Dirección General de Cultura y Educación

Instituto de Profesorado de Arte Tandil Nº 4 “Escultor Carlos Alfonso Allende”

FOBA III
Historia del Arte

Trabajo Práctico

Profesora: Bullotti, Rocío

Alumno: Torrissi, Juan

2018
1 - a) Elaborar una línea del tiempo en la que se indiquen cronológicamente
las distintas edades históricas, incluyendo los acontecimientos que
marcaron sus límites.
b) Considerando el material de Azcárate detallar que períodos de la
historia del arte tienen lugar en cada una de ellas y sus años/siglos de
expansión.

1
2
2 - Teniendo en cuenta la caída del Imperio Romano hasta el siglo XV,
seleccionar un elemento del lenguaje (color, punto, o línea) y describir
como fue empleado utilizando como referencia una imagen perteneciente
a cualquier disciplina por periodo/etapa artística. El texto no debe ser
inferior a una carilla.
En el siglo IV, la Iglesia Católica pasa ser la religión del Estado, replanteándose
así su relación con el arte. Durante los períodos de persecuciones no fue
necesario, ni en realidad posible, construir lugares públicos para el culto. Ahora,
por el contrario, tenía que contar con espacio suficiente para toda la
congregación de los fieles reunidos con el fin de escuchar la misa celebrada.
El papa Gregorio el Grande, que vivió a finales del siglo Vl, poseía la idea del
arte que prevaleció por lo general en aquella época. Si su objeto era ser útil, el
tema tenía que ser expresado con tanta claridad y sencillez como fuera posible,
y todo aquello que pudiera distraer la atención de este principal y sagrado
propósito debía ser omitido.
En estas obras, a primera vista, las representaciones parecen rígidas, sin
embargo, los artistas debieron conocer perfectamente el arte griego, por
ejemplo, sabían exactamente cómo colocar un manto sobre un cuerpo para que
las manos ocultas quedaran visibles a través de los pliegues. Si las obras
parecen más bien primitivas, esta sensación debe obedecer a que los artistas
quisieron ser sencillos. De este modo, el arte cristiano del medievo se convirtió
en una mezcla de métodos primitivos y artificiosos. El poder de observación de

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la naturaleza, que despertó en Grecia alrededor de 500 a.C., volvió a velarse
hacia 500.
No todos aceptaron esta idea acerca de la pintura. En los territorios del Imperio
romano donde se hablaba griego, se opusieron a aceptar la jefatura del Papa.
Existía allí un partido contrario a todas las imágenes de naturaleza religiosa,
denominado de los iconoclastas o destructores de imágenes. Para ellos, las
imágenes no eran solamente útiles, sino sagradas. Por ello, la Iglesia oriental no
pudo permitir que el artista siguiera su fantasía en esas obras.
Así pues, los bizantinos llegaron a insistir tan estrictamente como los egipcios en
la observancia de las tradiciones. De esta forma ayudaba a conservar las ideas
y las características del arte griego en las vestiduras, los rostros y las actitudes.
A pesar de cierta rigidez, el arte griego se mantuvo más próximo a la naturaleza
que el arte occidental de las épocas subsiguientes. Fueron ellos, quienes
transformaron las sencillas ilustraciones del arte cristiano primitivo en grandes
ciclos de enormes y solemnes imágenes que dominan el interior de las iglesias
bizantinas.
En la siguiente pintura bizantina de
la Virgen puede parecernos muy
alejada de lo conseguido en arte
por los griegos. Y, sin embargo, la
manera de estar dispuestos los
pliegues en torno al cuerpo,
formando radiaciones alrededor de
los codos y las rodillas, el método
de modelar el rostro y las manos
acusando sus sombras. E incluso el
trono circular de la Virgen, hubieran
resultado imposibles sin las
conquistas de la pintura griega y
helenística.

La Virgen y el Cristo
Niño en un trono circular
(1280)

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El período que viene a continuación de esta primitiva época cristiana, tras el
colapso del Imperio romano, es conocido generalmente con el nombre de edad
de las tinieblas (siglos VI al XI). Esos años no vieron la aparición de ningún estilo
claro y uniforme, sino más bien el conflicto de un gran número de estilos
diferentes que solo empezaron a conciliarse hacia el final de dicha época. Las
nuevas guerras e invasiones de tribus del norte (godos, vándalos, daneses,
sajones y vikingos) hicieron posible el encuentro de dos tradiciones, la clásica y
la de los artistas nórdicos. De esta forma, algo enteramente nuevo comenzó a
concebirse en la Europa occidental.
Observamos el nacimiento de un nuevo estilo medieval: los artistas del medievo
aprendieron a expresar lo que sentían. Esos artistas no se proponían crear una
imagen convincente de la naturaleza o realizar obras bellas, sino que deseaban
comunicar a sus hermanos en la fe el contenido y el mensaje de la historia
sagrada.
En la imagen de la derecha, el pintor
probablemente tuvo delante el mismo
o un muy similar ejemplo de la primitiva
época cristiana, sin embargo, el artista
quiso plasmar una interpretación
distinta. Tal vez no quiso representar
al evangelista como un apacible
erudito sentado tranquilamente en su
estudio. Para él, san Mateo era un
hombre inspirado, que ponía por
escrito la palabra del Dios. Fue un
acontecimiento extraordinariamente
importante y significativo en la historia
de la humanidad que él quisiera
reflejar, y que lograra transmitir, algo
de su propia sensación de temor y
excitación a través de esta figura de un
hombre escribiendo. No son simples
tosquedad e ignorancia las que le
hicieron dibujar al santo con ojos
desorbitados y salientes, y con manos
enormes. Se propuso comunicarle una
expresión de concentración intensa.
Las mismas pinceladas de los ropajes
y del fondo parece como si hubieran
sido sumidas en una especie de agitación profunda. Considero que San Mateo
esta impresión se debe en parte al placer que evidentemente (1830)
sentía el artista al aprovechar cualquier oportunidad para dibujar
líneas ensortijadas y pliegues zigzagueantes Pudo haber existido algo en el
original que le sugiriera este procedimiento, pero probablemente atraía esto al
artista medieval porque le recordaba aquellas cintas y rasgos entrelazados que
habían sido la mayor conquista del arte nórdico.
El estilo románico no se prolongó más allá del siglo XII. En la segunda mitad del
siglo XII surge el estilo gótico al norte de Francia. Puede considerársela
principalmente como una innovación técnica, pero llegó mucho más allá en sus
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efectos. Los artistas góticos volvieron a los vestigios de la escultura pagana, los
sepulcros y los arcos triunfales, de los cuales podían verse varios en Francia.
Así, recuperaban el clásico arte de mostrar la estructura del cuerpo bajo los
pliegues del vestido.
De nuevo, como en la época del gran despertar de Grecia, empezaron a
contemplar la naturaleza, no tanto para copiarla como para aprender de ella a
realizar figuras de aspecto convincente. Para el artista gótico, todos esos
métodos y recursos no eran más que medios para un fin: representar su tema
sagrado de la manera más emotiva y veraz posible. El espíritu de las
ilustraciones fue muy diferente del románico: se deja ver cuán importante llegó a
ser para el artista mostrarnos el sentimiento en sus figuras.
En la imagen a continuación, la Virgen se inclina sobre el cuerpo yacente del
Cristo y lo abraza, mientras san juan entrecruza sus manos en gesto de dolor.
Se observa un esquema armónico: los ángeles, en las esquinas superiores,
saliendo de las nubes con incensarios en sus manos, y los criados, con sus
extraños sombreros
puntiagudos -tal como los
usaban los judíos en el
medievo, sosteniendo el
cuerpo del Cristo. Esta
expresión de emoción
intensa, y esta distribución
armónica de las figuras en la
página, eran evidentemente
más importantes para el
artista que cualquier intento
de hacer que pareciesen
vivas o de representar una
escena real. No le importó
que las figuras de los criados
fueran más pequeñas que
las de los santos personajes,
y no nos dio ninguna
indicación del lugar o del
momento. Comprendemos lo
que está ocurriendo sin tales
explicaciones externas.
Aunque el propósito del
artista no fue representar las
cosas tal como las vemos en
la realidad, su conocimiento
del cuerpo humano.

Bibliografía utilizada: Entierro del Cristo (1250-1300)

 Gombrich, E. H. (1989). La historia
del Arte Decimoquinta Edición. México: Editorial Diana
 Pendás García, M., Triadó Tur, J. R. & Triadó Subirana, X. (----). Historia
del Arte. Editorial Vicens Vives.
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3 a) Partiendo del siglo XV, describir brevemente en un texto,
sociedad, política, religión (por separado) según cada período y cómo
influyeron cada uno de esos aspectos en el arte.
b) Ejemplificar una de las anteriores seleccionando una obra
significativa perteneciente a cualquier disciplina por cada período.
c) Detallar características generales de la disciplina considerada
previamente.

Renacimiento: Quattrocento (siglo XV) y Cinquecento (siglo XVI)

a)
Política:
En el siglo XVI, las continuas luchas entre Francisco I de Francia y Carlos
I de España (V de Alemania) convierten Europa en un campo de batalla, y
Carlos I consigue alcanzar el título de Emperador del Sacro Imperio
Romano Germánico en detrimento del primero. Este conflicto tiene también
grandes repercusiones en Italia, pues el apoyo del Papa al monarca francés,
provoca el asalto de las tropas imperiales a la ciudad de Roma en 1527 (Saco
de Roma). Este hecho resulta la principal causa de la decadencia del papado y
de la posterior dispersión de pintores, escultores y arquitectos.
Política y territorialmente, los estados italianos del Quattrocento eran estados
ciertamente más fuertes (y también más autoritarios) que las ciudades-Estado
de los siglos XII y XIII. Por un lado, el régimen político de dichos estados, y de
muchas ciudades autónomas dentro de éstos, había derivado desde finales del
siglo XIV hacia la señoría, esto es, el dominio dinástico de familias notables de
la oligarquía y el patriciado urbano, lo que reforzó el orden y la estabilidad
interna de muchos de ellos. Por otro, Milán, Florencia y Venecia habían integrado
bajo su dominio amplios territorios.
Sociedad:
La Italia renacentista es un mosaico político de pequeñas ciudades, como
Florencia o Milán, dominadas por familias de aristócratas o de banqueros.
En la Italia del Quattrocento, las dinastías de príncipes o tiranos, como los
Medicis en Florencia, son capaces de mantenerse en el poder de algunas
ciudades durante muchos años. En el resto de Europa, sobre todo a partir
del siglo XVI, los monarcas gobiernan con el apoyo de la burguesía urbana,
que lentamente gana influencia respecto a la nobleza.
El régimen oligárquico de las Señorías reforzó el policentrismo italiano. Italia no
era, sin embargo, una mera expresión geográfica. Constituía, a su modo, una
unidad cultural.
La fragmentación del país, su policentrismo político tuvo además consecuencias
sumamente positivas. Los estados italianos del XV fueron ámbitos de soberanía
de dimensiones idóneas para la acción (embellecimiento urbanístico,
mecenazgo artístico) que en su beneficio y al servicio de su política llevaron a
cabo desde el poder las oligarquías señoriales italianas.

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Religión:
La reforma protestante de Martín Lutero cambia el mapa religioso europeo,
siendo el Cisma de Inglaterra promovido por Enrique VIII uno de los episodios
más notables. El papa Paulo III convoca, con ayuda de Carlos V, el Concilio
de Trento (1541-1563), e intenta la reforma de la Iglesia de Roma,
(Contrarreforma), cuya ideología estuvo muy ligada al arte realizado durante
la época barroca en los países católicos.
Influencias en el arte:
Desde una perspectiva ideológica, el Renacimiento supone una renovatio
de la Antigüedad y la desaparición de lo medieval por la influencia cultural de
Roma. En este sentido influye decisivamente el Humanismo, una corriente
ideológica, filosófica y cultural que se impone entre los intelectuales y
escritores de la época, siendo una de sus principales características la
valoración del arte clásico de la antigua Grecia y Roma.
Desde una perspectiva social puede afirmarse que se pasó del artista
artesano a la figura del artista creador y responsable absoluto de su obra.
Aparece también la figura del mecenas que además de fomentar el arte
se sirve de él para sus propios fines, ya sean políticos, económicos o de
prestigio personal.
Desde un punto de vista formal y compositivo habrá una renovación de
los sistemas de representación: aplicación de la perspectiva artificial en las
representaciones plásticas, utilización de los módulos, transformación de los
espacios arquitectónicos en base al ser humano, y todo ello dará lugar a
una nueva concepción del mundo: el antropocentrismo es decir, el hombre
como centro y medida de todas las cosas.
Los proyectos urbanísticos del Renacimiento buscan romper con la anarquía
organizativa de la ciudad medieval. En el ámbito urbano sus propuestas se
dirigen a la organización de ciudades ideales o utópicas, mientras que en
el ámbito privado se tiende a la organización de espacios abiertos, el jardín,
en lo que se denomina urbanismo de paisajes.

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b)

Artista: Miguel Ángel

Tamaño: 1.74 m x 1.95 m
Autor: Miguel Ángel Buonarroti
Ubicación: Basílica de San Pedro
Material: Mármol
c) Desde un punto de vista formal, la escultura renacentista se caracteriza
por la proporcionalidad, retomando el canon de 9 cabezas utilizado durante
el final del periodo clásico griego, así como el contrapposto y las piernas
abiertas en compás. A finales de siglo las representaciones escultóricas
adquieren mayor movimiento y expresividad. Las temáticas siguieron la
tradición, con representaciones hagiográficas de santos y temas bíblicos,
aunque se añadieron con fuerza el desnudo, los temas mitológicos, el
retrato de busto y el retrato ecuestre.
La escultura del siglo XVI continuó con la línea clásica del Quattrocento,
interesándose principalmente por el naturalismo, y por el hombre, con una
clara tendencia al monumentalismo. Además, también se aprecia un
predominio de las líneas curvas, que nos recuerdan la escultura griega y la
utilización de la forma serpentinata que refuerza su dinamismo.

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 Barroco:
a)
Política:
Desde una perspectiva ideológica, el siglo XVII se caracteriza por los
problemas derivados de la oposición entre la Europa católica y la Europa
protestante. La separación de facto de Holanda de la Corona española, y
su aproximación a Inglaterra dieron lugar a una Europa enfrentada
políticamente ya que las grandes monarquías católicas, en mayor o menor
medida, adecúan su política e ideología a las directrices de la Roma papal.
Francia, crea un estado absolutista centrado en el poder del rey bajo el
lema “el estado soy yo”, según palabras de Luis XIV. Inglaterra, por el
contrario, pasará de una monarquía absoluta a una monarquía
parlamentaria, a la que no es ajena la revolución de Cromwell y la posterior
decapitación del rey Carlos I. España, con los austrias del siglo XVII, inicia
un período de decadencia que curiosamente no se verá reflejada en las
artes y las letras. Además, junto a Portugal iniciará la conquista y
consolidación del Nuevo Mundo, y continuará dominando Flandes, Nápoles
y la Lombardia. A pesar de todas estas circunstancias, los Estados
Pontificios gozarán de una bonanza política y ello se reflejará en un auge de
las artes.
El siglo XVIII traerá un cambio de dinastía en España y la consolidación de los
Borbones franceses frente a los Habsburgo. La victoria de Felipe de Anjou
sobre el archiduque Carlos se reflejará en un cambio de gusto hacia lo
francés, aunque Francia se irá debilitando hasta la abolición de la
monarquía por la revolución del año 1789. El antecedente ideológico de
esta revolución hay que situarlo en el movimiento ilustrado y en su influencia
cultural capitaneada por la Enciclopedia, dirigida por D’Alambert y Diderot.
Inglaterra consolidará su poder y los territorios de la corona austro- húngara,
junto a Checoslovaquia y Rusia, experimentarán un gran auge.
Religión:
A causa de la eclosión del protestantismo, la cristiandad europea había
atravesado una profunda crisis. La Iglesia Católica tardó en reaccionar, lo hizo
con el Concilio de Trento (1545-1563). Con él llegó un periodo de renovación,
que se animó con la creación de numerosas órdenes religiosas, reconquista de
territorios espiritualmente perdidos, y el desarrollo de una importante actividad
cultural. Es en este contexto donde surge un arte adecuado a la renovación
religiosa, especialmente apto para transmitir al pueblo el contenido de los
dogmas y propiciar la difusión del culto a los santos y a la Virgen. La época del
Barroco ‘triunfalista’ fue también la de los grandes santos y místicos
Consecuencia de la evolución de las formas renacentistas, influye, además,
de manera decisiva en su creación, de una parte, el movimiento religioso
de la Reforma católica o Contrarreforma, que, como protesta contra el
luteranismo, procura fomentar la devoción, intensifican do el lujo del templo
y creando conjuntos lo más efectistas posible, y, de otra, el extraordinario
desarrollo del boato de los monarcas absolutos, que se hacen construir

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palacios en cuyas grandes proporciones y lujo deslumbrante reflejan su
poder.
Sociedad:
A mediados del siglo XVII la población europea dejo de crecer e incluso
disminuyó debido a las guerras, las hambrunas por la escasez de alimentos y a
una epidemia de peste.
Clases sociales
 Nobleza y Clero: Propietarios de las tierras
 Alta Burguesía: banqueros, grandes comerciantes, maestros artesanos.
Tenían gran influencia y compraban títulos nobiliarios.
 Baja Burguesía: eran universitarios que trabajaban para los reyes como
especialistas en leyes, finanzas, etc.
 Campesinos y artesanos: Clases más desfavorecidas que sufrieron el
hambre, las epidemias, el aumento de impuestos y la crisis económica.
Por ello provocaron revueltas y enfrentamientos.
Influencia en el arte:
El arte barroco se puede definir como la manifestación de los tres poderes
establecidos: la iglesia, la monarquía y la burguesía. Podemos dividir la
producción artística barroca en dos grupos: la derivada de la burguesía
protestante y la que proviene de la Iglesia y el poder real. Esa diferencia
es resultado de la carga ideológica que subyace en el arte y del hecho
de que el artista se convierte en transmisor del mensaje que los diferentes
patronos quieren potenciar.
El Barroco no fue un arte exclusivamente religioso, también tuvo enseguida una
vertiente secular muy importante. Los siglos XVI y XVII fueron una época de
afianzamiento de las monarquías europeas, y donde se pusieron los cimientos
del Estado moderno, burocrático y centralizado. El Barroco convenía mejor que
ningún otro estilo a estas necesidades de lujo y boato, y su difusión concordaba
bien con los gustos de la opinión general de aquella época, en la que entraban
a la vez el gusto popular por el espectáculo, y la convicción de los teóricos
políticos de que “el poder sólo se realza adecuadamente si se manifiesta a los
ojos de todos por un brillo fastuoso”.

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b)

Éxtasis de Santa Teresa

Artista: Gian Lorenzo Bernini
Ubicación: Iglesia de Santa María de la Victoria
Material: Mármol Blanco
Período: Barroco
c) La escultura barroca, al igual que la arquitectura, tiene su origen en
Italia, y adquiere un valor omnipresente, ya que aparece en fachadas,
retablos, monumentos públicos...etc. Es el elemento clave para dar el
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sentido palaciego cortesano o simbólico a las escenografías barrocas. Los
materiales empleados por los escultores variarán según la zona de
producción. En Italia se utiliza principalmente el mármol, combinado con
alabastro y bronce. La piedra se utiliza de manera generalizada en todas las
zonas donde se produce. En España se usa casi exclusivamente la madera
como material escultórico. Otros materiales son el marfil, el oro y la plata,
que erróneamente se han relacionado con la orfebrería más que con la
escultura. La tipología y temática de las obras son igualmente diversas,
con temas religiosos o monumentos funerarios de Papas, reyes o príncipes.
Existe también una temática mitológica, pero con un claro sentido simbólico
referido a las virtudes humanas.
La unifacialidad se relaciona con la teatralidad, pues cualquier obra barroca
pierde su valor si la separamos del lugar para el que fue concebida, ya que
ha de ser contemplada dentro de un espacio y en relación a un espectador.
Es por esto que la arquitectura se pone al servicio de la escultura,
convirtiéndose así en su escenario, y favoreciendo la correcta integración
artística que define la unidad del barroco.
Bernini es el artista que mejor define el "theatrum sacrum", con una sabia
simbiosis de arquitectura, pintura y escultura, sin olvidar la luz y el color. En
Francia podemos hablar de una escultura de marcado clasicismo formal y
conceptual unido al poder del rey. En España la imaginería, de marcado
naturalismo, se pone exclusivamente al servicio de la iglesia.

Rococó
a)
Política:
El Rococó fue un período que se desarrolló y nació en Francia durante los años
1730 y 1760 durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Surgió a principios de 1800 en Francia, cuando la corte de este país se
encontraba en su mejor momento y, como muestra de ello, la vida que llevaban
era ostentosa, llena de lujos y cargada de celebraciones. Esta forma de vida se
vio reflejada en el arte naciente, que cambió su concepción con respecto a su
predecesor: el barroco, con quien solo compartió el gusto por lo recargado.
Antes de todo, Versalles y el Palacio que lleva su mismo nombre, se convirtieron
en el epicentro de todo el esplendor artístico decorativo; pues, Luis XIV, cuyo
seudónimo era Rey del Sol por alardear la brillantez de su corte, trasladó a esta
desde París hasta Versalles, donde tuvieron lugar distracciones y fiestas
extravagantes para mantener a la nobleza controlada la mayor parte del año y
así disminuir su poder. Luis XIV era un gran amante del embellecimiento a través
de obras de arte.
Luego del reinado de Luis XIV, le sucedió la regencia de Luis XV. Esta monarquía
se olvidó de los problemas y las necesidades del pueblo, mientras que a su
palacio lo embellecía para convertirlo en un lugar digno de las celebraciones
permanentes. De esta forma el rococó entró en auge, un arte de salón que se

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enfocó en la decoración de interiores, cargados de belleza, elegancia y detalles
para dar una sensación de riqueza.
Sociedad:
Si lo Barroco estaba al servicio del poder absolutista, el Rococó está al servicio de la
aristocracia y la burguesía.
Se inicia un cambio en el papel de la mujer, que se convierte en organizadora de
reuniones para hablar de literatura, política, juegos de ingenio o para bailar. Este
entorno de alta actividad social dentro la alta burguesía es el lugar adecuado
para que los artistas se promocionen y hagan clientes. Los motivos del Rococó
buscan reproducir el sentimiento típico de la vida aristocrática, libre de
preocupaciones, o de novela ligera, más que batallas heroicas o figuras
religiosas.
Religión:
Fue un período en el cual la influyente Iglesia Católica en Europa, tuvo que
reaccionar contra varios movimientos revolucionarios culturales que se
produjeron y formaron una nueva ciencia y religión: La Reforma Protestante.
Para ello, se plantea una Contrarreforma, la cual buscaba realizar cambios para
volver a ganar adeptos y esto se vio manifestado en el arte y la arquitectura, los
cuales se vuelven propagandísticos, apuntando a la comunicación y la
demagogia.
Influencia en el arte:
El término rococó no ofrece duda alguna acerca de su significado. Se
trata de un calificativo con intención caricaturesca y despectiva derivado
del término rocaille, elemento principal de la decoración del siglo XVIII.
Es un estilo rico y sugerente, fruto de una época, desarrollado en Francia,
y con una gran aceptación en toda la Europa central. Se trata de un arte
al servicio de la comodidad, del lujo y de la fiesta, y en parte prefigura
el arte burgués del siglo XIX. En este estilo se puede hablar de "l'art pour
l'art" (el arte por el arte). Su culto sensual a la belleza, su lenguaje formal,
afectado y virtuosista, gracioso y melodioso, corresponde a la actitud natural
de una sociedad frívola, cansada y pasiva, que busca en el arte placer y
reposo.
El estilo Rococó se caracteriza por su arte distanciado y refinado,
esencialmente aristocrático, que considera más decisivos los criterios de
placer y de convención que los criterios de espiritualidad. Representa la
fase final de una cultura en la que el principio de belleza predomina aún
de manera absoluta; es el último estilo donde los conceptos de belleza y
arte son todavía sinónimos. Se intenta generar una emoción en el espectador,
y para esto, se concentra en el hombre individual tratando de generar esa
emoción, embriaguez, éxtasis y atracción.
Utiliza líneas diagonales y curvas, además de fuertes claroscuros, tratando de
resaltar a los personajes de las obras. Las representaciones en la pintura
cambian y la composición se torna abierta y se destaca la individualidad del
artista. Priman las representaciones religiosas, mitológicas y de la vida cotidiana.

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Se representa el momento más teatral y dramático, buscando representar el
instante.
A diferencia del Barroco se caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el
empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y la oscuridad del
período anterior. En este momento, la atención estaba puesta en lo mundano y
terrenal, dejando de lado las influencias religiosas, tan marcadas y
predominantes que se veían en el período barroco. Predominan las
representaciones de la naturaleza, la mitología, la bellaza del cuerpo desnudo,
el arte oriental y los temas relacionados a lo amoroso y aristocrático. Busca
representar la vida diaria y las relaciones humanas por medio de imágenes
agradables, refinadas y que generen cierto ambiente exótico y sensual.
b)

Oración en el huerto
Artista: Francisco Salzillo
Ubicación: Museo Salzillo, Murcia
Material: Madera
Período: Rococó

c) La escultura rococó tiene su centro neurálgico en la Europa central, donde

se conservará la impronta de Bernini. Los materiales empleados por los
artistas del XVIII coinciden con los del siglo anterior, aunque aparecen nuevas
soluciones, como por ejemplo, el uso del plomo con apariencia de bronce
15
y la madera marmoleada, siempre con la ya citada intención de lograr la
apariencia real de los materiales.
Para las pequeñas esculturas -figuras de belenes u obras ornamentales-
se usa, además de la madera, la arcilla, el plomo y el estuco, mientras
que para los objetos agradables - bibelots- se utiliza el biscuit y la porcelana.
La obra escultórica de este siglo generó grandes grupos escultóricos de
bulto redondo -sólo en jardines y palacios-, además de pequeñas esculturas
más acorde con el carácter intimista de la época, así como también relieves
y retratos de medio busto.
En España destaca el murciano Salzillo, autor de pasos de Semana Santa
y de figuras de belenes, y Narciso Tomé autor del Transparente de la
catedral de Toledo.

Bibliografía utilizada:
 Calvo Serraller, F. & Fusi Aizpurúa, J. (----). Historia del mundo y del arte
en Occidente. Siglos XII a XXI. Editorial Galaxia Gutenberg.
 Gombrich, E. H. (1989). La historia del Arte Decimoquinta Edición.
México: Editorial Diana
 Pendás García, M., Triadó Tur, J. R. & Triadó Subirana, X. (----). Historia
del Arte. Editorial Vicens Vives.

16
4) Contemporánea (tomando la transición del Barroco hasta el Neo -
Impresionismo, NO movimientos del siglo XX)
Describir en un cuadro sintético las funciones FUNDAMENTALES que
desempeñó cada período y seleccionar un elemento del lenguaje visual
diferente al del punto 2, para describir su empleo por cada uno de los
anteriores. Anexar imágenes. (En el punto 2, también deben incluirlas).

Período Función
Fue una crítica constante a los excesos del Barroco
y del Rococó, y pretendió abandonar la imaginación
en favor de la búsqueda de la belleza. No obstante,
dado que es imposible dar una definición absoluta
de la belleza, durante el Neoclasicismo el arte se
puso al servicio de una filosofía de la estética
basada en la antigüedad griega, considerada un
modelo superior y más puro que la romana.
Neoclásico Sin embargo, quiso ser un arte moderno y
comprometido con la problemática de su tiempo. El
Academicismo, es decir la necesidad de ajustarse a
unas normas establecidas por las Academias, fue
un rasgo fundamental del Neoclasicismo. Este hecho
coincide a la perfección con el espíritu racionalista
de los hombres de la Ilustración, a la vez que refleja
el rechazo del decorativismo rococó, considerado
una manifestación del gusto decadente de la nobleza.
No es sólo un estilo artístico sino también una actitud
vital que afecta al arte, a la literatura, a la música
y a otros ámbitos de la vida. Sus raíces ideológicas
se hallan en los grandes pensadores del siglo XVIII,
especialmente en Rousseau y en la filosofía alemana
ligada al nacimiento del nacionalismo.
Aplicado al arte, el concepto “romántico” nace en
contraposición al cálculo y la armonía de las en
Romanticismo corsetadas normas neoclásicas. Tras este
totalitarismo racional, se contrapone un nuevo orden
ideológico sustentado en la exaltación vitalista y en la
necesidad de explorar nuevos campos: exotismo
oriental, conflictos bélicos, análisis psicológicos,
cementerios, bandidos, costumbres populares,
exaltaciones nacionalistas y religiosas, encendidas
pasiones amorosas, viajes y aventuras, suicidio,
locura, tempestad, paisajes exóticos etc.
El Realismo buscó la realidad más cercana y cotidiana,
no la de los grandes hombres ni los grandes hechos.
Son las nuevas clases populares surgidas de la
Realismo Revolución Industrial, con sus miserias y sus
necesidades, las que aparecieron como
protagonistas de este nuevo arte que rechazó la
retórica romántica y la idealización neoclásica.
17
 Se abandonaron los temas medievales, clásicos u
orientales y se substituyeron por temas
contemporáneos, tratados con aparente objetividad,
ya que en ellos están latentes las ideas político-
sociales del momento.
El Realismo se negó a idealizar las imágenes. El
artista es parte de la sociedad y no puede
permanecer impasible ante ella. A menudo los
realistas toman partido por las gentes más humildes,
y son artistas comprometidos con los grandes
problemas políticos y sociales.
El Impresionismo culminó la tendencia de unir visión
y luz, inherente a la pintura occidental desde el
Renacimiento. La captación de la luz mediante
toques cromáticos sueltos fue la ambición de todos
los grandes maestros de la historia de la pintura.
La breve historia del Impresionismo iniciada en 1874,
conviertió a París en la capital de la pintura mundial
a partir de este momento, y todos los artistas
dedican un largo periodo de su aprendizaje al estudio
Impresionismo
de la técnica pictórica.
Los impresionistas estudiaron una nueva manera de
pintar y buscan de forma casi unánime la impresión
fugitiva que se desea captar y que constituirá el tema
del cuadro. La perspectiva ya no obedece a las
reglas de la geometría sino que resulta de la
disociación cromática que define el espacio. Las
formas y volúmenes son sugeridos por las pinceladas
más que por el dibujo.
Se encuentran una serie de actitudes y tendencias,
que, aunque ligadas a las novedades impresionistas,
constituirán el pórtico del arte del siglo XX. La
Neoimpresionismo técnica de la pincelada suelta impresionista deriva
en el Impresionismo científico, que para pintar se
sirve de pequeños puntos de colores primarios,
combinados con sus complementarios.

18
 Psique reanimada por
el beso del amor
Artista: Antonio Canova
Ubicación: Museo del
Louvre
Material: Mármol
Período: Neoclásico

La Marsellessa o La
partida de los
Voluntarios de 1792
Artista: François Rude
Ubicación: Altorelieve del
Arco de triunfo de la plaza de
l'Étoile en París.
Material: Piedra Caliza
Estilo: Romanticismo

19
 Ratapoil
Artista: Honoré Daumier
Ubicación: Museo de Orsay,
París.
Materiales: Metal, Bronce
Período: Realismo

El pensador
Autor: Auguste Rodin
Ubicación: París, Francia
Material: Bronce
Período: Impresionismo

20
 Bailarina de ballet de
14 años
Artista: Edgar Degas
Ubicación: Museo de Orsay,
París.
Materiales: Madera, algodón
Período: Neoimpresionismo

Bibliografía utilizada:
 Semenzato, C. (----). Historia del Arte. El arte moderno y contemporáneo.
Milán: Grijalbo.
 Gombrich, E. H. (1989). La historia del Arte Decimoquinta Edición.
México: Editorial Diana
 Pendás García, M., Triadó Tur, J. R. & Triadó Subirana, X. (----). Historia
del Arte. Editorial Vicens Vives.

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