Blog de DekeSharon → Contemporary A Cappella

Organizando en 10 pasos

La a cappella contemporánea ha existido por más de una década, dando como resultado un
sonido y un estilo dinámico y rítmico que la hace diferente de barbería, doo wop, armonía
cerrada y otros estilos a cappella. Aprende cómo crear un gran arreglo contemporáneo a
cappella usando esta probada y verdadera fórmula de 10 pasos.

I) Elija una canción

Es fácil crear canciones que serían divertidas de organizar, pero generalmente hay una
pregunta sobre qué se necesita en el repertorio, o qué es lo que falta estilísticamente. Evitar
canciones que con frecuencia son interpretadas por otros grupos de a capella es una buena
idea que tu grupo se haga un nombre mucho más rápido si desarrollas tu propio sonido. Tu
grupo debería tener una gran primera y última canción, un gran bis y al menos una balada a
su disposición. Asegúrate de tener a alguien en tu grupo que pueda cantar el solo de la
canción que elijas. El solista es el vocalista más importante de cualquier canción, y como
arreglista usted está organizando todo en torno a esta voz central y melodía, es mejor que se
asegure de tener una voz que pueda hacer el trabajo.

II) ¡Escucha el original repetidamente!

Este principio es el mismo que en el estudio de un idioma extranjero; escucha la canción
una y otra y otra vez. Mientras te concentras, y mientras no lo estés. Comenzarás a escuchar
sonidos, texturas, ritmos y acordes que nunca antes habías escuchado, algunos de los cuales
son muy sutiles y se mezclan silenciosamente en el fondo y pueden agregar mucho para que
tu arreglo sea emocionante e interesante.

III) Compre la partitura - Obtenga un archivo midi - Mire y escuche otros arreglos de
la canción
Stravinsky admitió haber "robado" ideas musicales de otros y de sí mismo, y no fue el
primer gran músico en hacerlo. Hay un caso de plagio que se puede hacer por alguien que
copia un párrafo de un libro, pero no hay propiedad de una textura, lamer vocalmente o
arreglar un truco. El arte es saber cuándo y dónde utilizar estos diversos elementos para
mejorar su estilo personal en lugar de imitarlo de manera servil.

Advertencia: puede haber errores o simplificaciones en archivos de música / midi impresos

(melodía y / o acordes), pero si ha internalizado la canción, los captará. Al mismo tiempo,
puede haber decisiones interesantes hechas en arreglos vocales / de piano o de guitarra que
pueden generar nuevas ideas.

IV) Decida sobre el formato.

A veces no hay que tomar una decisión, y otras veces se necesita mucha creatividad para
saber cómo unir las secciones importantes de una canción que tiene mucho relleno
instrumental. Cuanto más largo sea el original, más probable será que tenga que cortar algo:
diga lo que debe decirse lo más conmovedoramente posible y evite las repeticiones
innecesarias. Como muchas canciones están escritas y grabadas con instrumentos, a
menudo hay solos, entradas largas y pasajes transicionales que se traducen pobremente en
voces. Intente cantar de principio a fin y vea dónde pierde interés. También escuche lo que
suena estúpido cuando lo canta.

V) Anote el arreglo en papel / computadora / casete

No importa si anota música en un papel, o utiliza un programa de computadora, o arregla de
oído en un grabador de 4 pistas, es importante establecer un marco sólido. Tendrá que
elegir el número de pentagramas y medidas por página, lo que plantea la cuestión del
número de partes. Si tiene un conjunto pequeño, su elección está hecha para usted, ya que
doblar solo una o dos partes puede causar un desequilibrio. Si está organizando un conjunto
pequeño, considere asignar al menos dos personas por parte, obtendrá un sonido más
completo y será más fácil sintonizarlo. Intenta designar a más personas en la parte de bajo.
Las líneas de graves de baja frecuencia pueden ser ahogadas por tenores / sopranos gritones
cuando actúan en vivo. Una línea de bajo audible proporciona un sólido centro armónico
que ayudará a todos a sintonizar mejor.

No olvide incluir el solista y las partes adicionales, como la percusión vocal o las líneas de
dúo, que necesitan su propia habitación en el papel. El solo debe estar en la línea superior, y
se puede unir con partes de dúo o trío. Lo ideal sería evitar tener más de dos partes por
línea, ya que las voces internas suelen tener dificultades para seguir sus partes en el medio
de un grupo. Cuando tiene dos partes (o más) por línea, la voz superior debe tener
"potencias arriba" a lo largo, y la voz inferior "descender".

Finalmente, "diseñe" la canción contando el número de medidas y haciendo una nota donde
comienza cada sección (verso, coro, puente, etc.). Luego, complete sus claves y firmas de
clave. Cuando hayas terminado, tendrás un marco sólido que te permitirá trabajar en
secciones en el orden que desees sin confusión sobre dónde estás o cómo encaja con el
resto de la canción.

VI) Escribe el Solo

Tener la línea individual anotada evitará que pierdas tu lugar mientras estás organizando;
sirve como un "cuidador de lugar" y una hoja de ruta. Para grupos pequeños, el tono y el
ritmo del solista es importante tener en cuenta en todo momento. A veces te faltará una nota
en un acorde, y el solo podría estar llenándola. También recuerda que en la actuación un
solista a veces no canta exactamente las mismas notas y ritmos que el original, o como la
última vez que interpretaron el papel. canción. Por esta razón, vale la pena señalar, a
medida que organiza, qué secciones de la melodía deben cantarse exactamente como están
escritas para que el arreglo funcione.

VII) Escribe la línea de bajo

Si la línea de bajo en la canción original es única y / o memorable, probablemente querrás
duplicarla lo más posible. Si el bajo no es claramente definible, entonces puedes tejer una
línea de bajo propia. Considere el rango vocal, las raíces de los acordes y la sensación
rítmica del original como factores principales. La línea de bajo es la "segunda melodía" de
la canción y suele ser la línea más reconocible después del solo, por lo que es melódica,
pegadiza y divertida. Además, no olvide tener en cuenta cosas como dónde va a respirar su
bajo, qué tan rápido pueden articularse y cuánto tiempo pueden sostener una nota.

VIII) Escribe los voces de fondo

Las otras voces de fondo, o superiores, generalmente se tratan como una unidad en el
arreglo contemporáneo de cappella. De todos estos diez pasos, este será el que consumirá
más tiempo, será más exigente y, en última instancia, más gratificante, ya que es aquí
donde puede llegar a ser el más creativo. Hay muchas consideraciones al escribir estas
partes para enumerarlas exhaustivamente aquí. Algunas cosas que debe observar son:

- Variedad rítmica (diferentes ritmos del solo y bajo)

-Sílabas silábicas (¿palabras? Sílabas sin sentido?) Voz líder (no hay saltos innecesarios,
por lo que las líneas son melódicas)
-Dueto / Trio (mismas palabras / ritmos que la melodía)
-Acordes en bloque vs. Contrapunto (todas las voces actúan como una sola unidad frente a
cada línea por separado)
-Arreglos (deletreando acordes cantando una nota a la vez)
-Idiomas instrumentales (utilizando voces para imitar sonidos / texturas instrumentales)
-Estilos Musicales (clásico, doo-wop, armonía cercana, pop, R & B, etc.)
-Cita de otras canciones

IX) Los toques finales

Ahora es el momento de regresar y cantar a través de todo el arreglo en tu cabeza. ¿Qué
necesita? ¿Dónde está demasiado vacío o repetitivo? ¿Cómo encajan las secciones juntas?
¿Dónde están los pasajes débiles y cómo puedo solucionarlos? Lo mejor es apagar el editor
cuando originalmente se le ocurren ideas, pero en esta etapa debe volver a encenderlo y
observar su arreglo como un todo.

X) Realizar y aprender
Un gran arreglo es aquel que crece y cambia con los grupos que lo cantan. Las sugerencias
del grupo y sus propios cambios después de escuchar un canto apropiado solo mejorarán el
cuadro. Cuando escuche el canto, concéntrese en su tabla y en su desempeño. ¿Cómo suena
el arreglo? ¿Es lo que esperabas? ¿Qué difiere de tus expectativas, y te gusta o no? Sé
honesto contigo mismo y sé abierto a probar una variedad de ideas y sugerencias. Para ser
un gran arreglista, debe saber cómo escribir un arreglo estándar y también tener la
creatividad y el impulso para probar algo nuevo. Los mejores arreglos logran mantener los
elementos exitosos de una versión original y también aportan algo nuevo.

Deke Sharon ha estado arreglando a cappella desde la escuela secundaria, y podría ser
el arreglista a capella contemporáneo más prolífico del mundo. Los arreglos
personalizados y publicados por Deke están disponibles en www.totalvocal.com

Escribir armonías vocales

I. Introducción
Te ha pasado antes; estás trabajando en una canción, estableciendo algunas líneas vocales
geniales, y de repente le sorprende a alguien que esta pista sería genial con algunas
armonías. A menos que seas o tengas uno de esos increíbles vocalistas que parecen capaces
de sacar la armonía de la nada por instinto, este puede haber sido el punto en el que las
cosas se pusieron feas.

Armonizar una voz no tiene que ser doloroso, amigo mío. Con un poco de teoría y la ayuda
de un teclado cercano (o cualquier instrumento con el que quiera hacer referencia al tono),
puede elaborar armonías geniales; y mientras que muchos vocalistas pueden llegar a una
armonía funcional, con un poco de tiempo y planificación, se puede llegar a algo superior a
la norma.

Este artículo asume que usted conoce un poco acerca de la teoría básica, tales nombres para
intervalos, escalas y algunas cosas sobre tríadas y séptimos acordes.

II. Empezando
Cuando se toma un enfoque teórico de la armonización vocal, las dos piezas más
importantes de información que puede tener son 1. las notas en la línea de melodía y 2. el
acorde cambia (aquí es donde tener un teclado alrededor puede ser de gran ayuda). Es
importante mirar la melodía en el contexto de los cambios de acordes, porque donde la
melodía está en relación con el acorde actual y dónde está en relación con la clave actual
ambos tendrán un impacto en las notas que elijas para una armonía . Intenta tocar la
melodía en un teclado mientras tocas o piensas en el acorde que lo acompaña. Esto te
ayudará a familiarizarte con las peculiaridades de la melodía que estás a punto de
armonizar.

Ahora que tiene una idea de lo que está sucediendo con la música, veamos tres enfoques
básicos para armonizar una línea de melodía: armonía ajustada, armonía de acordes y
armonía contrapuntística (también conocido como contrapunto).

III. Tres enfoques básicos

1. Estrecha armonía
La armonía tensa es una de las formas más comunes de armonía vocal en uso en la música
popular actual. La mayoría de los cantantes que pueden armonizar instintivamente tienden a
hacer una armonía ajustada por defecto.

Si sabes mucho sobre teoría musical, puedes saber que la armonía occidental se basa en la
"pila de tercios"; en otras palabras, cualquier acorde es simplemente una sucesión de tercios
mayores o menores apilados uno sobre el otro. Del mismo modo, la armonía estrecha se
hace típicamente siguiendo la línea de la melodía un tercio arriba o abajo. El tercero es
mayor o menor dependiendo de lo que dicte la tecla (o el acorde actual, si hay acordes
desde fuera de la tecla).

Otra variación de la armonía ajustada usa sextas, ya que la sexta es el intervalo inverso de
la tercera (en otras palabras, si subiste un tercio, luego dejaste caer una octava, estarías un
sexto abajo de la nota original. Si fueras un tercio, y luego una octava, estarías un sexto
arriba de la nota original). Una vez más, seguirías usando sextas mayores o menores según
lo dictado por la tecla o el acorde actual.

Si te detienes aquí y no lees otra palabra, probablemente puedas hacer un trabajo adecuado
para armonizar la mayoría de las melodías con una armonía tensa. Pero hay situaciones en
las que pegarse a tercios y sextos simplemente no funciona. Veremos algunas de esas
situaciones y hablaremos sobre qué hacer con ellas más adelante.

2. armonía de acordes

En agudo contraste con el enfoque de armonía apretada, el enfoque de acordes

prácticamente ignora la melodía y simplemente selecciona tonos de acordes del acorde
actual para armonizar con las voces. La nota de la línea de armonía permanece igual hasta
que el acorde cambia, y siempre está en un tono de acorde.

Este enfoque puede ser problemático; funciona muy bien para construir pads vocales, o
cuando quieres agregar una tercera parte cuando ya tienes una armonía ajustada, pero puede
empeorar cuando tratas de armonizar una o dos partes con la melodía. Las melodías se
mueven, y a menudo tocan notas que no se mezclan demasiado bien con los tonos de
acordes reales. Esto no suele ser un problema cuando se trata de un instrumento que
reproduce los tonos de acordes, o un coro de voces, pero si tiene solo dos o tres partes
(especialmente del mismo vocalista) puede terminar con disonancias desagradables si no
son cuidadosos
3. La armonía contrapuntística

Este es de lejos el enfoque más sofisticado de la armonía, y requiere más trabajo para
hacerlo bien. En el contrapunto, está creando una contra-melodía cuyo ritmo y movimiento
no es necesariamente el mismo que la melodía principal. Esto puede ser más complicado de
lo que parece, porque para hacer una línea de contrapunto realmente buena, debes tener en
cuenta no solo dónde estás en cuanto a la melodía y los cambios de acordes, sino que
también debes mantener tenga en cuenta las reglas de una buena conducción de voz y la
construcción de melodías para crear algo que sea complementario a la melodía original y
agradable en sí mismo.

Por supuesto, probablemente no te encuentres escribiendo una armonía de contrapunto en

toda regla para reforzar una voz rock o pop; Lo importante de comprender es el concepto de
que podemos mover las voces de armonía en diferentes direcciones, diferentes intervalos y
en momentos diferentes de la línea de melodía. Todos estos enfoques son extremos; en la
práctica, podemos tomar prestado un poco de cada uno para construir líneas de armonía
simples pero efectivas sin agonizar durante horas sobre ellas. Muchos arreglistas comienzan
con un enfoque en mente y lo modifican con los otros enfoques para salir de los lugares
problemáticos. Veremos algunos puntos problemáticos comunes y cómo lidiar con ellos,
pero primero, hablaremos sobre cómo liderar la voz.

IV. Voz líder

La voz líder es un arte que se remonta a la época del Barroco, y muchos estudiantes de
primer año de teoría musical han agonizado por sus complejas reglas de armonización de
las corales de Bach. Debido a que estas reglas a menudo se enseñan en el contexto de la
música de los siglos XVII y XVIII, y dado que los músicos de rock generalmente tienen un
problema con cualquier tipo de reglas, muchos músicos asumen erróneamente que el uso de
la voz es irrelevante para la música popular moderna. Pero si te tomas el tiempo para
aprender y seguir estas reglas, descubrirás que siguen siendo muy relevantes y te ayudarán
a construir una armonía sólida como una roca en todo momento. No voy a entrar en una
descripción completa de todas las reglas tradicionales, pero tocaré algunas ideas que
considero más importantes y más probables que surjan en la música popular.

1. Evita quintas, cuartas y octavas paralelas

Las quintas paralelas son uno de los mayores asesinos de una buena línea de armonía. Un
quinto paralelo es una situación en la que la melodía y la armonía crean un intervalo de un
quinto, y ambos se mueven en paralelo para que de nuevo estén separados por una quinta
parte. Esto da una especie de efecto de canto gregoriano y tiene un sonido débil (aunque
algunos estilos de música han usado quintas paralelas específicamente para el efecto
ominoso de la misma, especialmente "Grunge" o "Nu-metal"). Como el cuarto es
simplemente el inverso del quinto, también deben evitarse los cuartos paralelos.
La octava paralela se considera un movimiento débil, aunque debo explicar que no estamos
hablando de una situación en la que la melodía se duplique en una octava por encima o por
debajo, que es una técnica de arreglo común en la música pop y rock. No hay nada de malo
en eso. Pero en el contexto de crear una parte de armonía , debes evitar tocar una octava
paralela. En otras palabras, si nos movemos utilizando quintas, sextas, etc., y de repente
usamos dos octavas seguidas, encontrará una armonía débil e insatisfactoria.

De hecho, prácticamente los únicos intervalos que se pueden mover de forma segura en
paralelo son el tercero y el sexto. Los únicos intervalos que no hemos mencionado aún son
el segundo y el séptimo, y me cuesta imaginar una situación en la que incluso quieras
intentar moverlos en paralelo.

2. Resuelva los intervalos de tritono y los tonos principales correctamente

El tritono (también conocido como quinto disminuido o cuarto aumentado) es el intervalo

disonante que impulsa la armonía occidental. Si sabes mucho sobre la resolución de V7 a I,
sabes que hay una nota llamada tono principal, que está medio paso por debajo de la raíz de
la tecla, y que un tritono lejos del tono principal es el 4º de la clave, que es el 7 en el V7 o
acorde dominante.

Si esto es griego para usted, simplemente entienda que si tiene un acorde 7 dominante, el
tercio del acorde necesita resolver medio paso, y el 7 del acorde debe resolverse en medio
paso (si se resuelve en un acorde principal) o un paso completo (si se está resolviendo en un
acorde menor). Esto significa que cada vez que encuentre un intervalo de tritono entre su
melodía y armonía (o entre dos partes de armonía), se resolverá hacia adentro a un tercio, o
hacia afuera a un sexto, dependiendo de qué acorde se esté resolviendo también. Si te metes
en la armonía del jazz, puedes encontrar excepciones a esta regla, pero eso está más allá del
alcance de lo que estamos tratando aquí.

3. Use movimiento contrario cuando sea posible

El movimiento contrario es cuando dos de tus voces se mueven hacia o lejos una de la otra
en lugar de moverse en paralelo. Este es un efecto muy deseable cuando se armoniza,
aunque debe planificarse cuidadosamente. Puede terminar rápidamente en un intervalo muy
feo si no lo gira en el punto correcto.

Uno de los usos más comunes del movimiento en sentido contrario para escribir armonías
vocales es como una transición entre la armonía tensa en tercios y la armonía tensa en
sextas, o viceversa. Esta puede ser una técnica poderosa para superar las limitaciones de la
armonía estrecha simple.

4. No te alejes demasiado

Con todo este movimiento contrario, debes tener cuidado de que tus voces no se separen
demasiado. Debes evitar dejar que dos partes adyacentes tengan más de una octava entre
ellas, y realmente no hay mucha necesidad de llegar más allá de una sexta distancia. Si
tienes tres partes de armonía o más, por supuesto, no es un problema que las voces externas
se separen más que esto, pero no deberían existir dos voces adyacentes.

5. Evita cruzar las voces

Cruzar voces significa dejar que una armonía debajo de la melodía cruce la melodía e ir por
encima de ella, o viceversa. A veces es inevitable (si tienes una melodía particularmente
alta, por ejemplo, con varios saltos interválicas en sucesión), y en raras ocasiones, en
realidad puede ser bastante agradable. En su mayor parte, es mejor evitarlo, especialmente
en producciones pop donde es probable que el mismo cantante cante todas las partes de
armonía y melodía.

6. Tenga cuidado con segundos y séptimos

Por sí mismos, los segundos y los séptimos tienden a ser intervalos romos y desagradables.
En el contexto de un acorde, pueden ser poderosos e inquietantes. Por ejemplo, un segundo
mayor, con un cuarto en la parte superior, se convierte en un bonito acorde suspendido de 2
(o suspendido en 4 acordes en inversión). Simplemente use sus oídos y sea consciente del
contexto de estos intervalos en el acorde.

V. Ejemplos de puntos problemáticos comunes en

armonía apretada o cordal, y cómo resolverlos.
Aquí hay algunos ejemplos extraños de "puntos difíciles" que me he encontrado al escribir
armonías vocales simples. Si bien es posible que no te encuentres con estas situaciones
exactas, con suerte leer esto te dará una idea del tipo de proceso de pensamiento que
atraviesas al escribir una armonía sólida, y tal vez algunas ideas de diferentes cosas para
probar que podrían ser más agradables musicalmente que el la solución más rápida y
simple.

1. Melodía en el quinto del acorde usando armonía apretada arriba

Suponiendo que tienes una canción en Sol mayor, el primer acorde es G, y la primera nota
de la melodía es D. Quieres una armonía tensa sobre la melodía. Su primera nota de
armonía, entonces, sería F #. Excepto, eso haría tu primer acorde Gmaj7. No hay nada malo
con los acordes de la séptima mayor, pero tienen un sonido distintivo que no siempre es
apropiado, especialmente en el acorde I.
Lo más simple es comenzar tu armonía en G, armonizando en una cuarta. El problema es
que la mayoría de los cantantes de armonía instintivamente quieren cantar con la melodía,
por lo que solo debes permanecer en G o dar un salto para asegurarte de que no termines
con cuartos paralelos.

Otra opción podría ser llevar la armonía hasta B y usar sextas paralelas (si el rango del
vocalista puede manejarlo), o incluso tocar la A (haciendo que el acorde sea un
complemento9; por alguna razón, creo que la novena tiene menos efecto en el carácter de
un acorde que el 7mo). Esta podría ser una buena opción si la melodía se mueve hacia
arriba desde la primera nota, porque puede usar el movimiento paralelo y volver a los
tercios de una manera bastante agradable. Si la melodía se mueve hacia abajo, tendrás que
saltar para evitar 5º paralelos o alejarte demasiado.

2. La melodía se resuelve en la raíz con una armonía más estrecha

Este es un problema que escucho todo el tiempo, particularmente con la armonía

improvisada. Estás haciendo una estrecha armonía en tercios debajo de la melodía. La
melodía se resuelve en la raíz de la clave. Digamos que estás en C. Cuando la melodía toca
la C, tu armonía estará en A. Oops; eso no está resolviendo ¿Qué haces?

La primera y más obvia solución es cantar una G allí en lugar de una A. Si la melodía está
caminando hacia la C, entonces la penúltima nota de la armonía es una G ya. No es la
resolución más emocionante, pero funcionará. Si la melodía baja hacia la C, la penúltima
nota de armonía era una B. Aquí hay un problema. Eso B quiere resolverlo en C.
Resolverlo un tercio de la G funcionará bien, y si tienes una banda detrás de ti,
probablemente pase. Pero es una resolución débil, y un poco incómoda.

Creo que la mejor solución en esta situación, siempre que mantenga la armonía en un buen
rango para el vocalista, es retroceder un poco y buscar la oportunidad de utilizar un
movimiento contrario para llevar la armonía a una sexta debajo en lugar de una tercero. O
bien, si la melodía sube hasta la C, obtenga esa penúltima nota de armonía en una F y
resuélvala a E. Resolución mucho más poderosa y efectiva que terminar en la G.

3. Estrecha armonía donde la melodía está en un tono no acorde

Las melodías no siempre comienzan o permanecen en los tonos de acordes, y las canciones
no siempre se apegan a una escala o modo, incluso en el transcurso de una frase. Estaba
trabajando una armonía una vez en una canción donde la primera línea de la melodía estaba
en una D cantada sobre un acorde de Am. Fue un poco complicado armonizar, ya que
queríamos una armonía superior en él. Para complicar más el asunto, la canción cambió
libremente del modo menor natural al modo dórico (es decir, tenía tanto un acorde D mayor
como un acorde mayor F en la progresión), por lo que no estaba claro si F o F # era
apropiado para usar en el resto de la progresión. Claramente, un F natural no funcionaría
sobre el Am independientemente, y el F # le daría el sonido menor distintivo 6 que no
siempre es apropiado, incluso para una canción en modo Dorian.

Lo mejor que puede hacer aquí es decidir qué tan alto desea ir con esta armonía y hasta qué
punto desea extender el acorde más allá de la tríada. Elevar la armonía a un G crea un
acorde Am7 (por supuesto, la melodía agrega el 11). Elevarlo a una A deja tu armonía en la
tríada. En cualquiera de esos casos, deberá tener precaución para evitar 4º o 5º paralelos.

Otra solución es ir una sexta encima de la melodía a la B, agregando un bonito 9 al acorde.

Por supuesto, si su melodía sube desde la D, necesitará un vocalista con un gran rango
superior, o un pequeño movimiento contrario (es decir, descendiendo, en este caso) para
regresar a los tercios.

4. Armonía acorde donde la melodía golpea notas discordantes

Como mencioné anteriormente, el problema con la armonía de cordal es que muy a menudo
la melodía se mueve hacia un lugar donde choca un poco con los tonos de acorde. Esto no
parece ser un problema cuando la voz está en contra de los instrumentos, pero en contra de
otras voces, la disonancia parece ser más notoria.

Un simple ejemplo: estamos cantando una melodía en do mayor. Lo estás armonizando con
F # y A. La melodía sube de D a A, con el cambio de A en el siguiente acorde. Cuando
golpeemos la E, habrá una pequeña disonancia con el F #, pero nada terrible. Cuando
golpeemos la G, la disonancia será un poco más dura. Entonces, queremos hacer algo con
respecto al F #. Podrías moverlo a G cuando la melodía lo haga, pero preferiríamos no tener
nuestra melodía y armonía al unísono. Una mejor solución es mover la armonía a una E
cuando la melodía va a G. Por supuesto, en este caso, el F # seguirá siendo unísono, y las
voces se cruzarán. Con la armonía de acordes, está casi garantizado que las voces se crucen,
por lo que podemos dejarlo pasar por ahora.

Otra solución es tener la armonía bajar a D cuando la melodía golpea F #. Otra vez estamos
cruzando voces, pero eso es casi inevitable en este caso. También tendremos una pequeña
disonancia cuando la melodía toque E, pero eso es factible. Pero cuando la melodía va de G
a A, vamos a tener un problema con la voz superior. Tendrá que salir de la A antes de que
llegue la melodía, pero ¿a dónde? Supongamos, para hacerlo interesante, que el próximo
acorde es G, haciendo que la nota de la melodía (A) sea un noveno. ¿Qué hacer con la
armonía ahora? Si nos atenemos al enfoque de acordes, iremos a B. Esto no solo nos dejará
en un segundo mayor entre la melodía y la armonía, sino que llegaremos de un segundo
mayor, dándonos (¡puaj!) Paralelo mayor segundos. No está bien. Nuestra única opción
real, si queremos armonía armónica, es lanzarla hasta D; más bien una línea de armonía
torpe ...

Como puede terminar fácilmente en situaciones como esta, generalmente no recomiendo

usar el enfoque de acordes a menos que pueda mantener la armonía fuera del camino de la
melodía, ya sea poniéndola en una octava diferente, o mezclándola en tal una forma en que
se percibe completamente separada de la línea de melodía. Es mejor adoptar un enfoque de
acordes para espacios cortos aquí y allá donde la armonía tensa puede fallar, o
combinándolos con una armonía tensa en múltiples voces (por ejemplo, si observa la
armonía de cuatro partes usada en muchos himnos tradicionales, la soprano y las voces
altas están en armonía, mientras que el bajo y el tenor toman un enfoque de cordal), o
usándolo con un "pad" vocal (donde las voces cantan tonos de vocal en vez de letras,
separándolos así de la melodía). Discutiremos los parches a continuación.

5. Resolviendo una tríada de bloques disminuida.

Como discutimos bajo liderazgo vocal, los tritones siempre se resuelven de una
determinada manera, ya sea hacia adentro o hacia afuera en movimiento contrario. Si tiene
una armonía de 3 partes, puede tener problemas debido a este hecho si está armonizando
una tríada disminuida, o las tres notas superiores de un acorde dominante 7 (que es
simplemente una tríada disminuida). Digamos que estás en G, y tienes la vii ° tríada F # -
AC como tu armonía. El F # quiere resolver a G, y el C quiere resolverlo a B. Entonces, ¿a
dónde va la voz con el A? De cualquier manera que vaya, estará al unísono con una de sus
otras partes. Si bien esta es una opción, es desafortunado que no puedas hacer un buen uso
de todas esas voces de armonía. Podrías cruzar voces, pero tratamos de evitar esto. Quizás
lo mejor que se puede hacer es volver a expresar la armonía.

La armonía clásica a menudo usaba el acorde disminuido en inversión, con el tercero en el

bajo, que en este caso haría nuestro acorde AF # -C. Podemos ver por qué ahora. La tríada
se resolvería en GGB (con las dos G separadas por una octava), una resolución mucho más
fuerte que las otras que hemos propuesto. Los únicos problemas que enfrentaría al hacer
esto serían que la A podría ser su línea de melodía, por lo que moverla podría estar fuera de
cuestión; o está el hecho de que la música pop generalmente no usa la voz de bajo, por lo
que su línea inferior puede ser demasiado baja para ser aceptable para pop o rock. (por
supuesto, podrías mover el F # una octava también, aunque esto significaría tener dos
armonías superiores para toda la frase, para que no cruces las voces. Si tienes una armonía
superior e inferior en una canción, podrás quiero mantenerlo así. Sin embargo, es muy
probable que te topes con este tipo de problemas).

VI. Algunas técnicas contrapuntísticas fáciles de aplicar

Si bien un estudio completo del arte del contrapunto barroco probablemente sería un
desperdicio para la mayoría de los músicos de pop y rock, sin duda podemos recurrir a la
idea básica del contrapunto para llevar nuestras voces de fondo al siguiente nivel. Ya
hemos discutido el uso de técnicas como el movimiento contrario y el cambio de los
intervalos en estrecha armonía; Aquí hay algunas ideas más simples para obtener una
sensación más contrapuntística.

1. Simplificando el ritmo

Cuando tienes una melodía sincopada o que se mueve rápidamente, puedes crear una bonita
parte de fondo simplificando o ralentizando el ritmo y cantándolo contra la melodía en
armonía de acordes. Puede que tenga que soltar palabras o frases en la letra para que todo
funcione bien, y a veces esto puede funcionar bien desde un punto de vista poético (algo así
como las voces de fondo le dan la versión resumida mientras que la voz principal explica
los detalles) )

2. Complicar el ritmo

Alternativamente, si tiene una melodía más lenta y suave, puede crear un ritmo más rápido
para que su parte de armonía cante. Puede que tengas que agregar algunas letras aquí. La
armonía de acordes funciona muy bien aquí también. Observe cuánto mejor armonía de
cordal funciona cuando no está cantando rítmicamente con la melodía.

3. Echo y espera

Esta es una técnica muy antigua que se usa en todo, desde cuarteto de barbería hasta doo-
wop, pasando por Queen, hasta pop vocal moderno. Funciona bien cuando tienes una
melodía con un descanso significativo al final de una frase (como 3 o 4 latidos) y con al
menos 2 partes de armonía. Básicamente, al igual que la almohadilla vocal, obtienes
"oohs", "aahs", o incluso la primera palabra de la frase en una armonía cordal hasta el
descanso; pero luego repite la última línea o las últimas palabras de la frase en una armonía
ajustada (permitiendo que una de las partes de armonía repita la melodía, alternativamente,
puede hacer eco solo con líneas de armonía, omitiendo la línea de melodía en el eco).
Cuando la melodía vuelve a entrar, dejas que las armonías "se retengan" hasta el próximo
descanso.

VII. Advanced "almohadillas vocales"

La almohadilla vocal básica es solo 2 o 3 partes vocales que contienen "aahs" u "oohs" en
armonía cordal. Por supuesto, puedes hacer esto con casi cualquier sintetizador, pero los
resultados cuando lo haces con un vocalista real pueden ser mucho más satisfactorios,
especialmente para estilos de música más orgánicos. Y no hay nada que diga que todas las
voces tienen que cambiar al mismo tiempo o se adhieren a los acordes de bloque. Si tienes
canciones que tienen esa sensación de "acorde-acorde-acorde", esta puede ser una excelente
manera de suavizarla. Aproveche el paso de tonos, suspensiones, tonos comunes,
movimientos contrarios y otras técnicas de manejo de voz para disminuir el sonido "en
bloque" que los acordes de acorde pueden cambiar. Aquí hay unos ejemplos:

Tonos pasantes: supongamos que tienes una progresión que va de C a G con armonía de
dos voces. Estás armonizando la C con C y E. Podrías llevar la voz superior a una G (para
armonizar el acorde de G) yendo EFG. La F se llama un "tono de paso". La C podría
moverse hacia abajo a B en este caso, dándole G y B sobre el acorde de G. (Nota: este
también es un ejemplo de movimiento contrario).

Suspensiones: Esta vez vas de C a F. Tienes 3 armonías de voz, cantando CEG sobre el
acorde de C. Podrías mover las voces superiores hacia F y A para armonizar el acorde A
(aprovechando el tono común en el bajo), pero en lugar de eso simplemente movemos el E
hacia F y dejamos el G hasta la mitad del siguiente compás, cuando lo moveré a A. Esto
crea un segundo suspendido, y rompe el movimiento del acorde un poco.

Tonos comunes: vimos en el ejemplo anterior el uso de un tono común en el bajo. Si desea
suavizar ese acorde, cambie aún más, mueva la C a la voz superior (para que la armonía
comience con EGC, la C sube una octava desde el último ejemplo). Por lo tanto, entre los
dos acordes, la voz superior permanece en C, alejando la atención del cambio y
suavizándolo. Los tonos comunes son incluso más fáciles de usar cuando emplea
extensiones de acordes: 7th, 9th, 11th y 13th, además de las notas de tríada, porque muy
probablemente al menos un tono en un acorde será un tono de extensión en el próximo
acorde. En el ejemplo de CF, podría simplemente mantener la tríada C sobre la F (a
condición de que tuviera otros instrumentos que establezcan el cambio a F, y las armonías
vocales fueran lo suficientemente altas como para ser tonos de extensión y no chocar con
los tonos de la tríada), haciéndolo un acorde Fmaj9.

Movimiento contrario: como mencioné anteriormente, el movimiento contrario es cuando

dos partes se alejan o se aproximan entre sí en lugar de paralelas entre sí. Es un movimiento
muy fuerte y generalmente muy agradable de escuchar. Un lugar común para encontrar el
movimiento contrario es resolver un tritono, como discutimos bajo el liderazgo de voz. Los
tritones se resuelven en movimiento contrario (cuando se resuelven correctamente, de todos
modos), ya sea dentro o fuera dependiendo de cómo se expresa el acorde. Por ejemplo, en
un acorde D7 armonizado DF # -C, el tritono se resolvería hacia adentro para formar un
acorde de G. Si se expresara, DCF #, el tritono se resolvería hacia afuera.

Usando estas técnicas de liderazgo de voz y otras, puede tener un mejor control de cómo se
mueve la armonía en su música, ya sea que desee suavizar una progresión en bloque o
amenizar una frase estática. Estas técnicas funcionan no solo para almohadillas vocales,
sino también para organizar líneas de cuerda o de latón, partes de sintetizador, armonía de
guitarra, etc.

VIII. Palabras de despedida

Grandes voces y armonías son una maravillosa manera de darle vida a un arreglo. Si desea
obtener más información, consulte un buen libro de teoría musical y lea sobre la escritura
de corales. Recuerde siempre tener en cuenta el rango de sus vocalistas y lo que es
apropiado para el estilo de la música. ¡Feliz armonización!

34 Pensamientos sobre " Escribir armonías vocales "

1. Ephraim Tabackman dice:

Muchas gracias por publicar esto. He estado buscando en la web sin éxito durante
bastante tiempo para obtener este tipo de información detallada y sin sentido sobre
las armonías vocales.

Esto es perfecto para mi nivel (es decir, un poco más allá de mi zona de confort), y
estoy deseoso de trabajar paso a paso y probando cada ejemplo para comprenderlo.

¡Muy apreciado!

Una pregunta: ¿es posible generalizar sobre ciertos estilos de música o artistas, y
decir que usualmente / típicamente usan este tipo de armonía para obtener su
sonido? Algunos ejemplos serían los Beatles, Crosby Stills y Nash, Gospel, Country
...

Ephraim T.
Efrat, Israel

Respuesta

1. Alan dice:
 Me alegra que esto haya sido útil para ti, Ephraim.

En cuanto a su pregunta, creo que la respuesta es "sí y no". Ciertamente hay

estilos que tienen modismos de armonía vocal muy distintivos (cuarteto de
barbería, "música de surf", do-wop, etc.), pero probablemente en la mayoría
de los casos es simplemente armonía haciendo lo propio dentro de la
melodía y la estructura de acordes de la canción (que podría ser particular al
género).

Las reglas en realidad no cambian (aunque se extienden un poco cuando

entiendes el jazz o el gospel, por ejemplo), pero lo que probablemente
distinga, por ejemplo, los Beatles de Crosby Stills y Nash serían cosas
como:

- Cuántas partes (2/3/4 partes de armonía)

- Si las partes están por encima o por debajo de la melodía
- La extensión de las partes (tercios, sextos, etc.)
- Si las armonías son ajustadas a la melodía o contrapuntística.

Solo tienes que escuchar y analizar un poco. Tenga en cuenta que algunos
sonidos vocales distintivos son solo un factor de personas que tienen voces
distintivas. Simon & Garfunkle no hacían nada increíble desde el punto de
vista de la teoría, solo tenían voces que se mezclaban bien y muchas
canciones bien elaboradas para cantar.

A Cappella Arrangements por Brad Stephenson

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Diez consejos y trucos para crear un gran arreglo

Crear su propio arreglo original puede sonar desalentador, pero con paciencia, buenas habilidades
para escuchar y perseverancia, puede crear una canción emocionante e interesante que será
gratificante para cantar y ser escuchado. Estos consejos no son de ninguna manera exhaustivos, y
cada arreglista es diferente, pero a continuación encontrará algunos métodos probados y
verdaderos que me han servido bien a lo largo de los años.

1) Sé quisquilloso.
El hecho de que una canción suene bien en la radio no significa que se traducirá bien a a cappella.
Ser selectivo; no te vayas solo por cualquier golpe que esté encima de los gráficos. Piense fuera de
la caja: escoja un viejo estándar o un placer culpable de los 80, algo que sabe que se reproducirá
en la radio durante los próximos años, incluso cuando no esté llegando a su punto máximo en
iTunes. Especialmente si planea grabar su arreglo, quiere que la gente quiera escuchar su canción
mucho después de que se haya ido de la rotación de la radio. Creo que las canciones que tienden a
traducirse bien tienen una buena melodía, fondos completos y profundidad emocional. Sepa la
diferencia entre una buena canción y un buen disco .

2) Escucha, escucha, escucha.

Una vez que hayas elegido tu canción, escúchala. Una y otra vez. Y luego algo más. Vea si hay otras
versiones de la canción, arreglos desenchufados u otras cubiertas. Conozca el corazón de la
canción. Poder cantar. Busca las letras. Investigue por qué fue escrito, y por quién. Y si todavía no
escuchas mucha música (a cappella y demás), hazlo. Obtén algunas ideas musicales en tu cabeza.
Averigua qué te gusta escuchar y por qué te gusta. Entonces puedes usarlo.

3) Conócete a ti mismo.
Su canción va a ser cantada por un grupo específico de cantantes, así que conozca su rango,
conozca sus puntos fuertes, conozca sus debilidades y sepa por qué son apasionados. No le dé a
los bajos una C baja si nadie puede cantarla, y no le dé a sus sopranos una B alta (por ninguna
razón). Lo más importante para las canciones pop modernas: saber si el solista puede manejarlo.
No elijas una canción de Beyonce o Van Halen si nadie tiene la habilidad de desgarrar el
protagonismo. Tu audiencia siempre comparará tu versión con la original, incluso si no la estás
imitando, y quieres darles a tus cantantes una oportunidad de luchar para estar a la altura. Es
triste pero cierto: la mayoría de las actuaciones modernas a cappella viven y mueren por el
cantante principal.

4) Conoce tu meta.
¿Por qué estás arreglando esta canción? ¿Para un concierto de una sola vez en tu iglesia? ¿Tocar
todos los jueves por la noche en la cafetería local? ¿Ser la primera pista en tu próximo álbum?
¿Para reírte y aplaudir salvajemente en tu gran concierto de fin de año? La respuesta afectará la
forma en que aborda el arreglo. Piensa en el estilo que deseas organizar: imitativo o innovador.
¿Quieres que suene como el original? ¿Quieres que sea loco diferente? O en algún lugar en el
medio? ¿Qué tal un estilo completamente diferente: balada poderosa, coral, jazz, country, gospel,
reggae? Si no sabes hacia dónde vas, nunca llegarás allí, y tu arreglo será un desastre desenfocado.
Toma una decisión, y ve por ella. Siempre puedes cambiar de opinión más tarde.
Además, lo que suena bien en el escenario no siempre se puede traducir bien al estudio, y lo que
hace que una gran grabación no siempre se pueda realizar en vivo muy bien. Hay un montón de
magia de estudio que puede ayudarte a cantar doble bajo G o agregar tonos de campana
armónicos, pero es probable que no lo conviertan en un concierto en vivo. Sea ambicioso, pero
realista sobre lo que realmente puede ser realizado por su grupo. Decide por adelantado si estás
organizando el escenario o el estudio, o ambos. Esto marcará la diferencia.
Es una buena idea escribir la hoja de ruta de tu canción antes de comenzar a anotar. Primer verso
solo bajo y almohadilla; el coro agrega ritmo; el segundo verso agrega coutner meldoies; el puente
cambia el ritmo; etc. O tal vez realmente mezclarlo en el primer verso como canto gregoriano y
luego la transición a un sonido más reconocible. Esto lo ayudará a contar su historia y le dará a su
disposición el arco necesario para llegar a donde necesita ir. Más sobre eso más tarde.

5) Notación.
No tengo la paciencia para anotar a mano con papel y lápiz. Más poder para ti si lo haces. Yo
personalmente uso Finale Songwriter , un programa que pagué alrededor de $ 50 por. Hay
programas de notación más robustos (la versión completa de Finale cuesta $ 600), y también hay
materiales de freeware. La mayoría de las universidades tienen laboratorios de computación y
software gratis para los estudiantes, así que pregunte por ahí. Noteflight es un nuevo software de
notación musical en línea que es gratuito y no requiere descargas (tienen una versión premium
disponible para comprar). Pero siempre tenga en cuenta: obtiene lo que paga.

6) Consejo Secreto # 6.
¡Pídeme un arreglo y pregúntame sobre este truco secreto para ahorrar tiempo!

7) Trabajar desde el exterior en

Para la mayoría de las viejas canciones pop comunes, en un arreglo de estilo colegial típico,
comienzo con la melodía y la línea de bajo. Por lo general, es fácil de seleccionar de la grabación y
es bastante fácil de anotar. Grupos de chicas, el rango de tus bajos bajos tiene todo que ver con la
forma que tomará tu arreglo. NO sustituyas un quinto más alto en el acorde por una nota grave
que sea demasiado baja. Solo sube la octava. La nota de graves, para la mayoría de las orejas,
determina la estructura de acordes de la canción, y sonará rara si las notas de bajo no están donde
se supone que deben estar, especialmente en una grabación.
Luego decida qué más quiere agregar: líneas de ritmo, líneas de almohadilla (notas largas y
sostenidas), armonías, contra melodías. ¿Qué impulsa esta canción: guitarras, piano, percusión?
¿Cómo puedes traducir eso a las voces humanas? "Zhin zha da zho doh"? ¿O puedes ser más
creativo? Me encanta dar a mis cantantes de fondo la letra de la canción principal para cantar
siempre que sea posible. Agrega profundidad a la canción y le da a los fondos más posibilidades de
conexión emocional con lo que están cantando. El ritmo, junto con el bajo, ayuda a darle al arreglo
su estructura.
Las líneas de almohadillas y contra melodías le dan color a la canción. Escucha la canción original
para cuerdas y sintetizadores y otras partes que no aparecen inmediatamente. Normalmente me
gusta poner esto en las voces más altas, pero ten cuidado con las sopranos estridentes.
Luego puede agregar detalles: rellenos, armonías, etc. Recuerde: las voces humanas estarán
cantando sus notas, no guitarras o sintetizadores. Aparte de la magia del estudio, la gente tiene
que respirar, así que tenlo en cuenta cuando organices. Como solía decir mi director de coro, cada
cantante está en su mejor momento cuando descansa. Pero ten cuidado con los patrones que
llevan a todo el grupo a jadear juntos cada cuatro compases. Superponga las capas y cree líneas
que trasladen las medidas donde podría esperarse la respiración.
Ten palabras y sílabas en mente a medida que comienzas a crear las texturas y las líneas, pero no
temas si solo tienes las notas para empezar. Por lo general, guardo las letras hasta el último en mi
notación.
Sin embargo, si no está buscando un tipo de acuerdo de imitación tradicional, todas las apuestas
están apagadas (y es probable que no necesite mis consejos de todos modos). Pero avíseme si
quiere algún consejo para ese tipo de arreglos, estoy más que feliz de poder hablar con usted en
su viaje.

8) El silencio es oro.
Esos rockeros de los 80 consiguieron al menos una cosa correcta: al público le encanta cuando los
fondos abandonan y una parte se dispara a través del silencio. Rompe los patrones, encuentra algo
nuevo para regrabar cualquier oreja errante. Suelta la percusión para dos barras; ir a plomo y
armonía solo para esa gran nota alta; deja caer a todos menos a tu línea de ritmo durante el
último latido del puente antes de que el gancho vuelva a caer; use algunos tonos de campana
arpegiados (recuerde Comprometidos con The Sing Off? ). Sacar otras partes por unos momentos
es una excelente manera de resaltar algo nuevo e interesante. Y nunca subestimes el poder del
contraste dinámico.

9) Cuenta una historia.

Es tentador usar repeticiones y dejar que los versículos uno y dos sean idénticos, pero la canción
tiene que llevarnos en un viaje y tener flujo y reflujo hacia ella. Cada canción necesita contar una
historia y tener un arco hacia ella. Tiene que haber crecimiento y contenido emocional, algo que
atraiga al oyente y mantenga su atención durante tres minutos y medio. La repetición simple no
siempre hace eso. Tinnk sobre el mensaje de la canción: ¿se trata de la esperanza o la
desesperación, el amor o la pérdida, la diversión o la furia? ¿Qué tipo de crecimiento y decadencia
te llevará a ti y a tus oyentes en ese viaje? ¿Hay algún elemento temático que puedas traducir de
forma fonética? Las imágenes de agua, la soledad, la ira y la discordia son solo algunos motivos
que son sencillos de configurar sónicamente en un arreglo. Encuentre esos temas en su canción y
tradúzcalos para su público.
Tu historia puede ser diferente de la del artista y productor original. Definitivamente desea hacer
suyo este arreglo, pero sea fiel al corazón de la canción. El corazón de la canción podría estar igual
de fácilmente en las letras, la música o los antecedentes del compositor, por lo que un buen
análisis textual y habilidades de investigación son imprescindibles. Pero, dicho esto, los
productores de pop han gastado millones de dólares y horas desarrollando un sonido y un estilo
de música que a la gente le encanta escuchar, por lo que no hay vergüenza en seguir ese modelo y
dejar que la actuación original guíe su arreglo. Si no está roto, no lo arregles.

10) ¡Diviértete!
Si no lo disfrutas, ¿por qué lo haces? Desea que su canción sea divertida de organizar, además de
divertida de escuchar y divertida de cantar. La diversión no siempre significa divertido, pero
siempre debe ser gratificante al final. Requiere tiempo, energía y esfuerzo, pero está creando algo
nuevo y original que canta su historia con una nueva voz. Si tiene preguntas más específicas sobre
la organización, póngase en contacto conmigo y me encantaría chatear con usted. Y si no tienes el
tiempo o la energía para organizarlo, solo contáctame y veremos qué puedo arreglar para ti. :)