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Diseño de
Iluminación Teatral
Trabajo Final
Alestra, Gisela C.; Fernandez, Cristal A.; Ferreyra, Lucía N.
Objetivos
EXTERNOS
Difundir los conocimientos adquiridos.
INTERNOS
Conocer diferentes efectos y sensaciones que se pueden lograr con la
luminotecnia en los escenarios de teatro; sus técnicas y aplicaciones.
Conocer las diferentes herramientas y elementos que se utilizan para ello.
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UM · FAUD · LICENCIATURA EN DISEÑO INTEGRAL · METODOLOGÍA DE LA INVESTIGACIÓN ·
GABRIELA FERNANDEZ
Preguntas
¿Qué es la luz?
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Justificación
La iluminación escénica es fundamental, ya que esta contribuye para crear
diferentes sensaciones y espacios en el ámbito teatral.
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Marco Teórico
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ÍNDICE
1. La luz
1.1 Definición y concepto
1.2 La luz en el teatro.
1.3 Propiedades de la luz
1.3.1 Refracción
1.3.2 Propagación y difracción
1.3.3 Interferencia
1.3.4 Reflexión y dispersión
1.4 Luz natural
1.5 Luz artificial
1.5.1 Estilos de iluminación
1.5.2 Los colores
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5. Iluminación escénica
5.1 Diferentes tipos de efectos de luz con focos.
5.1.1 Luz cenital
5.1.2 Luz frontal
5.1.3 Luz lateral a 45°
5.1.4 Contraluz
5.1.5 Luz rasante
5.1.6 Luz ambiental
6. Nociones técnicas
6.1 Color
6.2 Mesa de control o mesa de mezclas
6.3 Técnico de luces
6.4 Cómo realizar un diseño de iluminación.
6.5 La pasada de luces.
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I · LA LUZ
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1. LUZ
1.1Definición y concepto
La luz es una energía electromagnética radiante que por esta condición puede ser percibida sin
ningún tipo de problema por el ojo humano. Obviamente, desde hace unos cuantos siglos atrás,
distintos científicos o simplemente personas interesadas en el estudio de la materia se vienen
ocupando del estudio de este fenómeno de la luz, sin embargo, desde su creación hace unos años,
es la óptica la disciplina que se encarga del estudio de las principales formas de producir luz, su
control y aplicaciones.
La luz no tiene visibilidad por sí misma. Esto es algo que muy poca gente recuerda, quizás por
tratarse de una abstracción que sólo se convierte en realidad cuando
“algo ” se hace visible..Y ese algo no es la luz sino aquello que la refleja. La luz cuenta cómo es la
apariencia de las cosas, qué se muestra y qué se oculta. “La luz que revela la forma”.
Además la luz –con su lenguaje propio – interviene en un espacio y nos emociona o nos cuenta
una historia. Puede constituirse en “acción dramática” sin la presencia de actores. Así como en un
amanecer o un atardecer el sol es el protagonista de la acción, lo veamos o no, la luz puede ser “el
actor .” Su acción transforma todo lo que vemos.
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1.3.1 Refracción
1.3.3 Interferencia
El fenómeno de las interferencias se puede ver también de forma natural en las manchas de aceite
sobre los charcos de agua o en la cara con información de los discos compactos; ambos tienen una
superficie que, cuando se ilumina con luz blanca, la difracta, produciéndose una cancelación por
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interferencias, en función del ángulo de incidencia de la luz, de cada uno de los colores que
contiene, permitiendo verlos separados, como en un arco iris.
Luz diurna, luz del día o luz natural, es una combinación de toda la luz solar exterior durante el día
(y tal vez también durante el crepúsculo). Esto incluye luz solar directa, radiación difusa del cielo, y
(a menudo) ambos reflejados desde la Tierra y los objetos terrestres. De este modo, el claro de
luna no es considerada luz diurna, aun siendo "luz solar indirecta". Día es (en el lenguaje cotidiano)
el período durante el día en el que la luz diurna está presente.
La luz diurna se presenta en un sitio particular, en cierto grado, siempre que el sol esté sobre el
horizonte de ése sitio. Con nubes tempestuosas espesas con el sol en el horizonte, lo que podría
crear sombras de luces callejeras lejanas y visibles. Puede estar más oscuro en circunstancias
inusuales como un eclipse solar o muy altos niveles de humo atmosférico.
De manchas: distribuye todo un conjunto de manchas luminosas por las superficies y perfiles del
decorado, que se encuentra escasamente iluminado por una débil luz difusa.
De zonas: crea una serie escalonada de zonas de luz de mayor a menor luminosidad; de esta forma
se centra la atención, se ayuda a expresar la distancia y se crea un ambiente.
De masas: imita el efecto natural de la luz.
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Según el color de la fuente de emisión se produce un efecto sobre el estado anímico de las
personas: las fuentes de alimentación blancas (iluminación diurna) "activan" (producen un "estado
de ánimo diurno"), mientras que las bombillas tradicionales, con una elevada composición de rojo,
producen pasividad y un estado de ánimo de tarde-noche (de atardecer).
Otra característica es que el rojo e infra rojo son emisores térmicos, con elevada transmisión de
calor, y que son las frecuencias de onda que absorben principalmente las plantas durante la
fotosíntesis (de ahí que dejen las frecuencias residuales, que no procesan a energía química: el
verde). Según el color de la luz, se clasifican las lámparas en tres categorías: luz cálida (alto
porcentaje de rojo, bombilla tradicional), luz neutral (para el trabajo, oficinas, tiendas, etc.), y luz
diurna (usada en elevadas necesidades de intensidad de iluminación).
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2.1 LA ESCENOGRAFÍA
Definimos al “Diseño de iluminación” como el uso creativo de la luz para reforzar el entendimiento
y la apreciación de una producción visual.
La función práctica de la luz es la de hacer visible el espacio. La luz ilumina el lugar, lo hace
evidente, de modo que aparezca como tal espacio. Junto a esta función práctica, la luz puede
adoptar funciones simbólicas y significativas, pues todas las culturas han formado un código
simbólico de la luz, basado en la contraposición entre luz y oscuridad, con sus matices de sombra,
y en la alternancia de día y noche, con sus tiempos lumínicos intermedios. Por ejemplo, alba,
aurora, amanecer, mañana, mediodía, tarde, atardecer, ocaso, noche, madrugada, forman un
campo simbólico, no sólo natural, asociado a ideas y sentimientos.
En el teatro se emplea la luz tanto en su función práctica como simbólica, siempre que se pueda
imitar o crear las condiciones semejantes a los efectos de iluminación que se quieran conseguir. En
su segunda función, la simbólica, entró a formar parte del código teatral tardíamente, hace
relativamente poco tiempo, pues su uso significativo hizo su aparición primero con la luz de gas y
más adelante con la luz eléctrica y las nuevas tecnologías; entonces tomó carácter significativo, ya
que existía la posibilidad técnica de manipularla y configurarla como código significativo.
Las representaciones en la Antigüedad y en la Edad Media se realizaban a la luz del día (mañana o
tarde) y al aire libre, con lo cual la luz era la natural, tanto para espectadores como para el
escenario.
En la Edad Media la iluminación natural, adquiere una nueva significación por la religión.
Las iglesias construidas a fines del período Románico poseían aberturas circulares que permitían el
paso de los rayos del Sol.
Estas aberturas estaban ubicadas en lugares estratégicos de las paredes convirtiéndose así en
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Más adelante en la línea del tiempo nos encontramos con los Constructores de Catedrales, hábiles
artesanos que se reunieron en logias según los oficios que desempeñaban; por otro lado los
abades que regían las iglesias buscaron formas novedosas de convocar feligreses y de transmitirles
los conocimientos religiosos.
En el siglo XX, algunos autores y directores de escena, renuncian al uso de la luz como código de
significado, prefiriendo una iluminación general y “natural”, como hizo Bertolt Brecht, pero en ese
caso, al existir ya un código lumínico teatral, la renuncia a él tenía también un valor de signo
negativo, el rechazo a la ilusión y a la inmersión propias del teatro burgués.
En el teatro actual se puede realizar teatro con la luz natural o artificial, aunque es mucho más
utilizada esta última.
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El diseño de iluminación es un trabajo con base en la luz y no forma parte del fenómeno natural
porque uno trata de recrear o inventar atmósferas relacionadas con un momento, un tema, una
idea, un objeto, usando recursos técnicos con luz artificial dentro de un espacio. El diseño de
iluminación nunca será un efecto natural sino una imitación.
Dentro del teatro u otro lugar, el diseño de iluminación será siempre un evento artístico. En la
danza, la ópera, el teatro, un performance, la arquitectura, etc., la iluminación es esencial para los
efectos visuales que se produzcan en el espacio, reforzando lo que cada una de éstas
manifestaciones quiera transmitir.
3.1.1.1 El naturalismo
Sigue la ubicación lógica de las fuentes de luz en una escena y a esto se denomina a menudo
iluminación justificada. Por ejemplo, si se fotografía a dos personas situadas una frente a la
otra en una escena exterior con luz día y una de las personas se encuentra a contraluz, la otra
persona debería estar a plena luz del sol.
3.1.1.2 El pictorialismo
• La iluminación en clave baja realza la profundidad usando tonos contrastados de altas luces y
sombras.
Sólo están bien iluminadas unas pocas zonas, dando como resultado más zonas de sombras. Esta
relación crea el efecto de clave baja.
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IV · LUZ ESCÉNICA
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4 LUZ ESCÉNICA
La luz es abstracta, libre, dinámica y – si se quiere- puede ser comunicativa. Decimos que la luz es
abstracta ya que es intangible, que es libre en tanto que no tiene reglas de cómo utilizarse y que
es dinámica porque tiene movimiento en sí: además de lo físico, es posible modificar la intensidad,
el brillo, los reflejos de ella. Por otro lado, la luz puede ser comunicativa siempre y cuando en su
diseño se busque transmitir algún mensaje o sensación a través de la manipulación de ella y su
color. A su vez, se considera que la luz es subjetiva ya que ella puede provocar emociones que
afecten de manera inconsciente nuestra sensibilidad y percepción.
Por otro lado, ya sea en un teatro o cualquier otro espacio, el diseño de iluminación pertenece al
campo de las artes siendo siempre primordial para la creación de efectos visuales deseados,
reforzando el mensaje de lo que cada uno de ellos quiere transmitir.
Definición y Características
La luz difusa o luz suave (o indirecta) es aquella que no es definida, sino que se dispersa en muchas
direcciones.
Este tipo de luz propicia un reflejo desbordado y una transición de la luz a la sombra menos
marcada. Las sombras que produce son débilmente delimitadas, es decir, que el efecto de la luz
Usos
La luz suave se utiliza para el modelado y definición de profundidad, ya que es favorecedora para
la mayoría de los rostros porque crea pocas sombras y tiende a envolver los objetos.
A su vez, si se la utiliza en demasía, puede “aplanar” los elementos del espacio.
Para lograr una luz difusa artificial, en general, se refleja una fuente dura sobre una superficie
reflectante irregular o se proyecta la luz a través de un medio difusor.
Definición y Características.
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La luz concentrada o fuerte (o directa) es aquella cuyo haz de luz puede verse perfectamente
definido.
En la luz concentrada no se percibe fuga alguna del haz ni reflejo fuera del contorno, es decir, el
paso de luz a oscuridad es directo. El efecto que esta luz produce sobre el elemento o persona a
iluminar es fácilmente controlable: depende de la distancia de la luminaria y del tipo de reflector,
cuanta menos distancia, menor será el área a iluminar y más concentrado e intenso será el haz.
Las sombras que este tipo de luz produce son definidas, y su tamaño es aproximadamente el del
objeto o elemento a iluminar, y si se reduce la distancia entre éste y la fuente de luz, la sombra
será mayor y menos nítida, y la luz dará la sensación de ser más dura.
Por último, la luz concentrada permite la conservación de su brillantez, debido a que se proyecta
perfectamente.
Usos
La luz dura sirve para crear sombras profundas e intensas, y siempre debe usarse con la
precaución de que no parezca falsa o muy localizada.
4.2.3 CONTRALUZ
El contraluz es la fuente que ilumina el lado del sujeto (u objeto) opuesto al objetivo. Esta luz se
utiliza para separar al sujeto (u objeto) del fondo, y para realzar la sensación de profundidad.
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4.4 Sombra
La sombra, en la iluminación escénica, no está entendida como “oscuridad” o “ausencia de luz”,
sino más bien como la proyección oscura de un elemento, contraria a la luz que lo ilumina. La
sombra es, pues, pareja de la luz, puesto que no existe la una sin la otra, es una sustancia positiva
por derecho propio y estimuladora de distintas percepciones.
Las sombras generadas pueden ser propias o arrojadas.
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V · ILUMINACIÓN ESCÉNICA
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5. Iluminación escénica
Cumple dos principales funciones: iluminar el escenario y a los actores y transformar el escenario
en una atmósfera perfecta a la obra. El público espera tener un 100% de visibilidad de los actores y
el escenario.
Hay dos grupos de iluminación, la indirecta, que es empleando luz reflejada o iluminación general,
y la directa, proveniente del sol o una lámpara. La utilizada por la comedia musical es la primera, y
para ello usan focos y proyectores. Con ellos, hay cuatro factores controlables: la intensidad, el
color, la distribución y el movimiento.
5.1.4 Contraluz
Ubicado detrás del objeto, el haz puede dirigirse sutilmente
encima o sobre el mismo. Su ángulo de incidencia es hasta 45°.
El efecto producido es de profundidad, el objeto se ve rodeado
por un halo de luz a su alrededor que contornea la silueta
perfectamente. La sombra producida es alargada, definida y
proyectada hacia el frente.
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VI · NOCIONES TÉCNICAS
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6. NOCIONES TÉCNICAS
6.1 Color
El color en la luz se hace con los filtros, hechos con láminas de acetato y teñidas de diversos
colores, se las llama “gelatinas”, que se vende por pliegos, de allí se recorta el cuadrado que se
necesita y se monta en un porta filtros colocado en la boca del foco.
Debido a las altas temperaturas no se deben utilizar filtros de otros materiales y también se debe
evitar que el filtro entre en contacto con la lámpara porque también se queman.
Para una iluminación general rara vez se usa el color blanco porque se come el color de los
decorados y los vestuarios. Siempre usamos la luz filtrada para resaltar el color de la escena,
aunque la combinación de colores de blanco. Puede causar mal efecto usar solo un color o una
sola gama de colores para iluminar una escena. Es mejor equilibrar las diversas gamas de color, si
el resultado es uniforme, el efecto se pierde.
Nunca mezclar colores montando filtros de distinto color sobre un mismo foco porque el efecto
distaría mucho del efecto buscado y restaría luminosidad al foco. Tenemos que probar los focos de
acuerdo con el vestuario para evitar efectos no deseados.
La mesa de control cuenta con un mando central o master que permite controlar todos los canales
a la vez, así podemos preparar la intensidad de los focos y conseguir que los canales elegidos
entren todos simultáneamente.
La velocidad con que aparezca cada efecto depende de la habilidad del operador al accionar los
reguladores.
La función principal del técnico de luces es controlar los efectos bruscos de encendido y apagado.
Un buen técnico debe utilizar siempre los reguladores incluso para encendido y apagado rápido (a
capón) y no darle al interruptor general. Con un encendido brusco hasta la máxima densidad
podemos deslumbrar al espectador. Mejor un encendido rápido de hasta un 60 ó 70% y después
hasta el 100%, así el iris del espectador se va acostumbrando a la luz. Para el apagado ocurre igual.
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El aumento necesario para que una lámpara empiece a arder es mayor que la disminución de
tensión que necesita para bajar la intensidad. El efecto entrante debe comenzar antes que el
saliente, porque las luces tardan más en encenderse que en apagarse.
1.- Necesidades de la obra: tener en cuenta los distintos espacios, la escenografía, cómo es el
texto, cómo se mueven los actores.
2.- Medios físicos: las dimensiones del escenario. Equipo con el que contamos.
4.- Conseguir una iluminación uniforme del espacio escénico, dividimos el escenario en zonas,
formando una cuadrícula. Cada zona tendrá 2,5 m2 aprox. Así cada cuadro podrá iluminarse
independientemente con un juego de focos, procurando que el actor que se sitúe en el centro que
de correctamente iluminado.
Este plano de luces se completa con un “plano de dirección de luces” donde se desglosa el croquis
del escenario, escena por escena, indicando en cada una la zona exacta hacia la que debemos
6.- Libreto para el técnico de luces. Tiene el texto completo del espectáculo y allí apunta en qué
momento entra cada efecto.
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Es pasar todos los efectos de luz, uno a uno sobre cada persona, y ver el resultado general.
Después suele haber un ensayo general donde el técnico comprueba todos los efectos a tiempo
real, controlando sobre todo la entrada y la salida (fundido).
Después se calientan los focos, media hora antes de que empiece el espectáculo. Si no están
calientes se pueden fundir al hacer luz a capón.
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Dentro del proceso creativo existen ciertos “objetivos” que la iluminación debe alcanzar en una
escenografía, y con los cuales Stanley Mc Candless redefine al diseño de iluminación como “el uso
de la luz para crear una sensación de visibilidad, naturalismo, composición y emoción (o
atmosfera)”. Para lograrlo, existen cinco puntos específicos en los que se centra esta disciplina: la
visibilidad selectiva (es decir, la utilización de la luz para lograr que cada espectador vea clara y
correctamente aquello que se quiere mostrar; esta visibilidad va cambiando de acuerdo al carácter
dominante cambiante de la escena), la revelación de la forma (o la modelación de la luz para crear
el carácter tridimensional), la composición del espacio (realizado de manera plástica para generar
un efecto pictórico en el ambiente), el impacto directo sobre los estados de ánimo (que no es otra
cosa que expresar mediante la luz emociones y estados de ánimo), y la información (es decir, dar
cuenta de los datos necesarios para comprender el hecho dramático, para generar fluidez en la
lectura de un espacio y de una obra).
La luz trabaja en esta captación de atención ya que produce un recorte del “elemento importante”
al controlar el contraste general de lo que se percibe. Su intensidad determina las áreas de mayor
pregnancia visual: cuanta más intensidad luminosa tiene un objeto, más atención concentrará.
Ante un contraste, la percepción distingue y separa lo principal de lo secundario, lo dominante de
lo recesivo. En los espectáculos teatrales, diferentes elementos, personajes y partes del espacio
pierden o ganan importancia, y la luz es una de las encargadas de resaltar el protagonismo de
ellos.
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7.1.1.4 INVERSIÓN
La visibilidad selectiva también puede darse por inversión, esto
es, visualizar una silueta contra un fondo muy iluminado, o una
abertura desde donde entra luz, que evidencia una forma no
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A través del modelado de luz y sombra, podemos revelar o esconder cuerpos, suprimir cabezas,
manos, resaltar músculos, trabajar con la forma en su detalle. También pueden sugerirse formas
en tridimensión delineando siluetas, a través de formas incompletas, utilizando luces en una única
dirección (de modo lateral o de contraluz, nunca de frente).
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7.4 Información
Cada puesta en escena tiene un sentido y una información que brindar. Siempre hay algo que se
expresa, alguna historia, algún relato, y la luz se encarga de facilitar la lectura de ello, incluso de
reforzarla.
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El impacto que la luz ejerce sobre nosotros es parte de un proceso de comunicación que se da
entre quienes representan la obra (en conjunto con el director, los productores, sonidistas, etc) y
los espectadores. La luz inevitablemente penetra y altera nuestro estado de ánimo: nos calma, nos
excita, nos aterra, nos aburre, nos divierte. Cualquiera sea la emoción o estado que se quiera
generar en el espectador, es controlable.
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La luz funciona en el teatro como un signo, como uno de los elementos de la comunicación que se
establece entre los responsables de la obra y su público espectador. La luz, en tanto signo funciona
en razón de su intensidad, su color, su distribución y su movimiento.
Existen diferentes posibilidades de significado de la luz, en tanto a que puede indicar:
8.1.1 UN LUGAR
La luz puede componer el espacio5, haciéndolo grande o reducido, al aire libre o encerrado,
creando caminos o senderos por los cuales caminar, generando rayos discontinuos y móviles que
simulen un bosque, puede remitir a una cueva si se concentra en tubo, al interior de una catedral,
o una habitación, llegando incluso a sustituir el decorado en su totalidad.
5 Tal y como vimos en el capítulo 8, en el punto “composición del espacio”
Lago Bosque
8.1.2 SITUACIONES
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Enamoramiento
8.1.3 IDENTIDAD DE LOS PERSONAJES
Existe la posibilidad de acentuar una cualidad de los personajes, aislándolos o destacándolos, por
color o por intensidad. Podría darse que un personaje se encuentre en un momento de lujuria, y la
luz roja lo acompañe en su estado, o que el personaje esté triste y se lo note por la gran
generación de sombras en su rostro.
Personaje cómico muy iluminado; personaje trágico a oscuras (La Patria de los Mendigos dirigida por Marcos Martinez)
La transmisión de las emociones que se da entre el elenco y los espectadores no es al azar, sino
adrede. En toda obra o puesta en escena hay momentos emotivos para los personajes que son
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importantes resaltar y comunicar. Hay una primera idea sobre la emoción que se quiere transmitir
en cada momento, que surge al leer el texto, durante los ensayos, o en charlas con el director, el
escenógrafo, los actores o el coreógrafo.
Por ejemplo, se decidirá que en el momento en el cual dos enamorados se encuentran en medio
de una fiesta, la luz ambiental se quedará estática mientras los dos enamorados se acercan el uno
al otro, iluminados con seguidores. En una situación dramática, se evitará el exceso de luz general
y ambiental ya que esto podría privarle del sentido. Un actor cantante, contando su terrible
destino, rodeado de luces móviles disparadas hacia los espectadores puede ver quebrado todo
tipo de vínculo transferencial con el público.
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Hipótesis
“En el diseño de la iluminación escénica es posible crear sensaciones en el espectador.”
Variable independiente: iluminación o luz
Variable dependiente: sensaciones
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Experimentación
Entrevista a un Director de Teatro: Marcos Martinez
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DIRECTOR
a) ¿Cuáles son los aspectos fundamentales que deben tenerse en cuenta para el diseño de
iluminación de una obra o escena?
En primer lugar tener bien en claro qué sensaciones quiero generar en el espectador, de qué lugar
escénico estamos hablando: un lugar real (teatro), ficticio (lugar donde transcurre la escena) o
lugar ficticio dentro de un lugar ficticio (lugar que se imagina un personaje dentro de otro lugar
ficticio).
b) ¿Quiénes participan en este diseño?
Fundamentalmente yo como director y/o técnico, u ocasionalmente –cuando actúo yo- un técnico.
Además resulta sumamente interesante que los actores sepan empíricamente cómo se ubican las
luces, para esto es importante realizar marcas en el escenario. Cuando no se acuerda con los
actores y ellos no tienen posibilidad de probar con las luces puede que el diseño lumínico sea
inútil.
2) Existen puestas en escena en las que la luz es trabajada como un actor en tanto a su accionar,
¿alguna vez dirigió una obra en la cual incluyó esta técnica escenográfica?
-En Historias a la sombra utilicé la luz desde el punto de vista subjetivo del actor: como si se fuera
a su mundo: un personaje en una fiesta en un lugar abierto imaginaba que estaba en un boliche,
entonces ahí usé un flash (luz estroboscópica) para mostrar su imaginación.
-En Lo que me costó el amor de Laura existía una historia contada dentro de un bar que debía de
convertirse en un montón de lugares (en una calle, en un puente, etc). Entonces trabajamos estos
cambios con variaciones de iluminación y ninguna escenográfica.
3) ¿Cómo hace –y por qué- para generar con las luces diferentes sensaciones de…
…ira? Puede lograrse con colores rojos o violetas y principalmente quizás con contraluces.
Siempre hay que saber de qué manera uno debe conectarse con el espectador. Si uno apunta a
generar la empatía con determinados personajes o si apunta a estableces determinado mensaje o
si apunta a la reflexión brechiana (sin la oportunidad de involucramiento sentimental por parte del
espectador).
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GABRIELA FERNANDEZ
Siempre se logra conexión con el espectador, siempre existe esta conexión y debemos ser
conscientes de lo que debemos generar. En mi caso, la mayoría de las veces quiero generara que
la platea pueda reflexionas sobre determinados temas y muchas veces para dar esta “especie de
mensaje” es mucho más efectivo hablar, en vez de la situación ideal, de todo su contrario.
Existe una frase de Marx que tiene que ver mucho con esto: “Hay que hacer más ignominiosa a
una ignomignia, pensándola, dándola a conocer”. Esto quiere decir que si queremos hablar de la
prostitución los personajes no deben convertirse en abogados defensores de las prostitutas o
fiscales de los proscenetas, sino que deben mostrar la situación de las prostitutas aún más terrible
de lo que es en realidad, para que este mensaje se complete en el espectador. Otro ejemplo:
nosotros vemos gente que vive en la calle todos los días, si no nos detenemos a pensar en ellos no
nos afecta, en cambio, si pensamos en las causas sociales y no individuales de la mendicidad, ahí
existe la posibilidad de reflexión.
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TÉCNICO EN ILUMINACIÓN
a) ¿Cuáles son los aspectos fundamentales que deben tenerse en cuenta para el diseño de
iluminación de una obra o escena?
Toda iluminación tiene que estar en consonancia con el mensaje, la idea o argumento de la obra a
la que pertenece: esto es lo principal.
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3) La posición de la fuente de luz comunica diferentes cosas según de dónde provenga: ¿En qué
situaciones y para qué utiliza…
a) Iluminación cenital?
Sirve principalmente para destacar espacios centrales, principalmente donde va a producirse
monólogos, apartes o semiloquios. Es una luz irreal por el tipo de luminarias que se usan, es más
difícil con el cenital crear la ilusión de un hecho natural. Tiene una ubicación más teatral en ese
sentido; esto siempre que hablemos de un solo cenital.
En cambio, con varios cenitales, se puede crear una cortina de luz que sirve para delimitar
espacios: lo que está detrás de ellos lo podés ocultar, no se ve. Por ejemplo, tenés una escena que
está en un lugar cerrado y querés abrirlo, lo podés hacer ocultando con luz cenital toda la
escenografía de atrás. Es una luz acéptica, limpia, no produce mucha sombra.
c) Iluminación lateral?
Es interesante porque mantiene la forma de los objetos o actores. Genera mucho contraste. La
idea es trabajar con laterales de los dos lados y elegir, de última, qué lado debe estar más
iluminado y cuál menos. Siempre al actor le va a llegar más luz cuanto más cerca esté de ella
(existe una ley para ello, la ley del cuadrado de la luz distancia: L= l/d2). Sirve mucho para
espectáculos de danza o danza-teatro.
d) Iluminación diagonal?
Es muy interesante porque, a diferencia de la frontal, genera sombra. Entonces no se aplana el
actor o la escenografía. Por ejemplo, en “Medio Pueblo” la usé para iluminar una especie de
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escalera donde estaban ubicados unos muñecos. La luz iluminaba más a un vértice que a otro y así
se acentuaba la idea de tridimensionalidad.
e) Iluminación nadiral?
Es una luz peligrosa porque genera mucha sombra, generalmente en la cara; entonces hay que
usarla conscientemente de esto y con complementos (luz cenital o frontal). A menos que lo que yo
quiera sea justamente generar sombra. Sirve para las escenas que podríamos considerar
dramáticas.
Otro problema que tiene esta luz es el hecho de poner las luminarias arriba del escenario, ya que
se las pueden chocar los actores, por eso hay que ver bien por dónde van a caminar ellos y
disponerlas fuera de su recorrido.
f) Contraluz?
Toda puesta siempre debe tener un contraluz ya que si no se utiliza contraluz se pierde la
tridimensionalidad. Generalmente hay que trabajar con paletas opuestas de colores: si tenés una
fuente que tiende a cálido, el contraste tiene que ser frío. Esto tiene que ver con la
tridimensionalidad y la teoría de color de los impresionistas: una luz roja tiene sombra verde, una
luz amarilla tiene luz violeta, y así con todos los opuestos.
Esta luz también sirve para mostrar todo el escenario sin demasiada luz o para cambiar el color de
fondo de la escena (en ese caso, se puede utilizar para dar una interesante bienvenida al
espectador, al principio de una obra) y para momentos dramáticos. Pero también genera fatiga
visual, así que hay que usarla cuidadosamente sin abusar. La regla sería poner 1/3 de luminarias en
contraluz, más de eso generan irrealidad.
4) El ritmo del diseño de iluminación escénica permite decidir cómo se contará la historia,
a) ¿En qué situaciones y para qué utiliza los cambios bruscos de luces?
Hay que tener cuidado en los cambios bruscos de luces porque a partir de usar este efecto lo que
hiciste con el espectador es crear una convención. Es muy peligroso después destruir esta
convención. Por ejemplo, si la escena se convierte rápidamente de luz de noche a luz de día,
5) ¿Cuándo se opta por utilizar una luz difusa y cuándo una focalizada?
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Las luces difusas (que tienden a la omniluminosidad) se pueden usar como luz general, como
contraluz, como luz ciclorámica (contraluz que se usan, no sobre el escenario, sino sobre el telón
de fondo). La luz focalizada (que poseen lentes) se usa en todas las otras posiciones,
fundamentalmente en los cenitales, diagonales, nadirales, todas. En realidad, hay también luces
semi-focalizadas, que iluminan puntualmente pero con cierto grado de penumbra. De todas
maneras lo mejor es una iluminación en varias posiciones o tipos de luminarias.
a) ¿Para qué estados anímicos o situaciones de las escenas utiliza colores cálidos y cuándo
colores fríos? ¿Por qué?
Los colores cálidos, remiten al fuego. Nos predisponen a diferentes estados: -el amarillo a la
comicidad, la risa; también por una asociación a la luz del sol. -los rojos nos hablan de pasión,
asesinato, muerte; más si se acercan a los colores sangre. -el magenta es ambiguo: puede usarse
tanto para humor como para drama.
-los colores ámbar depende cómo se utilicen pueden imitar o dar sensación de luz de lamparita de
pocos WATTS y asociarse a la pobreza del espacio escénico. También pueden predisponer a la
comedia por ser un derivado del amarillo. Los colores fríos, por el contrario, remiten al agua, por
lo cual dan sensación de tranquilidad o peligro, y hablan de la noche:
-el azul nos predispone a la tranquilidad, la frialdad (puede utilizarse al momento de un asesinato
interesante).
-el verde es ambiguo: puede transmitirnos desde paz (si es des-saturado) o dar fuerza, si es
saturado
b) ¿Qué elementos se pueden definir mediante el uso de uno u otro color de luz?
Siempre es interesante pensar a qué elementos naturales reemplaza la luz “espectacular” o
“artificial”: -con azules-celeste-blancos podemos crear la noche -con diferentes gamas de ámbar
imitamos la iluminación de un foco de filamento. -con blancos-amarillos creamos luz de día. -con
magenta-naranja-violeta imitamos un ocaso o amanecer.
-En Medio Pueblo, en el primer momento, se veía la sombra del actor en una de las paredes del
teatro, entonces antes de entrar al escenario la gente ya veía la sombra del actor. -A veces se usa
un cenital como alusión a una revelación divina del actor. -En un Varieté un actor manipulaba el
seguidor con el cual iluminaba al público, y entonces el seguidor era el reemplazo de la mirada del
actor. -En La laguna de la niña encantada –que la iluminé una sola vez-, utilicé como reemplazo de
la laguna una luz azul.
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Conclusión
Mediante las entrevistas realizadas, la información recaudada, y la participación como
observadoras en diferentes espectáculos, podemos concluir que la iluminación afecta de manera
importante en el clima generado, en los colores, las sombras, la tridimensionalidad, la acentuación
de una situación específica que permite ver gestos y detalles y el estado de ánimo de los
espectadores.
Diferentes colores, diversas formas de ubicar el equipamiento de iluminación, los diversos juegos y
efectos dados con las luces, el ritmo y las variaciones de intensidad son elementos de los que se
vale el iluminador para generar diferentes sensaciones y estados anímicos en los espectadores.
Estas sensaciones y estados de ánimo son estudiados y elegidos por un acuerdo dado entre el
director, los actores y diferentes técnicos: escenógrafos, coreógrafos, vestuaristas,
maquilladores…
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