inédita Corea Inédita series Visibles, Visibles, Visibles,
Enrique Rey Enrique Rey Enrique Rey
Ekainak 12 eta 21 12 y 21 de junio 12 and 21 June
Go-ji-jeon, Jang Hun The Front Line, Jang Hun Go-ji-jeon, Jang Hun Uztailak 25 25 de julio 25 July
Ekainak 12 eta 19 12 y 19 de junio 12 and 19 June Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with
Yeok-rin, Lee Jae-gyu The Fatal Encounter, Lee Jae-gyu Yeok-rin, Lee Jae-gyu zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Ekainak 13 eta 20 13 y 20 de junio 13 and 20 June La Passion de Jeanne d’Arc, La pasión de Juana de Arco, La Passion de Jeanne d’Arc,
Yak-jang-soo, Jo Chi-un Clown of a Salesman, Jo Chi-un Yak-jang-soo, Jo Chi-un Carl Theodor Dreyer Carl Theodor Dreyer Carl Theodor Dreyer
Ekainak 13 eta 20 13 y 20 de junio 13 and 20 June
Kkeut-kkaji ganda, A Hard Day, Kkeut-kkaji ganda, Abuztuak 7 7 de agosto 7 August
Kim Seong-hoon Kim Seong-hoon Kim Seong-hoon Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub-
Ekainak 14 eta 19 14 y 19 de junio 14 and 19 June zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque
Yong-eui-ja, Won Shin-yun The Suspect, Won Shin-yun Yong-eui-ja, Won Shin-yun Intziria, Na Hong-jin El extraño, Na Hong-jin Goksung, Na Hong-jin
Ekainak 14 eta 21 14 y 21 de junio 14 and 21 June

216 217
Abuztuak 29
Azken asteazkeneko hitzordua
zine frantziarrarekin
L’Enfance nue, Maurice Pialat
Irailak 4
Lehen astearteko hitzordua:
zinea euskarazko azpitituluekin
Eztia, Valeria Golino
Irailak 11 - Irailak 12
Clausurando a Bergman zikloa
Scener ur ett äktenskap,
Ingmar Bergman
Irailak 17 - Irailak 24
BIDEODROMO 2018
Zine esperimentalaren jaialdia
Irailak 26
Azken asteazkeneko hitzordua
zine frantziarrarekin
Capitaine Conan,
Bertrand Tavernier
Irailak 27 - Urriak 11
Jean-Pierre Melville
Irailak 27 eta Urriak 5
Sous le nom de Melville
24 heures en la vie d´un clown
Irailak 28 eta Urriak 8
Le silence de la mer
Urriak 1 eta 9
Bob le flambeur
Urriak 3 eta 10
Armée des ombres
Urriak 4 eta 11
Le cercle rouge
29 de agosto
La cita último miércoles con el
cine francés
La infancia desnuda, Maurice Pialat
4 de septiembre
La cita primer martes: cine subti-
tulado en euskera
Miel, Valeria Golino
11 de septiembre - 12 de septiembre
Ciclo Clausurando a Bergman
Secretos de un matrimonio,
Ingmar Bergman
17 de septiembre - 24 de septiembre
BIDEODROMO 2018
Festival de cine experimental
26 de septiembre
La cita último miércoles con el
cine francés
Capitán Conan,
Bertrand Tavernier
27 de septiembre - 11 de octubre
Ciclo Jean-Pierre Melville
27 de septiembre y 5 de octubre
Bajo el nombre de Melville
24h en la vida de un payaso
28 de septiembre y 8 de octubre
El silencio mar
1 y 9 de octubre
Bob el jugador
3 y 10 de octubre
El ejército de las sombras
4 y 11 de octubre
Círculo rojo
29 August
Last Wednesdays’ date with
French cinema
L’Enfance nue, Maurice Pialat
4 September
First Tuesday’s date: cinema sub-
titled in Basque
Miele, Valeria Golino
11 September - 12 September
Clausurando a Bergman series
Scener ur ett äktenskap,
Ingmar Bergman
17 September - 24 September
BIDEODROMO 2018
Experimental film festival
26 September
Last Wednesdays’ date with
French cinema
Capitaine Conan,
Bertrand Tavernier
27 September - 11 October
Jean-Pierre Melville series
27 September and 5 October
Sous le nom de Melville
24 heures en la vie d´un clown
28 September and 8 October
Le silence de la mer
1 and 9 October
Bob le flambeur
3 and 10 October
Armée des ombres
4 and 11 October
Le cercle rouge
Urriak 19 - Urriak 5
Akira Kurosawa zikloa
Azaroak 19 eta 25
Shubûn
Azaroak 26 eta 29
Ikiru
Azaroak 2 eta 5
Shichinin no Samurai
Azaroak 9 eta 12
Kumonosu-jô
Azaroak 16 eta Abenduak 5
Yôjinbô
Azaroak 23 eta 26
Tengoku to Jigoku
Azaroak 30 eta Abenduak 3
Dodes ‘Ka-Den – Dodesukaden
Urriak 22 - Urriak 23
BAD-Zinebi zikloa
Urriak 22
Blurred, Fabio Palmieri
Polychrome, Negareh Alimi &
Amin Malekian
Firebird, Velislava Gospodinova
Epílogo Para La Muerte Del Fauno,
Alberto Andrés Lacasta
Artist Statement, Pekka Sassi
Disco, Boris Seewald
Estás Vendo Coisas, Bárbara Wagner
& Benjamin De Búrca
Urriak 23
Yanvalou, Angeline Gragasin
Exquisite Corps, Mitchell Rose
Dandelion, Elisa Talentino
Cualquier Mañana, Kim Vitaly
Amani, Noemí Pérez
The Key, Óscar Andrés
19 de octubre - 5 de diciembre
Ciclo Akira Kurosawa
19 y 25 de octubre
Escándalo
26 y 29 de octubre
Vivir
2 y 5 de noviembre
Los siete samuráis
9 y 12 de noviembre
Trono de sangre
16 de noviembre y 5 de diciembre
Yojimbo
23 y 26 de noviembre
El infierno del odio
30 de noviembre y 3 de diciembre
Dodes ‘ka-den
22 de octubre - 23 de octubre
Ciclo BAD-Zinebi
22 de octubre
Blurred, Fabio Palmieri
Polychrome, Negareh Alimi &
Amin Malekian
Firebird, Velislava Gospodinova
Epílogo Para La Muerte Del Fauno,
Alberto Andrés Lacasta
Artist Statement, Pekka Sassi
Disco, Boris Seewald
Estás Vendo Coisas, Bárbara Wagner
& Benjamin De Búrca
23 de octubre
Yanvalou, Angeline Gragasin
Exquisite Corps, Mitchell Rose
Dandelion, Elisa Talentino
Cualquier Mañana, Kim Vitaly
Amani, Noemí Pérez
The Key, Óscar Andrés
19 October - 5 December
Akira Kurosawa series
19 and 25 October
Shubûn
26 and 29 October
Ikiru
2 and 5 November
Shichinin no Samurai
9 and 12 November
Kumonosu-jô
16 November and 5 December
Yôjinbô
23 and 26 November
Tengoku to Jigoku
30 November and 3 December
Dodes ‘Ka-Den – Dodesukaden
22 October - 23 October
BAD-Zinebi series
22 October
Blurred, Fabio Palmieri
Polychrome, Negareh Alimi &
Amin Malekian
Firebird, Velislava Gospodinova
Epílogo Para La Muerte Del Fauno,
Alberto Andrés Lacasta
Artist Statement, Pekka Sassi
Disco, Boris Seewald
Estás Vendo Coisas, Bárbara Wagner
& Benjamin De Búrca
23 October
Yanvalou, Angeline Gragasin
Exquisite Corps, Mitchell Rose
Dandelion, Elisa Talentino
Cualquier Mañana, Kim Vitaly
Amani, Noemí Pérez
The Key, Óscar Andrés

Urriak 2 2 de octubre 2 October Urriak 31 31 de octubre 31 October

Lehen astearteko hitzordua:
zinea euskarazko azpitituluekin
Horma artean, Laurent Cantet
Urriak 15 - Urriak 18
Nuevo cine brasileño zikloa
Urriak 15 eta 18
Jonas, Lô Politi
Urriak 15 eta 16
Sob pressäo,
Andrucha Waddington
Urriak 16 eta 17
O silêncio do ceu, Marco Dutra
Urriak 17 eta 18
O filho eterno, Paulo Machline
La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub- Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with
tulado en euskera titled in Basque zine frantziarrarekin cine francés French cinema
La clase, Laurent Cantet Entre les murs, Laurent Cantet La vie et rien d’autre, La vida y nada más, La vie et rien d’autre,
Bertrand Tavernier Bertrand Tavernier Bertrand Tavernier
15 de octubre - 18 de octubre 15 October - 18 October
Ciclo Nuevo cine brasileño Nuevo cine brasileño series Azaroak 6 6 de noviembre 6 November
Lehen astearteko hitzordua: La cita primer martes: cine subti- First Tuesday’s date: cinema sub-
15 y 18 de octubre 15 and 18 October zinea euskarazko azpitituluekin tulado en euskera titled in Basque
Jonas, Lô Politi Jonas, Lô Politi Hannah Arendt, Hannah Arendt, Hannah Arendt,
15 y 16 de octubre 15 and 16 October Margarethe von Trotta Margarethe von Trotta Margarethe von Trotta
Bajo presión, Sob pressäo,
Andrucha Waddington Andrucha Waddington Azaroak 13 - Azaroak 15 13 de noviembre - 15 de noviembre 13 November - 15 November
16 y 17 de octubre 16 and 17 October La mirada de Tavernier sobre la Ciclo La mirada de Tavernier La mirada de Tavernier sobre la
Era el cielo, Marco Dutra O silêncio do ceu, Marco Dutra Gran Guerra zikloa sobre la Gran Guerra Gran Guerra series
17 y 18 de octubre 17 and 18 October
O filho eterno, Paulo Machline O filho eterno, Paulo Machline

218 219
Azaroak 13
La vie et rien d’autre
Azaroak 14
Capitaine Conan
Azaroak 15
La vie et rien d’autre
Capitaine Conan
Azaroak 19 - Azaroak 20
Zinetika Videodance Festival
Azaroak 19
Olvidándonos y recordándonos a
nosotras mismas, Itxaso Díaz
Schwarzfahrer, Jiří Kylián
Le reveil, Murielle Félix &
Anna Calsina-Forrellad
Bailaora, Rubin Stein
The Crackdown, Mervi Junkkonen
Otherland, Jan Pieter Tuinstra &
Keren Levi
Strophe, Aimée Duchamp
Banana Blue, Pia Lauritz
Azaroak 20
Night Dancing, Barney Cokeliss
I See You See I See You,
Chen Jiexiao
Basta de Mendigar,
Tania Medina
Some ways to get rid of a body,
Hannes Renvall & Ria Bäckström
7:35 de la mañana,
Nacho Vigalondo
The evil, Carlon Hardt
Shivta, Or Schraiber
Scalamare, Jiří Kylián
Azaroak 21 - Azaroak 22
LAN. Festival Audiovisual Obrero
Azaroak 21
Ikuska 3, Antón Merikaetxebarria
Returbiu. La güeria San Juan,
Manuel García Postigo
Mariñeiro, Juan Galiñanes
El aguante, Nina Dupeux &
Emmanuel Briand
Conserveres, Pablo Casanueva
Organizar lo imposible,
Carme Gomila Seguí &
Tonina Matamalas Enseñat
Porteadoras. Las esclavas del sur,
Amparo Climent
Puta Mina, Colectivo Puta Mina
Azaroak 22
Glosario audiovisual obrero,
Arantza Lauzirika, Igor Rezola,
Mawa3
220
13 de noviembre
La vida y nada más
14 de noviembre
Capitán Conan
15 de noviembre
La vida y nada más
Capitán Conan
19 de noviembre - 20 de noviembre
Zinetika Videodance Festival
19 de noviembre
Olvidándonos y recordándonos a
nosotras mismas, Itxaso Díaz
Schwarzfahrer, Jiří Kylián
Le reveil, Murielle Félix &
Anna Calsina-Forrellad
Bailaora, Rubin Stein
The Crackdown, Mervi Junkkonen
Otherland, Jan Pieter Tuinstra &
Keren Levi
Strophe, Aimée Duchamp
Banana Blue, Pia Lauritz
20 de noviembre
Night Dancing, Barney Cokeliss
I See You See I See You,
Chen Jiexiao
Basta de Mendigar, Tania Medina
Some ways to get rid of a body,
Hannes Renvall & Ria Bäckström
7:35 de la mañana,
Nacho Vigalondo
The evil, Carlon Hardt
Shivta, Or Schraiber
Scalamare, Jiří Kylián
21 de noviembre - 22 de noviembre
LAN. Festival Audiovisual Obrero
21 de noviembre
Ikuska 3, Antón Merikaetxebarria
Returbiu. La güeria San Juan,
Manuel García Postigo
Mariñeiro, Juan Galiñanes
El aguante, Nina Dupeux &
Emmanuel Briand
Conserveres, Pablo Casanueva
Organizar lo imposible,
Carme Gomila Seguí &
Tonina Matamalas Enseñat
Porteadoras. Las esclavas del sur,
Amparo Climent
Puta Mina, Colectivo Puta Mina
22 de noviembre
Glosario audiovisual obrero,
Arantza Lauzirika, Igor Rezola,
Mawa3
13 November Pueblo de Papel, Pueblo de Papel, Pueblo de Papel,
La vie et rien d’autre Alejandro Ponce De León Pagaza Alejandro Ponce De León Pagaza Alejandro Ponce De León Pagaza
14 November La fiebre del oro, Raúl de la Fuente La fiebre del oro, Raúl de la Fuente La fiebre del oro, Raúl de la Fuente
Capitaine Conan Terraform, Sil Van Der Woerd & Terraform, Sil Van Der Woerd & Terraform, Sil Van Der Woerd &
15 November Jorik Dozy Jorik Dozy Jorik Dozy
La vie et rien d’autre Qué no daría yo por la memoria, Qué no daría yo por la memoria, Qué no daría yo por la memoria,
Capitaine Conan Tino Pereira Tino Pereira Tino Pereira
So tiered, Beck Williams So tiered, Beck Williams So tiered, Beck Williams
19 November - 20 November ReMine. El último movimiento obrero, ReMine. El último movimiento obrero, ReMine. El último movimiento obrero,
Zinetika Videodance Festival Marcos M.Merino Marcos M.Merino Marcos M.Merino
19 November Azaroak 28 28 de noviembre 28 November
Olvidándonos y recordándonos a Azken asteazkeneko hitzordua La cita último miércoles con el Last Wednesdays’ date with
nosotras mismas, Itxaso Díaz zine frantziarrarekin cine francés French cinema
Schwarzfahrer, Jiří Kylián Le sauvage, Mi hombre es un salvaje, Le sauvage,
Le reveil, Murielle Félix & Jean-Paul Rappeneau Jean-Paul Rappeneau Jean-Paul Rappeneau
Anna Calsina-Forrellad
Bailaora, Rubin Stein
The Crackdown, Mervi Junkkonen
Otherland, Jan Pieter Tuinstra &
Keren Levi
Strophe, Aimée Duchamp
Banana Blue, Pia Lauritz
20 November
Night Dancing, Barney Cokeliss
I See You See I See You,
Chen Jiexiao
Basta de Mendigar, Tania Medina
Some ways to get rid of a body,
Hannes Renvall & Ria Bäckström
7:35 de la mañana,
Nacho Vigalondo
The evil, Carlon Hardt
Shivta, Or Schraiber
Scalamare, Jiří Kylián
21 November - 22 November
LAN. Festival Audiovisual Obrero
21 November
Ikuska 3, Antón Merikaetxebarria
Returbiu. La güeria San Juan,
Manuel García Postigo
Mariñeiro, Juan Galiñanes
El aguante, Nina Dupeux &
Emmanuel Briand
Conserveres, Pablo Casanueva
Organizar lo imposible,
Carme Gomila Seguí &
Tonina Matamalas Enseñat
Porteadoras. Las esclavas del sur,
Amparo Climent
Puta Mina, Colectivo Puta Mina
22 November Esker onak | Agradecimientos | Acknowledgments: Institut Français, Filmazpit, Ayuntamiento de Pamplona
Glosario audiovisual obrero, - Iruñako Udala, Avalon, Yedra Films S.L., Acontracorriente films, A & P New Films, Zinegoak, Centro Cultural Core-
Arantza Lauzirika, Igor Rezola, ano, Jean Pierre Melville Foundation, Embajada de Brasil, Novocine, Embajada cultural Hispano-Brasileña, Zinebi,
Mawa3 BAD Bilbao, Bideodromo, UPV/EHU, Zinetika Videodance Festival, LAN Festival Audiovisual Obrero
221
FUNDACIÓN Juan Zapater López
Zuzendaria
FUNDACIÓN BILBAOARTE
FUNDAZIOA
BILBAOARTE Director Edizioa

FUNDAZIOA Director Edición

Editing
Aitor Arakistain
Jon Bilbao BilbaoArte
Koordinazioa Azalaren diseinua
Coordinación Diseño portada
Coordination Cover design
Bilboko Udala
Ayuntamiento de Bilbao Txente Arretxea Borja Gómez
Bilbao’s City Council Pilar Valdivieso Arrate Hidalgo
Jon Bilbao Alicia Prieto
Juan Mari Aburto Aitor Arakistain Miriam Rodriguez Moran
Bilboko Alkatea Ander Garitacelaya Maketazioa
Alcalde de Bilbao Borja Gómez Maquetación
Bilbao’s Mayor Arrate Hidalgo Layout
Muntaia
Nekane Alonso Montaje Ayse Irmak Kaleli
Kultura Zinegotzia Assembly Urtzi Ibargüen
Concejala de Cultura Arrate Hidalgo
Councillor of Culture Ana Canales Borja Gómez
Agurtzane Quincoces Itzulpenak
Koldo Narbaiza Ekoizpen exekutiboa Traducciones
Alba Fatuarte Producción ejecutiva Translations
Inés Ibañez de Maeztu Executive production
Beatriz Marcos Grafilur
Amaia Arenal Alicia Prieto Inprenta
Marta Vega Komunikazioa eta hedapena Imprenta
BilbaoArte Fundazioko Comunicación y difusión Printing
Patronatuaren kideak Communications and diffusion
Miembros del Patronato de la Jennifer Alvarado
Fundación BilbaoArte BI-1853-2018 Sara Gimeno
BilbaoArte Foundation’s Legezko gordailua Ayse Irmak Kaleli
board’s members Depósito legal Gerónimo Manzueta
Legal deposit Irati Mayo
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978-84-09-07011-4 Luisa María Olivares
EAN Miriam Rodriguez Moran
ISBN Haizea Salazar
ISBN Uxue Turrillas
Benedetta De Vicenci
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Colaboradores
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UDALA
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KULTURA ETA HEZKUNTZA SAILA
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