1.

Tradición y evolución de la música sacra

2. La Escuela de la Ópera Italiana

3. El Oratorio

4. Estilo Bel Canto

5. Barroco medio y evolución de la Música Sacra

1- Tradicion y evolución de la música sacra

La unidad estilística de la música sacra se vio dividida en una rama conservadora y otra
progresista, (stile antico y stile moderno) y dio pie a un historicismo conciente del estilo,
que convirtió en bilingües a los compositores.
El estilo vigoroso del barroco se dejo sentir pronto también en la liturgia, dando pie a un
extraño contraste con la objetividad oficial de la liturgia de nuestros días.
En la música sacra se pueden distinguir cinco estilos:
 La monodia
 El concertato, pequeño o de pocas voces
 El gran concertato o de muchas voces
 El barroco colosal
 Stile antico.

Monodia: La verdadera monodia solo entro a formar parte en la música sacra después de
1610 y se reconoce su presencia en títulos como Affetti amorosi spiritual (Quagliati). Fue
de nuevo el univeral Monteverdi quien proporcióno uno de los primeros ejemplos de
monodia real utilizada en la música litúrgica, asi como ejemplos de todos los otros estilos
de música sacra, con excepción del barroco colosal. Publico en Mantua su primera
colección de música sacra en estilo moderno (1610).
La colección liturgica de 1610 se caracteriza por una variedad desconcertante de estilos;
contiene el servicio completo de vísperas con salmos, antífonas, un himno y el Magnificat.
Los motetes polifónicos que tradicionalmente conformaban las antífonas se vieron
sustituidos por monodias escritas siguiendo las últimas corrientes de la moda, con un
abundante empleo de la giorgia en palabras significativas. Se complacio también en
emplear efectos de eco y retruécanos, como gaudio-audio, efectos que también empleo en
el Orfeo.
Los compositores de monodias sacras se dividían en dos grupos, los cuales el primero, en el
que se incluia a Grandi, Casati, Turini, Pace, Donati, Saracini y Bellanda, sufrio, en mayor
o menor grado, la influencia de los monodistas florentinos o de Monteverdi. El otro grupo
estaba compuesto por compositores romanos, entre los que destacaban Durante, que
aconsejaba el crescendo, según el estilo de Caccini, en sus Arie devote (1608); Bonini,
Severi, Kapsberger, el prolífico Tarditi, Agazzari, Quagliati y Graziani. Si la primera
escuela se inclinaba por una interpretación del texto sin comedimientos, mediante el
empleo de la expresiva gorgia, una dinámica cuidadosamente indicada y frecuentes
cambios de tempo, la escuela romana mostraba una marcada inclinación por el virtuosismo
vocal, en especial en los motetti passeggiant, bastantes secos, de Kapsberger y Severi.

El concertato: a pocas veces, acompañado o no de instrumentos, constituye una de las

formas predilectas de la música sacras. Su textura se caracteriza por el desarrollo abierto o
juego imbricado y concertato de las voces, tanto en el duo o trio de cámara como en el
dialogo o la cantata. La cantata de la iglesia católica es paralela en todo momento a la
cantata profana, en su forma flexible; su estructura de rondo y sus ritornelos instrumentales.

El gran concertato: las gigantescas combinaciones de Gabrieli se vieron reducidas a

dimensiones más pequeñas. El contraste entre los odiomas instrumetal y vocal, y también el
conjunto de solistas y el coro, no observado con claridad en las obras de Gabrieli, adquirio
mayor relieve con las de Monteverdi, quien supo experimentar con todos los elementos del
gran concertato, y hasta intento combinarlos con el uso tradicional del cantus firmus.
Despues de Montever el cantus firmus desaparecio del todo, y en su ausencia, otros
métodos estructurales hicieron su aparición en la música sacra, fundamentalmente el
ostinato y la variación estrófica.
Mientras Venecia era el centro de la evolución de la música sacra, Roma era el baluarte del
tradicionalismo.

El barroco colosal intentaba injertar las técnicas policorales del gran concertato en el stile
antico. El estilo hibrido resultante fue característico del conservadurismo romano. La
profusión de medios vocales e instrumentales, los ecos, solos y tutti innumerables
reflejaban la pompa del ritual sagrado de la Contrarreforma, al cual faltaba de modo
destacado el espíritu afectivo del concertato veneciano.

Stile antico ; en la lucha entre la tradición y la evolución, el antiguo estilo fue, cada vez
más, símbolo de religiosidad a ultranza; esta connotación, en su origue, era extraña a la
música renacentista, y solo pudo surgir como reacción conciente ante el estilo moderno
(stile concertato)
La excesiva ornamentación, los efectos de acordes, la amplia gama dinámica y el enfoque
de la polifonía, en esencia armonía, eran rasgos caracteristicos del stile antico y daban
prueba de que la reinterpretación barroca de la música renacentista era tan clara como un
alarde en el tratamiento erudito del cantus firmus.
Los progresistas de los siglos XVII y XVIII, Monteverdi, Turini, Landi, Cifra, Schütz,
Alessandro Scarlatti, Durante, Lotti y Marcello, también supieron escribir en stilo antico
con destreza y buen gusto.
El descubrimiento de las sonoridades corales en un stile antico, esencialmente vocal, fue el
lógico complemento de hallazgo de idiomas instrumentales en el estilo concertato. No or
casualidad el ideal a capella se originó en el dominio del stile antico. El término “capella”,
que para Gabrielli solo quería decir tutti vocal o instrumental, adquirio entonces el especial
significado de (sin acompañamiento de instrumentos), en marcada oposición con el estilo
concertato.

La escuela de la Opera Italiana

Estilo Bel Canto

Luigi Rossi de Roma y Cavalli de Venecia, señalan un nuevo período de la música italiana
que coincide con el nacimiento del estilo Bel Canto entre 1630 y 1640. Representa la
reacción de los músicos frente a la subordinación de los poetas: con él se restauraron las
leyes musicales y la música se coordinó, en lugar de subordinarse, con las letras. El bel
canto fue en esencia música vocal plasmada en la cantata, el oratorio y la ópera, que
también se extendió en la música instrumental.
Las melodías del Bel canto asumió una fluidez animada y no interrumpida por las
coloraturas exuberantes del cantante, también eran mucho menos ostentosas que en las
monodia, el tratamiento rítmico motivaba la fluidez melódica y un ritmo ternario
mantenido. Se puede decir que el Bel canto es la apoteosis, la máxima expresión del metro
ternario. La organización de la melodía se basaba en pautas de danzas utilizadas (zarabanda
y el courante). Otra característica del bel canto radica en la integración del bajo y la
melodía. El bajo se movia, al igual que la melodía, con un ritmo de danza estilizado, a
menudo podía depender melódicamente del perfil de la línea vocal.
La armonía era de notable sencillez, casi una tonalidad rudimentaria de IV V I y II6 V I.
Para expresar los pasajes muy afectivos, nació el arioso en el cual se empleaban los
recursos de la gorgia, bajos estáticos y experimentos armónicos, el arioso no es mas que el
antiguo recitativo. La diferenciación entre recitativo, aria y arioso, permitió a los
compositores utilizar tres estilos para expresar sus metas narrativas, dramáticas o líricas. La
variación estrófica mantuvo un papel muy importante para crear unidad en las obras, las
cantantas, cantatas de aria (una sola aria repetida en cada estrofa del texto), cantata rondo,
arias bipartitas (algunas con retorno de la forma AA’ BB’ o A B B’ A) fueron el resultado
del barroco medio.

El oratorio
El oratorio era una composición dramática, sagrada, aunque no litúrgica, en la cual se
presentaba un tema bíblico desarrollado en la forma de recitativo, arioso, aria, conjunto y
coro, casi siempre con la ayuda de un narrador o testo. El testo constituia la característica
que diferenciaba la opera del oratorio. En la presentación del drama y en el espíritu trágico
general, afin a la opera