¿Qué tiene que ver las diferentes manifestaciones artísticas con el diseño?

Edad antigua

Neolítico

Unos de los mayores impactos del neolítico en el diseño fue la realización de figurillas en arcilla
y al horno y no solamente talladas en piedras. La utilización de esta nueva técnica posibilitó el
incremento de la producción de las mismas y más variadas formas y tamaños.

También fue de especial importancia la llegada de la pintura rupestre presentando variedad

en los temas como cacerías y danzas. Aparecen las figuras humanas estilizadas y las imágenes
se presentan como esquematizadas; no tienden a ser realistas como en el periodo del
paleolítico. Esta esquematización tiene características casi geométricas que acentúan la
expresividad.

En cuenta a la cerámica esta comienza a ser más decorada con figuras de animales algunas y
otras con bandas o ambas combinadas. Líneas oscuras y espirales también se encuentran
entre los diseños. Hacia los finales de la época media del neolítico por motivos aún no
claros ocurre un abandono de la tendencia naturalista y figurativa hacia
tendencias simbólicas y abstractas donde el detalle de las figuras no es tenido en cuenta.

Edad de los metales

El descubrimiento y desarrollo de la metalurgia se da poco después de la revolución neolítica.

Este período se divide en tres etapas que reciben el nombre de los metales que el hombre fue
utilizando progresivamente. La secuencia evolutiva es: cobre - bronce - hierro, pero la velocidad
de la evolución varía según las zonas.

La Edad de Cobre: Las representaciones pictóricas del período inicial de los metales se
caracterizan por la esquematización de la figura humana, en la que destacan los grandes ojos.
La cerámica está decorada con estilizaciones de ojos y ciervos, a la que sigue la magnífica
cerámica campaniforme, con labores geométricas inspiradas en temas de cestería. Sus
creadores son expertos en la metalurgia y prospecciones de yacimientos de plata y oro.

La Edad de Bronce: Se desarrolla en el último tercio del segundo milenio, correspondiendo a la

introducción de la metalurgia del bronce. Está representada por bellas copas de cerámica de
color negro y alto pie. La arquitectura de la edad del bronce está representada por singulares
monumentos como el talayot o torre troncocónica, la nuragha, la taula y la naveta, con forma
de quilla de nave invertida. A nivel europeo, una de las manifestaciones más importantes del
arte de la Edad de los Metales lo constituye la orfebrería, con una decoración geométrica. La
manifestación más peculiar son los famosos carritos del sol.

La Edad de Hierro: La edad del hierro coincide en Europa con épocas plenamente históricas (del
1.000 al 100 a.C.). En este período se extiende el arte decorativo celta, con inclinación a lo
curvilíneo. Pieza maestra de esta época es el célebre escudo celta del Museo Británico.

Mesopotamia
La importancia de la cerámica en esta época fue máxima, su
función como recipiente para la conservación y el transporte de todo tipo de alimentos y bebidas
(incluso de otros materiales) es crucial en un momento en el que se estaba desarrollando
(pasando de aldeana a urbana) la primera economía productiva con excedentes, división del
trabajo y comercio a larga distancia. De no menor importancia es su valor como vehículo de
expresión artística; tanto en el modelado como en la decoración, en estrecha relación formal
con piezas escultóricas o de orfebrería, y con la pintura en otros soportes.
La determinación geográfica (escasa disponibilidad de piedra y abundancia de arcilla) se ha
considerado la causa principal de la preferencia mesopotámica por el adobe y el ladrillo como
base material de su arquitectura. Aunque gran parte de la arquitectura es adintelada (con el uso
de vigas de madera), el arco y la bóveda (adecuados para su construcción con dovelas de
ladrillo) son más comunes que en la arquitectura egipcia. La principal diferencia con ésta fue la
mucha menor importancia de los monumentos funerarios. Son otras dos tipologías básicas para
el urbanismo y la arquitectura las que nacieron en Mesopotamia: el templo y el palacio. Las
casas de los dioses, de los reyes o de las gentes del pueblo se denominaban con el mismo
nombre: É en sumerio, bītu(m) en acadio. La necesidad de segregación y defensa hizo que tanto
los edificios singulares como los complejos de edificios de función religiosa y política, y las
propias ciudades se rodearan de murallas.

Egipto

El arte egipcio es, indudablemente, la manifestación artística que más ha subyugado al hombre
moderno.

La civilización egipcia no sólo creó una arquitectura, escultura y pintura de impresionante

belleza, sino también toda una cultura que ha hecho soñar a investigadores, literatos y personas
corrientes, donde se funde lo histórico, lo mítico y lo misterioso.

El arte egipcio es un arte que está muy relacionado con el medio en el que se desarrolla. Este
medio influye en diferentes aspectos: por un lado el medio geográfico determina una cultura
cerrada que hace un arte impermeable a influencias exteriores, que va a evolucionar poco y
cuando lo va a hacer va a ser sobre sus propias formas debido a la falta de comunicación con el
exterior.

Por otro lado, el medio va a determinar unos materiales que nos indican una despreocupación
por la vida terrestre y un deseo de eternizar la moral del difunto y del dios, por lo que el arte
muchas veces está en función de templos y tumbas. Esto está relacionado con los dos factores
determinantes del arte que también vienen dados por el medio: la monarquía y la religión.

Así, el faraón (y los nobles) y los sacerdotes van a ser los principales clientes. Se trata de un arte
aúlico y oficial, que se desarrolla en virtud de la religión fundamentalmente, y a ésta está
vinculado el faraón. No es por tanto un arte autónomo.

El arte egipcio está siempre sometido a unas normas, por esto es muy semejante y monótono,
tan homogéneo. Es un arte estereotipado en el que se valora más la precisión del acabado que
la originalidad. Además, tienen un gran carácter simbólico y mágico.

Los artistas egipcios van a perder en líneas generales en el anonimato, aunque se conocen
algunos artistas ya del Imperio Antiguo, aunque son más los que se conservan del Imperio
Nuevo. De los artistas los más considerados son los arquitectos, que se relacionan con los
clientes. Sin embargo, los pintores y escultores son considerados como simples artesanos.

Va a haber dos tipos de talleres: los talleres oficiales, que están en torno a los palacios y los
templos y es donde se forman los grandes artistas y obras, y los talleres privados, destinados a
clientes que no estuvieran relacionados ni con la monarquía ni con la religión. De éstos últimos
se han conservado muy pocas obras, entre otros motivos debido a que utilizaban materiales más
endebles que los talleres oficiales.

Grecia

No cabe duda que el arte griego ha marcado el arte y la cultura occidental hasta nuestros días.

De Grecia parte el principio humanista y de ideal de la belleza que va a marcar a Europa durante
25 siglos.
Su historia es compleja, ya que pasa por distintas etapas.

Se producen cambios políticos y sobre todo culturales muy importantes y comienza a asentarse
una cultura de base humanística en la que el hombre es la medida de todas las cosas. Hay una
explicación racional del mundo, la cultura y el arte. El arte está determinado por la vida pública,
por la democracia. Grecia va a crear unas bases para la vida moderna.

Las principales características del Arte Griego son:

 Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista.

 Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en arquitectura como en
escultura.
 Vamos a ver en él supervivencias creto-micénicas, una influencia oriental en los
primeros momentos pero, sobre todo, aportaciones propias.
 El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente, es un trabajo en equipo
dirigido por un maestro. Esto va a hacer que éste sea un arte de una gran perfección.
 Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad está regida por un
politeísmo de dioses antropomorfos, entre los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie
a una mitología muy representada en escultura.

Roma
El arte romano hunde sus raíces en diversas influencias, especialmente del mundo etrusco y del
griego.

La fuerte organización y personalidad del Imperio Romano exige un arte y una arquitectura que
aúne el carácter funcional con el propagandístico. De esta forma nace un arte muy centralizado
y unitario que abarca todo el imperio, no sólo Roma sino, en mayor o menor medida, a todas su
provincias.

No cabe duda que el arte romano es la manifestación artística más significativa de la historia del
mundo occidental, ya que su influencia nunca se ha dejado percibir a lo largo de los muchos
siglos desde su desaparición en toda Europa. No ha habido momento histórico (quizás el gótico
es el arte y arquitectura más alejada del canon romano) que no haya sufrido en mayor o menor
medida su influencia.

El Arte Romano tiene su principal manifestación en la arquitectura, tanto religiosa, como civil.
Pero otras manifestaciones de primer orden son su magnífica escultura y en menor medida la
pintura.

El mosaico es otra de las artes más brillantes del mundo romano. Las villas tardorromanas (se
pueden definir como un conjunto de edificaciones en medio del campo, dedicadas a un doble
fin: el de residencia del propietario y personal de servicio y el de granja productiva agrícola-
ganadera) tuvieron frecuentemente sus suelos cubiertos por hermosos mosaicos con figuras
geométricas, escenas de caza, mitológicas, etc.

Bizancio

Este arte surgió por la división que hizo Teodosio a sus hijos, y le dejó a Arcadio el Imperio del
Oriente, es por ellos por lo que comienza el Imperio Bizantino. Tras la caída del imperio romano
que cae en poder de los barbaros, hace que a capital del Imperio Bizantino se convierta en la
capital de la cultura en el mundo occidental. Es por eso por lo que nace este concepto de arte
que posee influencias griegas, romanas, orientales y helenísticas.

Características principales del arte bizantino

 Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria

y Asia menor, realizando una mezcla de estos diferentes aspectos culturales.
 Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.
 Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo).
 Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.
 En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz
griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados.
 En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.
 La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano.
 Durante los siglos VII a IX el arte bizantino empezó a tener influencia del islamismo, ya
que los árabes sitiaron Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II

Renacimiento

En el Renacimiento se rompen las tradiciones artísticas que habían en la Edad Media, según los
artistas del renacimiento a esas tradiciones artísticas la califican con mucho desprecio y
dirigiéndose a ella como un arte hecho por godos y bárbaros, también con el mismo
pensamiento se enfrenta al arte contemporáneo que había en el Norte de Europa. Desde el
punto de vida del desarrollo artístico que en general sufre Europa, el Renacimiento significó una
ruptura con entidad estilística que hasta ese instante fue supranacional.

Fue la época donde nacieron los grandes genios, el artista trabajaba en solitario, con más
libertad creativa, y gozó de más consideración social, no solo es un artesano se convierte en un
inventor. Las grandes familias de los distintos estados de Italia fueron las protectoras de estos
artistas, y disputaban por la obra con mayor esplendor, que encargaban a los grandes genios.
Florencia fue una de las primeras ciudades italianas donde surge el pensamiento humanista.
Tanto los Médicis que fueron los mecenas de los artistas del Renacimiento en Florencia, como
los Papas que lo fueron en Roma, ayudaron al renacer de esta época.

Características del Arte Renacentista

 Cabe destacar por encima de todas que el cuerpo humano recupera su importancia.
  Se crea una imitación en la escultura y la arquitectura realizada en Roma y Grecia.
 Quiere hacer representaciones de una belleza ideal.
 Busca el equilibrio, la armonía y la tranquilidad para crear una obra armónica.
 Se crean obras, cuya perfección y claridad están dirigidas por la razón universal.
 Su interés principal será el cuerpo humano y en particular será el desnudo.
 Es realista ya que las obras creadas son realizadas con sumo cuidado y con la máxima
realidad posible.
 Los cuadros poseen una vista geométrica y se crea una ilusión de profundidad.
 Se recupera la escultura exenta y entre los principales materiales que se usan destaca
el mármol y el bronce.
 Se recuperaron los temas mitológicos y aunque en menor medida que en el gótico,
también encontramos temas religiosos.
 También apareció la figura del mecenas que eran los que patrocinaban las obras,
fomentando el arte.
 Aparecerá un arte que producirá la ruptura de los cánones formales y buscarán nuevos
métodos de expresión, naciendo el Manierismo, que se caracterizó por la distorsión de
las figuras, la creación de espacios irreales y la utilización de colores muy claros o muy
vivos.

Con estas características la sociedad cambia y se vuelve materialista, más interesada en la

objetividad y tiene un punto de vista capitalista y del desarrollo de las ciudades.

Barroco

El arte barroco surgió como un estilo promovido principalmente por la Iglesia Católica, ya que
las ideas reformistas y racionalistas intentaban dejar de lado la religión no sólo en los espacios
artísticos sino también en el vivir cotidiano de los individuos.

Características del arte barroco

 Representación de sentimientos y emociones más que por la mera imitación de la

realidad que rodeaba a los artistas de la época.
 Las obras en el arte barroco incluyen temáticas religiosas que habían sido dejadas de
lado por el Renacimiento y buscan representarlas de manera altamente expresiva.
 Tienen un fuerte sentido del movimiento, la energía y la tensión.
 Fuertes contrastes de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos
cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.
 Una intensa espiritualidad que aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis,
martirios y apariciones milagrosas.
 La insinuación de enormes espacios es frecuente en la pintura y escultura barrocas;
tanto en el renacimiento como en el barroco, los pintores pretendieron siempre en sus
obras la representación correcta del espacio y la perspectiva.
 El naturalismo es otra característica esencial del arte barroco; las figuras no se
representan en los cuadros como simples estereotipos sino de manera individualizada,
con su personalidad propia.
 Los artistas buscaban la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los
temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.
 La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él
uno de los estilos más arraigados del arte occidental.
  Los edificios solían construirse con materiales pobres pero resaltando la majestuosidad
y la monumentalidad de la obra.

Rococó

El período de Rococó se denomina como un movimiento artístico que fue originario de Francia
que está comprendido entre 1730 y 1760. A la hora de diferenciar entre el Rococó y
el Barroco tenemos que destacar que el primero está al servicio de la burguesía y la aristocracia,
a contrario el Barroco estaba al servicio y a favor del poder absolutista. Sin embargo, no solo
esta es la principal diferencia si no que a partir del comienzo del arte Rococó el artista pudo
realizar sus obras con más libertad y se expandió el marcado de arte, además el Rococó es un
arte al servicio de fiesta, lujo y comodidad es por eso por lo que las representaciones de las
obras son del estilo de vida cotidiano.

En resumen podemos decir la etapa Rococó comienza en el siglo XVIII en Francia, además se
consideró la culminación de la época Barroca. Por lo tanto, tiene grandes diferencias con el
Barroco, es decir, el Rococó se diferencia en la elegancia de las obras, la opulencia y los colores
vivos que son una clara contrariedad de la oscuridad y el pesimismo que se caracterizaba al
Barroco.

Características del Arte Rococó

En general, el arte Rococó está definido como un arte cortesano, antiformalista e individual, que
se caracterizaba por los colores suaves, claros y muy luminosos

Todas sus obras se caracterizaban por estar inspiradas en los cuerpos desnudos, el arte oriental,
la naturaleza y la mitología además también se pueden observar representaciones de temas
amorosos y galantes.

El arte Rococó es mundano, es decir, no tiene ninguna influencia religiosa ya que esta modalidad
de arte representa temas de las relaciones entre humanos y de la vida cotidiana,

Intenta encontrar un estilo que sea exótico, sensual, refinado y agradable.

En la pintura hay grandes obras con representaciones de fiestas campestres y galantes, con
aventuras cortesanas y amorosas y sobre todo con historias pastoriles.

Todas las representaciones poseen una composición alegre, fresca y sensual.

El Arte Rococó convierte en un foco de inspiración a la mujer, la cual representa de manera

sensual y muy bella.
Neoclásico

El Neoclasicismo fue un movimiento estético y artístico, de los primeros movimientos

revolucionarios que sacudieron a toda Europa a partir de mediados del siglo XVIII y hasta el
siguiente siglo. Surgió con el pensamiento de oponerse a la estética ornamental y recargadísima
del movimiento Barroco, al que sucedió.

Se caracterizaba por fundarse con la cultura clásica y es por esto por lo que todos los artistas del
neoclasicismo intentaban inspirarse con la arquitectura antigua. Además el objetivo de este tipo
de arte era representar los sentimientos y el movimiento, un arte absolutamente pensado y
racional, con reglas y muy sencillo y que se propone imitar al arte griego, romano y renacentista.

El arte Neoclasicismo supone coherencia con las nuevas ideas, absolutamente contrarias al arte
medieval y todo aquello que estuviese en relación con el Antiguo Régimen.

 Es un arte comprometido con la problemática de su tiempo. Los arquitectos buscan lo

funcional contando con el desarrollo social
 Los escultores se definen con el retrato, porque es un modo de analizar y aclarar la
relación entre la naturalidad y la sociabilidad de la persona, entre el sentimiento y el
deber.
 Se acompaña la transformación de las estructuras sociales con la transformación de las
costumbres.
 Los artistas usan una nueva técnica, la de proyectar, la realización es la traducción del
proyecto mediante instrumentos operativos.
 El arte neoclásico cumple una tarea de educación cívica, en lugar de antigua función que
era la religiosa. El artista ya no aspira al privilegio del genio, sino al rigor de lo teórico;
los proyectos son realizables.
 Esta época indicó el momento en que lo se separó la tecnología de la producción
artesanal.
 El arte neoclásico se sirve: del principio de la correspondencia de la forma con la función
estética que en arquitectura; del estudio de la resistencia de los materiales en las artes
figurativas y de la base de todo dibujo.
 Se reduce a lo esencial, no da lugar a crear interpretaciones.
 A la función narrativa se le añadió una intención moralizante.
 Los temas utilizados son los dioses mitológicos que se alzan imponentes por encima de
los mortales. Los héroes aparecen victoriosos.
 Los personajes históricos son pacientes, sobrios y abnegados. Son ejemplos morales de
conducta.
 El paisaje se pone de moda: parajes con restos arqueológicos reales, en especial se
quiere recrear las vistas de ciudades con recreaciones costumbristas.

Romanticismo

La definición de arte romántico probablemente es una de las definiciones más cortas de todos
los tipos de arte. Este tipo de arte se originó en Francia, durante la época del segundo Imperio,
cuando unas nuevas tendencias y técnicas artísticas fueron apareciendo y se utilizaron para
crear una contrariedad con el arte neoclásico. Es decir, el arte romántico fue un movimiento
artístico que nació para crear una contrariedad con el arte clásico y por ello, este estilo de arte
intentaba educar y emocionar al telespectador.

 El arte deja de regirse por la doctrina del Clasicismo.

 El objetivo principal del arte no es la belleza, sino la expresión y sentimientos que
pueden abrir horizontes mucho más amplios.
 Emerge un deseo de que aparezca lo nuevo, insólito, oculto, reprimido, en una palabra,
lo sublime, lo que está más allá del límite. Esta ansiedad provoca mucho más placer
estético que la belleza.
 Prima la subjetividad en detrimento de lo objetivo. Por medio del arte se intenta
expresar el mundo interior del artista, aunque para ello haya que recurrir a mundos
oscuros, penumbras o sueños.
 Cobra importancia el tema de la magnitud. Se siente el mundo como algo inabarcable a
lo que el hombre es incapaz de llegar. Esto genera un sentimiento de inferioridad y
una angustia ante las fuerzas incontrolables de la Naturaleza.
 Impera la Historia Nacional. En el Romanticismo se alza el orgullo de las lenguas locales,
las raíces profundas de los pueblos natales. Se buscan los orígenes remotos de lo
primigenio.
 Amor a la Edad Media y sus valores: ruralización, feudalismo y por lo general, todo
aquello que rechazaba el racionalismo ilustrado.
 Hay una vivencia profunda de la religión.
 Se impone el gusto por lo exótico. Se valora lo distinto, de ahí que la mirada se fije
profundamente en mundos orientales.

Modernismo

Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del
siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante
esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron
sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.

Se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con los estilos
dominantes en la época, tanto los de tradición academicista como los rupturistas y se trató de
crear un arte de inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas
de la revolución industrial, con materiales como el hierro y el cristal.

Características del arte moderno:

 Se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural pero con

preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose
con el motivo central.

 Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como
en la decoración.

 Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos su representación realista.

  Se utilizó imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las
ondas de los cabellos de las mujeres y en los pringues de sus vestidos.

 Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando

incluso al erotismo.

 Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de
estampas japonesas.

Manifestaciones artísticas del siglo XX

El arte del siglo XX se ve fuertemente influenciado por la política y lo social del momento. No
escapa a la realidad sino que brota de ella. Luego de la Ilustración, que había creado un
sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia entraron en crisis. Las dos
guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable. La crisis europea y la crisis de la bolsa
estadounidense en 1930 impactan en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta.
Es una época de profundos y acelerados cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja
avances impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la Luna,
etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen movimientos artísticos como
el futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las ciudades también dejaron su huella en el
arte, por ejemplo en el arte pop. Se pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX:
Las vanguardias y luego el arte postmoderno.
La revolución industrial se convirtió en una gran influencia en el arte. El caso más curioso de esta
etapa es el movimiento impresionista en la pintura.

El aporte más grande al diseño fue la creación del movimiento vanguardista, el término implica
la idea de grupo que avanza, que se sitúa por delante. La vanguardia artística se manifestó como
una acción de grupo reducido, una élite que se enfrentaba, incluso con violencia, a unas
situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Por esta razón acostumbraba
ser rechazada socialmente, aunque con el tiempo alcanzó reconocimiento y se asimilaron sus
ideas.
La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer cuarto del siglo
XX, en textos de los socialistas utópicos. No se trataba de un grupo o de una tendencia artística
en particular, sino que trataba de transformar la sociedad: la ciencia y la industria. La vanguardia
estaba vinculada con actitudes sociales progresistas.
Más adelante, sobre todo a fines del siglo XX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario
político, y poco antes de la Primera Guerra Mundial, pasó a ser frecuente en la crítica artística,
aplicándose a una tendencia concreta: Cubismo, Futurismo. La vanguardia artística es una
búsqueda de renovar, experimentar y/o distorsionar un sistema de representación artístico.
Implica innovación, ruptura de preconceptos.
Cubismo
Movimiento artístico inspirado fundamentalmente en el arte de las tribus de África y Oceanía,
que se manifestó sobre todo en pintura, su objetivo principal era el de alejarse de la
representación naturalista y conseguir plasmar de modo simultáneo sobre la superficie del
cuadro un objeto visto desde múltiples ángulos, rechazando la perspectiva y el movimiento y
dando primacía a la línea y la forma.

Revolucion industrial
Muchos caminos se abrieron al arte en el siglo XIX, pero todos ellos pueden resumirse en uno:
el de la libertad de creación. La revolución industrial y la burguesa tuvieron su continuidad en la
expresión artística. Desde entonces, y hasta hoy mismo, el arte sigue en esa misma dirección.

La Revolución Industrial es un periodo histórico comprendido entre la segunda mitad del siglo
XVIII y principios del XIX, en el que Inglaterra en primer lugar, y el resto de Europa después,
sufren el mayor conjunto de transformaciones desde el Neolítico (la Prehistoria). La economía
basada en el trabajo manual fue reemplazada por otra dominada por la industria y la
manufactura. La Revolución comenzó con la mecanización, las nuevas máquinas favorecieron
enormes incrementos en la capacidad de producción. Así es que en la revolución industrial se
aumenta la cantidad de productos y se disminuye el tiempo en el que estos se realizan, dando
paso a la producción en serie. No hay necesidad de mano de obra calificada, se pierden los
artesanos.

Nacen nuevos medios de comunicación, como el ferrocarril, que exige estaciones, puentes y, en
general, grandes obras públicas; además, las nuevas industrias requieren instalaciones de
características y dimensiones hasta entonces desconocidas (Ejemplo: Galería Vittorio Emanuele
II en Milán, Italia). Se potencian factores culturales y son necesarios museos y bibliotecas. Surgen
las grandes exposiciones internacionales con sus enormes instalaciones provisionales que
exigen un alto desarrollo de la técnica constructiva, principalmente del hierro.. Otro gran
ejemplo es la Exposición de París en 1889, que produjo el edificio más alto del mundo en su
momento, la Torre Eiffel obra de Gustave Eiffel. Elegante, de 300 metros de altura, todo de acero
lo que les da mucho mérito a los profesionales por utilizar un material relativamente reciente.
Criticado por artistas de la época, este proyecto se convirtió en símbolo, foco visual y social de
la ciudad (reemplazando a las iglesias y catedrales) pero vacío de contenido (sin función). Su
función subyacente, al igual que la de muchos proyectos de esta época, fue la estimulación del
propio capitalismo y la promoción del crecimiento económico.
Arte moderno

Se denomina arte moderno a una corriente de renovación artística desarrollada a finales del
siglo XIX y principios del siglo XX, siendo el más prolífico de toda la historia del arte. Durante
esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron
sucediendo vertiginosamente, con un carácter internacional.

Se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con los estilos
dominantes en la época, tanto los de tradición academicista como los rupturistas y se trató de
crear un arte de inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas
de la revolución industrial, con materiales como el hierro y el cristal.

El arte moderno es un concepto muy singular ya que tiene diferentes ámbitos en el mundo del
arte sobre todo en la estética, en la historiografía, en la teoría de lo que es el arte y en el
mercado. Y es que este tipo de artes pretende hacer una distinción entre la parte productiva del
arte que estará identificada con unas determinadas definiciones de modernidad.
La posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una puerta a la libertad del
ámbito artístico y por ello van desapareciendo los rasgos relacionados con el arte hasta ese
momento. Los artistas de este tipo de arte hicieron una declaración en la deformación de las
cosas, sobre todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada, cuyo objetivo era la
búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético que las cosas poseían.

Características del arte moderno:

 Se inspiraban en la naturaleza y usaban elementos de origen natural pero con

preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose
con el motivo central.

 Se usaba la línea curva y la asimetría, tanto en la plantas y alzados de los edificios como
en la decoración.

 Había una tendencia a la estilización en los motivos y menos su representación realista.

 Se utilizó imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con claro énfasis en las
ondas de los cabellos de las mujeres y en los pringues de sus vestidos.

 Tenían una tendencia a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando

incluso al erotismo.

 Había una gran libertad en el uso de los motivos exóticos un gran ejemplo era el uso de
estampas japonesas.
El Op art

También conocido como optical art y como arte óptico, es un estilo de arte visual que hace uso
de ilusiones ópticas.

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para

poder captar el efecto óptico completamente, por lo tanto se puede decir que no existe ningún
aspecto emocional en las obras. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte
cinético es más bien escultórico. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas
rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios
de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras
geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Tras la Segunda Guerra
Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por
comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En
sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin. En
esta época el centro del arte es, definitivamente, Nueva York.

Pop art

El arte pop (Pop Art) fue un importante tipo de arte del siglo XX que se caracteriza por el empleo
de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop,
como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con
otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a
través del uso de la ironía.

Andy warhol

Se puede decir que hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial
de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran
particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban
con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su
primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era
infrecuente, sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con
discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como
ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista.31 Por
entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de
arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el
estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató
de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico.
El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo
aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser
conocido como «el Papa del Pop») se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol
comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos
animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas
salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy
en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la
representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió
también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. Se trataba en cierto sentido de
devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en
el Renacimiento.

Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos
en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía
precisamente en evitar la huella personal del artista en beneficio de unos temas que aunque
eran considerados «anti-artísticos» constituían la esencia de la cultura de la sociedad del
bienestar estadounidense. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se
veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor,
Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus
indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema.
El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la
construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte.35
Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar
por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en
cierta ocasión que «todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie.

Influencia de las manifestaciones artísticas en el diseño

1. Diseño de moda

El arte y la moda siempre han tenido una relación estrecha.

Es una temática que va más allá de estas colaboraciones y que cuestionan los mismos límites
entre el arte y la moda. Estos interrogantes, surgen desde hace algunos años cuando el Museo
Metropolitano de Nueva York, conjuntamente con curadores y empresarios de la moda, como
Anna Wintour, directora de la Revista Vogue, inició sus exposiciones de moda.

Cada año, en el Museo Metropolitano de Nueva York (el Met), una de las instituciones artísticas
más importantes del mundo, se realiza la Gran gala de moda donde asisten diseñadores,
modelos, empresarios, celebridades y fashionistas de cada rincón del planeta, para darle
apertura a una exposición en homenaje a un diseñador. En 2011, por ejemplo, fue en memoria
de Alexander McQueen, curada basándose en los temas más reiterativos del difunto diseñador:
el romanticismo, lo gótico, la guerra, entre otros.

La mayor influencia de las manifestaciones artísticas en la moda son expresiones estéticas. Es

decir, son una forma en como los seres humanos expresamos pensamientos y sentimientos,
comparten la visión de querer expresar.
Y hay otra influencia, la del coleccionismo y compra obsesiva de la moda y el arte. La
impulsividad de algunas personas por adquirir la Kelly Bag de Hermés o un cuadro de Andy
Warhol, crece cada vez más. Lastimosamente, mucha gente realiza estas transacciones por
estatus o por controlar el mercado del arte, o por el simple gusto de poseerla. Otros,
afortunadamente lo hacen porque la moda y el arte les apasiona. Porque saben que una pieza
de alta costura es para llevar en una pasarela y tenerla como objeto de exhibición; así como una
colección de arte conscientemente comprada es a sabiendas que en el futuro se va a dejar al
público para que lo contemple y aprenda de ella.

2. Diseño gráfico

Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos
profesionales: el dibujante o el impresor. El primero estaba formado como artista y el segundo
como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de artes y oficios. Para el
impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas en sus
composiciones impresas. El dibujante veía a la tipografía como un elemento secundario y
prestaba más atención a elementos ornamentales e ilustrativos.

El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue
una reacción contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX.

El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo

tipográfico en una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se
mantuvo hasta fines del siglo XIX. El

Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor
orden visual en la composición.

Durante la tercera década del siglo XX se desarrollaron aspectos interesantes para la

composición del diseño gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra
una reacción contra el organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un
estilo más despojado y geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el
suprematismo, el neoplasticismo, el De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e
ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del siglo XX. Otro elemento importante en relación
a la práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional.
Este elemento apareció sobre todo en los diseños producidos por el Dada y el De Stijl.

Un hito importante fue la publicación del Manifiesto Lo primero es lo primero (1964),

que era una llamada a una forma más radical de diseño gráfico, criticando la idea del diseño en
serie, carente de valor. Tuvo una influencia masiva en toda una nueva generación de
diseñadores gráficos, contribuyendo a la aparición de publicaciones como la revista Emigre.
 Los avances de principios del siglo veinte fueron fuertemente inspirados por avances
tecnológicos en impresión y en fotografía. En la última década del mismo siglo, la tecnología
tuvo un papel similar, aunque esta vez se trataba de ordenadores. Al principio fue un paso atrás.

3. Diseño de interior

Las relaciones de la arquitectura con las otras artes plásticas tienen su origen en la Antigüedad.
Ya en Oriente Próximo y en Egipto era práctica habitual decorar los templos y las tumbas
con relieves y pinturas murales, especialmente los interiores. En Grecia y en Roma la pintura
mural y, en ocasiones, el mosaico formaba parte fundamental de las decoraciones de los
interiores arquitectónicos. Las pinturas ilusionistas tienen perspectivas arquitectónicas surgidas
durante el Renacimiento y llevadas a su perfección a lo largo del Barroco que, en ocasiones,
además de una función decorativa podían tener como objetivo paliar o disimular defectos de la
arquitectura que las acogía. En ellas se superan los límites físicos de la arquitectura real,
ampliando indefinidamente los espacios a través de perfeccionadas técnicas pictóricas y de
perspectiva. Leonardo da Vinci «abrió» la pared del refectorio del Convento de Santa María de
las Gracias, en Milán, al pintar una Santa Cena cuyo fondo arquitectónico, con tres ventanas, es
una prolongación de la arquitectura real del comedor del convento.

Con el advenimiento de los nuevos materiales industriales que propician un nuevo tipo de
arquitectura, las superficies antes destinadas a recibir decoración mural desaparecen casi por
completo, siendo sustituidas por grandes aberturas. Nuevos valores espaciales, volumétricos y
lumínicos han sustituido a los que dominaron en otros períodos. Sólo en contadas ocasiones la
arquitectura actual da cabida a murales o paneles que, en la mayor parte de los casos, son
considerados en función de su valor intrínseco, de la importancia del artista autor de los mismos,
que a su significación en el conjunto del edificio. Dentro de esta tendencia, por la relevancia de
los pintores a los que se realizaron los encargos, y sin abandonar el marco español.

A lo largo de la Historia del Arte vemos como relieves y esculturas se acoplan a las formas
arquitectónicas, recubriéndolas, sustituyéndolas, adoptando incluso en ocasiones su función.
Éste es el caso de las cariátides o estatuas femeninas portantes que suplantan o sustituyen las
columnas, por ejemplo, en el pórtico del templo griego del Erecteión en la Acrópolis ateniense.

En las últimas décadas asistimos a un fenómeno contrario al expuesto, es decir, a la utilización

por parte del artista plástico del hecho arquitectónico en su beneficio, tomándolo como soporte,
como matera de trabajo y de experimentación. Los modos son múltiples y, entre otras
posibilidades, pueden ir desde la simple utilización de la arquitectura como tema, como es el
caso de los interiores de museos pintados por Miquel Barceló, o de las arquitecturas de sobrias
columnatas de Anselm Kiefer, a la intervención en el espacio arquitectónico de una manera
temporal, modificándolo.