Ficha Autores

FICHA TÉCNICA DE AUTORES Y OBRAS 1
Alumno/a: Azucena Almendros Pérez
FICHA TÉCNICA DE AUTORES Y OBRAS
AUTOR/A: MERET OPPENHEIM
PALABRA CLAVE: ESCULTURA, SURREALISMO, DADÁ
BREVE BIOGRAFÍA DE EL/LA AUTOR/A (S):
Meret Elisabeth Oppenheim nació el 6 de Octubre de 1913 en Berlin-

Charlottenburg. En 1914 se mudó con su madre, Eva Oppenheim-Wenger a
Delémont, Suiza, dónde vivieron con los padres de Eva. Aquí pasó su
temprana infancia, relacionándose desde temprana edad con el Arte y artistas,
gracias a su abuela Lisa Wenger-Ruutz.
En 1914 se mudó de nuevo con su familia a Steinen (sur de Alemania),
dónde fue a la escuela en diferentes ciudades.
En el 1932 se mudó a París para comenzar sus estudios artísticos, así como
una etapa de su vida que vendrá a ser legendaria tanto personalmente como
históricamente.
Se rodeó de los artistas más influyentes de esta época, compartiendo con
algunos de ellos todo tipo de experiencias. En primera instancia compartió
mesa de trabajo con Alberto Giacometti.
Fue en su estudio, el 44 Avenue de Châtilon, dónde Giacometti y Hans Arp la
invitaron a participar en la exposición Surrealista del Salon des Surindépendent
(1933).
En el invierno de 1933/1934 conoció a Man Ray, quien propuso a ella que
posara para su cámara. Man Ray realizó algunas de sus ahora conocidas
fotografías, mostrándola como un icono erótico por excelencia.
En 1936 sentada en el Café Flore, apareció la inspiración de lo que sería
su obra más conocida, gracias a una conversación con Pablo Picasso. Esta
pieza fue expuesta, por invitación de André Breton en la muestra de objetos
Surrealistas de la Galerie Charles Ratton .
De nuevo en 1939 retornó a Basilea, y no volvió a París por 10 años. Sufrió
en este momento un “bloqueo artístico”, lo que devendría en una larga crisis.
Conoció a Wolfgang La Roche, con quien se casó en 1949, compartiendo una

relación caracterizada por la libertad y el respeto, hasta su muerte en 1967. En
este momento Meret Oppneheim vuelve a París y retoma sus antiguas
amistades, participando en exposiciones colectivas.
Una retrospectiva de la obra de Meret Oppenheim en el Moderna Museet

Stockholm en 1967 fue el gran paso para el camino de su descubrimiento.
Mantuvo una larga y creativa vida, hasta su muerte en 1985 con la edad de 72
años.
IDEA, CONCEPTO Y PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA I.
PROF. AIXA PORTERO. CURSO 2010-2010 Página 1
DESARROLLO TÉCNICO Y/O CONCEPTUAL DE SU OBRA:
El trabajo de esta artista se pasea por múltiples manifestaciones artísticas,

desde la poesía a la performance, sobresaliendo en la Historia del Arte por sus
esculturas.
Desde sus jóvenes comienzos sobre el papel, sus dibujos denotaban un alto
contenido simbólico, sin miramiento hacia “formas clásicas de representación”,
Meret Oppenheim atiende en mayor medida al contenido de los dibujos, que a
su forma; tratando temas que han sido fundamentales para el desarrollo de su
obra. Conceptualmente ha mantenido una investigación lineal, la cual comparte
un pasillo estrecho con su vida personal.
La tinta y la acuarela son materiales que le posibilitan una frescura y libertad en
el trazo característicos. También es habitual que tanto texto como imagen
convivan en sus dibujos.
El dibujo, ha sido para ella también en ocasiones inspiración directa para su
manifestación tridimensional, la escultura (véase “Giacometti’s Ear” 1933 y 1959,
dibujo y escultura respectivamente).
En el terreno de la escultura, es difícil definir técnicas específicas de la obra de

la artista, sino más bien podemos hablar del ingenio creador, de la ironía, y lo
absurdo. Objetos cotidianos son transformados, mediante pequeños giros, en
carne de cañón de las manifestaciones Surrealistas y Dadaistas. Se sirve para
sus creaciones de sus propios sueños, llevándolos a la realidad en sus piezas.
Uno de sus objetivos era crear objetos con total libertad, abiertos y con
cambios constantes del método.
Sus años de esplendor, entre el 1936 y el 1939, dieron fruto de sus tres obras
más conocidas, “Déjeneur en fourrure,1936”, “Ma gouvernante,1936” y “Table
with Bird’s Feet,1939”, justiciadas por los ojos del surrealismo sin perder de
vista a los ready-made de Duchamp (objetos cotidianos renombrados y
activados como arte mediante una o varias palabras).
Las esculturas posteriores a estos años se acercan en mayor medida a la

Abstracción, y en consecuencia estas piezas se cierran al entendimiento del
espectador puesto que proceden del inconsciente de la artista, se establecen
relaciones entre el material y el concepto más cercanos al mundo interior de la
artista, alejándose en cierto modo del entendimiento del espectador, pero
también posibilitándole una libre interpretación ajena al ser creador.
Estas piezas de matiz Abstracto, son en cierto modo minimalistas en cuanto al
material utilizado, normalmente piedra o metal pero usado en estado casi puro
y sin mezclas entre ellos, algunos ejemplos de las obras de esta época medio-
tardía son, “Dead Moth, 1946” ,“Giacometti’s Ear,1959”o “Genevieve, 1971.,

DESARROLLO DE TRES OBRAS ARTÍSTICAS
1_OBRA
TÍTULO: DÉJENEUR EN FOURRURE
AÑO(S) DE EJECUCIÓN: 1936
TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: FORRAR Y TAZA,

PLATILLO, CUCHARA Y PIEL DE GAZELA CHINA.
DIMENSIONES: TAZA 10,9cm ∅, PLATILLO 23,7cm ∅, CUCHARA

20,2cm.
LUGAR DE EXPOSICIÓN: MOMA NEW YORK
BREVE DESCRIPCIÓN DE ESTA OBRA:
Nació de una conversación que se produjo en el Café Flore un día, entre Dora
Maar, Pablo Picasso y Meret Oppenheim debido a que esta llevaba un
brazalete, que había diseñado para Schiaparelli, forrado con esta piel, Picasso
bromeando acerca del mismo, dijo que cualquier cosa podía ser forrado con
eso, al que Meret contestó “Even this cup and saucer…”1
Poco después lo llevó a cabo, un juego de té (taza, plato y cuchara) forrado
con piel de gacela china, y lo presentó a la exposición de objetos del
Surrealismo en la Galerie Charles Ratton. Fue André Breton quien lo nombró
“Déjeneur en fourrure”, un título con ecos del Déjeneur sur l´herbe de Manet y
el libro Venus im Pelz de Sacher-Masoch
Más tarde Alfred Barr Jr. Vio el trabajo y lo adquirió para la colección del
nuevo Museum of Modern Art en New York.
Se trata de un objeto cotidiano usado para beber líquidos, envuelto en pelo;

una mezcla de significaciones y de contextos opuestos que gracias a la
intervención de la artista confluyen en un punto de conexión: la creatividad
desbordada de una mente liberada y abierta al mundo que le rodeaba.
La relación con el “objeto fetiche” está servida. Un artefacto que con un

arrogante acierto, ha sido elevado a la categoría de lo sagrado, portador de una
magia casuística llevada al extremo de lo absurdo. Haciendo inevitables
muchas preguntas acerca de lo que es el arte y las pretensiones de este.
1
CURIGER, Bice, MERET OPPENHEIM: Defiance in the Face of Freedom, Zurich,
Parkett, 1989. Pág. 39.
Es un objeto privado de su función y declarado a ser una Obra de Arte,

encuentra su camino en un museo y nos hace cuestionar nuestros
conocimientos básicos del arte y su recepción. ¿Qué es lo que causa un
cambio tan profundo en un objeto banal cuando se pone en contacto con el
arte?
REFERENCIA Y FUENTES DE INFORMACIÓN:

Arte desde 1900: modernidad, antimodernidad, posmodernidad / Hal Foster,
Rosalind Krauss, Yve-Alain Bois, Benjamin H.D Buchloh. Tres Cantos
(Madrid) : Akal, 2006
ARTFORUM INTERNATIONAL, por Margaret Sundell, V.44 I.9 P. 158. Mayo

2006
CURIGER, Bice. Defiance in the Face of Freedom: MERET OPPENHEIM.

Zurich: Parkett, 1989
ARTNEWS, Siri Huntoon V.91 1.4 P.119, Abril 1992
Du: Die Zeitschrift der Kultur. I.2 P 26-31. 2001
IMAGO: Meret Oppenheim http://www.rolandcollection.com/films/?

prm=a12-b96-c544-d2-e0
Meret Oppnheim: retrospective : “an enormously tiny bit of a lot” / edited by

Therese Bhattacharya-Stettler and Matthias Frehner ; with essays by Nathalie
Bäschlin... [et al.] Ostfildern : Hatje Cantz, 2007
FOTOGRAFÍAS:


2_OBRA
TÍTULO: MA GOUVERNANTE - MY NURSE – MEIN

KINDERMÄDCHEN
TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: ENSAMBLAJE. ZAPATOS

DE TACÓN, CUERDA, VOLANTES DE PAPEL, BANDEJA
DIMENSIONES: 14 X 21 X 33 cm
LUGAR DE EXPOSICIÓN: STOCKHOLM : MODERNA MUSEET

Dos zapatos de tacón blancos, ya usados, colocados del revés y atados,
además cada tacón está cubierto con un volante de papel semejante al que se
usa en cocina para ciertas carnes.
Un objeto fetichista por excelencia de las mujeres, como es el zapato de tacón.
Un elemento clave en situaciones eróticas, un objeto con un poder de atracción
en sí mismo a modo de fetiche por las mujeres y a modo de elemento de juego
de la erótica en sí.
Es inevitable hablar de esta obra sin nombrar sus connotaciones erótico-
sadomasoquista. Su posición boca abajo, su atadura, e incluso la dirección de
los tacones tienen una relación visual con el mundo de la sexualidad entendida
desde la postura de un ser dominante y uno dominado. El dominado está
servido en bandeja, y en actitud de obligada entrega. Esta lectura fue
expresada por el crítico británico Stuart Morgan, pero no es la única.
Su correspondencia visual con un “pollo asado puesto en bandeja”, es también

un elemento fuerte en cuanto a la relación con el fetiche, el surrealismo sirve
fetiches en bandeja, un fetiche de mujer, o la mujer como fetiche, o la mujer
como objeto de consumo. Reflexión también sobre el contenido sexual y el
poder que fluye en la relación doméstica y privada así como los rol y
estereotipo sexual que desprende la figura de la “enfermera” o la “cuidadora del
hogar”.
Conociendo la actitud de la artista ante la sexualidad y el género, considerando

su libertad y mentalidad progresista, no es una disparatada idea reconocer
estas asociaciones dentro de esta obra.


Arte desde 1900: modernidad, antimodernidad, posmodernidad / Hal Foster,
Rosalind Krauss, Yve-Alain Bois, Benjamin H.D Buchloh. Tres Cantos
(Madrid) : Akal, 2006

HOPKINS, David. Dada and Surrealism: a very short introduction. Oxford

University Press, 2004.
IMAGO: Meret Oppenheim http://www.rolandcollection.com/films/?

prm=a12-b96-c544-d2-e0

VICENTE ALIAGA, Juan.

- Miradas sobre la sexualidad en el arte y la literatura del
siglo XX en Francia y España. Universitat de Valencia,
2001.
- Orden fálico: androcentrismo y violencia de género en las
prácticas artísticas del siglo XX. Ediciones AKAL, 2007
- Arte y cuestiones de género. Editorial NEREA, 2008.
FOTOGRAFÍAS:

3_OBRA
TÍTULO: DAS PAAR / THE COUPLE
TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: ENSAMBLAJE. PAR DE

BOTAS DE SEÑORA MARRONES.
DIMENSIONES: 20 X 40 X 15 cm.
LUGAR DE EXPOSICIÓN: PRIVATE COLLECTION
Un par de botas marrones de mujer se ciernen en un abrazo infinito, el beso

eterno del amante, y un objeto más, desprovisto de su función principal.
De nuevo también, el uso de objetos directamente relacionados con la moda
femenina, el fetiche femenino del zapato de tacón.
Ambos zapatos iguales, se interpreta también como una alusión directa a la

homosexuales, parejas del mismo sexo.

La punta de las botas han crecido juntas, como si nunca fueran liberadas de un
demasiado apasionado beso.
Le Couple, es otro de los objetos de peso en que Meret Oppenheim

tenazmente investiga lo complejo, y las profundidades de la erótica y de
nuestra cultura propia. Pero este completo análisis se esconde, al igual que
en “My Nurse”, en la actividad intelectual y creadora inherente a la artista.
O más bien, en la seriedad.
“Seriedad viene de la necesidad interna profunda por el juego en su

manifestación externa, el aspecto que presenta a la conciencia. Esa es la
ambigüedad inherente a toda creatividad. La creación de algo nuevo no se
logra por el intelecto, sino por el instinto de juego, por necesidad interior”2
Su condición a aceptar y llevar a cabo las ideas tal y como entran en su

cabeza, sin pasarlas por la criba del razonamiento lógico, evadiéndolas del
“sentido común”, es la herramienta que mejor maneja, el terreno por dónde
mejor se mueve, y en esta situación, que en realidad es reflejo del desarrollo de
su vida, nacieron piezas como esta.


FOTOGRAFÍAS:
2
CURIGER, Bice, MERET OPPENHEIM: Defiance in the Face of Freedom, Zurich,
Parkett, 1989. Pág. 33

COMENTARIO PERSONAL DEL ALUMNO/A:
Antes de esta pequeña investigación, conocía de refilón la obra cumbre de esta

artista “Déjeuner en fourrure”, pensando en todo momento que el artista era un
hombre. Me pareció muy curioso leer que ciertos críticos aclamaban que la
suya era una obra específicamente femenina, a cual afirmación ella replicaría
“la mente es andrógina!”. Esto se debe a que, cuando el tema del feminismo
surgió en 1970, ella tomó una parte activa en la posterior discusión. Defendió la
causa de las mujeres pero se opuso categóricamente a la noción de “arte de
mujeres”. ¿Por qué encasillar el arte en un género que atiende al sexo cuando
el arte debe atender nociones universales?
Admiro la valentía de la artista, su madurez crítica y artística desvelan un

personaje intelectual y reivindicativo que se abrió paso en un entorno
masculino poseedor de las riendas del Arte.
Aunque todo hay que decirlo, es bien sabido que su belleza física como mujer
es un dato importante acerca de su relación con estos personajes masculinos
del Surrealismo. Y de hecho la artista es más conocida por las fotografías de
Man Ray, dónde ella aparece desnuda o semidesnuda. Pero todo esto le
ayudó a ascender en su posición de artista y a ser considerada más allá de su
hermosa figura. No quiero dar a entender con esto, que piense que la artista
se beneficiada de sus “armas de mujer” para conquistar las altas esferas. Pero
sí que reconozco que esta mujer, inteligente y perspicaz como era, supo
mezclar su capacidad creadora con su don de gente, su belleza, y sus
influencias en el contexto masculino.
Me parece que su arte, abarca numerosas manifestaciones artísticas, no sólo

son piezas nacidas del Surrealismo, sino que mantienen una amistad con el
Dadaísmo, el Expresionismo Abstracto, e incluso en términos modernos se
puede decir que sus piezas son productos del Arte reciclado. Además ha sido
una persona activa durante toda su vida, se ha ido renovando durante los más
de 50 años de creación, sin perder la fe en el Arte.
Su figura como chamán, no ha dejado de sorprenderme, se puede decir que

incluso predijo su muerte, o más bien su subconsciente se lo reveló.
Me ha parecido una artista muy original, e inteligente, además de, acorde con
su propia idiosincrasia a la hora de prestarse al Arte, por ello sobresalió en
todos los círculos como mujer y como artista.

MATERIAL ANEXO (SI LO HUBIERE):
Aprovecho este apartado para anotar uno de los poemas de la artista. No he

nombrado en el cometario, la importancia de sus poemas y la calidad artística
de ellos por ello que me gustaría adjuntar una muestra:
“For you – against you

Cast all you Stones behind you
And let the walls go.
At you – on you
For a hundred singers over you
The hooves tear away
I disembowel my mushrooms
I am the first guest in the house
And let the walls go. (1933)”

FICHA TÉCNICA DE AUTORES Y OBRAS
AUTOR/A: NATALIE BOOKCHIN
PALABRA CLAVE: NET ART, VIDEOINSTALACIÓN, COMPROMISO

SOCIAL
BREVE BIOGRAFÍA DE EL/LA AUTOR/A (S):
Natalie Bookchin nació en 1962, vive en Los Ángeles. Recibió la licenciatura de

Bellas Artes por la State University de New York en 1984 y el master de bellas
artes en fotografía de School of the Art Institute de Chicago en 1990.
Ahora es miembro facultativo del California Institute for the Arts.
En esta época, la artista se interesa por trabajar con medios digitales, tales
como el CD ROM, o Internet propiamente. Mediante este espacio y material de
trabajo aparece una nueva manifestación artística propia del siglo XI.
Desarrollará junto a Alexei Shulgin la Introducción al Net.art, entre 1994 y 1990.
Un manifiesto a medio camino entre lo político y lo técnico. Propone un futuro
especulativo del arte online que ya pertenece a exitosos modelos de valores
sociales y colectivos, asentados también por artistas y su trabajo, se trata de
usar la red como intercambio de archivos, música, blogs…
Más tarde, en 1999, preparando material para una de sus clases, creo una
base cronológica de la producción artística y las críticas escritas sobre arte en
Internet; y esto en realidad llegó más lejos de lo que ella esperaba. Llamó a
este texto “story of net art”. Escribió este texto desde la posición dentro de la
historia que cuenta que ocupaba, intentando exponer la maraña desde adentro,
no vista desde fuera.
En esta época también creo una de sus obras más importantes, “The intruder”,
una versión interactiva de un relato de Jorge Luis Borges.
Durante los 20 años que han transcurrido desde esos comienzos, no he dejado
de trabajar en ello, sigue investigando las posibilidades del Net.art, como una
manifestación artística más cercana al público, que puede salir de las redes del
museo y de la institucionalidad que rodea a este. Esta forma de arte está en
manos del productor, y se aleja del coleccionista, el comisario….

DESARROLLO TÉCNICO Y/O CONCEPTUAL DE SU OBRA:
Su medio de trabajo es Internet. En un primer momento trabajaba sobre todo

con medios digitales, pero poco a poco se fue dejando absorber por las
posibilidades infinitas de la Red, y comenzó a labrar un tipo de trabajo que más
allá de servir de crítica, de reflexión, de apoyo… coloca el Arte en su tiempo, se
evade de todas las manifestaciones artísticas anteriores, que todavía llenan los
museos y demás. Aunque estos trabajos también se exponen en galerías y
museos, tienen un carácter público que le es innegable, y este es uno de los
puntos más importantes que la artista reivindica.
Su postura política está bien marcada ya en sus primeros trabajos, como por
ejemplo “False Positive (Daisy)”, plantea en conjunto una fría, y calculada
descripción de cómo el juego del amor ha llegado a convertirse en una crisis de
salud.
Más tarde se ocupa en investigar la fotografía y los medios, desde la

perspectiva de la manipulación de los mismos para transmitir la información
deseada, no la verdadera. Trabajo en conjunto con otros artistas, para el
desarrollo de trabajos relacionados con esta línea investigativa contaba con el
apoyo de Lev Manovich.
Después de experimentar con la fotografía digital comenzo a trabajar de lleno
con otro tipo de material digital, el CD ROM e Internet.
En 1996 realizó un trabajo llamado The Databank of the Everyday, basándose
en la fotografía del cuerpo humano, en los movimientos banales diarios.
Según declaración de la artista3:
“El trabajo se refiere a la muerte de la fotografía en la era de la electrónica,
donde la fotografía se muestra como un único dato en una base de datos…”
La investigación en el cuerpo cyborg producida por la investigación en los

nuevos medios ha motivado constantemente a esta artista, pero con el útlimo
trabajo comentado, consigue aproximar el cuerpo Cyborg al cuerpo real.
También se interesa por la creación de video instalaciones, con igual sentido

irónico y crítico sobre todo, y activando constantemente la capacidad
interactiva del Arte. Se puede citar, Marking Time
Entre 1999 y 2000 lanzó su primer proyecto en torno a la cultura del juego, The
Intruder, una narrativa interactiva, que se presenta en una serie de diez juegos
de ordenador. Otro tipo de estos Game Art, es el proyecto en línea creado con
Jin Lee, llamado Metapet..En los últimos años está trabajando con material de
Internet (en concreto Youtube) para sus video-instalaciones
3
Natalie Bookchin, "Artist Statement: The Databank of the Everyday", Leonardo vol. 29 no 5
(1996): 409. Traducción automática de Google.

DESARROLLO DE TRES OBRAS ARTÍSTICAS
1_OBRA
TÍTULO: THE INTRUDER
TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: VIDEOJUEGOS,

INTERNET,.
DIMENSIONES:
LUGAR DE EXPOSICIÓN: INTERNET.

http://bookchin.net/intruder/index.html

Se trata de un proyecto de arte interactivo, una fusión de videojuegos,
literatura, y conciencia social. Se compone de una serie de diez interfaces, con
la excusa de contar una historia del escritor Jorge Luis Borges, un triángulo
amoroso entre dos hombres y una mujer. Convina escenarios familiares con la
manera de contar el relato del propio escritor.
Los jugadores sólo se mueven hacia delante, siendo su única herramienta de
avance el golpeo, los disparos, la lucha, la colisión. El jugador que gana,
obtiene un breve relato de la narración, contada por una voz en off.
El personaje d “El intruso” , ocupa una posición de ida y vuelta, entre los lados
opuestos de la misma historia, a veces asumiendo la posición del personaje
masculino y a veces el control del personaje femenino.
La mujer está en posesión de los dos hermanos, ambos atrapados en un

triángulo de poder psico-sexual, del cual no podrán escapar. Para liberar la
tensión que ambos acumulan en el juego, será necesario matarla a ella, de
modo que acaba el juego.
El juego permite a los usuarios examinar los roles del trabajo dentro de las
jerarquías corporativas. El juego también hace referencia a la presencia
constante de Internet, y a la adicción que el mantenimiento del correo
electrónico, citas en línea, blogs, redes sociales… ha provocado en la
sociedad.
Bookchin, Natalie, Website. http://bookchin.net/projects/intruder.html

http://bookchin.net/intruder/index.ht
ml

http://bookchin.net/texts/intruder-
frontiers.pdf
CORBY, Tom. Network art: practices and positions. Taylor & Francis, 2006.
[recurso electrónico]. http://books.google.es/books?
id=WJ55ArzZlHIC&dq=natalie+bookchin&source=gbs_navlinks_s
NOTARIO, Antonio y GARCIA, Victorino. Estética: perspectivas

contemporáneas. Universidad de Salamanca, 2008. [recurso electrónico]
http://books.google.es/books?
id=xcr0OmAPWdoC&dq=natalie+bookchin&source=gbs_navlinks_s
RUBIO, Jesús y HIDALGO, Ximena. Simposio internacional nuevos
medios y realidad socio cultural en la creación audiovisual
contemporánea: Actas. Universidad de Granada. 2008.
SAN CORNELIO, Gemma. Exploraciones creativas. Prácticas artísticas

y culturales de los nuevos medios.
- http://www.fondation-langlois.org/html/e/page.php?NumPage=289
FOTOGRAFÍAS:

2_OBRA
TÍTULO: METAPET
TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: VIDEOJUEGOS, INTERNET
DIMENSIONES:
LUGAR DE EXPOSICIÓN: INTERNET http://metapet.net/

Juego animado virtual diseñado para Internet por Action Tank, un grupo
colaborativo fundado por Natalie Bookchin y Jin Lee
En este proyecto, el jugador, se introduce en la piel de un gerente de un
laboratorio de bio-genética, lleno de mascotas alteradas genéticamente. El
jugador debe llevar a cabo las actividades normales programadas (dar de
comer al animal, darle los medicamentos, hacerle pruebas genéticas…)
Mediante esto, el gerente consigue dinero, y mantiene rentable el negocio.
El trama en este juego está servido, ya que este termina cuando asesinas a tu
mascota.
El trabajador gana puntos extra si permite mejoras genéticas al azar, es decir, a

más experimentación azarosa en tu mascota, mejor juegas.
La trama del juego plantea un cuestionamiento de la industria biogenética y la
empresa. Las cuestiones morales violadas por medio de la industria y la
empresa, con predominio del capitalismo, como la única ética de vida posible.
También plantea un posicionamiento en el espectador, ya que este está

forzado a torturar a su mascota para finalizar, o bien, dejar de jugar. Una
irónica manera de hacernos conscientes de nuestros actos y saber ser
consecuentes con nuestro ejercicio.
BOOKCHIN, Natalie, http://bookchin.net/projects/metapet.html

http://metapet.net/
http://bookchin.net/texts/intruder-
frontiers.pdf

PASTERNAK, Anne y BRENSON, Michael. Creative Time: the book : 33 years

of public art in New York city. Princeton Architectural Press, 2007.
Tactical biopolitics: art, activism, and technoscience. MIT Press, 2008.
FOTOGRAFÍAS:

3_OBRA
TÍTULO: MASS ORNAMENT
TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: CANAL DE INSTALACIÓN

DE VÍDEO DE ALTA DEFINICIÓN, SONIDO ENVOLVENTE 5.1
DIMENSIONES:
LUGAR DE EXPOSICIÓN: LOS ANGELES MUNICIPAL ART GALERY

Sin salirse del campo de las tecnologías digitales, la artista en este caso, se
sale de la pantalla del ordenador para llevar el contexto de Internet a la
experiencia real, tomando como recurso la video-instalación.
Se trata de un muro con videos proyectados dentro una pequeña habitación
pintada de negro. Poco a poco van apareciendo pequeñas pantallas mostrando
vídeos de aficionados, en este caso bailando, que la artista a tomado de
Youtube.
Convina la música que ella ha elegido con los sonidos de los propios vídeos, de
manera que las formas que las pequeñas pantallas dibujan en el muro y los
propios movimientos de cada uno de los vídeos parecen formar por sí mismos
una coreografía.
El cuidadoso estudio de cada uno de los vídeos, integrados con los otros, para
crear algo único, desprende una potencia visual y artística, que hace que la
pieza nos atraiga.
El contenido de los videos, el hecho de que la mayoría de las personas que
aparezcan son mujeres, la mayoría de corta edad, y ofreciéndose en su
mayoría, no como niñas inocentes que bailan en casa delante de un espejo,
sino como un objeto puro de deseo estrechamente relacionado con la práctica
sexual.
Nos hace reflexionar, además de muchas otras cosas, en la fiabilidad de
Internet como medio de comunicación, hasta qué punto, la información que
obtenemos y que nosotros mismo agregamos puede ser manipulada y usada
para otros fines.
NATALIE BOOKCHIN. http://bookchin.net/projects/massornament.html
Dancing Machines: An Interview with Natalie Bookchin. Carolyn Kane. 2009

http://rhizome.org/editorial/2653

Natalie Bookchin on Youtube. http://bookchin.net/texts/blur-

sharpen.pdf
FOTOGRAFÍAS:

COMENTARIO PERSONAL DEL ALUMNO/A:
Me ha interesado mucho investigar a esta artista, pero su obra es tan extensa y

en cierto modo compleja a mi parecer, porque los materiales que usa son tan
novedosos que todavía no llego a comprender todo el sentido que puede tener.
Considero que manifiesta un claro compromiso con el Arte, y que abre aún más
las entradas y salidas de este, porque el hecho de utilizar Internet como
principal medio de difusión, me parece una intención de acercar el Arte al
público, de hacerles participar en él, y que el espectador sea el que da vida a la
obra de arte. Y creo que esta es una de las consideraciones que hoy en día se
plantean en torno al Arte, bueno ya lo planteó Gasset en su ensayo, “La
deshumanización del Arte”.
Por fallos técnicos, no he podido jugar con las piezas que propone. Pero tengo
que reconocer que la obra Mass Ornament me ha parecido un trabajo muy
bueno. Tanto la estética, como el modo de instalación ( que no lo he visto en
directo, pero gracias a los bocetos me he puesto en situación), así como la
temática , creo que plantea cuestiones de plena actualidad, y que nos obliga a
reflexionar sobre los nuevos modos de vida. Convirtiendo la pieza en un
trabajo de calidad superior.
Advierto que artistas como esta, procurarán un cambio en el modo de ver el

arte hecho por mujeres, mal llamado en ocasiones “arte feminista”. Y
recordándo una cita de Oppenheim que decía que el arte debe mantenerse al
margen de la categoría de géneros, encuentro que Natalie está consiguiendo el
cometido de Meret.

MATERIAL ANEXO (SI LO HUBIERE)
The 21st Century Tiller Girls of YouTube in Natalie Bookchin's Mass Ornament
http://www.youtube.com/watch?v=ynT3ntY-0wc
Me dancing http://www.youtube.com/watch?v=CAIjpUATAWg
Mass Ornament, Natalie Bookchin. http://vimeo.com/5403546


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FICHA TÉCNICA DE AUTORES Y OBRAS 1

Alumno/a: Azucena Almendros Pérez

FICHA TÉCNICA DE AUTORES Y OBRAS

AUTOR/A: MERET OPPENHEIM

PALABRA CLAVE: ESCULTURA, SURREALISMO, DADÁ

BREVE BIOGRAFÍA DE EL/LA AUTOR/A (S):

Meret Elisabeth Oppenheim nació el 6 de Octubre de 1913 en Berlin-

Conoció a Wolfgang La Roche, con quien se casó en 1949, compartiendo una

Una retrospectiva de la obra de Meret Oppenheim en el Moderna Museet

DESARROLLO TÉCNICO Y/O CONCEPTUAL DE SU OBRA:

El trabajo de esta artista se pasea por múltiples manifestaciones artísticas,

En el terreno de la escultura, es difícil definir técnicas específicas de la obra de

Las esculturas posteriores a estos años se acercan en mayor medida a la

IDEA, CONCEPTO Y PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA I.

DESARROLLO DE TRES OBRAS ARTÍSTICAS

AÑO(S) DE EJECUCIÓN: 1936

TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: FORRAR Y TAZA,

DIMENSIONES: TAZA 10,9cm ∅, PLATILLO 23,7cm ∅, CUCHARA

LUGAR DE EXPOSICIÓN: MOMA NEW YORK

BREVE DESCRIPCIÓN DE ESTA OBRA:

Se trata de un objeto cotidiano usado para beber líquidos, envuelto en pelo;

La relación con el “objeto fetiche” está servida. Un artefacto que con un

Es un objeto privado de su función y declarado a ser una Obra de Arte,

REFERENCIA Y FUENTES DE INFORMACIÓN:

ARTFORUM INTERNATIONAL, por Margaret Sundell, V.44 I.9 P. 158. Mayo

CURIGER, Bice. Defiance in the Face of Freedom: MERET OPPENHEIM.

ARTNEWS, Siri Huntoon V.91 1.4 P.119, Abril 1992

Du: Die Zeitschrift der Kultur. I.2 P 26-31. 2001

IMAGO: Meret Oppenheim http://www.rolandcollection.com/films/?

Meret Oppnheim: retrospective : “an enormously tiny bit of a lot” / edited by

IDEA, CONCEPTO Y PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA I.

IDEA, CONCEPTO Y PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA I.

TÍTULO: MA GOUVERNANTE - MY NURSE – MEIN

AÑO(S) DE EJECUCIÓN: 1936

TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: ENSAMBLAJE. ZAPATOS

LUGAR DE EXPOSICIÓN: STOCKHOLM : MODERNA MUSEET

BREVE DESCRIPCIÓN DE ESTA OBRA:

Su correspondencia visual con un “pollo asado puesto en bandeja”, es también

Conociendo la actitud de la artista ante la sexualidad y el género, considerando

IDEA, CONCEPTO Y PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA I.

REFERENCIA Y FUENTES DE INFORMACIÓN:

CURIGER, Bice. Defiance in the Face of Freedom: MERET OPPENHEIM.

HOPKINS, David. Dada and Surrealism: a very short introduction. Oxford

IMAGO: Meret Oppenheim http://www.rolandcollection.com/films/?

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VICENTE ALIAGA, Juan.

IDEA, CONCEPTO Y PROCESOS EN LA CREACIÓN ARTÍSTICA I.

TÍTULO: DAS PAAR / THE COUPLE

AÑO(S) DE EJECUCIÓN: 1956

TÉCNICA Y MATERIALES UTILIZADOS: ENSAMBLAJE. PAR DE

LUGAR DE EXPOSICIÓN: PRIVATE COLLECTION

BREVE DESCRIPCIÓN DE ESTA OBRA:

Un par de botas marrones de mujer se ciernen en un abrazo infinito, el beso

Ambos zapatos iguales, se interpreta también como una alusión directa a la

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Le Couple, es otro de los objetos de peso en que Meret Oppenheim

“Seriedad viene de la necesidad interna profunda por el juego en su

Su condición a aceptar y llevar a cabo las ideas tal y como entran en su

REFERENCIA Y FUENTES DE INFORMACIÓN:

CURIGER, Bice. Defiance in the Face of Freedom: MERET OPPENHEIM.

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COMENTARIO PERSONAL DEL ALUMNO/A: