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ha caído en desuso por parecer ofensiva respecto a las formas artísticas que no
engloba, las cuales serían tachadas de ‘incultas’ o ‘no cultas’.
Pero por otra parte, este uso popular de la palabra ‘clásico’ se cruza con su
utilización para denominar una época concreta, o un movimiento, que puede datarse
aproximadamente en el tiempo que va desde 1770 hasta 1827 (lo que abarca las
primeras obras maduras de Haydn y las últimas de Beethoven). La expresión
‘Clasicismo’ (o ‘Clasicismo Vienés’) es de uso corriente, pero continúa siendo
problemática por motivos como los siguientes:
2. ¿Cuáles son los límites temporales del período ‘Clásico’? La música de Pergolesi
o Scarlatti y de muchos de sus contemporáneos italianos anticipa muchos de los
aspectos básicos del lenguaje de los Clásicos vieneses. Por otra parte las Sonatas
para piano de la primera madurez de Haydn son muy cercanas en estilo y forma a las
de C.P.E. Bach. Las fronteras que separan el Estilo Clásico del de los contemporáneos
de J. S. Bach no son muy definidas y existe por tanto una importante época ‘Preclásica’
durante la cual se forjó el tipo de gramática armónica, rítmica y formal que Haydn,
Mozart y Beethoven emplearían en sus obras maestras explotando sus posibilidades
con una riqueza inusitada. Por otra parte la polémica no del todo cerrada sobre si
Beethoven es un compositor ‘clásico’ o ‘romántico’ centra el problema de localizar
el fin del período Clásico. Ambas cuestiones se tratarán en los puntos 4 y 7.
Entre los años 1740 y 1780 se da una época que se suele conocer bajo el término de
“preclasicismo”, aunque a veces recibe otro nombre, “rococó”. En el preclasicismo se
conservan las características del barroco y se añaden y elaboran nuevos
aspectos (aparece el pianoforte). Como compositores preclásicos se puede citar a Carl
Philipp Emanuel Bach, Richter, Moon y Sammartini, siendo el más representativo Carl
Philipp Emanuel Bach.
Esta época supone un choque con el barroco y su herencia: descenso del absolutismo
frente al aumento del poder burgués, conciertos públicos para la clase burguesa, crítica
al barroco “culto” y “erudito” a favor de un arte natural y de expresión directa del
sentimiento (en contra de los juegos numéricos musicales). Se puede decir que el
estilo rococó tendría un aire conservador de herencia barroca, y el preclasicismo
se uniría a la expresión Sturm und Drang (tormenta y empuje) proveniente de la
literatura.
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) suele ser llamado el Bach de Berlín o
Hamburgo, porque pasó gran parte de su vida profesional en aquellas ciudades. Fue el
segundogénito de J.S. Bach, que tuvo, entre otros, hijos músicos como
Wilhelm Friedemann Bach, el 'Hallesche Bach'; Johann Christoph Friedrich Bach
(1732-95), el 'Bückeburger Bach'; Johann Christian Bach (1735-82), el 'Bach de Milán
o Londres'.
El 'gesto' en la música
Con C.P.E. Bach aparece una nueva figura que se puede nombrar con un término de
aquellos años: el genio. El genio tiene, originalidad, está creando obras ejemplares.
Pero el autor mismo no sabe cómo ha tenido sus ideas para crear, no sabe cómo puede
pensarlas según un plan, y por eso tampoco puede comunicarlas a otras personas.
Especialmente el último punto es interesante (el autor, creando una obra de arte, no
puede justificar el plan del trabajo ni sabe de dónde venían las ideas), pues es la
negación de una poética o música normativa (según un plan). En vez del plan, del
orden, del esquema, y de la regla, encontramos ahora la fuerza del genio. Esto, en
cierto modo, es una negación de la concepción barroca en la que la racionalidad
dominaba la obra.
Haydn vive y trabaja en este retiro, proporcionado toda la música que se le pide, ya
que el consumo musical es muy alto. Su fama comienza a crecer lentamente. A
mediados del los años 80 es el músico más impreso en Francia e Inglaterra. Se
reproduce así, a escala menor, el fenómeno Corelli: el de un músico instrumental que
conquista un predominio superior incluso al que pueda obtenerse en el campo teatral.
20 años de progresiva madurez en el campo del estilo barroco y galante. Aquí las
fuentes son italianas (Vivaldi) y vienesas. Entre 1766 y 1770 se produce una
transformación sensible, debida a varias causas.
Segundo periodo (1770-1795)
En la 2ª mitad de los años 70, al menos en el campo sinfónico, la tensión creativa del
período 1768-1774 se allana. La década 1774-1784 registra además un interés mayor
de Haydn en el campo del melodrama. Sus óperas, que son sucesiones de piezas
magistrales por su propiedad vocal e integración instrumental, carecen, aún así, de
estrategia teatral. En la forma sonata se afirma el principio de la elaboración temática y
el juego de las modulaciones. En los cuartetos es evidente la economía temática al
evitar, por norma, el 2º tema.
Mozart (1756-1791)
Las posibilidades estilísticas alrededor de 1770 y que se cruzan con la obra de Mozart
son:
Otras opciones “negativas” que con todo Mozart tuvo presentes son: el recitativo
instrumental, el melologo, el estilo sentimental-lacrimoso. Algunos de estos géneros
tenían ya sobre sí una larga tradición anterior a Mozart (ópera seria, bufa, polifonía
sagrada), otros se habían formado hacía poco tiempo (sinfonía, cuarteto, singspiel), y
otros nacen prácticamente con él (piano en música de cámara y orquesta). Pero un
elemento de novedad es que Mozart no es tan solo el mejor en todo lo que ya está en
circulación, sino haciendo que un género interfiera en otro. Los dos polos a los que
tiende Mozart tras sus viajes a Italia son Viena y Munich. En los doce años siguientes
a la vuelta a casa desde París, Mozart se alejará sólo esporádica y brevemente de
Viena, donde irá a establecerse desde 1781.
Profesión liberal
Su situación de músico libre dura 10 años, los últimos de su vida. Los primeros años
resulta bien, con claros éxitos. En 1782 tras el éxito de El rapto del serrallo, intenta que
se represente cada año una ópera suya para el teatro nacional patrocinado por José II.
También se sustentaba con clases particulares y con las buenas relaciones con los
editores. Pero el año de oro es 1785, con la publicación de los 6 cuartetos dedicados a
Haydn, 3 conciertos para piano y 2 sinfonías.
Desde este punto, la suerte de Mozart se encamina hacia un rápido declinar, que
coincide, precisamente, con la plenitud de su fuerza creativa. A partir de Las bodas deja
de existir una base de entendimiento cordial con Viena; en Praga donde tiene amigos y
admiradores, obtiene los mayores éxitos de sus últimos años. Es nombrado “compositor
de corte”, sustituyendo a Gluck, pero el nombramiento es prácticamente honorífico y los
únicos encargos que recibe son bailes de sociedad. Su último año, una persona privada
le encarga un Réquiem. El fracaso de Mozart en Viena no tiene todavía explicaciones
satisfactorias.
Últimos diez años de vida en Viena. El conjunto de su obra nacida en Viena en los
últimos años de su nueva condición de profesional independiente, presenta, respecto
al panorama anterior, la reducción a términos mínimos de los dos géneros más ligados
a la vida de la corte de Salzburgo, la música de iglesia y la de entretenimiento
Melodía: Claridad, frases nítidas y regulares que se abren y cierran con ciertos reposos.
Estilo: Homofónico o vertical. Se trata de acompañar una melodía o tema. Poca utilización del contrapunto.
Ritmo: Sencillo, regular, con silencios intercalados, como descansos contrastantes entre temas y melodías.
Instrumentación y orquestación: La música instrumental es más importante que la vocal. Sientan las bases de la orquestación
moderna. Como la extensión de los instrumentos es aún reducida, evitan registros extremos. Empieza a desarrollarse el piano.
Fuente: https://www.caracteristicas.co/clasicismo/#ixzz5np7vBTO2
Instrumentos en el Clasicismo
Algunos instrumentos surgen en este periodo como el piano, el Arpeggione (hermano del violo
mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco, muchos de ellos alcanzan
el fagot, oboe y el contrabajo.
Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan los que ya existían otros pierden vigenc
gamba, clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX), bajón, laúd, etc.
tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e incluso conciertos solis
el Romanticismo.
El Piano
Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, medi
cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro produciendo el sonido. Las vibracione
puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de
por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue
por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumen
monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.
A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes
vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del ins
modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias a
El nombre proviene al añadir el sufijo -et, que significa pequeño, a la palabra latina cla
(pequeña trompeta). En el Barroco generalmente se utilizaba para sustituir a ese instr
su capacidad para realizar cromatismo, cosa imposible de conseguir en la trompeta na
Se han escrito grandes obras y conciertos para el clarinete, entre los que destaca uno
valorados de la historia, el Concierto en La Mayor para clarinete y orquesta de Wolfgan
La orquesta en el Clasicismo
En esta unidad estudiaremos dichos códigos, que cristalizarán en las denominadas formas de
sonata y que constituyen -junto a la fuga– uno de los dos grandes paradigmas formales de la
tradición clásica occidental.
Por forma musical se entiende la estructura (división y disposición de las partes) de una obra
musical cerrada y autosuficiente. Es decir, no tanto de obras multiseccionales como una ópera o
una sinfonía, sino de cada una de sus partes separables, como un aria o un movimiento de
sinfonía, concierto o sonata.
Las formas clásicas derivaron de las barrocas a través de un complejo proceso de selección
natural y adaptación a los nuevos gustos, basados por un lado en la claridad y sencillez, pero
que por otro aspiraban a la expresión de sentimientos por vías puramente instrumentales. Este
proceso tuvo lugar en dos grandes fases, caracterizadas por la radical simplificación de texturas y
armonía (entre 1730 y 1765), y otra en la que las nuevas texturas y formas irán aumentando su
complejidad y sus proporciones.
Las obras multiseccionales del Clasicismo (como sinfonías, serenatas, divertimentos, música de
cámara o sonatas) suelen disponer los movimientos en el siguiente orden:
Primer movimiento. Forma de sonata (la vemos más abajo con mayor detalle).
Segundo movimiento. Tema y variaciones, o forma de sonata sin desarrollo (o con
desarrollo breve).
Tercer movimiento. Minueto o Scherzo. Este movimiento suele excluirse en las sonatas. En
las serenatas y divertimentos puede haber varios minuetos o scherzos.
Cuarto movimiento. Rondó, forma de sonata, o rondó-sonata.
Franz Schubert – Quinteto con piano en La mayor D.667 “La trucha” – 4º mov. Andante [1819]. En
ocasiones, el movimiento lento (el segundo) de una sinfonía, sonata u obra de música de cámara
consiste en un tema y variaciones sobre un tema conocido o un tema de nueva invención
(ANÁLISIS COMPLETO).
Ludwig van Beethoven – Septeto en Mi bemol mayorop.20 – 3er mov. Tempo di minuetto [1802].
El minueto es una forma de danza en ritmo ternario. El carácter de este movimiento suele ser
ligero y desenfadado (ANÁLISIS COMPLETO).
Wolfgang Amadeus Mozart – Sonata en La mayor K.331 – 3er mov. Rondó Alla turca [ca.1780].
El rondó ocupa con frecuencia el último movimiento de una sonata. Consiste en la alternacia
simple de un tema principal A con temas o secciones contrastantes (ANÁLISIS COMPLETO).
Franz Schubert – Quinteto con piano en La mayor D.667 “La trucha” – 4º mov. Andante [1819].
Ludwig van Beethoven – Septeto en Mi bemol mayorop.20 – 3er mov. Tempo di minuetto [1802].
Wolfgang Amadeus Mozart – Sonata en La mayor K.331 – 3er mov. Rondó Alla turca [ca.1780].
La serenata para vientos era un género musical destinado para amenizar comidas y eventos al aire
libre.
Cuestión de género…
El cuarteto de cuerda nació como un género de ámbito doméstico, apto para el consumo de los
aficionados. El cuarteto clásico consta de cuatro movimientos, análogos a los de una
sinfonía: allegro en forma de sonata, movimiento lento de carácter lírico, minueto y presto,
normalmente en forma de rondó o sonata.
El concierto solista es quizá el género barroco que ha subsistido con mayor éxito a lo largo de
distintas épocas y estilos. La razón de ello ha sido la necesidad de los virtuosos en toda época de
desplegar de la forma más eficaz posible sus posibilidades musicales y técnicas. En concreto,
Mozart se publicitó a sí mismo como pianista, lo cual explica que dedicara hasta 27 conciertos a su
instrumento.
Franz Joseph Haydn – Cuarteto de cuerda op.33 nº2 – 4º mov. Finale. Presto [1781]. Haydn fue el
compositor más reputado internacionalmente en el género del cuarteto de cuerda, un género de
música doméstica destinado al músico amateur. Este rondó-sonata.
Wolfgang Amadeus Mozart – Serenata nº10 “Gran Partita” K.361 – 3er mov. Adagio [1782]. Este
tercer movimiento (Adagio) exhibe una forma de sonata muy original, que sigue al pie de la letra la
estructura tonal de la forma sonata pero desdibuja totalmente la estructura temática al mantener la
textura virtualmente inalterada a lo largo de la obra (ANÁLISIS COMPLETO).
Wolfgang Amadeus Mozart – Concierto para piano y orquesta nº27 K.595 – 1er mov. Allegro
[1791]. El primer movimiento de concierto solista clásico adopta por lo común una forma de sonata
con doble exposición: Una abreviada a cargo de la orquesta -que emula así al ritornello inicial del
concierto barroco- [00:04] y otra completa a cargo del solista [02:38]. La otra peculiaridad de la
forma de sonata de concierto es la inserción de una cadenza -solo improvisado- en la
Recapitulación antes del grupo cadencial final [11:13].
Franz Joseph Haydn – Cuarteto de cuerda op.33 nº2 – 4º mov. Finale. Presto [1781].
Wolfgang Amadeus Mozart – Serenata nº10 “Gran Partita” K.361 – 3er mov. Adagio [1782].
Wolfgang Amadeus Mozart – Concierto para piano y orquesta nº27 K.595 – 1er mov. Allegro
[1791].
Disposición de la forma de sonata
De entre todas las formas musicales clásicas –rondó, minueto, tema y variaciones, etc.- hay una
que reviste especial relevancia: La forma de sonata.
En sentido estricto, no existe un prototipo de forma sonata, sino varios, cada uno de los cuales
ofrece una infinita casuística de variantes. Cada una de estas variantes deriva de formas musicales
cultivadas ya desde el Barroco, como la forma de danza procedente de la suite o el aria da capo,
que acabaron convergiendo en una forma aún insuperada por su capacidad para integrar
materiales temáticos diversos en un todo unificado e impregnado de tensión dramática.
CODA Tiene como función dotar de mayor No es una sección obligatoria aunque
rotundidad al final de sí muy frecuente.
la obra.Puedeconsistir en unas cadencias
adicionales, en la reminiscencia de algún
motivo o incluso de una nueva extensa
sección con carácter de desarrollo.
Tres célebres ejemplos orquestales de forma de sonata: 1) Sonata en modo mayor (Mozart), 2)
Sonata en modo menor con una extensa coda (Beethoven), y 3) Sonata sin desarrollo (Rossini).
Las formas musicales del clasicismo
Lo esencial de este período es el respeto a las formas, a la ley y a la norma como
una forma de llegar a la perfección.
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LA SONATA
Es una forma de composición musical para uno o varios instrumentos consistentes en tres o cuatro
movimientos contrastados entre sí que constituyen una unidad formal.
Este vocablo se aplicó inicialmente a las piezas instrumentales en oposición a las cantatas. A partir del
siglo XVI se refirió a obras destinas a conjuntos orquestales reducidos para diferenciarlos de
composiciones de mayor envergadura.
Este género desarrolló una estructura precisa consistente en la sucesión de secciones o movimientos
independientes en ritmo y velocidad e interpretada por solistas sobre una base conformada por
instrumentos de teclado y bajos de cuerda. Las sonatas de iglesia poseían cuatro movimientos alternados
en ritmo lento-rápido; las sonatas de cámara, de estructura más flexible adquirieron el patrón rápido-
lento-rápido que perduró hasta el siglo XX.
LA SINFONÍA
Inicialmente proyectada como pieza instrumental que servía de introducción a las obras de canto, habría
de convertirse en el género dominate en el ámbito musical del clasicismo.
Es una forma de composición musical para orquesta que comprende varias secciones o movimientos de
larga duración. En el siglo XVIII se incorporó tras la segunda sección un movimiento de minueto y se
produjeron reformas en el modo sinfónico.
En el período clásico, Haydn y Mozart instituyeron los cánones de la sinfonía germánico-vienesa en
obras de gran elegancia y refinamiento de estilo: el primer movimiento en tempo allegro adaptado a
forma sonata con una exposición, un desarrollo y una recapitulación temática; el segundo movimiento,
tempo adagio o lento; el tercer movimiento, en forma de minueto; movimiento final, ritmo vivo y
expresión conclusiva.
La tradición de la sinfonía alemana se perpetuó con una progresiva evolución en el esquema armónico
sin apartarse del marco estructural. En el siglo XX apareció una diversificación de estilos sinfónicos que
incluía tendencias remanentes de épocas anteriores, como el nacionalismo, el neoclasicismo y el
romanticismo, junto a corrientes derivas de las nuevas ideas artísticas como: el expresionismo, el
dodecafonismo, la atonalidad y la música electrónica.
CONTEXTO HISTÓRICO
Y CULTURAL
Publicado el 9 mayo, 2017 por musicaclasicismohaydn