Escultura

Concepto: Es el arte de modelar, tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra
materia conveniente.

Escultura en Cuba debate

Escultura. Arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia
conveniente, representando en volumen, figuras de personas, animales u otros objetos de la
naturaleza o el asunto y composición que el ingenio concibe.

Sumario

1 Origen

2 Procedimientos

3 Historia

3.1 Escultura europea

3.2 Canon de proporciones

4 Materiales

4.1 Barro

4.2 Piedra

4.3 Bronce

4.4 Madera

4.5 Policromía

4.6 Oro y la plata

5 Las formas

6 Tipos de escultura

6.1 De bulto redondo

6.2 De relieve

6.3 Funciones

7 Herramientas para trabajar

8 Materiales y técnicas en los tiempos modernos

9 Esculturas destacadas
10 Esculturas famosas y desaparecidas de la antigüedad

11 Glosario

12 Fuentes

13 Enlaces externos

Origen

El origen de la escultura puede explicarse considerando cuán natural es en el hombre la tendencia

a imitar, en volumen, las formas de la naturaleza y qué espontáneo placer experimenta el alma
humana en la rítmica combinación de la línea y la masa.

Este arte ha creado en el curso de su historia, dos clases de belleza: la imitativa y la imaginativa. En
esa esfera de la expresión humana que denominamos creación artística, la actividad específica de
la escultura es el proceso de representación de una figura en tres dimensiones. El objeto
escultórico es por tanto sólido, tridimensional y ocupa un espacio.

Procedimientos

El procedimiento para generar dicho objeto nos remite a las variedades técnicas de la escultura.
Según los tratadistas italianos del Renacimiento (Alberti, Leonardo da Vinci, Miguel Ángel), un
escultor es aquel que quita materia de un bloque hasta obtener una figura. Por consiguiente,
esculpir o tallar es quitar, y es escultor quien sabe quitar lo que sobra en un bloque, de material
sólido, que contiene un objeto escultórico en potencia. Así lo manifestaban dichos escritores para
poner de relieve el contraste entre escultura y pintura, ya que esta última consiste, por el
contrario, en añadir.

En la eliminación de la masa sobrante estriba la dificultad de la escultura, Se trata de una

operación conceptual y técnica a la vez. Para poder extraer la figura del claustro en que está
recluida, el escultor tiene previamente que verla, y después, valerse del oficio. Un escultor que no
haya previsto cabalmente la imagen que desea expresar puede, con todo, llevar a cabo una
escultura, pero el resultado apenas convencerá al contemplador. Ya la inversa, de poco le servirá
la idea si desconoce los medios para convertirla en objeto artístico.

Pero también es escultor el modelador, el que efectúa un modelado, quien lo mismo que el pintor,
agrega, valiéndose de un material blando (Cera, Arcilla, Yeso). El modelado pertenece, pues, al
campo de la escultura, pero difiere radicalmente de la escultura propiamente dicha por lo que
concierne al procedimiento. No será ya necesario adivinar, se podrá concebir sobre la marcha, e
incluso cambiar el plan previsto. En sentido estricto, sólo es escultura la primera. Hoy, sin
embargo, no se tiene una apreciación tan radical, y en materia de creación artística se considera la
operación de modelar tan válida como la de quitar de un bloque.
El modelado es especialmente apto para el momento creativo, como lo es el dibujo. El artista
podrá, indistintamente, añadir o quitar de la masa blanda. De ordinario, hará numerosos bocetos
de tamaño pequeño, y finalmente un modelo a escala de la escultura que pretenda llevar a cabo.
Pero también hacen escultura los que modelan con intención definitiva, bien para ofrecernos el
material ya endurecido, bien para trasladarlo a otro material (vaciado) por mediación de un
molde. El fundido en bronce y metales nobles será, pues, una manera de hacer escultura.

Historia

Desde los tiempos más remotos el hombre ha tenido la necesidad y la oportunidad de esculpir. Al
principio lo hacían con los materiales más simples y que estaban a la mano: barro y madera.
Después fueron empleándose la piedra, los metales y todos los demás que pueden verse en la
sección "Materiales y técnicas tradicionales" y en "Materiales y técnicas de los tiempos
modernos". Los pueblos de la prehistoria hicieron esculturas relacionadas con la religión y los
mitos. A veces eran simples amuletos. Se han encontrado también en algunos enterramientos de
niños, muñecos de todo tipo, algunos articulados como las marionetas.

Las grandes civilizaciones antiguas (Roma, Grecia, Mesopotamia , Egipto, Asia) realizaron grandes
esculturas que representaban a sus dioses a sus gobernantes y a sus héroes. Utilizaban los
bajorrelieves para narrar grandes batallas y escenas de la vida cotidiana. Estas civilizaciones
supieron admirar la escultura como arte y dejaron para la posteridad figuras de adorno hechas por
el simple placer de su contemplación. ( Historia de la Escultura Info).

Escultura europea

La escultura europea en la Edad Media tuvo sus características propias. La escuela románica se
manifestó como una reacción frente al naturalismo clásico. El escultor no presta casi atención a la
anatomía y a la belleza del cuerpo. Sin embargo va evolucionando hasta llegar en el gótico a un
creciente interés por la naturaleza y por todos los seres animados. La escultura del gótico trata de
dotar a sus personajes de expresiones más humanas que demuestren sentimientos. Los temas casi
siempre de religión, aunque como novedad reaparece el retrato, sobre todo con fines funerarios,
fruto del incipiente individualismo que tendrá su culminación en el Renacimiento.

En el Renacimiento italiano se inicia la imitación de las obras clásicas con la escultura, antes que
las otras artes. Abundaron las estatuas y los relieves en todas las ciudades. Federico II, desde
Nápoles, fue el gran impulsor del nuevo estilo que se extendió desde Italia a los demás países. El
Barroco sucede al Renacimiento. La escultura es esencialmente decorativa, que expresa
movimiento y actitudes propias de una escena teatral y que demuestra la exaltación de los
sentimientos. En el Neoclasicismo, la escultura retorna a la antigüedad clásica, no sólo en los
temas sino en el estilo.

En el siglo XX aparece una reacción contraria a los escultores del siglo XIX. Inician esta nueva etapa
los escultores franceses que aprenden y valoran la belleza de la escultura griega y egipcia.
Recuperan el valor de forma y añaden movimiento y equilibrio. En este siglo aparece el cubismo,
constructivismo y surrealismo.

Canon de proporciones

El canon representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura y no es otra cosa,

en general, que el conjunto de las medidas proporcionales que se observan en la figura humana.

Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a.n.e.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al
escultor Policleto y aunque desde entonces ha ido sufriendo rectificaciones y variaciones en
manos de los antiguos y modernos artistas, quedó bastante establecido por el pintor Leonardo da
Vinci a finales del Siglo XV acomodándose a él la mayoría de los pintores y escultores. La medida
fundamental del canon florentino tomada del hombre bien constituido está en la cabeza. Ésta se
considera en altura como la octava parte de todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del
mismo y de una altura igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo los
brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan a plomo y pasan por los extremos
de las manos y las que horizontalmente se tienden sobre la cabeza y debajo de los pies. Las
diagonales de este cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijan en el centro de toda la
figura. Tirando una horizontal por dicho punto central se divide el hombre en dos partes iguales y
cada una de éstas en otras dos, por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las
rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales siendo una de ellas la nariz.

Materiales

Barro

Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre por ser fácil de modelar y no
necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro
se pueden sacar moldes para después trabajar con otros materiales. Si se emplea como material
definitivo debe cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota.

Piedra

Este material es usado desde muy antiguo por encontrarse muy a mano en la naturaleza. Para
manejar la piedra se necesitan unas herramientas especiales. Las piedras más comunes en la
escultura son:
Mármol: Roca metamórfica dura, con grano fino y compacto. Su tratamiento de la superficie
puede ser muy variable, obteniendo distintas tesituras, como tersura, morbidez, aspereza, etc. Al
ser un material muy perdurable es uno de los preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad
y el Renacimiento.

Alabastro: Es un mineral de yeso, de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil
y quebradizo, pero fácil de trabajar. Ligeramente traslúcido.

Piedra caliza: Es blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad
de hacerse más dura con el paso del tiempo. Su conservación depende mucho de la calidad de las
canteras ubicadas en distintas zonas geográficas. Se ha utilizado mucho para la escultura
monumental.

Otras piedras duras, como la Diorita o el Granito.

Metales preciosos y otros materiales, como el oro, la plata o el marfil.

Bronce

Es quizás es material más duradero pero al mismo tiempo es el más difícil de trabajar y necesita la
ayuda de otras técnicas como el modelado en barro o escayola. Se ha utilizado sobre todo para
escultura urbana de monumentos de personajes, fuentes, etc. La técnica más destacada en el
trabajo con bronce es la denominada «cera perdida», consistente en realizar el molde en cera y
recubrirlo de barro u otra sustancia refractaria. Una vez seco se vierte el bronce colado que va
fundiendo la cera y ocupando su lugar. La cera líquida se evacua a través de orificios practicados
en el barro.

Madera

Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos resultados.
Hay muchos tipos de madera y según sus cualidades puede dejarse la escultura en su color natural
o por el contrario pintarse en un policromado adecuado a cada textura. Las maderas llamadas
nobles se dejan en su color natural. Son el Nogal, Roble, Haya, Cedro, Caoba y otras. La madera se
corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia está
en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y sin dar lugar a descomposición de
la materia. Los árboles presentan unos troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga
a veces a que se hagan piezas diferentes y apropiadas para llevar a cabo la obra. Los trozos se
unen con espigas y se pegan a veces con una cola especial. Si la escultura tiene un acabado de
policromía, las juntas pueden disimularse menos, ya que la pintura tapará el material de relleno,
de lo contrario hay que hacer una labor de verdadero artista. A veces las esculturas de madera se
aligeran haciendo hueco su interior.

Policromía
Primero se tapan las juntas con tiras de tela encolada.

Se da en toda la obra una capa de yeso mezclado con agua y cola y a continuación se procede al
lijado.

Se aplica una serie de pigmentos que imitan la piel, las vestiduras, el pelo y todo lo demás.

Finalmente viene el proceso del dorado. Las partes a dorar llevan una capa de arcilla roja disuelta
en cola, como soporte de las finísimas láminas llamadas “pan de oro” que se iban aplicando en
pequeñas porciones hasta recubrir la superficie deseada. Encima del oro también se puede pintar
o resaltar rayando con un punzón de madera, formando así todo tipo de dibujos necesarios para la
obra, como estrellas, flores, dibujos geométricos, etc.

Oro y la plata

Por ser metales nobles, confieren a la obra un carácter santuario. Será escultura en tamaño
pequeño pero dotada del cariño de lo menudo. El orfebre también puede ser escultor, como lo era
Benvenuto Cellini. Es escultura de tamaño pequeño en la que el valor intrínseco es inseparable del
valor artístico. Así, cuando el Oro y el arte se reúnen en una obra, ésta asciende a lo trascendental.

Hay además materiales a los que se les otorga una significación mágica o religiosa. Llega un
momento en que pierden la significación original, y, depurados, quintaesenciados por su duración
histórica, resultan atributos esenciales de determinados géneros. Es lo que ocurre con el jade,
material sagrado en extremo Oriente, o con el azabache, con el que se fabricaron tantos exvotos
en la Edad Media. Nadie puede pensar en una imagen antigua de Santiago apóstol o una venera de
la peregrinación que no fuera de azabache. Y lo mismo puede decirse del cristal de roca, materia
con que se ha expresado el arte cortesano de la Europa barroca; y del marfil, destinado a objetos
pequeños, depurados, en que se adora a Dios o al rey.

Las formas

El estudio de las formas que intervienen en la obra de arte ha llegado a clasificaciones y tipologías
que permiten definir los estilos, sobre todo en el tratamiento de la figura humana. La primera
noción formal es la del perfil. En la cabeza radican muchos elementos: la masa de cabellos, en cuya
disposición hay ecos de la moda; los ojos, con toda su variedad (desde redondos a ovalados,
prominentes o deprimidos, con sacro lacrimal e iris o sin ellos, etc.); la nariz, y muy señaladamente
los labios y la boca, sede fundamental de la expresión.

Tórax y abdomen tienen regiones características los pectorales y el pubis. La manera de separarse
unas zonas de otras, las arrugas, los pliegues de grasa de la cintura, constituyen un variado elenco
en la estatuaria helénica. La rodilla es otro de los puntos esenciales donde los estilos dejan su
personalidad, sin duda porque es un punto de flexión muy importante para las actitudes del
cuerpo. Y por supuesto el pie, con todas sus posiciones. En cuanto al vestido ya hemos señalado su
importancia, tanto por la configuración general de la prendas, como por la forma y disposición de
los pliegues. Todo esto atañe principalmente al arte del pasado, pero puede extenderse al actual.
A pesar de la desbordada imaginación del arte abstracto, no es difícil una clasificación de
determinadas facetas. Las líneas de fuerza constituyen elemento básico para codificar las formas.

Tipos de escultura

La escultura se divide en dos grandes ramas, la estatuaria y escultura ornamental, según que
represente la forma humana y exprese las concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe en
reproducir artísticamente los demás seres de la Naturaleza, Animales o Vegetales. La primera lleva
con propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un papel
secundario al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura.

De bulto redondo

Se denomina también exenta. Es aquella que se puede contemplar desde cualquier punto de vista
a su alrededor. Si se representa la figura humana se denomina estatua. Si la estatua representa a
un personaje divino o está hecha para el culto religioso se llama imagen. En función de la parte del
cuerpo representada, su posición u otras características las escultura de bulto redondo se
clasifican en:

Busto: Sólo representa la cabeza.

Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.

Sedente: Sentada.

Yaciente: Tumbada.

Orante: De rodillas.

Ecuestre: A caballo.

Grupo: Lo que su nombre indica.

De relieve

Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra superficie, por lo que
tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que sobresale del plano se clasifica en:

Altorrelieve: la figura sobresale más que la mitad de su grueso.

Medio relieve: sobresale la mitad.

Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.

Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.

Funciones

Las funciones que puede cumplir la escultura son variadas. A lo largo de la historia, y dependiendo
de cada cultura o civilización, han preponderado unas u otras. Entre ellas se destacan la función
Religiosa, la Funeraria, la conmemorativa, la didáctica y la ornamental.

Las primeras muestras de escultura de que se disponen corresponden al Paleolítico Superior y en

ellas destacan las llamadas «Venus paleolíticas», al parecer de función mágico-religiosa.

La función religiosa queda patente a lo largo de toda la historia de la humanidad. Se trata de

representar a los dioses de los diversos pueblos, desde el Egipto antiguo, a Mesopotánia , la
civilización hindú, etc., hasta casi nuestros días.

De la función funeraria de la escultura tenemos constancia desde el Egipto antiguo, revitalizada

después mediante numerosos mausoleos y monumentos funerarios que recorren desde el Imperio
Romano, al gótico, el barroco e incluso la época contemporánea, incluyendo culturas orientales,
como es bien visible en el Taj Mahal.

La función conmemorativa la han empleado muchas civilizaciones y regímenes políticos. Con ella
se trata de realzar la figura de un personaje importante (emperadores, reyes, gobernantes,
héroes...), o sus gestas u obras. También las gestas de algún pueblo o un algún hecho destacable
de su historia. Suele ocupar espacios públicos abiertos como plazas, cumpliendo además una
función ornamental. Aunque predomina el bulto redondo, puede ser también en relieve como
ocurre con la Columna Trajana o el Arco de Tito en Roma.

La función ornamental puede darse ligada a alguna de las otras funciones, aunque a veces puede
ser el objetivo principal, como ocurre con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos
aniónicos como el islámico o el hebreo, cumple un papel fundamental. También en gran medida la
escultura del siglo XX, sobre todo la abstracta, cumple principalmente esta función.

Herramientas para trabajar

Hacha y Azuela para el desbastado.

Gubias y Formones para la talla.

Maza de madera para golpear el mango de estos útiles

Escofinas de diferentes tamaños para el acabado.

Materiales y técnicas en los tiempos modernos

La aparición de nuevos materiales a causa de la Revolución Industrial junto a los deseos
innovadores de las vanguardias artísticas de principios del siglo XX tuvieron como consecuencia la
ejecución de obras con materiales y técnicas nuevas. Así serán frecuentes las obras en hierro,
aluminio u hormigón. A estas novedades se le añaden otras características como el papel que se le
llega a conceder al hueco o la aparición de la escultura cinética (los llamados «móviles»). Además
se incorpora el llamado «objeto encontrado», lo que significa que un objeto cualquiera puede
pasar considerarse escultura, como ocurrió con la famosa Fuente de Marcel Duchamp.

En definitiva, las técnicas y materiales se diversifican y se hacen más complejas. A menudo, sobre
todo las grandes realizaciones, requieren el concurso de instalaciones industriales para su
realización. En ellas el escultor se limita al diseño y la dirección de los trabajos, pero apenas toca la
obra. En fábricas, los obreros funden los metales, los cortan y los sueldan. O vierten el hormigón
sobre encofrados realizados por otros obreros.

En las pequeñas realizaciones el autor puede hacer este trabajo, en el que se llega a utilizar
planchas de hierro, alambre, hojalata, madera o una mezcla de estos componentes. También se
utilizan distintas variedades del plástico, el vidrio o los fragmentos de azulejo. En definitiva, el
material deja ser una limitación para el escultor contemporáneo, que puede así dar rienda suelta a
su libertad creadora.

El procedimiento fundamental y clásico seguido por los escultores es el esculpido, sirviéndose de

escoplo y buril o cincel según los casos pues incluso los otros procedimientos de fundir y moldear
exigen más o menos retoques de cincel si la obra ha de salir perfecta. Se usan además el moldeado
o vaciado, el cincelado, el repujado, el embutido, el grabado y el estampado o troquelado.

Esculpir consiste en quitar partículas al bloque ya desbastado hasta lograr obtener la figura que se
pretende.

Moldear es dar a una pasta la deseada forma añadiendo o quitando porciones de masa.

Vaciar es obtener una forma en hueco o vacío para llenarla después con fundición o con una pasta
cualquiera y lograr la positiva.

Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo relieves
con el cincel en una lámina metálica.

Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de martillo sobre algún molde los relieves y
los huecos necesarios par conseguir la forma que se pretende.

Grabar es rehundir o fijar por incisión (mediante cincel, buril o agua fuerte) sobre material duro un
dibujo cualquiera.
Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las
figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.

Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de metal precioso para que a fuerza de
golpes tome sus formas y después, quitando la chapa y uniendo los bordes de ella quede una
estatua u objeto artístico hueco pero con apariencia maciza. También se llama embutido e
incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o surcos practicados en otras.
Son variedades de estas incrustaciones muy usadas en artes decorativas, la taracea que se hace
con madera o marfil embutiéndolo en la superficie de algún mueble de madera y la ataujía o
damasquinado que se practica introduciendo laminillas de metal precioso en los dibujos abiertos
en bronce, hierro o acero. Con estas formas decorativas se relaciona el granulado y la filigrana.
Ésta se hace aplicando hilos o cordoncillos de metal precioso encima de otro de la misma clase o
inferior produciendo dibujo y aquél sembrando de perlitas metálicas la superficie de la joya o pieza
similar.

Esculturas destacadas

La Venus de Laussel

La Esfinge de Gizeh

El David de Miguel Ángel

Estatua de la Libertad

Esculturas famosas y desaparecidas de la antigüedad

La Atenea Parthenos de Fidias.

El Zeus Olímpico de Fidias

La escultura colosal de Nerón en Roma.

Coloso de Rodas

Fue una estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada entre los años 303 y
280 adC. Se cree que su autor fue el escultor griego Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Medía 30
metros de altura y estaba situada a la entrada del puerto de Rodas, visible para los barcos que se
aproximaban a la isla. Se consideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo. Los
escritores romanos hicieron una descripción de esta obra. Se erigió para conmemorar la victoria
de los habitantes de Rodas contra el general de Macedonia Demetrio Poliorcetes.

Glosario

Abstraccionismo: La abstracción como corriente se manifiesta por primera vez en la segunda

década del siglo XX. El interés por despejar la obra de todo contenido anecdótico, de hacerla valer
por sus propios medios, convirtiéndola en objeto en sí mismo y no en medio de representación de
la realidad, define en términos generales las inquietudes de las diferentes tendencias abstractas,
surgidas en varios puntos del continente europeo.
Alegoría: En la pintura y escultura es la representación simbólica de ideas abstractas por medio de
figuras, grupos de éstas o atributos.

Alto relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan, en este caso hasta
constituir casi una escultura de bulto.

Arte pobre: Utiliza materiales pobres o perecederos, uno de los aspectos más importantes de la
obra es su carga conceptual.

Bajo relieve: La figura no sobresale del plano, no se proyecta hacia el espacio exterior.

Body art: Pertenece a una de las manifestaciones del arte conceptual, donde el artista trabaja
sobre su propio cuerpo.

Cera perdida: Sobre un núcleo de barro semejante al de la forma definitiva se aplica una capa de
cera que el escultor trabaja en todos los detalles. La capa de cera se recubre con otra de barro
semilíquido que al endurecerse reproduce con exactitud el modelo. Se aplican nuevas capas de
barro para ir engrosando el molde y por último yeso hasta crear la concha protectora. En estas
capas de molde (desde el barro hasta el yeso) se deja una abertura con un tubo para verter el
metal candente. El molde ya preparado se somete al calor para que la cera se derrita y quede un
espacio que ocupara el metal cuando se vierta en el molde y se saca la obra para darle el acabado
a cincel.

Cinetismo: Introduce el movimiento en efectos ópticos y la configuración de espacios con objetos

tridimensionales que abordan el espacio del cuadro y se construyen con materiales plásticos,
máquinas musicales o tubos de neón. La energía, la relatividad, el concepto de proceso, de
fenómeno cambiante, transitorio, inestimable y ambiguo lo caracterizan.

Carrara: Ciudad de Italia que le da nombre a las canteras de donde son extraídos los famosos
mármoles, ubicada en la provincia de Massa, a orillas de Aranza.

Concreto directo: Este material posee la ventaja de la resistencia a la intemperie, con él se ahorra
el molde de yeso y vaciado.

Constructivismo: Movimiento abstracto gestado en Rusia en las primeras décadas del siglo XX.
Concibe el arte como construcciones basadas en materiales industriales, y se inscribe en la línea
abstracta por sus formas no descriptivas. Trata de vincularse a la realidad que ofrece el mundo
tecnificado, aunque haciendo abstracción de sus características. De ahí el respeto absoluto al
material y la renuncia de todo color que no esté dado por éste. En la escultura se conciben los
volúmenes y los relieves no como masas compactas, sino como planos que se articulan
dinámicamente para incorporar el espacio y a la vez crear un ritmo dinámico.

Dórico: Orden griego cuyo capitel está compuesto por un ábaco y un equino y el fuste es muy
robusto.

Escultura de bulto o exenta: Es un volumen trabajado por todos los planos y exige del espectador
un desplazamiento a su alrededor.

Exvoto: Algo que se ofrece en reconocimiento a una gracia recibida.

Friso: Franja lisa y esculpida del entablamento entre el arquitrabe y la cornisa.

Ferrocemento (técnica): Utiliza como material el mortero de arena y cemento blanco en

proporción de dos paredes de arena por dos de cemento. El cemento blanco acelera el proceso de
fraguado de la mezcla por lo que precisa humedecer constantemente el trabajo. Técnica muy
efectiva de gran durabilidad y resistencia a la intemperie. Con esta técnica se le da forma a la pieza
con una serie de mallas superpuestas de alambre o de hierro. Luego se prepara la estructura
interior tirando el mortero de cemento y arena de manera que la mezcla se adhiera a las mallas y
termine fraguándose de un modo homogéneo. Una vez fraguada la mezcla se limpia la superficie y
si es necesario se aplica una última capa de terminación con un derretido de cemento para tomar
los desperfectos.

Expresionismo abstracto: En él priman el color, el gesto y la acción. Tiene sus antecedentes en la

pintura de Willem de Kooning y Jackson Pollock.

Happening: Pertenece a una de las variantes del arte conceptual, donde el objeto artístico pierde
cualquier valor frente a la primacía del concepto o de la idea, es un arte efímero.

Hiperrealismo: La escultura hiperrealista se caracteriza por brindar una mimesis absoluta de la

realidad, trabajando la figura humana en todos sus detalles. Utiliza el vinyls como uno de sus
materiales preferidos.

Imágenes vestideras: Tipo de imagen proveniente de la religiosidad popular que se caracterizan

por tener brazos y piernas articuladas para facilitar quitar y poner vestimenta.

Minimal art: Forma del expresionismo abstracto que persigue el afán de neutralidad y la negación
absoluta de ilusionismo, la mínima complejidad y el máximo orden, elaboración de objetos puros
en los que lo fundamental era la idea ya que en muchas ocasiones, los artistas encargaban sus
obra a compañías industriales. En este caso escultura y pintura parecen coincidir en sus
propósitos.

Modelado: La técnica de modelar requiere un material dúctil como el barro. Como herramienta se
emplearán los dedos y los palillos. En el proceso del modelado el paso esencial es opuesto al de la
talla; en vez de sustraerse el material sobrante del bloque hasta obtener el cuerpo básico, hay que
empezar por crear el cuerpo básico de la obra.

Neodadísmo: Incorpora objetos cotidianos a sus obras, convierte determinados objetos en obras
de arte. Utiliza el collage y ensamblaje de objetos y desperdicios del consumo.

Pop art: Tendencia figurativa que rechaza la abstracción. Tuvo su desarrollo más importante
durante los años 60 del siglo XX, fundamentalmente en Inglaterra y los Estados Unidos. Las
imágenes derivadas de los medios de comunicación de masas, como los cómics, el cartel, la
publicidad o los objetos cotidianos pasaron a protagonizar la pintura y la escultura. A Cuba llega en
la década del 70.

Relieve: Los volúmenes están unidos a un fondo del que se proyectan. Sí se proyectan
considerablemente hasta constituir casi una escultura de bulto, se les llama alto relieve si la
proyección es menor, bajo relieve. Otro tipo de relieve, es el que no sobresale del plano, sino que
se proyecta hacia dentro, por lo que se conoce como relieve en hueco o intlagio.
Rodiniano: Referido al famoso escultor francés Auguste Rodin promotor del realismo e
impresionismo en la escultura.

Repujado: Consiste en golpear la hoja por la parte posterior a fin de obtener los relieves deseados
por la otra cara. El acabado se logra mediante el cincel aplicado desde a la cara positiva.

Talla: Técnica escultórica que utiliza como materiales la piedra y la madera. Es un proceso de
sustracción laborioso, que requiere fuerza física y maestría porque no admite rectificación.

Tinguely: Artista suizo perteneciente al Neorrealismo (década del 60), fundado en Francia. Sus
obras registran la realidad sociológica, anexa los elementos de la realidad pura y simple, tal y
como está en su estado bruto. Las primeras creaciones de Tinguely son máquinas que hacen
pintura abstracta. Después serán pinturas automáticas y funcionarán como un tragamonedas, que
pueden hacer hasta 40 000 pinturas gestuales.

Vaciado: Proceso de obtención de esculturas por medio de moldes y el empleo de un material en

estado fluido que se solidifique al secarse o enfriarse.