PRESENTACIÓN

El día 21 de julio de 2018, lxs participantes del Taller de verano en curaduría 2018
visitaron las casas y talleres de cuatro artistas que viven en Oaxaca: Jessica Wozny
(Langenfeld, 1978), Lissette Jiménez (Matías Romero, Oaxaca, 1987), Luis Hampshire
(Oaxaca de Juárez, 1975) y Plinio Villagrán (Ciudad de Guatemala, 1979) para conversar
y conocer su trabajo artístico. Cada uno de los cuatro ensayos en esta publicación ha sido
escrito por múltiples manos, y es resultado de un ejercicio de diálogo y discusión colectiva
entre lxs participantes del taller, posterior a las visitas. Agradecemos a Jessica, Lissette,
Luis y Plinio su generosidad y disposición para la realización de este ejercicio que
esperamos abra el campo de la escritura sobre arte y el pensamiento desde la curaduría.

Carmen Cebreros Urzaiz

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Visita al taller
de Jessica Wozny
Marcela Rivera, Mónica Pacheco, Citlali Zavala,
Madsá Juárez, Chichis Glam, José Cernas y José
Manuel Bautista.
Una escultura compuesta por tres cuerpos
voluminosos que, en conjunto, parecen
formar un falo nos recibe un sábado al
mediodía en el estudio de Jessica Wozny. responden a la afición de esta autora por
Se trata de “Conspiración” (2014). Tejidos y
pintados en un gris que podría representar Para Jessica, crear una obra es decidir,
el mundo de la burocracia, los volúmenes
yacen desparramados sobre tres sillas
colocadas en círculo. “¿De qué hablarán
estos tres personajes?”, pregunta la artista vuelve creación. Ella experimenta con los
y nos provoca risas. “¿Será una crítica al
patriarcado? ¿Estarán conversando?”,
pensamos nosotras.
Encontrarse frente a una obra de Wozny
no precisa buscar claridad o significados
únicos. Sin embargo, como parte de un
ejercicio de entendimiento de un cuerpo de
obra en el que hay más caos que orden, y
donde la pintura y la escultura parecieran
significar mucho y nada a la vez, conviene
entablar un diálogo con la creadora para
conocer mejor sus mecanismos de
producción. Jessica Wozny es una artista
que no busca crear un estilo. Su objetivo no
es ceñirse a una técnica ni a un proceso para
perfeccionarlo, ni especializarse en un tema
en particular. Debemos entender sus piezas
como una práctica, un posicionamiento
frente al mundo, una parte de la vida misma,
de la realidad y de las relaciones sociales que
constituyen a esta autora.
Su búsqueda constante se refleja
especialmente en los materiales que usa emociones.
para crear. Su materia prima son objetos
que podríamos encontrar en la casa de
cualquier persona, que se compran para
cumplir con un uso específico y que, al
agotarse, se convierten en desechos:
esmalte para uñas, estambre, papel
mientras crea, sin que sus obras sean esquiva la rigurosidad en pos de lo lúdico, el
producto del azar, pues elabora bitácoras aprovechamiento de los errores técnicos y la
de obra, registra referencias encontradas en potencia de las sorpresas, los imprevistos y
sus lecturas, anota ideas y hace listas de el goce de lo no anticipado.
materiales que posiblemente jamás utilice,
pero que son parte fundamental de su forma
de trabajo.
Las piezas de Wozny generan
aluminio, cajas de cartón, masking tape… desconcierto, inquietud y extrañamiento que
Ninguno proviene de una tienda subvierten lo que tradicionalmente se
especializada para artistas; todos entiende como arte. Su improvisación
acumular cosas que llaman su atención.
ver y experimentar cómo se comportan
sus inusitados y cambiantes materiales.
Reutilizar desperdicios es un juego que se
tejidos de gancho que su abuela le enseñó,
los plastifica, encapsula y, de esta manera,
modela los volúmenes de sus esculturas.
La interacción entre materiales la empuja a
decidir qué color tendrán, cómo estará
dispuesto el volumen en el espacio, cuál
será el diseño de su montaje, entre otras
cuestiones formales. Wozny experimenta
con las relaciones entre estados físicos y
materiales eludiendo saber bien a bien cómo
y cuándo culminará dicho experimento. La
artista nos hace recordar la infancia, cuando
podíamos apreciar y dar forma a algo nuevo
a partir de los objetos que los adultos
descartaban, como los fragmentos de
estambre de mamá, empaques de
alimentos, o cualquier fragmento de material
hecho a un lado. Al contemplar las obras de
Jessica, pareciera que vemos a una niña
que juega con lo que va encontrándose en
su casa, sin obedecer las reglas de la lógica
sino más bien respondiendo a sus
Su obra cobra forma simultáneamente al
resto de sus actividades diarias como mujer,
madre y esposa. La manufactura, el tejido,
el modelado, la pintura y el dibujo son parte
sustancial en su manera de hacer arte, al
igual que la escritura, indispensable en la
construcción de sus obras. Ella improvisa
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Ahora, la silla blanca deambula a pie de carretera, abriéndose
paso entre la maleza y campos abiertos de tierra, como si su
destino en esta segunda vida fuera ser testigo de la duración
del olvido en una temporalidad imaginaria.
Adriana Flores, Daniela Granados
Fernanda González, Laura Cravioto y Perla Jiménez 

Aquellos lugares donde la hierba Mediante un lenguaje de sutilezas apenas

finalmente ha derrotado al concreto y perceptibles, como el movimiento de la
continúa creciendo sin dirección, donde el hierba, las ondas en un estanque de agua o
tiempo parece dislocarse de la realidad, allí algún sonido lejano, nos damos cuenta de
trabaja Lissette Jiménez, distante de la que, esas cosas que parecían desterradas,
producción dentro de un taller. Andar a la en realidad habitan y deambulan con
deriva en esos espacios limítrofes de la resignación en el campo abierto. Su única
urbe o donde hubo asentamientos humanos, intención es disfrutar ese paisaje al que
y ahora hay ruinas arqueológicas, permite fueron arrojadas, en este tiempo que es su
a Lissette recolectar objetos que después segunda vida.
examina, dispone o desecha. Esta artista Actualmente, Lissette realiza una
entabla una relación poética con materiales investigación sobre la historia de Unión

Fotografías: Adriana Flores

industriales, tepalcates y vasijas rotas, a Zapata, un municipio cercano a la ciudad de
partir de sus exploraciones espaciales y Oaxaca que se pobló hace muy poco. Esta
temporales—como una arqueóloga localidad posee una colección arqueológica
motivada por la incógnita que le despiertan y un museo comunitario conformados por
los fragmentos que han perdido su función hallazgos recientes. La artista investiga la
o que, simplemente, ya no son reconocibles conexión afectiva e histórica entre los
más que en su materialidad contemporánea. habitantes y los restos prehispánicos que
Lissette recupera lo que más le interesa estos pobladores han vuelto parte de su
de los objetos o de los contextos donde los identidad. En este caso, la investigación de
encuentra. Por ejemplo, en “Parabrisas” Lissette enfoca las relaciones sociales
(fotografía de 2006) muestra la huella que detonadas por los vestigios previos a su
dejó el cristal sobre la hierba seca con el existencia como piezas en exhibición. El arte
paso del tiempo. En la serie fotográfica es una intervención por ocurrir en el campo
“Apunte sobre el ocaso de un río” (2016), de las experiencias recíprocas, fruto de los
explora la relación entre el paisaje y un vínculos subjetivos establecidos entre la
elemento aparentemente ajeno al colocar artista, la comunidad y el museo
un vidrio roto entre las piedras de un río. comunitario.
“Crecentos” y “Redivivo”, ambos de 2016, El quehacer artístico de Lissette Jiménez
son relatos en video sobre una mutilada desdibuja los límites entre disciplinas, y la
silla plástica de jardín, abandonada entre la sitúa como intérprete de códigos que
maleza en distintos escenarios. Lentamente, traduce en lenguajes visuales o en
la silla, cobra vida en un esfuerzo por dinámicas sociales que nos hacen
articular un movimiento—tal vez un intento replantear el papel actual del arte como un
por bailar ante la suave melodía que suena potencial agente de cambio.
al fondo. Pero cuando parece lograrlo,
súbitamente la ensoñación es interrumpida
y somos situados de vuelta en este olvido.

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El detritus como posibilidad de festiva y la otra decadente. caos planeado y cuidadosamente
creación en la obra de Luis El humor es clave en la obra de Hampshire representado, recurso persistente en la
Hampshire pues caricaturiza la desintegración y el obra de este autor.
desbordamiento de los cuerpos. Un claro Por último, las pinturas de Hampshire son
Fernanda Ramos, Raquel Rodríguez y Dea López ejemplo de este recurso puede distinguirse un gran collage de realidades que atraviesan
en “Parangones” (2010-2014), una serie de el cuerpo del individuo y el cuerpo social
páginas de revistas en las que pinta Como una película pausada en el momento
La acumulación de residuos sólidos en las configuraciones de una identidad. personajes con óleo directamente de la explosión, sus obras nos muestran una
grandes ciudades, catástrofe y emergencia Este tipo de obras emplean diversos encimados en los modelos fotografiados, sociedad sin posibilidades de dar forma a su
medioambiental a nivel internacional, elementos para mantenerse en pie sin pero respetando el escenario de fondo; el propio caos que es pulsión destructiva y, a la
inspiran el concepto de detritus, central en la necesitar de un muro como soporte. En excedente matérico y plástico genera un vez, posibilidad de creación.
obra de Luis Hampshire. Para él, la basura “New Year” (2010), pintura y collage de gran
representa una posibilidad de creación. Su formato, Hampshire utiliza pedazos de
trabajo señala una realidad social en la madera a modo de rompecabezas que,
que las ciudades fungen como grandes como en una explosión, salen expulsados
basureros de historias vividas, de la estructura principal; sobre estos
fragmentadas y desechadas; por otro fragmentos pinta signos que aluden a
lado, hace referencia a la transformación desechos ordinarios miméticamente
y deterioro del cuerpo humano. Hampshire representados. Una caja de madera sólida
convierte los desechos en el eje de su obra simula ser un cartón de cervezas inscrito
mediante la representación pictórica y la con los logotipos de las dos marcas más
recuperación de elementos considerados consumidas en México. Mientras que
inservibles. Recorta, ensambla y elabora faslifica un material más frágil, este bloque
collages con los materiales que se apropia. sirve de base a un contenedor de basura
La disposición de estos objetos encontrados desbordado en donde los desechos
(o imaginados) a veces es deliberada, otras naturales e industriales se confunden y
veces no. A continuación describiremos mezclan, evidenciando el desorden después
algunas obras en las que identificamos del festejo de año nuevo.
operaciones propiamente pictóricas que El caos y la explosión se repiten en
combinan el uso del collage, los guiños “Tendido” (2013), donde vemos en primer
hacia la escultura y el uso de motivos plano unos calzones atrapados en unos
recurrentes (por ejemplo las vetas de la pilotes como si se tratara de dos piernas.
madera). Sin embargo, al ver con mayor detenimiento
Las “pinturas sostenibles” de Hampshire la escena, no hay un cuerpo sino una
se valen del desorden para representar la mancha rosada que imita una explosión; su
acumulación de recuerdos. Cuando se color nos hace pensar que esa ropa interior
relatan historias o anécdotas de vida, sólo alguna vez fue ocupada por un ser vivo que
rescatamos aquello seleccionado por colapsó. Las composiciones de Hampshire
nuestra memoria. Nadie puede corroborar hacen del caos una escena humorística y, a
si el relato es ordenado, caótico o si los su vez, nos sitúan en un escenario teatral
elementos que utilizamos resultan los más donde los imaginarios se fragmentan
relevantes. El artista reúne objetos para él constantemente. En “Tendido” podemos
valiosos y que forman parte de su contexto observar el deterioro del contenido pictórico,
cotidiano, pero que vistos por cualquiera algo que no sucede en “New Year”. En el
ajeno a su historia podría considerarlos primero vemos desgaste y decadencia; en el
basura. Podemos leer los ejemplos de segundo, una composición formada de
“pintura sostenible” como construcciones residuos que aluden a una celebración. Se
en tanto edificaciones monumentales o trata de dos explosiones muy distintas, una

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 Tendido (De la Serie Impulso detrito), 2013 Parangunes (Madame Sorosie), 2010-2014
Óleo sobre tela Óleo sobre página de revista
50 x 50 cm. 28 x 21 cm.

New Year, 2010

Óleo, madera
recortada, collage,
tela, mecate y
basura
210 x 80 x 80 cm.

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Fragilidad y permanencia de lo corpóreo a través de las capas
del tiempo. El arte de Plinio Villagrán
Paula Martins, Laura López, Marina Ortiz, Karla
Ricalde y Abril García

El jueves 31 de enero de 1980, la policía Para explicar toda la naturaleza, no basta ni un su padre para que siguiera una carrera 200,000 cuerpos—saldo de cuatro décadas
de Guatemala invadió la embajada española hombre ni una edad completa. En su lugar, lo militar, Villagrán se formó como arquitecto. de violencia estatal. Esta pieza utiliza las
de ese país y asesinó a treinta y siete mejor es que el hombre busque un poco de Esta formación le ha permitido hablar de estructuras arquitectónicas como espacios
personas prendiéndoles fuego con fósforo verdad y certeza, dejando el resto para los los espacios arquitectónicos históricos en de proyección y discusión de los sucesos
blanco. Este evento dista escasos meses demás, para los que vendrán, con conjeturas relación con la frágil corporeidad del ser de violencia ocurridos y olvidados. La
de la fecha de nacimiento de Plinio Villagrán y sin dar nada por hecho. humano. Los lugares que a lo largo del instalación fue diseñada como un vacío
(24 de diciembre de 1979). Una situación Isaac Newton tiempo han sido testigos de violencias para habitarse. Durante la residencia de
atraviesa los recuerdos de niñez de este políticas son tangibles en uno de sus este artista en Buenos Aires, se
artista guatemalteco: las pláticas que no se procedencia histórica, política y social últimos trabajos, “E-III-3”, resultado de la desarrollaron una serie de charlas en el
debían tener en las reuniones familiares y de un archivo debe antes analizársele Residencia Internacional Matienschön interior de la instalación y fue proyectado
aquellas en las que debía bajarse el volumen críticamente, y posteriormente hacer del Club Cultural Matienzo (Buenos Aires, el video del artista argentino Maxi Bellman.
al hablar. explícitas las condiciones en que ese 2017-18). En esta instalación, Plinio recrea Mediante esta dinámica la pieza se
Su padre, médico, estudió durante la archivo es retomado y mostrado. Los uno de los montículos del sitio arqueológico transformó en un espacio de expresión
década más violenta de la guerra en libros de prácticas médicas forenses y la de Kaminal Juyú (Colina del muerto) colectiva.
Guatemala, cuando en 1962 se crea el grupo utilización de archivos visuales de internet ubicado en la actual ciudad de Guatemala. Este artista emplea una metodología
guerrillero “Movimiento Revolucionario 13 de son herramientas que este artista utiliza Hoy en día este montículo ya no existe, pero multidisciplinaria de trabajo; investiga
noviembre”, activo hasta 1971. Documentos, cuidadosa y responsablemente. tiene una relación importante con la ciudad situaciones históricas, políticas y sus
fotos y archivos médicos del librero de Además de los archivos médicos, de Guatemala, pues se ubica cerca del repercusiones sociales a través de la revisión
su padre siempre llamaron la atención del la pintura expresionista alemana osario del cementerio “La Verbena”. de archivos e imágenes contemporáneas
joven Plinio. En su proyecto “Trópicos”, (particularmente el movimiento de la Actualmente, antropólogos forenses de que localiza en la red. Como resultado de
varios libros de artista realizados en 2014, “Nueva Objetividad”) y los códices mayas Guatemala y Argentina analizan restos esta metodología, genera collages, acuarelas
retoma el Atlas de dermatosis tropicales, un son también referentes en su trabajo. De la exhumados en este sitio, en busca de e instalaciones. Así nos demuestra su
volumen en el que el cuerpo y la geografía pintura alemana retoma el carácter social desaparecidos del conflicto armado de versatilidad como productor artístico y
están directamente relacionados. Villagrán del arte, la denuncia de los excesos militares Guatemala, entre los años 1960-1996. como investigador. Plinio Villagrán no
clasifica imágenes, las edita y crea collages en tiempos de guerra y la corporalidad En esta instalación Plinio sobrepone hechos propone resoluciones ni responsabiliza al
que replican esquemas clínicos violentada como consecuencia. Estos que se repiten en momentos y lugares arte del cambio en materia de verdad y
comparativos. Así, refiere a las problemáticas aspectos están reflejados en la obra distintos. En “E-III-3” coinciden la muerte, justicia, tan necesario para nuestras
no del tejido dérmico sino del social: “Trauma”, una serie de acuarelas de 110 x 80 la violencia, las desapariciones de personas sociedades, pero sí nos muestra su papel
violencia, explotación y duros procesos de cm en la que pueden verse las marcas que y el continuo hallazgo de fosas comunes. como generador de una conciencia crítica
migración en los países ubicados en la línea la violencia y la tortura ha dibujado en los Así, el artista equipara la situación que vivió frente a los acontecimientos históricos que
tropical. rostros de varios hombres jóvenes. De los Guatemala hace algunas décadas y lo que ha vivido en Guatemala y que actualmente
El uso de archivos diversos se ha códices mayas le interesa el sistema de vive México hoy. vive en México.
convertido en una estrategia muy común escritura, la secuencia de signos, una “E-III-3” es una intervención arquitectónica
en el arte contemporáneo. Aunque sea estética que analiza y cuenta historias. En en el espacio de exposición recubierto
un recurso plenamente sancionado, sus collages, Villagrán presenta imágenes por una capa blanca a lo largo de toda la
señala Plinio, debe utilizarse con extrema deconstruidas, secuencias, recreaciones superficie. En los estratos aún visibles
precaución. Es necesario poner en tela de y códigos lingüísticos fragmentados que del montículo al que la instalación hace
juicio todo lo que rodea al archivo al que, esperan una nueva integración e referencia, se encuentran las tumbas de
como artista, se pretende recurrir. ¿A partir interpretación. los primeros gobernantes de la ciudad
de qué situación se originó? ¿Quién tiene Este artista ha problematizado el espacio prehispánica. Por encima de ese nivel
el dominio de ese archivo? ¿Qué registra y el tiempo desde distintos campos hay oficinas de gobierno, un hospital
y a quién muestra? Para contextualizar la profesionales. A pesar de la insistencia de psiquiátrico y un cementerio donde yacen

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CRÉDITOS DE LA
PUBLICACIÓN

Coordinación y cuidado de la edición Participantes del Taller de verano en curaduría 2018

Carmen Cebreros Abril García
Adriana Flores
Corrección de estilo Chichis Glam
Carmen Cebreros y Nahui Twomey Citlali Zavala
Daniela Granados
Diseño editorial Dea López
Hazam Jara y Miguel Martínez Fernanda González
Fernanda Ramos
Fotografía (páginas centrales) José Ángel Cernas
Nahui Twomey José Manuel Bautista
Raquel Rodríguez
Textos Karla Ricalde
Marcela Rivera, Mónica Pacheco, Citlali Laura Cravioto
Zavala, Madsá Juárez, Chichis Glam, José Laura López
Cernas, José Manuel Bautista (“Visita al Madsá Juárez
taller de Jessica Wozny”), Adriana Flores y Marcela Rivera
Daniela Granados, Fernanda González, Laura Marina Ortiz
Cravioto y Perla Jiménez (“Ahora, la silla Mónica Pacheco
blanca deambula a pie de carretera”), Nubia Vásquez
Fernanda Ramos, Raquel Rodríguez y Dea Paula Martins
López (“El detritus como posibilidad de Perla Jiménez
creación en la obra de Luis Hampshire”), Rocío Barrita
Paula Martins, Laura López, Marina Ortiz,
Karla Ricalde y Abril García (“Fragilidad y
permanencia de lo corpóreo a través de las
capas del tiempo. El arte de Plinio Villagrán”).

La coordinadora del taller agradece a:

El Centro de las Artes de San Agustín, Daniel Brena, Javier León, Laura López, Hazam Jara
y Miguel Martínez. A los artistas que nos permitieron visitar sus espacios de trabajo
Jessica Wozny, Lissette Jiménez, Luis Hampshire y Plinio Villagrán. A Marcela Rivera y Perla
Jiménez (Biblioteca de Investigación Juan de Córdova) por el espacio para realizar la sesión
extraordinaria de escritura. A los talleristas Andrea Paasch y Jaime Ruiz Otis. A Jou Morales
y Paul Meixueiro (IAGO) y Mérida Cristina López (Biblioteca IAGO). A todxs lxs participantes
de este taller. Al Programa de Apoyo a la Docencia, Investigación y Difusión de las Artes del
Cenart por el apoyo recibido para la realización de este taller y esta publicación.

Impreso en risográfica en el Centro de las Artes de San Agustín

Agosto 2018