numero1

9 luglio 2010

fanzine di critica e approfondimento

di Santarcangelo 40
In rosso

Una piccola banda si è radunata per il festival.
Il tam tam ci è esploso fra le mani, innescato
dal desiderio di Santarcangelo 40, dal suo
labirintico e ipnotico programma, non sinte-
tizzabile secondo gli usuali criteri: proliferan-
te, eccessivo, quasi violento. Un festival non
riducibile a terreni già noti e classificati, ma
percorribile in molteplici direzioni e secondo
infinite traiettorie, che chiede di evitare gli
orientamenti delle preferenze immediate e
di esporsi al caso e al caos di un disegno in
continua espansione, sospinto dall’entusia-
smo dei tanti gruppi qui raccolti. Per questo
siamo così tanti, tra critici, scrittori, musicisti
e disegnatori: per disperderci e ritrovarci in
questo festival, per far confliggere le pro-
spettive e le competenze, per mescolarci con
quanti hanno risposto al richiamo di questa
edizione, un’urgenza color rosso fuoco che
urla la necessità per tutti di essere presenti,
testimoni radicalmente rivolti e coinvolti nel
progetto con ogni fibra del proprio essere.
A questo grido vogliamo aggiungere le voci
della nostra redazione espansa. Ogni giorno,
nelle aule della piccola scuola media in cui
quest’anno risiede l’Osservatorio Critico,
i pensieri si allacceranno alle parole, le
parole ai disegni, per tracciare congiunzioni
e polverizzare i perimetri. Ci occuperemo
delle incursioni dal vivo della nostra emit-
tente santarcangiolese, Radio Gun Gun, della
realizzazione di “Nero Su Bianco”, la fanzine
che avete tra le mani, dodici pagine che in
quattro uscite attraverseranno i due weekend
di festival. Cercheremo di tracciare percorsi,
proponendo aperture tematiche che assuma-
no alcune tensioni del festival. Partiamo dalla
passione, attraverseremo lo spazio pubblico
e la realtà-finzione del teatro e dell’arte,
provando a concludere attorno all’individuo e
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Editoriale Colophon
Persuasione
contro la resa
alla comunità. Cureremo anche uno spazio sul Osservatorio Critico
web (santarcangelofestival.com e altrevelo- Enrico Bossi
cita.it), che quotidianamente ospiterà altre Alessandra Cava
visioni attraverso la fotografia e il video. Simone Caputo
La natura multidirezionale dell’edizione 2010
Lorenzo Donati
ci invita a una riflessione sul nostro posi-
zionamento, sulle domande necessarie alla Manuela Genghi
critica per raccontare un’esperienza come Graziano Graziani
questa, perché non sia cronaca né divagazio- Lorenzo Maffucci
ne, ma incursione e proiezione poetica negli Martina Melandri
spazi che riusciamo a immaginare. Useremo Lucia Oliva
parole, interventi grafici, disegni e illustrazio- Nicola Ruganti
ni realizzati da alcuni studenti dell’Accademia Serena Terranova
di Belle Arti di Bologna e della Scuola del Matteo Vallorani
Libro di Urbino. Raccontare per noi signifi-
Nicola Villa
cherà lasciare delle tracce, anche ambivalenti,
anche riottose, fenditure che incideranno
il festival secondo le linee che ci sembrano Illustratori
più urgenti, oggi, per parlare dell’arte e per Anna De Florian (copertina)
snidarne i conflitti. Occorre davvero provare Federico Mazzoleni (pag. 6, 11)
a immaginare e realizzare azioni e non più Cristina Portolano (pag. 4, 5, 8, 9)
solo descrizioni. Parlare solo di teatro è in- con la collaborazione di
sufficiente. Non parlare abbastanza di teatro, Marco Smacchia
almeno per noi, è comportarsi da turisti della
cultura. Per questo siamo tanti, per provare a
Web / santarcangelofestival.com
portare alla luce le domande che investono la
realtà, per essere in grado di puntare all’es- Elisa Cuciniello
senziale, per condividere questioni, invitare
riflessioni, sollecitare discussioni: perché ciò realizzato in collaborazione
che persuade, nella minoranza di un festival, con il coordinamento
sia davvero in grado di impedire la stasi del critico- organizzativo
buono, del noto, della resa.
stampato presso:
Altre Velocità Stampa Service

#01
Abbiamo chiesto alla direzione di Santarcan-
gelo 40, Enrico Casagrande, Rodolfo Sacchet-
tini e Daniela Nicolo’ di esplicitare le tensioni
contenute in “passione” e “insostenibilità”: due
parole che scorrono sotto la pelle di questa
edizione e la connettono alla visione più ampia
del progetto triennale del Festival.
Passione e utopia
Enrico Casagrande: Un festival come questo,
che è anche un pensiero, uno stare insieme,
non può esistere senza passione. Credo che
sia la possibilità di non vedere dei limiti, di
attraversare il territorio dell’impossibile. Sen-
za passione non potremmo fare l’impossibile
che cerchiamo. La nostra è una passione per
l’utopia, anche oggi. In un momento in cui ve-
diamo nero e siamo accerchiati dalla negativi-
tà, questa riesce in qualche modo a pervadere
il nostro agire, a giustificare il nostro fare di
meno. La negatività spesso diventa una scusa
a cui ricorrere. Come Motus abbiamo sempre
attraversato i festival da artisti: costruirlo è
stato, per noi, allargare l’idea di compagnia,
fino alla sorpresa di avere di fronte cento
persone con uno stesso tipo di sentimento, di
orizzontalità. Arriveremo a comporre questo
festival in settecentonovanta: una piccola città,
un borgo, tante teste pensanti che si radunano
attorno a Santarcangelo. La volontà è di trasci-
nare il festival, la collettività e gli individui in
una dimensione di impossibile; ci siamo presi
un rischio: perdere il controllo. Alcuni progetti
saranno delle sorprese anche per noi.
Daniela Nicolò: La cosa che più m’incuriosisce e
su cui ho maggiore attesa sono le reti sotterra-
nee che si andranno a creare tra i vari momenti
Le parole del festival
La bomba
Innescata
spettacolari e non: un livello profondo che si
manifesterà solo nel vivo del festival.
Rodolfo Sacchettini: È come se ci fossimo
chiesti cosa era possibile mettere in bilico
con il “potere”. Il potere è anche abitudine,
consuetudine, chiusura, stupidità, i luoghi co-
muni, gli stereotipi, l’affaticamento e la noia.
La reazione è stata lavorare alla costruzione
di un contesto, mossi principalmente da pas-
sione e necessità. C’è anche della lotta in tutto
questo, e ci vuole un po’ di utopia per andare
avanti; poche illusioni, tanta ostinazione.
Abbiamo lavorato sulle passioni singolari
e plurali, lavorando per “fare comunità”,
guardando agli individui e ai gruppi, senza un
“Dio”, intorno al quale ruotare. Questo festival
vive della moltiplicazione e del vedere nelle
cose che accadono il generarsi di possibilità,
la ricchezza delle strade che possono essere
percorse. Ed è la bellezza il più delle volte
a scardinare porte e aprire sentieri là dove
tutto sembrava chiuso o impercorribile.
Fine
EC: Chi è arrivato dopo la generazione-anni-
novanta ha ricominciato da capo: è avvenu-
to un azzeramento che voleva dire nuovo
linguaggio, nuovo rapporto con le istituzioni,
nuovo modo di fare teatro. Per noi Motus
non è stato così. Ma se avessimo tagliato con
ciò che c’era prima, se ci fossimo separati da
tutto il resto, avremmo perso i fili. Anche le
contraddizioni sono estremamente impor-
tanti per una continuità. Non dico che l’oggi
e il domani debbano essere uguali al passato;
ma il passaggio deve essere un ripartire da
dove si è, anche se la stratificazione è satura
o marcia. Non credo nell’azzeramento, nel
volere per forza chiudere, e solo dopo capire
cosa sta succedendo.
DN: Queste considerazioni riecheggiano
in alcuni spettacoli presenti al festival. La
reazione al nero è stata il rosso, una scelta
molto evidente, una risposta nettissima
legata alla nostra attuale condizione di artisti.
Nel nostro percorso abbiamo spesso deciso
di aprire ad altre forme, cambiare linguaggio,
andare per altre strade, ma assolutamente es-
serci. L’idea di reazione è basilare, altrimenti
si fa il gioco del potere. Come chi, in questo
momento, per il fatto che non ci sono soldi,
sceglie di non fare o fare di meno.
EC: Siamo solo all’inizio di un regime che
taglierà per prime le frange pensanti. Allora
dovremmo reinventarci come i polacchi, co-
stretti a portare il teatro nelle chiese, gli unici
luoghi dove i russi non potevano fermarli…
Esplosione non implosione
EC: È importante evitare il dibattito tout-court
come è avvenuto negli anni ‘70, quando si è
perso di vista l’oggetto “arte” in favore di quel-
lo meramente politico, altrimenti si va incon-
tro al pericolo di un’implosione, di un’involu-
zione del linguaggio stesso delle arti. Un’utopia
sta anche nel fatto che il Bello, il metaforico
e il-continuamente-trasformato debbano a
proseguire a essere riferimenti e punti di vista
per mettersi in relazione alla realtà.
DN: In questo festival c’è stata l’urgenza di
coinvolgere artisti che si rapportassero al
reale senza farne una traduzione diretta, nar-
rativa. Su questi abbiamo investito, prenden-
doci il lusso di qualche rischio.
3
EC: Questa pratica, eversiva rispetto a una
consuetudine da festival, è stata per noi come
innescare una bomba. La delusione sarebbe
se di questa potenziale esplosione rimanesse
solo l’innesco, con la possibilità che durante il
festival noi continuassimo a chiederci “quan-
do esplode veramente?”.
Abbiamo scelto di non riempire incondiziona-
tamente le piazze, di non cercare il consenso.
La nostra costruzione di ESC è proiettata a
sovvertire le regole dell’apparire, non sarà
invasiva a livello di moltiplicazione, ma lo
sarà a livello di tensioni. Se accade veramente
lo vediamo poi. Io non ho paura di questo,
anzi, ho paura che tutto questo non accada,
che alla fine saremo così civili tra di noi e
così ben educati, che le intenzioni rimanga-
no frasi scritte invece di accadere in modo
dirompente. Non dimentichiamo che l’Italia è
l’unica nazione europea che non ha mai avuto
una rivoluzione: non l’abbiamo nel DNA. Non
vorrei che ci ritrovassimo l’ultimo giorno di
festival a attendere ancora una scossa che ci
attraversi. Io ne ho bisogno. Altrimenti mi
sentirei molto scarico, per quanto gli spetta-
coli possano essere belli.
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Singolare e plurale
EC: Credo che la direzione del festival da parte
di gruppi teatrali abbia permesso in qualche
modo di sbloccare la verticalità: l’organizzazio-
ne gerarchica difficilmente avrebbe permesso
che si mescolassero le carte, invece per noi que-
sto è accaduto in modo naturale fin dal 2009.
RS: In questo lavoro di tante teste c’è la consa-
pevolezza che uno più uno non fa due, ma un
altro numero, che può essere tre o ancora di
più. Quando in un’equipe nascono competizio-
ne, conflitto o invidia, è la pluralità a rimetter-
ci. Noi abbiamo ricercato equilibri in continuo
divenire, sempre diversi, ma tra individui che
guardassero a un pensiero collettivo.
#02
Cristina Ventrucci e Silvia Bottiroli, insieme a
Rodolfo Sacchettini, fanno parte del coordina-
mento critico-organizzativo di Santarcangelo
2009-2011. Ci hanno parlato del loro lavoro,
che necessita di uno spirito fuori misura, come
fuori misura è l’avventura triennale in cui
l’edizione 40 si inserisce.
«Che cosa significa? Dare, non dare l’anima.
/ Puoi forse darla o non darla? Sei forse tu a
dare l’anima? / Sei forse tu il padrone e lei
un cane, tu il proprietario e lei - un oggetto?
/ È lei che ti dà, che ti consegna (...), non il
contrario». Marina Cvetaeva, Deserti luoghi
La passione è lo slancio gioioso, il senso di
corsa felice, essere fedeli alla propria misura
e non a quella del tempo. Ma passione signi-
fica anche patire, rapportarsi con i tanti nodi
che si incontrano nel percorso: i rapporti con
le istituzioni, con le economie, con la costru-
zione di un’idea. Quando qualcosa nasce, c’è
del sangue in mezzo, inevitabilmente.
Una questione determinante è il fatto che il
festival abbia luogo in un piccolo paese. Si ha
l’impressione, a tratti ingannevole, di poter
veramente lasciare un segno, di cambiare
qualcosa. Ma l’immaginazione di un festival si
intesse con il filo della concretezza. Bisogna
fare quello che si dice, è necessario che ci
sia un legame stretto tra pensieri, parole e
azioni. Questa è la chiave di volta nel rappor-
to tra individuo e comunità, un ingrediente
fondamentale dello spazio-tempo del festival
e del paese. Per Santarcangelo tre artisti si
sono uniti in un unico progetto triennale, in
continua evoluzione, in cui le impronte delle
singole direzioni sono fortissime.
Il punto di forza è la continuità. Se dovessimo
individuare un comune denominatore dei
primi due festival del progetto, molto diversi
tra loro, sarebbe lo scavo per arrivare all’ori-
gine di un atto creativo. Non si tratta di una
domanda tematica, perché il tema fondamen-
tale di oggi è la politica, bensì una domanda
di senso più ampia, che abbraccia il teatro, la
collettività e l’individuo e informa in modo
profondo il senso del festival.
#03
Chiara Guidi della Socìetas Raffaello Sanzio,
direttrice artistica del festival nel 2009, e Er-
manna Montanari del Teatro delle Albe, a cui
passerà il testimone nel 2011, hanno ragionato
con noi sulle parole chiave di questa edizione
del festival.
Le parole sganciate da una situazione pratica
possono diventare pericolose. Il rischio è
che si trasformino in un mondo che diventa
necessario scavare per capirne il significato.
Vorrei togliere ogni tipo di prosopopea intor-
no alla parola “passione”. Credo che sia molto
facile, in questo momento, mutare le cose
attraverso parole che diventano slogan e ven-
gono da noi - proprio da noi che peraltro ci
crediamo - svuotate di senso. Fino a prendere
delle derive che noi stessi confondiamo con la
direzione giusta.
Pensando al festival, alla passione associo il
lavoro pratico, tra cui anche quello critico,
che tante persone prestano gratuitamente.
Questa passione che sembrerebbe non la-
sciare un segno evidente è invece necessaria
perché comincia a stratificare uno spazio. Un
luogo che sta diventando sempre più inascol-
tato, soprattutto nell’ambito di una politica
che elimina con i tagli alla cultura i festival
piccoli per affidarsi ancora una volta alle
grandi strutture dei cartelloni teatrali.
La passione che vedo in Santarcangelo è
legata alle persone, che difendono lo spazio
di esistenza del festival, pur non essendo il
loro lavoro quotidiano: lo difendono per chi
verrà, investendo una porzione di tempo e di
vita perché lo ritengono una risposta politica
a un pensiero dominante. La loro presenza ha
creato l’aria di Santarcangelo 39, la possibili-
tà concreta di realizzarlo e in qualche modo
pone i fondamenti di un pensiero estetico,
perché si dirami.
Credo che queste persone siano le uniche che
possano parlare di passione.
[Chiara Guidi]
Le due parole chiave che mi sottoponete sono
strettamente legate: la passione è in quanto
tale insostenibile, perché è paradossale nella
sua stessa natura, che consuma e insieme
alimenta. Di quale passione stiamo parlando?
Del termine passione abusano da decenni
venditori di profumi e politici in carriera.
Se non rimettiamo la parola con i piedi per
terra, se non la inchiodiamo al suo etimo di
“patimento”, non ne usciamo fuori. Patimento
amoroso, ovvio: per un’altra creatura, per
un’opera da realizzare, per una comunità da
costruire. La sua insostenibilità è nell’essere
in relazione al mistero dell’altro, del bruciare
per questo altro. È in quel fuoco che andrò
avanti nella conoscenza, di me, dell’altro, del
mondo. La sua insostenibilità è quindi nell’es-
sere, in quanto tale, aliena da ogni progetto di
potere e di dominio. Non è questione, credo,
di essere “smisurati” o “misurati” a priori: è il
patire “con” e “per” che mi darà la misura e la
dismisura necessarie, che mi chiederà ora di
fare un volo dall’ultimo piano di un condo-
minio ora di starmene quieta in un angolo a
misurare la terra. Immaginare l’irrealizzabile,
di per sé, è pensiero astratto, slogan pubblici-
tario al peggio, se non lo si àncora.
[Ermanna Montanari]
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Nove parole chiave, nove temi che saranno le ossature di senso di questo e dei prossimi numeri di “Nero su Bianco”. Interrogativi attorno a cui leggere
Santarcangelo 40, da porre a noi stessi e a chi il festival lo fa. Per guardare anche un po’ oltre il festival e chiederci “a che punto è la notte”.
Rosso – [passione]
Per i suoi quarant’anni Santarcangelo dei
teatri assume il rosso come unico segno,
un colore dimenticato dalla politica e dalle
mode, perché in grado di tracciare un’etica
del fare orientata a una logica diversa da
quelle dell’economia e del buon senso, che in
tempi di crisi suggerisce continenza, esorta
alla contrazione. E invece Sartarcangelo 40
esplode, irrorato dalla passione di chi lo fa.
Ma passione è anche una parola fraudolenta,
perché colpisce al cuore. Chi non vorrebbe
essere investito dalla passione? Sono anni
che il marketing fa leva sull’insoddisfazione
promettendoci sempre lo stesso antidoto:
sentimento, impeto, passione. Anche al di là
dei facili stratagemmi da copywriter, il nodo
della passione nasconde a volte il cappio
della necessità. In tempi di risorse contratte
la passione diventa pericolosa valuta di scam-
bio, un’economia paradossale che si dà e si
ripaga tramite sé stessa. Ma nessuna risorsa è
infinita, e quando lo sforzo eroico si tramuta
in sfruttamento, la passione diventa vocazio-
ne al martirio. Eppure, oggi non c’è gesto più
significativo del fare. Non c’è altra utopia pos-
sibile, in questi anni in cui la politica predica
e applica la completa desertificazione cultu-
rale. Difficile tenere saldo il timone in questo
presente in tempesta, perché ogni parola è un
campo conteso, che va abitato fino in fondo
per essere davvero praticabile. Piccoli e gran-
di slittamenti di senso – è questo il terreno
in cui l’arte e la realtà si incontrano, ognuna
seguendo logiche che rispondono alle proprie
economie. È questo, oggi, uno dei terreni del
conflitto. Sulla passione Santarcangelo 40 ha
tirato il dado e giocato la sua posta.
[G.G.]
Santarcangelo 40
A che
punto
è la notte
Junkspace – [spazio pubblico]
Quello che non vediamo nella città fluttuante
è davanti ai nostri occhi: paesaggi storpiati,
orizzonti dimezzati, inquinamento diffuso.
Non vediamo gli orli della follia scintillanti di
lusso e i lavoratori migranti alloggiati nelle
periferie. Non vediamo il futuro, il rischio del
XXI secolo: l’infinita incertezza dell’indivi-
dualismo globale. Anzi no: una collettività dal
cervello unico e piatto, sotto controllo, che
popola e sguazza in quello che Rem Koohlaas
ha chiamato junkspace. Spazio come spazza-
tura-informe, privo di qualità architettoniche
ma carico di utilità economiche. Crescita
senza controllo della forma e della funzione,
dilatabile all’infinito: per un mondo popolato
da acquirenti. Di notte tutto si svuota o si
riempie, la città e le discariche; arriva un’altra
umanità per le pulizie, per rimettere in ordine
le merci e la mutazione dei decori. E tutto si
svolge nell’astrazione di un’aria condizionata
perenne che nega stagioni e mutazioni del
bello o cattivo tempo. Un mondo irreale total-
mente reale. Spazio indefinito fatto dei nostri
rifiuti, buono per tutti e acre con ciascuno, in
cui l’arte serve per imbellettare la vita dentro
musei immobili, che si ergono nelle città
come moderni mausolei, festival in cui ogni
insignificante oggetto può diventare evento,
arte pubblica che non sa andare oltre gli spazi
residuali. Non c’è risposta se non quella di
tornare a soffrire le incertezze della realtà,
mantenendo una totale mancanza di illusioni
nei confronti della propria epoca e ciò nono-
stante pronunciandosi senza riserve per essa.
Soffrire la realtà è una questione teorica, ma
oggi deve diventare, per dirla con Ernst Bloch,
“utopia concreta e principio di speranza”.
[S.C.]
A
Che
Punto
È
La
Notte
Irreality show – [realtà e fiction]
È il nostro orizzonte, la cosa più vera che
per esclusione computiamo sulle dita delle
mani: rapporto tra realtà e finzione. Ma quale
fiction e quale reality restano distinte nel
nostro immaginario? La realtà non esiste,
tutto è vero e nulla è impossibile – dicevano
i fricchettoni negli anni ‘60 che in qualche
vallata californiana oggi producono ottimo
Bordeaux a 100 dollari minimo la bottiglia.
Ma oggi quella formuletta rivoluzionaria si
è capovolta, l’hanno vinta loro la battaglia,
l’immaginario ce lo hanno fottuto in pieno.
Il reale è la sua rappresentazione, sennò non
esiste. Io sono vero solo lì, in quella spettaco-
larizzazione dell’anima, perché il pubblico è
uno specchio e io mi capisco solo in quell’au-
ra quasi divina, di conferma e di consenso,
mi manifesto, mi paleso, appaio, sono scritto,
sono rappresentato, ergo sono.
L’inautentico è la materia di cui è fatto il
nostro presente, sostanza vitale e produt-
trice, menzogna continua, bugia voluttuosa
assolutamente vera. Ma questi sono anche gli
anni in cui il cinema sta tornando, attraverso
il documentario, a dire la realtà. Se vogliamo
testimoniare, non auto-rappresentandoci,
dobbiamo mettere in discussione il nostro
posizionamento, essere nel mondo ma non
del mondo, infilarci in questo rapporto
verticale tra l’arte e chi è escluso da qualsiasi
narrazione e rappresentazione, all’affannosa
ricerca di un ultimo sempre più risicato e
impossibile momento di realtà.
[N.V.]
7
Per sé e per gli altri – [comunità]
Come si fa ad essere una comunità, e in più
resistente e adatta ai cambiamenti? Non
possiamo certo fingere per l’ennesima volta
che serva il romanticismo o peggio l’eroismo
dei tempi andati. Santarcangelo 40 dedica un
incontro al prossimo, non lo definisce, lo cerca,
chiede chi sia. La domanda invita a ragio-
nare su un lavoro sociale e culturale che sia
seriamente cooperativo e che non consideri
un rimosso collettivo l’“odore” di chi abbia-
mo accanto, di quel non più idealizzabile, ma
concretissimo, compagno di viaggio.
Per affrontare un interrogativo che ci mette in
gioco nella sfida più sgarrupata che ci sia dato
di affrontare nella società contemporanea è
necessario fare i conti con la propria debolez-
za. Bisogna mettere alla prova la fragilità della
nostra anima come nel romanzo di Maurizio
Braucci. Per sé e per gli altri parla di un cam-
mino, di un pellegrinaggio senza certezze per
attraversare prima di tutto se stessi, oltre-
passando le false coscienze erette dall’indivi-
dualismo. Agire con gli altri è l’approdo dopo
la linea d’ombra, dopo essersi soppesati; nel
paesaggio di Braucci la sfida sta nella presa
di responsabilità senza moralismi: mentre la
lotta cova sotto la cenere, che fare?
[N.R.]
8
Rivolta – [street art]
Ribaltare, buttare all’aria, stravolgere.
Rivoltare è forse mettere a soqquadro una
stanza, spostare mobili, soprammobili e
ricordarsi all’improvviso della quantità di
cose che conteneva. Se la stanza è una città,
spostare significa disorientare. Se la città con-
tiene un festival, rivoltare significa mettere in
atto un trasloco di presenze e luci, di suoni e
costumi. Se in Europa si è detto “fare un ’48”,
a Santarcangelo oggi si dice “fare 40”.
Santarcangelo è un teatro, pur non avendo
mai avuto un teatro. Ex-lavatoi, ex-corderie,
ex-carceri. Il valore d’uso è stravolto. Cam-
minare per Santarcangelo significa andare
incontro allo spettacolo dal vivo, credere di
essere turisti e scoprirsi spettatori. Una pom-
pa di benzina, qualche giardino, un negozio,
un’osteria, una grotta e un museo. Oggi c’è
solo il teatro. Passeggiare per le vie di San-
tarcangelo vuol dire attraversare spettacoli,
fermarsi a guardare le proiezioni e i manifesti
del passato, alzare il naso e incrociare con
lo sguardo un’installazione luminosa su una
finestra, vedere sui muri bestie fantastiche e
figure aliene. Street, la strada. Art, l’arte.
L’arte urbana è oggi una delle forme d’arte
che possiede la grammatica della rivolta.
Lascia un segno, incide, modifica. Fuori da
qualunque mediazione commerciale. La stra-
da ospita l’arte, l’arte irrompe in strada per
sfondare i muri, riempire le crepe, sovrap-
porre orizzonti su pareti verticali. Se dare
un segno di colore su un muro è commettere
un’infrazione, a Santarcangelo 40 l’infrazione
è la regola d’oro da seguire. La parola d’ordi-
ne è “soqquadro”.
[S.T.]
Ibridi – [letteratura]
Tutti gli scrittori dovrebbero farsi un periodo
obbligatorio di carcere, non è giusto che
alcuni se lo facciano e altri no, così almeno
non più prigionieri del loro io si occupereb-
bero di cose serie. Così diceva Busi trent’anni
fa invitato a un convegno in Finlandia di
scrittori lagnosi europei. Busi non a caso,
perché è un campione dell’autofiction, grande
stile grande penna ma che palle a parlare
sempre di sé e mai di altro. Che un oggetto
negletto come il romanzo sia ingrassato, dal
dopoguerra a oggi in Italia e nel mondo, come
un cannibale, la pecora nera del racconto
di sé, dell’autofiction o della biografia come
prima si chiamava, e sia diventato il genere
infestante della narrativa e della letteratura è
un fatto, un fatto culturale che non possiamo
trascurare. C’è libro e libro, c’è bio e bio, del
resto, e soprattutto bisogna sporcarsi le mani
in questa materia e distinguere chi fa spet-
tacolo di sé da chi, invece, fa corrispondere
vissuto e arte, espressione e impegno, e mette
dolorosamente il proprio vissuto in crisi. Non
restiamo storicamente provinciali: le opere
si sono sempre scritte così, non facciamo le
anime candide. Non vogliamo camminatori
delle stelle che, chiusi, volano alti solo tra le
quattro mura. Cerchiamo il coraggio dell’ibri-
dazione e non il suo alibi, perché all’interno
di strumenti e persuasioni per capire la realtà
si possono nascondere più facilmente doppi
fondi del senso.
[N.V.]
Download – [musica]
La domanda che salta alla mente pensando alla
musica, oggi, è: cosa sta accadendo?
La risposta, quella artistica, è scoraggiante.
Verrebbe da usare la parola nulla. Nulla e tutto.
Perché la musica sta diventando un moloch,
uno spazio illimitato, un infinito download, con
un solo limite: il tempo che resta per ascoltare.
Sazi e tuttavia vuoti, rimpinzati di musica del
passato e del presente: eccesso di disponibilità
e corsa a star dietro all’abbondanza. Una corsa
che è fatica e sempre più spesso apatia uditiva.
Oscilliamo tra bulimia e inappetenza. L’ab-
bondanza è davvero l’età dell’oro di cui tanto
avevamo bisogno? Ci rende davvero più liberi?
E se fosse il limite, invece, la strada verso la
sopravvivenza?
Per ritrovare la musica, quella che scorre in
profondità, per approdare in superficie, è
necessario accettare l’impossibilità di ascoltare
più di una porzione dell’enorme quantità di
musica prodotta. Rifiutare il flusso indistinto.
Resteranno poche orecchie davvero umane a
dare un senso alla musica: una piccola mino-
ranza. Folkettari solitari, sferragliate di chitarre,
dancers e hip-hoppazzi nelle strade, anarchiche
band, sperimentatori visionari. Pirati. Come
“la ciurma anemica d’una galera infame su cui
ratta la morte miete per lenta fame” del Galeone
anarchico ripescato dai Ronin, sentiremo
cantare: “Su schiavi all’armi, all’armi! L’onda
gorgoglia e sale, tuoni baleni e fulmini sul gale-
on fatale. Su schiavi all’armi, all’armi!”
[S.C.]
Fine-di-mondo – [teatro]
Santarcangelo 2010 o Santarcangelo 2012?
Sembrerà una battuta scontata, ma è davvero
impressionante vedere raggruppati così tanti
spettacoli che parlano a vario titolo della
fine, di una cesura netta e violenta del tempo,
spezzato in un prima e un poi, un prima e un
mai. C’è chi la fine la incorpora già nel titolo,
come Babilonia Teatri che citano i Doors, o
Finale del Mondo di Teatro Sotterraneo, che
gioca con la finale del mondiale di calcio – ma
è impossibile non vedere l’ombra del ragio-
namento sulla fine della specie dei loro ultimi
lavori. C’è chi la declina nella sfera indivi-
duale, quella intimista del “periodo nero” di
Cosmesi e la fine dell’altro da sé della scena
del crimine allestita da Fagarazzi & Zuffellato.
Ci sono le deflagrazioni dei Portage e chi urla
“me ne frego del futuro”, come Filippo Timi
nel suo monologo. All’incertezza di un futuro
difficile da decifrare, la giovane generazione
del teatro italiano sembra opporre lo spettro
della fine. Di un’apocalisse che, nel senso
etimologico del termine vuol dire “rivela-
zione”, forse in questo senso attesa, persino
reclamata. Il teatro predica la fine, ma prima
di tutto la pratica. Quasi tutti questi lavori si
inerpicano lungo un crinale che nega il teatro
come linguaggio specifico, la sua capacità di
dire in quanto teatro, predicando la necessità
di uscire da sé (verso l’arte, l’audiovisivo,
la musica) o di implodere nella riflessione
meta-artistica – e il lavoro di Codice Ivan, al
festival con un nuovo progetto, è da questo
punto di vista emblematico.
C’è vita oltre il teatro? Ovviamente solo chi
vivrà potrà dirlo.
[G.G.]
Pollicino – [critica]
Non un paesaggio da sorvolare, non una map-
pa per orientarsi nella geografia esplosa del
quarantesimo festival. Quest’anno a Santar-
cangelo non è permesso prendere le distanze:
si parte subito dall’interno, immersi nel rosso
denso e uniforme che è il suo manifesto, e le
prospettive si moltiplicano come gli sguardi
dei partecipanti, costringendo i visitatori a
smarrirsi e a dimenticare persino che c’era,
forse, un tempo, una strada da seguire. Traiet-
torie personali, inedite, autonome, chiedono
di essere disegnate. Come reagire nello spae-
samento? Per un po’, sarà bene perdersi e la-
sciarsi investire dalla violenza della quantità,
spinta verso i limiti del sostenibile. Poi, come
il Pollicino della fiaba, soli nel bosco, i testi-
moni di queste giornate dovranno provare a
segnare la propria via, suggerendo direzioni,
lasciando dietro di sé tutto ciò che hanno a
disposizione, che siano sassolini da ritrovare
al ritorno o briciole di pane che spariscono in
fretta dal sentiero.
L’essenziale è depositare tracce, affinché lo
sguardo critico possa costruire, frammento
dopo frammento, percorsi che incontrano al-
tri percorsi: finché nel bosco, che sarà ormai
un labirinto, ci si ritrovi tutti, singoli e plurali.
Quando, alla fine del festival, sembrerà non
esserci più via d’uscita, quando l’alternativa
sarà mangiare o essere mangiati dagli orchi,
ci si potrà allontanare e osservare finalmente
il disegno tracciato. Potrà servire in futuro,
sperando di perderci ancora.
[A.C.]
9

Daniel Veronese, cinquantacinque anni, è una delle
figure di riferimento del teatro argentino di Buenos
Aires nel periodo della post-dittatura. Inizia a lavo-
rare all’inizio degli anni ‘90, fondando El Periférico
de Objetos, collettivo di teatro di figura “per adulti”
che con le sue opere ha segnato l’immaginario di
molti artisti rioplatensi. Topi antropormofizzati,
bambole dalle orbite cave, teatrini in miniatura
facevano convivere oggetti inanimati e attori, assu-
mendo l’oscuro, la minaccia, il torbido di anni che si
stavano liberando dagli incubi dei desaparecidos e
attraversavano la svendita iperliberista del paese.
Contemporaneamente Veronese inizia a scrivere
testi propri, che verranno pubblicati in tre volumi,
drammaturgie frammentarie, sospese in un presente
“contaminato”, popolato da personaggi spesso senza
nome e “psicologia”. Sul finire dei ‘90 il dramma-
turgo argentino diventa anche regista, dapprima
mettendo in scena propri testi, negli ultimi anni
indagando le scritture di Cechov, Jon Fosse, Ibsen. Un
teatro intimo e stralunato, in cui la recitazione e la
ritmica declinano un concetto di regia che prima di
tutto deve provare a definire gli orizzonti presenti
dell’arte e del mondo. Veronese tiene e ha tenuto
lezioni e laboratori in svariati contesti formativi di
Buenos Aires - città che dopo la crisi economica del
2001 ha visto un’esplosione di esperienze teatrali ed
è considerata la città più “teatrale” del mondo - ed è
riconosciuto come “maestro” da molti, al punto che
anche grazie alla sua pratica in Argentina oggi è
comune scrivere drammaturgie e metterle in scena
allo stesso tempo, assumendo un doppio ruolo che
preserva la “vita” della scrittura di scena e la lettera-
rietà del testo scritto; Veronese è stato selezionatore
10
Biografie
Una secca illusione
Conversazione con Daniel Veronese
di Lorenzo Donati
del Festival Internacional de Teatro de Buenos Aires
e i suoi spettacoli sono stati ospitati nei maggiori
festival europei e sudamericani.
Con Daniel Veronese “Nero su Bianco” inaugura la
rubrica “biografie”. Si tratta di incontri con alcuni degli
artisti presenti a Santarcangelo 40 ma che difficilmen-
te rivedremo in Italia: partiremo dalla biografia per
arrivare all’arte e al teatro, convinti che il “racconto”
- se bene si decide cosa raccontare e chi incontrare - sia
uno dei compiti e delle responsabilità da assumersi.
Come ha iniziato a fare teatro?
Io sono carpentiere e prima di dedicarmi al teatro ho
lavorato parecchi anni in una piccola impresa, dove si
fabbricavano mobili. Ovviamente, ora dirò che sentivo
il richiamo di qualcosa di diverso. Devo dire che non
è stato per niente facile. Anche se spesso si dice che
prima o poi le vocazioni prendono il sopravvento, io ci
ho messo un po’ a decidermi. Ho incontrato un maestro
di teatro di figura argentino, Ariel Bufano, e con lui
ho cominciato a dedicarmi all’arte. Sono passato per
tantissimi mestieri (artigiano, mimo, attore, regista,
burattinaio, drammaturgo, scenografo) e non è facile
trovare un nome per definire quello che faccio. Potrei
dire che “creo forme”. Qualcosa di non facilmente
consumabile, qualcosa che va iniziato giorno per
giorno, e che ti può svanire dalle mani da un momento
all’altro. Una tappa fondamentale è stata la fondazione
del El Periferico de Objetos, nel 1991: avvertivamo la
necessità di creare un linguaggio con gli oggetti, senti-
vamo che gli oggetti avevano molto da dire anche agli
adulti. Ho poi iniziato a scrivere come drammaturgo,
in un primo momento le mie opere venivano messe in
scena da altri registi, successivamente ho cominciato a
mettere in scena personalmente i miei testi.
Negli ultimi anni si è dedicato esclusivamente alla
regia, sostando su Cechov e Ibsen, per esempio. Pra-
ticare la regia, oggi, è forse reinventarne di volta in
volta un senso profondo. Qual è il suo?
Nel caso dei classici il regista è colui che presenta
un oggetto creato tanti anni fa, in circostanze molto
diverse dalle attuali e non parlo solo di circostanze
sociali o politiche, ma anche teatrali; mi piace pensare
che questi testi, e qui a Santarcangelo si tratta di Hedda
Gabler di Ibsen, sono stati creati per un tipo di pub-
blico che non è lo stesso di oggi. Avverto che la mia
conoscenza sull’opera è superficiale finché non mi ci
metto a lavorare sopra. Quello che potrò scoprire – se
avrò la fortuna di scoprire qualcosa – la scoprirò solo
a spettacolo finito. Permetto che sia l’opera a portarmi,
e non il contrario. In questo cammino sono completa-
mente intuitivo.
Perché Casa di Bambola e Hedda Gabler sono divenuti
Lo sviluppo della civiltà ventura e Tutti i governi
hanno evitato il teatro intimo?
I titoli sono abbastanza aleatori. A volte provengono
da altre opere che non ho mai scritto, o dalla necessità
di dare un colore diverso al progetto, ma anche di
confondere un po’. Dissolvere piuttosto che risolvere
un preciso tipo di sguardo. Il tuo nome nomina ma non
ti definisce, credo.
I suoi lavori teatrali, ma anche i suoi testi pubblicati,
non di rado interrogano lo spettatore su concetti come
“realtà”, “finzione”, “verità”. C’è una precisa rifles-
sione che attraversa le opere, ma che non le risolve...
La realtà concreta che incarniamo quando facciamo
teatro riguarda il fatto che stiamo lavorando sulla
finzione, su qualcosa che non è vero ma che deve
essere realizzato con verità. Voglio che tale concetto
sia chiaro sempre, anche se in forme diverse. Negli
ultimi lavori l’utilizzo di scenografie non appropria-
te, l’eliminazione di artifici teatrali, la mancanza di
convenzionalismi fanno in modo che, paradossalmen-
te, emerga il teatro come luogo fisico, duro, terribile;
vorrei che la gente non si sentisse comodamente seduta
in poltrona, ma che pensasse almeno al suo modo di
abitare questo luogo. La realtà finisce per uscirne raf-
forzata, sottolineata, grazie alla mancanza di elementi
che comunemente troviamo negli spettacoli. A questo
fa da contrappunto la verità nella recitazione, con
attori che siano in grado di creare relazioni e attitudini
che potremmo incontrare per strada, nei nostri vicini
di casa, in famiglia. Una verosimiglianza che mette il
pubblico nella condizione di guardare come se si stesse
affacciando da una finestra. Però, affinché si produca
un’illusione profonda, è per me necessario restare
“terra terra” e fare comprendere senza dissimulare che
il luogo nel quale ci troviamo è un teatro. Mi piace che
gli attori siano già presenti all’entrata del pubblico,
che salutino i conoscenti, che siano loro a chiedere che
vengano spenti i cellulari: fino a questo momento non
ci dovrebbe essere nulla da mostrare o nascondere.
Come può un attore essere “credibile”? La questione
oggi è centrale, perché ogni piccolo gruppetto ha i
suoi linguaggi e le sue idee di “verità”.
Per domandarci quanti tipi di verità esistano occor-
rerebbe domandarsi quanti tipi di teatro esistono,
sapendo quello che ciascuno cerca. Quando si tocca
una verità io la avverto a livello emotivo. La intuisco,
la cerco, la trovo e la comunico all’attore che la sta
producendo. Non so in partenza dove si trova né posso
definirne a priori i caratteri. È come chiedersi dove
sta la felicità e come fare a trovarla. Impossibile. Io
cerco la mia verità, che nella scena è apparentata con
la felicità. La verità scenica (ma questa non è una
definizione) è qualcosa che non è ancora mai successo
eppure intuiamo che esiste, non sapendo né dove né in
che modo sia esistita... eppure all’improvviso appare,
ed è efficace nella misura in cui sa essere semplice e
riconoscibile.
Cosa significa, per lei, affermare che un’opera d’arte
riflette questioni veramente importanti per la società in
cui viviamo?
È un tema molto difficile e controverso. Non sarebbe me-
glio pensare che ci sono diverse forme di pensare a ciò
che è importante per una società? Il teatro, in generale,
parla del passato, non anticipa ma raccoglie i resti di ciò
che è stato distrutto e con questi compone uno sguardo.
In questo caso, e credo in generale, il teatro “impegnato”
annuncia e denuncia qualcosa che già conosciamo e ab-
biamo vissuto o possiamo conoscere da altre prospettive.
Eppure il pubblico, in questo teatro, apprezza se può
riconoscersi. La tribù va al suo proprio cerimoniale e ne
gode. Rare volte qualcuno esce con un pensiero che sia
davvero diverso da quello dello spettacolo. Il pubblico,
quando vede qualcosa che provoca rottura, generalmente
lo rifiuta. Nessuno va a teatro per entrare in contraddi-
zione col suo stesso stile di vita. Il momento spettacolare
continua a essere un momento di festa. Un teatro che ci
faccia sentire sicuri del nostro pensiero politicamente
corretto è quello che viene definito come teatro che riflet-
te la “realtà sociale che viviamo”. Forse è questo l’eser-
cizio: il teatro può riuscire a farci sentire più sicuri in ciò
che già pensavamo. Però io non credo nella possibilità,
per lo meno di massa, di un reale approfondimento, di un
cambio di attitudine nella gente. Penso che il teatro sia
in svantaggio rispetto ad altri media. È un punto di vista
un po’ pessimista, ma credo che se riusciamo a generare
cambiamenti si tratti di cambiamenti individuali.
Eppure la strada di un teatro che incida, in ascolto dei
conflitti del presente, forse oggi non va accantonata..
L’unica strada è proporre nuovi spaesamenti. Ho
iniziato a fare teatro “per me” e in questo modo
continuo, per il mio piccolo intorno, con la speranza
che da lì qualcosa si apra. Non penso che il teatro
possa educare, a me serve per mettere in discussione
la forma di impostare la vita e per cambiarla con altre
forme diverse, forse migliori. Vorrei chiarire che non
sono contrario al “teatro politico”, né io mi considero
“apolitico”. Sto parlando di quello che m’interessa,
della mia esperienza di teatro. Probabilmente viviamo
un momento nel quale l’emozione a teatro è più rivolu-
zionaria di un’idea brillante e autorevole. Qualcosa che
produca un punto di vista realmente trasversale. Non
idee, non leggi, ma attitudini.
11
 Appuntamenti

RADIO GUN GUN

SANTARCANGELO 40

On line live at LIVESTREAM RADIO GUN GUN

www.livestream.com/radiogungun

sabato 10 luglio
Piazza Ganganelli - ore 12.00 am
Radio gun gun - LEO OPERA
“la terza vita di Leo” presentazione del libro dedicato a Leo De Berardinis.
Parteciperanno Laura Mariani, Francesca Mazza, Angela Malfitano,
Silvio Castiglioni, Massimo Marino
con materiali inediti di e su Leo

giovedì 15 luglio
Piazza Ganganelli - ore 18.00
Radio gun gun - Santarcangelo 40
ospiti artisti, studiosi, musicisti, disegnatori,
letterati, cineasti, teatranti presenti al festival
Interventi musicali live di IOSONOUNCANE*

venerdì 16 luglio
Piazza Ganganelli - ore 18.00
Radio gun gun - Santarcangelo 40
ospiti artisti, studiosi, musicisti, disegnatori,
letterati, cineasti, teatranti presenti al festival
Interventi musicali live di DINO FUMARETTO*

domenica 18 luglio
Piazza Ganganelli - ore 18.00
Radio gun gun - Santarcangelo 40
ospiti artisti, studiosi, musicisti, disegnatori,
letterati, cineasti, teatranti presenti al festival
Interventi musicali live di AIDORU

*Interventi musicali live in collaborazione con

La Famosa Etichetta Trovarobato

Prossime uscite di “Nero su Bianco”

Domenica 11 luglio
Giovedì 15 luglio
Sabato 17 luglio