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LA REFORMA DE GLUCK Y
MOZART. ÓPERA SERIA Y BUFA.
1. INTRODUCCIÓN
4. LA ÓPERA EN EL CLASICISMO
5. LA REFORMA DE GLUCK
1. INTRODUCCIÓN
En la segunda mitad del siglo XVIII aunque la composición de música religiosa sigue siendo
abundante, disminuye conforme a las épocas anteriores.
En el Clasicismo los compositores van a reflejar en el sentimiento religioso de la fe cristiana,
una visión optimista de la religión, y así observaremos como la religiosidad mundana del
Clasicismo fusiona en la música sacra de un modo natural todos los elementos que se encuadran
dentro de una actitud positiva y de una evidencia religiosa. De ahí la luminosidad y el fervor de la
música sacra clásica.
Este tipo de música no alentaba la curiosidad que otras obras despiertan en el nuevo público
burgués. Además, el desarrollo de los ideales Ilustrados fomentará un espíritu laico y racionalista
que disminuye la importancia de los ritos religiosos y también de su música.
Hacia 1782, con los decretos promulgados por José II “reformas josefinas”, contra la exagerada
instrumentación y la inclusión de tratamientos operísticos en obras sacras, se frena la gran
profusión de música religiosa hasta su abolición 14 años después.
MISA
Va a ser el género más cultivado en el Clasicismo. Se desarrolla la denominada misa en estilo
sinfónico, que se escriben para coro a 4 voces, 4 solistas y orquesta. Hay varios tipos:
- Missa Brevis: Para no alargar los oficios se utilizan sólo los textos del Kyrie y del Gloria.
Era una especialidad alemana, ya que los italianos tocaban conciertos completos en la misa.
Ej: Misa brevisein Fa de Haydn.
- Missa Solemnis: Para ocasiones determinadas, siempre con las cinco partes del Ordinario.
Ej: Misa Solemne de Beethoven
- Missa de Requiem: ”Requiem” es la primera palabra del Introito de la Misa de Difuntos. Es
la más extensa y completa de las tres.
MOTETE
Se sitúa en la Misa después de la lectura, en el Gradual, o después del Credo, en el Ofertorio.
En el Clasicismo hay dos tipos muy diferentes:
- Motete Coral: Con orquesta, sobre textos litúrgicos latinos, como el Ave Verum de Mozart.
- Cantata italiana: a solo, sobre textos litúrgicos latinos, con 2 arias, 2 recitativos y un aleluya
final, como el Exultate jubílate también de Mozart.
ORATORIO
Se observa en el Clasicismo poco a poco una secularización, es decir la separación de la función
litúrgica, por tanto la interpretación de estos oratorios, en numerosas ocasiones tenían lugar fuera
del ámbito de la Iglesia, pasando a las salas de concierto.
En Italia, el oratorio está concebido para cantantes solistas y apenas incluye coro. El texto
bíblico se relata como la acción de una ópera: recitativo seco y arias intercaladas que ofrecen una
especie de meditación. Hasse Pellegrini al sepolcro; Piccini Gionata.
En Alemania, la música eclesiástica luterana declinó rápidamente en calidad e importancia
después de la muerte de J.S.Bach. Al igual que en la ópera se busca una nueva sencillez frente a la
rigidez Barroca, introduciendo el estilo expresivo y sentimental del oratorio. Carl Phillipe
Enmannuel Bach Resurrección y Ascensión de Jesús.
Destacar la producción de Haydn con sus dos grandes oratorios. La Creación y las Estaciones.
SONATA DA CHIESA
En el Clasicismo recibe este nombre una pieza con único movimiento (forma sonata, Allegro)
que se tocaba durante la lectura o el Gradual. La distribución instrumental sigue el esquema de la
sonata en trío barroca: 2 violines, bajo y órgano o instrumentos de similar textura.
VÍSPERAS
En el Oficio se celebraban también las Vísperas, con un tratamiento polifónico al estilo de
Palestrina, consta de 5 Salmos y el Magnificat: Vesperae de Dominica de Mozart.
LETANÍA
Es una plegaria de invocaciones con recitador y fórmulas de repetición de la comunidad, como
Kyrie Eleison, Amen. El tratamiento también es polifónico tradicional.
4. LA ÓPERA EN EL CLASICISMO
La idea de hacer llegar la cultura a los hombres y mujeres corrientes, es decir, a las clases
medias lo mismo que a la nobleza, a quien había pertenecido con exclusividad en el pasado, fue
uno de los ideales de la Ilustración: la vida humana debía ser enriquecida por las artes. La ópera
podía contribuir a este ideal.
La división entre ópera seria y ópera cómica establecida en el Barroco continúa estando
presente en la época clásica.
CARACTERÍSTICAS:
Este tipo de ópera presenta escenas y personajes familiares en vez de temas heróicos o
mitológicos y requieren recursos de ejecución relativamente modestos. Los libretos se escribieron
en lengua vernácula, y la música de manera similar, tendía a acentuar el lenguaje musical local.
Su importancia histórica se debe:
- Respondía a la exigencia de naturalidad de la época.
- Fue el principal canal que desembocaría hacía el Nacionalismo musical.
Si la ópera seria predomina entre los años 1720-1780, la ópera cómica, se configura casi de
forma paralela a partir del éxito de La serva padrona de Pergolessi de 1733, especialmente con
Galuppi, convirtiéndose en el principal género operístico del Clasicismo.
En todos los países representó un enfrentamiento contra la ópera seria, ya que la cómica
representa a personajes de la vida diaria y no mitos o héroes, y unos recursos de ejecución
relativamente modestos.
Los aspectos representativos del género bufo son:
- El concertante, en el que uno o dos cantantes o instrumentos son tratados como solistas frente
al grupo y el Final de conjunto, consiste en finalizar un acto, mediante la aparición gradual en
escena de todos los personajes, mientras que la acción prosigue en creciente animación hasta
que alcanza su culminación, en la que participan todos los cantantes.
- La temática relacionada con la vida diaria, donde se reflejan situaciones que van desde lo
cómico hasta lo sentimental y conmovedor.
- Los personajes son arquetipos escénicos, siempre interpretados con las mismas máscaras y
trajes; eran extraídos de la vida diaria: criados, barberos..
- El lenguaje es el cotidiano con expresiones típicos, citas y parodias. Diálogo ágil. Uso de
distintos recursos como bostezos o tartamudeos.
- Empleo de diferentes voces masculinas y femeninas en función siempre de una adecuada
caracterización del personaje, sobre todo el del “bajo”, ya que cabe citar como uno de los logros
de este tipo de ópera, la explotación de las posibilidades del la voz del bajo, el llamado “bajo
bufo”. Nunca aparecen castrati.
- Tipo de canto que explota el naturalismo de la voz. Planteamiento lejano al virtuosismo de la
ópera seria.
- Las melodías son silábicas, sencillas, con repetición de notas y saltos interválicos pequeños.
- En general los espectáculos de ópera cómico presentaban unos recursos relativamente
modestos. Su encanto no radicará en los grandes efectos de escena sino en la interpretación en
sí.
La ópera cómica o bufa asumió diversas formas en diferentes países, aunque en todas partes
representó una revuelta artística contra la ópera seria italiana:
- Francia: denominada Opera comique, con su alternancia de diálogo hablado en lugar del
recitativo y números musicales, era muy popular en Francia, habiendo comenzado como una
forma más bien baja de entretenimiento popular, heredera de las tonadas sencillas del
vaudeville que se remontan al siglo XV.
Tras la segunda representación en 1752 de La serva padrona de Pergolessi en Francia, se
desencadenó la llamada: Guerra de los bufones. Por un lado estaban los defensores de la música
francesa, más conservadora y recargada, partidarios de Rameau (de tradición Lullysta y
versallesca) y por otro, los admiradores de la ópera bufa italiana, entre los que se contaban
escritores, Ilustrados, Enciclopedistas, críticos y filósofos como Rousseau.
- Inglaterra: Con su Ballad ópera. Hacia mitad de siglo La Ópera del Vagabundo, seguía
estando presente en la moda inglesa pero también hay gran influencia de la ópera italiana.
Algunas óperas son adaptadas al inglés como La buona Figliola de Piccinni, pasando los
recitativos al habla inglesa.
Las obras llamadas óperas de balada se escribían en inglés y tenían partes habladas, pero no
resultan obras internacionalmente trascendentes. Algunos importantes compositores ingleses
murieron jóvenes (al igual que ocurrió con Purcell un siglo antes), con lo cual Londres pierde
su posición como centro neurálgico del teatro en Europa.
- Alemania: Con el Singspiel. Al igual que la ópera comique, tiene diálogos hablados, pero se
diferencia de aquella porque es más realista y se sirve de la tradición popular de tipo local, lo
que le da un directo sabor folclórico. El culmen será La Flauta Mágica de Mozart.
- España: El ambiente popular y callejero, la taberna y el salón de café, serán los escenarios
adecuados para la representación de unas manifestaciones líricas elementales que terminarán
dando lugar al nacimiento de la zarzuela moderna: se trata de géneros menores como la jácara,
la tonadilla y, especialmente la tonadilla escénica.
La tonadilla escénica aparece en principio como una pequeña crónica del pensamiento político
no oficial del momento, y se convierte en el medio idóneo de expresión de los grupos de
oposición política. Encontramos en ella una actitud de crítica social más allá del mero afán de
divertir y gustar.
La tonadilla representa la reacción contra lo extranjero y muestra el gusto por lo popular.
En principio nace como intermedio teatral, pero después se convierte en una pieza
independiente.
Cantada en español y con partes habladas, se cuentan historias populares, graciosas y
sencillas donde destaca la gracia vocal e instrumental. A veces se usa un lenguaje que utiliza
con picardía las palabras dando lugar a equívocos. Será un género parecido a la zarzuela de la
época pero con menor número de personajes, menos instrumentos y mas breves. Autores
importantes serán Antonio Literes, José de Nebra, Luis Misón o Antonio Guerrero.
La ópera seria era el espectáculo típico de la nobleza. Pero poco a poco los ilustrados criticarán
este tipo de ópera seria en base a los ideales de naturalidad y sencillez. El carácter irreal de la
ópera seria hizo que hasta los propios aristócratas se cansasen de la misma y recurrieran a la ópera
cómica en numerosas ocasiones, salvo si tenían que festejar algún acontecimiento solemne, en
cuyo caso elegían la seria. Además, la admiración hacia los cantantes solistas hizo que éstos fueran
el único punto de atención viéndose sometidas las obras a sus caprichos, lo cual abrió el camino
del exceso y del abuso.
Un antecedente reformista aparece ya en 1720. Se trata de una la famosa sátira de la ópera
publicada de forma anónima por Benedetto Marcello con el título Il teatro alla moda. En ella,
Marcello se muestra en contra de los montajes operísticos del momento. Critica las exigencias y los
caprichos de los cantantes, totalmente endiosados, a los compositores, directores y al abuso de
presupuesto destinado para estas óperas por las casas reales.
Entre sus obras destacan Orfeo y Eurídice, Alcestes, Ifigenia en Aulide, Ifigenia en Tauride, escritas
en París.
Las obras vocales suponen composiciones aisladas dentro del género instrumental, el más
trabajado por este músico.
Fidelio fue su única ópera. Estrenada en 1805 por primera vez, fue modificada por Beethoven
en varias ocasiones y apareció definitivamente en 1814. Esta ópera proviene de la herencia del
singspiel alemán pero tiene ciertas limitaciones, sobre todo en el tratamiento vocal. No escribió
mas óperas parece que porque no encontró ningún libreto que le gustase.
Beethoven cuenta con poca producción religiosa. Escribió un oratorio en 1803, Cristo en el monte
de los olivos, pero de menor importancia que los oratorios de Haydn. Su Misa Solemnis de 1819-23
pertenece ya al Romanticismo. La Misa solemnis compuesta para la investidura de un Arzobispo
intenta plasmar un mensaje de humanidad comparable al de la Novena sinfonía, de ahí sus
dimensiones y su gran plantilla instrumental. Toma recursos de la música sacra tradicional
católica con el abundante uso de coros y fugas corales combinados con una plantilla más grande
lo que le dota de una nueva dimensión. Guarda relación esta obra con la ópera que por aquel
entonces iba escribiendo, Fidelio que intentaba igualmente dar un mensaje de armonía y
fraternidad.