2.la Escultura Griega Del Periodo Clásico

Tema 2: LA ESCULTURA GRIEGA DEL PERIODO CLÁSICO
GUIÓN:
1.- Características generales de la escultura griega.
2.- Desarrollo histórico: Etapas.
2.1 Los inicios: el periodo arcaico.
2.2 La transición al clasicismo y el estilo severo
2.3 El clasicismo
a) El siglo V a.c Mirón, Policleto y Fidias
b) El siglo IV a.c. Praxiteles, Scopas y Lisipo
2.4 El Helenismo (S. IV-III a.c.)
1.- Características generales de la escultura griega.
Las características generales de la escultura griega (teniendo en cuenta que algunas de
ellas varían en función de los distintos periodos) son:
a) El culto al hombre (que se convierte en el eje de la obra escultórica). Se trata de una
escultura realizada a tamaño “humano” aunque representen a dioses o a personajes
importantes.
b) La preocupación por plasmar la belleza física y el equilibrio espiritual (lo que los
filósofos griegos llamaban “sofrosine”). La belleza se define como la armonía entre
las partes, y es por tanto una belleza idealizada (sobre todo en el periodo clásico).
c) La búsqueda de la expresividad del rostro que es un logro perseguido desde el
principio (periodo arcaico) y conseguido plenamente en el periodo clásico.
d) La representación del movimiento, también resultado de una larga evolución que
llega a su culminación durante el periodo helenístico (Los relieves del Altar de Pérgamo y
el grupo Laooconte y sus hijos son dos claros ejemplos)
e) Preocupación por el volumen y aparición del punto de vista múltiple (escultura de
bulto redondo o exenta)
f) Utilización del color en la decoración escultórica. Los relieves y esculturas de bulto
redondo, ya fueran en piedra, bronce o mármol, recibían vivas policromías de las
que sólo quedan restos muy escasos. Los trajes, labios, ojos, pelo e incluso la carne,
tenían un colorido especial para dar realismo a la figura
g) Utilización del bronce (fundición o vaciado) como material más frecuente. Sin
embargo la mayoría de las obras que conocemos son copias en mármol de los
originales en bronce. Solían incrustar vidrios coloreados en los ojos y pintar los
labios de rojo. Utilizaban en las grandes ocasiones la técnica criselefantina (oro y marfil
como materiales).
h) Los escultores no se limitaron a reproducir sus modelos de la manera más
naturalista y fiel posible sino que buscaban prototipos ideales de la belleza y para
conseguirlo realizaron cálculos numéricos y geométricos muy sutiles, para llegar a
las proporciones perfectas (Ej.: el Canon de Policleto) sobre todo en el periodo
clásico.
Historia del Arte.2º Curso de Bachillerato. Tema 2: La escultura griega del periodo clásico. © Juan Antonio García Rex 2
2.- Desarrollo histórico: Etapas.
2.1 Los inicios: el periodo arcaico.
Durante los S. IX-VIII a. C., los griegos intentan elaborar un lenguaje propio a través de los
primeros exvotos de marfil, bronce o tierra cocida en bulto redondo, y realizan los primeros
relieves. De esta época apenas quedan restos.
En el S. VII a. C. Consiguen cierto expresionismo con los xoana (imágenes religiosas de
madera), que recuerdan a los troncos de árbol con un ligero estrechamiento en la cintura.
Tenían un aspecto muy hierático (rígido) como consecuencia de la influencia de Oriente.
Los conocemos por testimonios literarios y a través de esculturas posteriores en piedra (Dama
de Auxerre, Hera de Samos).
De esta etapa inicial de la escultura griega, que fue una fase de aprendizaje, el conjunto de
obras más importante son las estatuas de atletas o Kuroi (singular Kuros) y las representaciones
femeninas vestidas o Korai (singular Koré)
Los Kuroi fueron considerados durante mucho tiempo como representaciones del
dios Apolo pero en realidad deben su existencia a la costumbre que existía entre los griegos
de levantar estatuas en honor de los vencedores en las competiciones deportivas. Son por
tanto estatuas de atletas griegos y tienen las siguientes características:
• No son verdaderos retratos sino que sus facciones se repiten (ojos prominentes, orejas
poco naturales, el pelo es una masa compacta, surcada por líneas geométricas y cae
sobre la espalda con un flequillo de bucles en la frente, la boca se representa o con
una línea recta o doblándose hacia arriba en una especie de sonrisa (sonrisa arcaica),
• Obedecen a la ley de la frontalidad, tienen los brazos rígidos unidos al cuerpo, los
hombros elevados y horizontales y están en actitud de marcha, con la pierna izquierda
adelantada.
• El cuerpo aparece desnudo.
Entre los Kuroi más conocidos podemos citar:
1. El grupo Cleobis y Bitón fechado hacia el año 600 a.c. que se encuentra en el
Museo de Delfos y que se caracteriza por la solidez de las figuras,
2. el Kuros de Anavyssos que representa a un joven atleta llamado Kroisos y supone
un claro avance hacia el naturalismo.
3. El Apolo del Piombino que dobla sus brazos rompiendo la frontalidad
4. El Efebo de Critios.
5. En ocasiones los kuroi portan sobre los hombros un carnero para el sacrificio
(Moscoforo).
Las Korai son representaciones femeninas (probablemente de sacerdotisas) que
aparecen vestidas envueltas o en una larga túnica sobre la que se colocan un ancho manto o
cubiertas con un chal. El vestido aparece formando pliegues muy geométricos
Se las representa sonrientes, con sonrisa estereotipada (llamada también sonrisa arcaica) y con el
cabello recogido en la nuca. Son de tamaño variado. Su evolución hacia el naturalismo se
manifiesta sobre todo en la cada vez más perfecta organización de los pliegues de las
vestiduras y de los cabellos, en el abultamiento del pecho y en el estrechamiento de las
caderas. Estaban policromadas
Entre las korai más conocidas y mejor conservadas podemos citar:
1. La Dama de Auxerre,
2. la Hera de Samos ,
3. la Kore del Peplo
4. la Kore 675
Todas ellas con abundantes restos de policromía
2.2 La transición al clasicismo y el estilo severo
En la última fase del periodo arcaico se avanza hacia un mayor naturalismo y se
presenta a la figura humana en movimiento para adaptar las composiciones a la forma
triangular de los frontones. El más interesante es el Frontón del templo de Afaia en Egina. Se trata
de un conjunto de fines del periodo arcaico: está fechado el año 490 a.c. Se encuentra en
Munich. Representa las luchas, presididas por Palas Atenea, de los eginetas dirigidos por Ayax
contra los troyanos. Es un ejemplo de escultura dinámica, llena de movimiento y de estudio
de la musculatura y conocimiento de la anatomía. Sin embargo los rostros siguen siendo poco
expresivos (sonrisa estereotipada o arcaica). Aquí los dos frontones ordenan sus escenas de lucha
en torno a la figura central de Atenea.
A esta fase de transición hacia el clasicismo corresponden las esculturas del primer tercio del
S.V a.c. pertenecientes al conocido como estilo severo, que ya anuncia el mundo clásico. Las
obras más representativas de este momento final de transición hacia el clasicismo son El
Auriga de Delfos, el Trono Ludovisi Y el Jinete Rampin
El Auriga de Delfos (Selectividad)
Identificación:
Nombre: El auriga de Delfos
Autor: Pitágoras de Samos.
Cronología: 1ª mitad del siglo V a.c.
Localización: procede del Santuario de Apolo en Delfos
Estilo: arte griego, periodo severo
Materiales: bronce
Dimensiones: Tiene 180 cm.de altura
Tema: Retrato individual. Representa al conductor de una cuadriga victoriosa
Análisis
Es un ejemplo muy representativo del estilo severo. Su autor fue probablemente Pitágoras de
Samos. Realizada en bronce es la única figura que se conserva de un grupo escultórico más
complejo. Representa al conductor de una cuadriga victoriosa. De gran elegancia y belleza,
mantiene aún cierta rigidez arcaica (frontalidad) y el cabello plano. Lo mejor de la escultura es
el estudio de la cabeza que anuncia la del Discóbolo. El tratamiento de la túnica es arcaico y
sus pliegues recuerdan las estrías de las columnas dóricas. Los materiales utilizados son
bronce, ojos de vidrio y restos de plata en la diadema. Tiene 180 cm. Altura y procede del
Santuario de Apolo en Delfos.
El Trono Ludovisi
Obra de transición al clasicismo. Se trata de un tríptico de mármol del primer tercio del
siglo V a.c. Está en Roma (Museo de las Termas) La placa central representa el nacimiento
de Afrodita que sale del mar ayudada por dos doncellas y anuncia ya la técnica de los paños
mojados, que deja transparentar las formas anatómicas de Afrodita, y de las dos doncellas que
la sujetan .Esta técnica fue llevada a la perfección por Fidias en los relieves del Partenón
Las dos placas laterales muestran dos figuras femeninas símbolos del amor sacro y del
amor profano en posturas semejantes, una desnuda tocando la doble flauta y la otra vestida y
quemando incienso.
El Jinete Rampin (o el Caballero Rampin)
Como ejemplo final de esta etapa de transición hacia el clasicismo citaremos uno de los
escasos retratos ecuestres de la escultura griega: se trata del Jinete Rampín que representa con
rasgos arcaicos a un personaje importante (corona de laurel, barba muy cuidada y bigote).
Estaba policromado y es de aprox. el año 560 a.c.
2.3 El clasicismo: (Siglos V y IV a.c.)
a) El siglo V a.c Mirón, Policleto y Fidias
La producción artística del periodo clásico se caracteriza por la idealización (tipo humano
ideal, según las ideas de Platón), el equilibrio (no interesa la violencia sino la serenidad), y la
dignidad en el tratamiento de las divinidades aspectos que resumen los ideales de la escultura
del S. V. Se busca el canon de belleza. (Es decir, la belleza ideal).
Los tres grandes escultores de este periodo son Mirón, Policleto y Fidias cuya
producción coincide con el control de Pericles sobre la polis ateniense. Atenas fue el principal
(aunque no el único) centro artístico de Grecia.
MIRÓN
Es cronológicamente el primer escultor del clasicismo por eso su obra tiene aun cierto
tono arcaico. Mirón era broncista y trabajó en la primera mitad del S. V. Le interesó sobre
todo el estudio del cuerpo humano en movimiento, por lo que no dudó en situar a las figuras
en posturas violentas, como en el Grupo de “Atenea y Marsias” y especialmente en su obra más
conocida y copiada:
El Discóbolo (Selectividad)
Identificación:
Nombre: Discóbolo
Autor: Mirón
Cronología: siglo V a.c. (460-450 a.c.)
Localización: Museo Nacional Romano de las Termas
Estilo: Arte griego del periodo clásico
Materiales: Original en bronce (técnica: vaciado). Copias en mármol
Dimensiones: 1,55 cms de altura
Tema: retrato de bulto redondo (escultura exenta) de un atleta lanzador de disco.
Análisis: Representa a un atleta en el momento previo al lanzamiento del disco, inclinado
hacia delante, en un equilibrio inestable y apoyado sólo en la planta del pie derecho y los
dedos del pie izquierdo. Sin embargo a pesar de lo innovador que resulta la composición,
(Mirón dedicó por primera vez una atención prioritaria al estudio de la tensión de las diversas
formas geométricas que configuran el cuerpo con el objetivo de conseguir plasmar el
movimiento) el tratamiento de la anatomía no está plenamente conseguido: sus músculos aún
son planos su rostro es inexpresivo y la cabellera es arcaica en su tratamiento.
2.-POLICLETO
Policleto era natural de Argos en el Peloponeso donde existía una escuela de broncistas
muy prestigiosa. Fue contemporáneo de Fidias y se interesó por los fundamentos teóricos de
la escultura: para él, el cuerpo humano es cálculo y proporción. Cada parte del cuerpo debía
tener las dimensiones adecuadas, en relación con las demás. Escribió un Tratado en el que
explicaba el Canon, o sistema de proporciones que había desarrollado en sus esculturas:
instauró el canon de siete cabezas, en el que la proporción del cuerpo humano debía contener
siete veces la de la cabeza.
La obra en la que puso en práctica sus ideas estéticas es
El Doríforo (Selectividad)
Identificación:
Nombre: El Doríforo
Autor: Policleto de Argos (El Viejo)
Cronología: 450-440 a.c.
Localización: Museo Arqueológico Nacional de Nápoles
Estilo: Escultura griega clásica
Materiales: Era de bronce fundido aunque sólo se conservan copias en mármol.
Dimensiones: 2,12 ms
Tema: Retrato de bulto redondo (escultura exenta). Representa a un atleta que porta una lanza.
Análisis:
Realizada aproximadamente hacia el 450-440 a.c., mide 2’12 ms de altura y representa
a un joven en marcha, con movimiento armonioso
La actitud del atleta se rige por el equilibrio entre miembros tensos y miembros
distendidos: el brazo derecho cuelga relajado mientras la misma pierna, tensa sostiene el peso
del cuerpo. En la parte izquierda sucede lo contrario: el brazo está rígido, sosteniendo la lanza
y la pierna flexionada, relajada. Esta novedad en el modo de mover la figura con un
contrabalanceo es el contrapposto.
El bronce facilita que la figura se apoye en un solo pié. El brazo izquierdo está doblado,
y así la figura gana en profundidad. El brazo derecho (en oposición) cae verticalmente.
Adelanta la pierna izquierda y la figura se apoya en la derecha. La cabeza se desvía hacia la
izquierda del espectador.
La otra gran obra por la que es reconocido Policleto como una de la cimas del
clasicismo es El Diadumenos que representa a un atleta ciñéndose la cinta del triunfo (aunque
se ha llegado a decir que es una representación del dios Apolo). Es de 440-430 a.C. Su torso
se curva más que en el Doríforo, sus piernas son más cortas y la expresión de su rostro es
más dulce. Expresa también aquí el ideal de belleza griego tanto en la anatomía como en la
proporción.
3.- FIDIAS
Es el escultor más importante del clasicismo griego. Su obra culmina los intentos
anteriores de conseguir el equilibrio ideal tanto anatómico como expresivo
Atenas había venido compartiendo el liderazgo cultural y artístico con la Magna Grecia,
Sicilia y el Peloponeso, pero acabó imponiéndose sobre éstos gracias al florecimiento
económico alcanzado con la victoria de Salamina frente a los Persas. El papel director del arte
ático está en relación con la figura del genial Fidias, cuya influencia va a marcar el arte griego
durante un largo periodo.
Fidias ejerció con maestría todas las ramas del arte. Su obra representó un gran avance,
ya que resolvió la manera de decorar los vértices bajos de los frontones e hizo girar los
cuerpos de tal manera que el movimiento fuera observable desde diferentes puntos de vista.
Pero fue en el tratamiento de los ropajes donde Fidias reveló la fecundidad y exquisitez de su
imaginación plástica. Los abundantes y sinuosos pliegues de las telas que se pegan al cuerpo
como paños mojados no impidieron hacer al artista un estudio de la anatomía; en realidad son
una excusa de la que se vale para conseguir un efecto de mayor naturalidad en el tratamiento
del cuerpo humano.
. Pericles (495-429 a.C.) encargó a Fidias la dirección los trabajos del Partenón así como
varias esculturas de bulto redondo para la Acrópolis, donde se encuentran sus obras
fundamentales. Realizó varias esculturas exentas de la diosa Atenea, de las que sólo conocemos
copias:
• Atenea Prómacos, diosa de la guerra, con casco y lanza. Era colosal (15 m. altura),
realizada en bronce para colocarla delante del Partenón.
• Atenea Lemnia, en bronce, en figura de doncella ateniense ataviada con un simple peplo.
• Atenea Partenos destinada al interior del Partenón, que era una escultura crisoelefantina
de grandes proporciones. En ella se representa a Atenea en pié, victoriosa, dando una
ligera impresión de movimiento. Sus atributos (escudo, lanza y casco coronado por
esfinges y caballos alados) llevan una decoración de relieves y pinturas. Al parecer se
acusó a Fidias de haberse quedado con oro y marfil destinado a esta escultura y haber
osado retratarse en el escudo.
Sin embargo su obra escultórica mejor conservada es el conjunto de relieves que realizó para
decorar el Partenón y que podemos agrupar de la siguiente forma:
a) Los dos frontones: donde aparecen representadas Las Parcas ejemplo de adaptación al
marco y de la técnica de paños mojados
b) El friso exterior de la naos o cella. (160 ms. De longitud, 1,06 ms de altura y 5 cms de fondo)
c) Las metopas del exterior del templo
Vamos a analizar algunas de las obras más significativas de este gran conjunto:
Procesión de las Panateneas (Selectividad)
Identificación:
Nombre: Procesión de la Panateneas o Friso de las Panateneas
Autor: Fidias
Cronología: Siglo V a.c. (Atenas de Pericles)
Localización: Original: friso exterior de la naos del Partenón en la Acrópolis de Atenas.
Actual: Museo del Louvre en Paris, British Museum de Londres y Museo de la
Acrópolis de Atenas.
Estilo: Escultura griega del periodo clásico
Materiales: mármol (técnica:tallado)
Dimensiones: fragmento de una composición de 160 ms de longitud, 1,06 ms de altura y 5 cms
de fondo
Tema: es un bajo relieve de tema histórico: representa la procesión de las Panateneas
Análisis
Forma parte del friso exterior de la cella de Atenea en el Partenón. Se trata de una
escena, realizada, como todo el friso en bajorrelieve, La procesión de las Panateneas
representa a las doncellas atenienses, hijas de las mejores familias, que ofrecen un peplo, tejido
por ellas, a la diosa Atenea El ideal de la belleza, el sereno equilibrio, y el tratamiento de los
pliegues es perfecto.
Este fragmento, que se halla en el Museo del Louvre, presenta también a los arcontes que
marcan el ritmo que las doncellas siguen por parejas, con paso menudo y gesto recatado.
Todo el ideal de belleza ideal se refleja en estas muchachas atenienses. La escena se inicia en
el vértice de los muros occidental y meridional y de allí parte en dos direcciones que confluyen
en la fachada oriental, donde la Asamblea de Dioses del Olimpo contempla la escena.
Hay que destacar además la perfección anatómica y la maestría en la técnica de “paños
mojados”, así como la variedad de escenas que impiden que el friso sea monótono a pesar de
sus dimensiones (Ej. mezcla de escenas de escenas cotidianas y anecdóticas).
Al mismo conjunto (friso exterior) pertenece la
Escena de los Dioses del Olimpo:
Se trata de una escena situada en la fachada oriental del friso. Nos hemos referido a esa
escena al tratar de la procesión de las Panateneas: Los dioses del Olimpo contemplan la
procesión en el momento de la ofrenda ante la diosa del peplo o túnica sagrada. La corte de
Zeus –invisible para los ojos de los mortales- sigue la escena y se reparte en dos grupos de seis
dioses a cada uno de los lados. A la derecha quedan Atenea, Hefestos, Poseidón, Apolo,
Artemisa y Afrodita, con su hijo Eros; y a mano izquierda se sitúan Zeus, Deméter, Dionisos
y Hermes. Junto a los dioses se encuentra un grupo de hombres en pié, que podrían ser
héroes, con aspecto noble
Fidias parece haber abierto sin esfuerzo las puertas del Olimpo al convocarlos en la
ciudadela sagrada, pero su respeto hacia los olímpicos, le ha hecho detenerse aquí. Las
posturas de los dioses son apáticas, indolentes. En el detalle del friso que representa a Apolo,
Poseidón y Artemisa (Museo de la Acrópolis), los dos primeros conversan lánguidamente,
mientras Artemisa, envuelta en su fino peplo, dirige su plácida mirada hacia otra parte.
c) Las metopas del exterior del templo.
Se realizaron relieves en las 92 metopas. Se agrupan en cuatro series La Centauromaquia, la
Guerra de Troya, la Amazonomaquia. y la Gigantomaquia.
En la metopa mejor conservada aparece un lapita, atacado por un Centauro, que lo
coge por la nuca con actitud de atacar con la espada. En ella aparece un hombre viejo con
energía de Titán, que podría ser Fidias. La composición está dentro de las líneas clásicas. El
relieve es muy voluminoso y son realmente esculturas de bulto redondo, que tocan el plano
del fondo.
Además de los relieves del Partenón también se atribuye a Fidias o a su escuela la
decoración del friso del Templo de Atenea Niké en la actualidad en el Museo de la Acrópolis
de Atenas. El templo fue construido en el 421 a. C. y de entre sus relieves destaca una
representación de Atenea desatándose una sandalia. Es uno de los relieves clásicos más famosos.
Probablemente su autor fue el escultor, Kallimachos discípulo de Fidias.
Magníficamente representadas sus vestiduras, nos transmite el movimiento agitado de
las mismas y es otro ejemplo de la técnica de paños mojados.
b) El siglo IV a.c.
La guerra del Peloponeso supuso el hundimiento político de Atenas. Ésta se había
enfrentado a Esparta y a sus aliados. Los cambios sociales y políticos transformaron el
sentimiento religioso y el pensamiento filosófico.
Todo esto repercutió en el arte, que abordó los temas de modo distinto. Idealización,
serenidad y equilibrio, constantes en el S. V. a.c, dieron paso a la búsqueda de la naturalidad y
al interés por mostrar los sentimientos y estados de ánimo de los retratados. Una mayor
expresividad y la acentuación del movimiento son asimismo características de la escultura de
esta etapa
Aparece en este momento el retrato de tipo realista en contraposición al idealizado del S.V
a.c..Frente a la unidad estilística del siglo anterior, se da una mayor diversidad de escuelas.
Los principales escultores de este periodo son Praxiteles, Scopas y Lisipo cuyas obras más
importantes vamos a analizar.
1.PRAXITELES
Ateniense. Modela sus figuras en mármol y bronce, componiendo formas blandas,
suavizando las líneas con curvas delicadamente bellas. Su relación con la cortesana Finé,
modelo y compañera del artista, hace que éste sea el escultor de Afrodita, la diosa del amor y
de la belleza.
Los dioses de Praxiteles adoptan actitudes indolentes, describiendo suaves y
prolongadas curvas que se conocen como praxitelianas; se recrea en el modelado
contribuyendo a dar a sus figuras una expresión vaga y soñadora. Praxiteles se preocupó por
influir aliento psicológico a sus obras. Prefirió los cuerpos de adolescentes modelados con
suma delicadeza con una técnica que contribuye a dar esa sensación de laxitud(blandura) tan
característica en él
Una de sus obras más significativas es
Hermes con Dionisos niño. (Selectividad)
Identificación:
Nombre: Hermes con Dionisos niño.
Autor: Praxiteles
Cronología: Siglo IV a.c
Localización: Museo Arqueológico de Olimpia
Estilo: escultura griega post-clásica
Materiales: mármol
Dimensiones: 2,13 ms de altura
Tema: mitológico
Análisis:
Este grupo escultórico fue descubierto en las excavaciones de Olimpia en el S. XIX. Algunos
piensan que es el original y otros dicen es una copia romana.
Totalmente desnudo y con una ligera flexión que arquea su cadera formando la suave
curva praxiteliana muestra un racimo de uvas que tenía en su mano derecha a Dionisos niño,
que desea cogerlo.
La pieza de tela que recubre el tronco donde se apoya Hermes, contribuye, con su
calidad y sus pliegues verticales, a realzar el valor del modelado de su cuerpo.
Otras obras de Praxiteles
También destaca en su producción una obra curiosa: se trata del Apolo Sauróctono
que representa a un Apolo juvenil, dios de la luz, vencedor de la noche y que se dispone a
lanzar una flecha sobre un lagarto (símbolo de la noche), situado en el tronco de un árbol
sobre el que se apoya el propio Apolo. Praxiteles da aquí una solución muy característica del
escultor: separa tanto las piernas de la figura que si no se apoyasen en un fuerte soporte, la
figura caería. Está presente la curva praxiteliana. El original era de bronce. Las copias que se
conservan son de mármol (Louvre y Vaticano) y de bronce (Villa Albani).
Su representación femenina más importante es la Afrodita o Venus de Cnido. En la
Antigüedad se la consideró la estatua más bella del mundo. Es la primera vez que se
representa a una divinidad femenina desnuda. Para hacerlo buscó el pretexto de que la diosa
está saliendo del baño, un acto plenamente humano.
El naturalismo justifica la desnudez. Con un movimiento suave toma el paño del
ánfora situada a su izquierda, que es un recurso que garantiza la estabilidad de la figura. Es la
expresión perfecta de la belleza femenina. La obra estaba policromada y tenía cabello rubio.
Se conocen medio centenar de copias. Por primera vez en la historia de la gran
escultura se nos revela la naturaleza humana de la diosa del amor, que Praxiteles muestra sin
pudor: los senos plenamente desarrollados, amplias las caderas, las piernas torneadas y
finamente articulados los tobillos. Todo en ella anuncia el amor. Pero en el rostro no hay el
menor atisbo de erotismo.Es una obra “púdica”: el brazo derecho tapa el sexo y el izquierdo
coge el paño para secarse.
2.SCOPAS
Scopas es otro de los grandes escultores del S. IV a. C. Nació en la isla de Paros. Pertenece a
la escuela de Atenas como Praxiteles del que fue contemporáneo aunque tiene más capacidad
que él para mostrar los sentimientos más exaltados como el amor, la sensualidad, la
desesperación, la nostalgia, la inquietud, el deseo, en definitiva lo que los griegos llamaban el
Pathos .Sentía predilección por las expresiones patéticas, con bocas entreabiertas y
angustiosas, rictus amargos, acentuados con la valoración del claroscuro, que se origina en
torno a los ojos al resaltar el arco superciliar.
La Ménade su obra más conocida es una copia de algo más de medio metro que está
en el Museo de Dresde.
Representa a la sacerdotisa de Dionisos (El Baco de los romanos) en pleno delirio religioso,
agitada por violentos movimientos convulsivos, con la cabellera suelta y dejando al
descubierto buena parte de su cuerpo.
En una mano lleva el cuchillo con el que debe abrir en canal al cabrito que tenía en la otra.
Con esta obra se inicia un expresionismo delirante denominado, que tanto influyó en el
Helenismo, el Renacimiento y el Barroco.
3.LISIPO
Lisipo pertenece a la segunda mitad del S. IV a.C. y en él es muy clara la influencia de
Scopas y Praxiteles. Fue un extraordinario broncista y es el escultor preferido por Alejandro
Magno, de quien fue retratista oficial.
Aportó la elegancia y la flexibilidad en la representación de los atletas (era su tema
preferido). Repitió el tipo del atleta maduro en el momento de transición del movimiento a la
quietud (ej. su “Hércules Farnesio”)
Modificó el Canon adoptado por Policleto, estableciendo uno más esbelto (9 cabezas),
que alcanzó gran éxito. Su obra más conocida es el Apoxiomenos
El Apoxiomenos (Selectividad)
Identificación:
Nombre: Apoxiomenos
Autor: Lisipo
Cronología: siglo IV a.c.
Localización: Museos Vaticanos
Estilo: Escultura griega periodo post-clásico
Materiales: Original de bronce (vaciado) copias de mármol (tallado)
Dimensiones: 2.05 ms
Tema: Retrato de un atleta. Escultura exenta o de bulto redondo
Análisis:
Es su obra más conocida representa a un atleta en una situación poco heroica quitándose el
polvo y el aceite, que cubren su cuerpo con un rascador después de haber acabado su
competición.
Se realizó en bronce en 330 a. C. aunque la copia que conservamos es de mármol.
Mide 2’05 y es de proporciones esbeltas; la cabeza es más bien pequeña y el cuerpo flexible,
con el brazo extendido; su figura se ve mejor lateralmente que de frente.
La composición varía por completo, a medida que giramos en torno a ella. Su rostro es
de formas llenas, la boca y los ojos pequeños no reflejan ni el apasionamiento de Scopas ni el
ensueño de Praxiteles.
Comparado con el Doríforo, ofrece un cuerpo lleno de movilidad de músculos
vibrantes. El movimiento es más sugerido que real, más interno que externo
c) El Helenismo (S. IV-III a.c.)
Las conquistas llevadas a cabo por Alejandro Magno y sus sucesores supusieron la
difusión de la cultura griega por una amplia zona. La evolución artística continuó después de
la muerte de Alejandro Magno, e incluso tras la conquista de Corinto por los romanos.
A fines del S. IV a. c se produjo un cambio brusco: el arte griego que había perseguido
en sus obras equilibrio entre realidad y belleza ideal, comenzó a abandonar esos ideales. La
escultura se desprendió del espíritu clásico de los siglos V y IV a. C., y adoptó otras
características:
• 1-Tendencia a la orientalización. (influencia del arte oriental)
• 2-Sincretismo (mezcla de influencias diversas).
• 3-Acentuación del movimiento, del patetismo y de la tensión. Ej. galo Moribundo que
se caracteriza por su gran expresividad.
• 4-Especial predilección por los temas fantásticos.
• 5-Introducción de escenas de la vida diaria. Ej. El Niño de la Espina (d)
• 6-Desarrollo de los retratos de tono realista, que se recrean en los defectos físicos, en
lo feo, en la vejez. Ej. Demóstenes, Diógenes, Séneca.
• 7-Dispersión de los centros escultóricos. Hay cuatro escuelas escultóricas: Pérgamo,
Rodas, Tralles y Alejandría.
De entre las obras más importantes del periodo helenístico vamos a destacar y a analizar las
siguientes:
1. La Victoria de Samotracia.
Pertenece a la Escuela de Rodas. Se cree que data de principios del S. II (190 a.C.) y
que formaba parte del mascarón de proa de un barco; de ahí que sus ropas vayan hacia atrás
como azotadas por el viento. Está en el Museo del Louvre. Su cuerpo está envuelto en un
fino manto sacudido por el viento. Hasta hoy se ha considerado estatua conmemorativa de la
victoria en una batalla naval que tuvo lugar en el 305 a.c.
2. Friso oriental del Altar de Zeus en Pérgamo.
Este Altar dedicado a Zeus se construyó en la primera mitad del S.II a.c cuando
Pérgamo alcanzó su mayor expansión y riqueza.Está decorado con grandes relieves de 2’30 m.
de altura que lo rodeaban por tres de sus lados formando un friso de 112 m. longitud.
Se conservan en el Museo de Berlín y representan la lucha entre los dioses y los
gigantes, hijos de Gea. Zeus y Atenea combaten a sus respectivos adversarios formando un
conjunto de figuras comparables a la furia de los elementos desencadenados.
. Hay una fantástica combinación de hombres viejos y jóvenes. El fondo del relieve
desaparece tras la maraña de cuerpos humanos, ropajes flotantes, armas, carros y animales.
La técnica escultórica revela la influencia del estilo de Scopas en esas caras de mirada
visionaria y de boca anhelante.
3.Laocoonte y sus hijos.
La copia más conocida se encuentra en el Museo Vaticano, en Roma (siglo I d.c. en
mármol). Es obra de Agesandro de Rodas y sus hijos Polidoro y Atanadoro (el original era un
bronce siglo III a.c)
. Representa uno de los momentos más dramáticos de la mitología griega, cuando dos
serpientes se enroscan al cuerpo de Laocoonte y sus hijos. Es el castigo que Poseidón manda
a este sacerdote troyano por recelar del caballo de Troya que los griegos querían introducir en
la ciudad. Es una obra muy realista en la que se ha querido hacer una representación del dolor
sobrehumano. El dolor del sacerdote es físico y moral al ver sufrir a sus hijos inocentes.
Hay unidad psicológica y plástica en esta composición. Cuando fue descubierto al
grupo le faltaban los brazos derechos de Laocoonte y de uno de sus hijos. Los reconstruyó un
autor renacentista que los dirigió hacia el cielo. Es la máxima representación del barroquismo
en la escultura griega y su influencia sobre el escultor renacentista Miguel Ángel (Ver su
Moisés) es más que evidente.
IMÁGENES DE ESCULTURA GRIEGA
Periodo arcaico: diversos ejemplos de Kuroi
Apolo del Piombino Diversos ejemplos de Korai(periodo arcaico) Auriga de Delfos
Caballero Rampin Trono Ludovisi______________
Discóbolo (Selectividad) Canon Doríforo(Selectividad) y Diadumeno
Atenea Lemnia Atenea Partenos Las Tres Parcas (Frontón del Partenon)
Friso del Partenón:

1. Procesión 2. Asamblea de los dioses (Select.)
Metopas del Partenón: Centauromaquia
Praxiteles: Hermes y Dionisos, Venus de Cnido (2) Apolo sauróctono
Scopas: Ménade Lisipo: Hercules Farnesio y Apoxiomenos (Select.)
Helenismo: Victoria de Samotracia, Altar de Pérgamo
Laooconte y sus hijos Moisés (Miguel Ángel)

2.la Escultura Griega Del Periodo Clásico

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2.la Escultura Griega Del Periodo Clásico

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Tema 2: LA ESCULTURA GRIEGA DEL PERIODO CLÁSICO

Apolo del Piombino Diversos ejemplos de Korai(periodo arcaico) Auriga de Delfos

Caballero Rampin Trono Ludovisi______________

Friso del Partenón:

Praxiteles: Hermes y Dionisos, Venus de Cnido (2) Apolo sauróctono

Scopas: Ménade Lisipo: Hercules Farnesio y Apoxiomenos (Select.)

Laooconte y sus hijos Moisés (Miguel Ángel)

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