Víctor Escobar

Trabaja y vive en Zug, Suiza

Paisacre I (Díptico)
De la serie Paisacres
Cristales Strass sobre pana japonesa
200 x 200 cm
Imágenes: cortesía del artista
Fotografía: Faiber Escobar

Iván Ordóñez: ¿Desde cuándo se interesó por el arte?

Víctor Escobar: Desde que nací. Mi madre me contó que de niño hacía bolitas con caca, las
miraba y luego sonreía. No mentiras. Desde que recuerdo siempre tuve habilidad para el
trabajo artístico y creativo, y comencé por mi cuenta a muy temprana edad a interesarme por la
danza, la actuación y la pintura. Con el pasar del tiempo el medio artístico de la pintura fue el
único sitio donde pensé que podría sentirme bien y desarrollarme satisfactoriamente. Con
dieciséis años ya sabía exactamente lo que quería: estudiar arte.

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I.O: ¿Qué problemas ideológicos, estéticos y conceptuales ha desarrollado en su trabajo?

V.E: Problemas ideológicos, estéticos y conceptuales siempre hay y los habrá... y muchos, ¡de
todo tipo y a todos los niveles! Por cuestiones del destino, mi obra se ha desarrollado un poco
por fuera de la teoría artística contemporánea. No hay que olvidar que estudié en la Academia
de Bellas Artes Surikof de Moscú en la Unión Soviética y mi formación profesional es
“académica”, basada en esos siete años de formación técnica y artística. Como es de esperar
en un proceso estudiantil académico, los “problemas” que aprendí a manejar, tenían más que
ver con la técnica misma, la composición de las obras, la teoría clásica e histórica y sobre todo
la relación entre la temática a representar y su realización. Fue un entrenamiento intenso y
constante entre el ojo, la mano, el cerebro. Hoy, esta forma de aprender, ver y analizar el arte
parecería un poco “anticuada”, pero en sí es una excelente y, de pronto, una de las mejores
claves para comprender el arte actual.

Cuando finalicé mis estudios en Moscú y llegué a Suiza, ese mundo en el que me formé se
vino abajo. Internamente, en un proceso natural de desarrollo, tuve primero que “actualizarme”
y deshacerme de muchas de esas estructuras rígidas y tradicionales que aprendí. Ese proceso
de actualización fue muy importante para mí y me permitió abordar el arte desde otro punto de
vista. Con el paso del tiempo he evolucionado y en cuanto puedo incluyo en mis obras temas y
problemáticas acordes a mi forma de ver, pensar y comprender la realidad que me circunda.

I.O: ¿Qué temáticas ha desarrollado en su trabajo?

V.E: En cuanto a contenido, un periodo de tiempo mis obras estuvieron concentradas en mis
propios deseos y obsesiones, y últimamente gira alrededor de la problemática social del ser
humano, con un acento fuerte en ese ser humano denominado “colombiano”. Me interesan
diferentes aspectos en nuestra sociedad, sobre todo obsesiones crónicas como la violencia, la
corrupción, el ansia de poder, los deseos oscuros y escondidos, la codicia desaforada y
muchos otros temas que tipifican nuestra sociedad reciente. En el ámbito estético mis obras se
caracterizan por una visión más lejana, con espacio para miradas políticas y comprometidas
que analicen lo sucedido diariamente. En Colombia hemos raramente aprendido a vivir en
medio de una realidad sórdida, absurda y muchas veces cínica e incomprensible; es esta
extraña relación ideológica, visual y estética, llena de contradicciones y dobles sentidos, lo que
intento plasmar en el contenido en mis obras. La vida político-cultural en la sociedad
colombiana es una de las fuentes temáticas principales en mi trabajo artístico.

I.O: ¿Qué técnicas, medios o lenguajes trabaja?

V.E: En los últimos 10 o 15 años trabajé mucho con vídeo. Estuve muy influenciado por la
artista suiza Pipilotti Rist, la cual me fascinó desde un comienzo por su personalidad, humor y
más que todo por la forma estética, visual y técnica que utiliza para trabajar sus obras. Con ella
descubrí las muchas posibilidades que ofrece el vídeo a nivel de expresión, contenido y
presentación. Con el paso de los años, me di cuenta de lo complicado que es este medio y lo
complejo del proceso para concebir, desarrollar y montar una obra de vídeo. La dependencia
de la técnica es muy fuerte y creo que es una de las expresiones artísticas más exigentes que
existen hoy.

En el 2007 con la realización de la exposición ¡Guaca-la! en Bogotá, tomé la decisión de dar

un giro definitivo a mi forma de trabajar y presentar mis trabajos: cambié la técnica del vídeo
por la de objetos e instalaciones. Una de las principales razones para este cambio fue el hecho
de poder imprimir un sello más “personal” o más tangible a cada una de mis obras. Este valor
“manual” es algo que en el vídeo es más complicado y difícil de plasmar. Al realizar este
cambio, abrí mis horizontes a otras esferas artísticas y de materiales, los cuales se han vuelto
más espontáneos, contradictorios y muchas veces poseedores de una carga visual y
conceptual propia.

I.O: ¿Qué ha influenciado su trabajo?

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V.E: En mis comienzos como aficionado, los diarios de Camille Pissarro y los de Salvador Dalí
entre otros, me ofrecieron acceso a conocimientos específicos. A nivel técnico, adquirí fuertes
conocimientos teóricos e históricos en los siete años de estudio en la Academia de Bellas Artes
de Moscú. En su época la videoartista Pipilotti Rist abrió para mí un mundo experimental de
color, forma y contenido completamente desconocido y fue ella quién me animó a abordar el
arte desde un punto de vista diferente, más descomplicado, poético y algunas veces hasta
irreverente. Con ella aprendí también a ver el arte contemporáneo desde una perspectiva más
irónica, con humor y no tan dogmática como lo había aprendido en Moscú. Con el pasar de los
años, creo haberme liberado de toda influencia y ya he tomado mi propio camino. Al final lo que
siempre queda es la necesidad e importancia de concentrarse en usted mismo y en sus propias
ideas. Es ahí donde he descubierto que el papel más importante en mi obra lo juega mi
cuaderno de bocetos: su función de recopilar todas mis ideas, me sirve con el paso del tiempo
una y otra vez de inspiración.

Fotografía: Gary Soskin

227m3
Instalación tejida a mano con hilo de coco, alambre y papel
200 x 200 x 500 cm

I.O: ¿Cuántas exposiciones ha tenido?

V.E: 15 individuales y más de cuarenta colectivas. La mayoría de mis exposiciones han sido en
Colombia, Suiza, Alemania y en diferentes galerías, museos y ferias de arte en Europa y
América Latina.

I.O: ¿Con qué galerías trabaja?

V.E: En Colombia trabajo exclusivamente con la Galería Valenzuela Klenner en Bogotá. En

Suiza y a nivel Europeo trabajo con exposiciones curadas o por invitación directa de los
museos o salas de exposición.
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I.O: ¿Cómo ha sido su trabajo con las galerías con las que trabaja?

V.E: Excelente. A Jairo Valenzuela lo conocí en 1994 en Basilea, cuando la Galería Valenzuela
Klenner fue aceptada en la feria de arte Art Basel 25 años y representó al país en ese evento;
desde hace aproximadamente 10 años trabajamos profesionalmente juntos. Jairo es un
galerista muy exigente con su trabajo y toma muy en serio su espacio expositivo y el entorno
que lo rodea; exige y tiene estándares altos de calidad a nivel nacional e internacional. Me
gusta mucho trabajar con su galería.

I.O: ¿Qué opina de la curaduría?

V.E: La curaduría ocupa un nivel muy importante en la escena artística actual. El suizo Harald
Szeemann fue uno de los pioneros en establecer la curaduría en el centro del movimiento
artístico contemporáneo. Uno de sus fuertes fue el de introducir la figura del “curador
omnipresente” que se encarga de crear exposiciones, pensar estrategias para las mismas e
impulsar artistas a nivel local e internacional. Su trabajo fue muy importante para dar forma y
crear el “culto” que circunda a muchos curadores hoy en día. Las claves del trabajo de un
curador son concebir, mostrar, trabajar y recomendar nuevas tendencias en el arte
contemporáneo a nivel global. No importa cuál es su origen geográfico, académico o
estudiantil, los curadores se han convertido en una especie de artistas integrales que orientan
en la maraña del arte contemporáneo actual.

I.O: ¿Qué opina del arte colombiano?

V.E: Un dato curioso: cuando el curador de la Fundación Daros Latinoamérica en Zurich, Hans
Herzog, se desplaza a Suramérica en búsqueda de nuevas obras de arte o actualización de su
información artística, siempre comienza por Colombia. Esto, a mi forma de ver, refleja el
aprecio que este curador tiene para con la escena artística y el movimiento cultural colombiano.

Así que gracias a las nuevas generaciones, el arte colombiano está pasando por un buen
momento. En Europa y Norteamérica se ha abierto un mercado importante para obras claves
de artistas nacionales; en España, Inglaterra y Suiza, existen ya colecciones con arte
colombiano joven de muy buena calidad. Colombia no posee la tradición igual a los muralistas
mexicanos, ni posee las bases sólidas de la Bienal de Sao Pablo en Brasil, por lo tanto,
podemos decir que acaba de ingresar a la escena artística internacional contemporánea.

Todo esto se debe a que por un lado, en los últimos años ha florecido una nueva generación de
artistas con una producción independiente, profunda y comprometida con la realidad y situación
actual del país, y por otro lado, la escena artística se ha rejuvenecido y empezado a
descentralizar sus instituciones para dar cabida seria a otra regiones. La aparición de la
“región” con importantes instituciones culturales fuera de Bogotá, brinda las bases necesarias
al apoyo de los artistas locales, lo cual seguro que ayudará el futuro del arte contemporáneo en
Colombia.

I.O: ¿Qué artistas colombianos le interesan?

V.E: La obra de José Alejandro Restrepo es de pronto la que más me gusta en el panorama
artístico nacional; su proceso creativo basado en la investigación y profundidad del contenido,
convierte sus obras en símbolos valiosos para el arte contemporáneo nacional. Los trabajos de
Miguel Ángel Rojas, Doris Salcedo, Beatriz González, Bernardo Salcedo y Antonio Caro
también me interesan bastante, por ser artistas con un desarrollo artístico importante en una
época en donde el arte conceptual era poco entendido y apreciado en el país. En los últimos
veinte o treinta años, la nueva generación de artistas se ha liberado de muchos dogmas,
incluso el de Martha Traba, que no le permitían avanzar; ¡ese es un logro que verdaderamente
hay que loar! Poniéndolo un poco mas picante al concepto: el arte colombiano ha bajado de
peso y se ha vuelto más “sexy”. ¡Hasta que por fin ha logrado deshacerse de tanta grasa
acumulada!.

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I.O: ¿Qué diferencias encuentra entre el arte moderno y el arte contemporáneo?

V.E: Según tengo entendido, el “arte moderno” refiere mas que todo a un estilo estético de una
época que comenzó aproximadamente en la segunda mitad del siglo XIX , con los
impresionistas y todo el arte conceptual de los años 20 y 30, y que finalizó más o menos en los
años 70 con el denominado Pop Art norteamericano. El denominado “arte contemporáneo” es
el movimiento artístico que sucede posteriormente a este fenómeno y en donde el artista tiene
una intención y actitud más reflexiva acerca de los procesos contextuales en los que está
inmerso. El arte que vemos y vivimos hoy en día, se ha convertido en una amalgama y medio
mixto sin color ni forma donde “todo” puede ser posible. El “arte contemporáneo” se volvió un
concepto tan general y abstracto, que constantemente crea confusión y muchas veces rechazo
en el público general.

Cortesía: Galería Valenzuela Klenner

Fotografía: Camilo Monsalve
Caleta en Oro
De la serie iGuaca-la!
Instalación
Madera, hojilla de oro
Medidas variables

En Colombia la visión popular del arte contemporáneo también se ha ido ampliando, pero
todavía domina una visión muy reducida y conservadora del mismo: si preguntas a alguien en
la calle como se imagina una exposición, responderá muy seguramente que “con cuadros”, e
ignoran que el performance, la fotografía, el vídeo e incluso la internet ya juegan un papel
importante en el arte contemporáneo. Hay barreras que muchos coleccionistas necesitan
también sobrepasar, para poder aproximarse a las obras actuales con una mirada más abierta,
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más espontánea y cómplice. El cambio completo va a necesitar unas cuantas generaciones
futuras.

I.O: Hablemos sobre su exposición Tráquira y Paisacres

V.E: Desde hace ya largo tiempo que estoy interesado en la relación que existe entre la
economía paralela del narcotráfico, la influencia que ejerce en la sociedad actual y toda la
problemática que de ello deriva. Comprender el “cómo” se manifiesta esa influencia en la
sociedad y “cuáles” son las mecánicas que se mueven alrededor de ese fenómeno, fue una de
las finalidades que me propuse en la exposición ¡Guáca-la! en el 2007. Este trabajo giró
alrededor del poder y la escenificación del “dinero” en la sociedad. Para dar forma a esa
“escenificación”, realicé “caletas” en oro y dólares empotrados en las paredes de la galería,
bloques de dinero “encapsulados” en cajas de acrílico transparente, lingotes de oro y maletas
repletas de dinero ficticio, los cuales aportaban a su manera elementos tangibles de esa
irrealidad/realidad que es la ficción del dinero. En esa exposición, intenté recrear para el
espectador la “magia” y el “deseo” que muchos traquetos sienten e irradian en una sociedad en
ruina. La ficción que ofrecí en la exposición, embelesó a más de uno.

En la exposición Tráquira y Paisacres del 2010, continúo con el mismo interés temático, pero
esta vez enfocado a la forma en que esa cultura “traqueta” colombiana se representa a sí
misma: a través el brillo mágico del dinero y la exageración incontrolada de las formas. Para
intentar visualizar este modo de ser y pensar, decidí tomar dos símbolos sencillos y
contradictorios; ambos representantes de mundos opuestos: cerámica tradicional y diamantes
ficticios.

Basado en esta idea, dividí la exposición en dos partes: una Tráquira, donde recubrí piezas de
cerámica elaboradas en Ráquira con falsos “diamantes”, en un gesto alusivo al quiebre social
o “fractura” de muchas de nuestras tradiciones por el auge desmedido del narcotráfico; y la
otra Paisacres, donde realicé una serie de “objetos/pinturas” con diamantes ficticios, al mejor
estilo del foto-realismo: de cerca sólo ves diamantes como puntos separados, pero al alejarte
comprendes que lo representado en esos objetos son masacres. Estas obras son basadas en
fotos de masacres reales publicadas en varios medios de comunicación masivos en Colombia.
En sus dos mundos contradictorios, Paisacres atrae al espectador con la belleza del diamante
y al mismo tiempo lo repele con su contenido de horror y violencia.

Este trabajo tematiza visualmente la violencia ejercida día a día por los diferentes actores del
conflicto, contra la población civil atrapada e indefensa en medio del mismo. Los sentimientos
contradictorios que acompañan a esta obra son un carácter distintivo que está presente
constantemente en mis obras.

I.O: ¿Hay algo que defina la colombianidad en el arte?

V.E: Creo que hay muchas formas de definir esa “colombianidad” en el arte, pero hay un
elemento preponderante que pareciese subyace a todo: la violencia. La situación crítica en que
vive el país produce y sigue produciendo obras reflexivas y miradas profundas en todas las
esferas artísticas. La guerra a cuatro frentes se ha incrementado tanto en los últimos cuarenta
años, que se ha convertido en el alimento y el pan de cada día de las nuevas generaciones.
Muchos trabajos artísticos producidos por jóvenes creadores en los últimos años, vienen ya
marcados por esa violencia y cada uno de ellos digiere esa “colombianidad” a su forma.

I.O: ¿qué opina del mercado del arte?

V.E: Es un negocio como cualquier otro y el medio por el cual los galeristas, coleccionistas,
artistas y mecenas promueven y/o venden sus obras. Es difícil encontrar hoy en día un artista o
una obra artística desarrollada completamente fuera del mercado como la de Van Gogh. Todos
los actores participantes del mercado del arte siempre toman una posición diferente entre sí y
ante la sociedad. La posición o la relación del artista, la galería o el coleccionista con el
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mercado no es siempre lo que cuenta, sino el “cómo” esa relación se proyecta y presenta entre
los mismos actores del negocio y ante la sociedad.

I.O: ¿Qué opina de las ferias de arte?

Cortesía: Galería Valenzuela Klenner

Fotografía: Juan Carlos Herrera

Motosierra
De la serie Tráquira
Cristal Asfour sobre cerámica pintada
58 x 24 x 17 cm

V.E: Las ferias de arte están de moda y debido a su proliferación y masificación, han perdido
mucho prestigio. Las ferias de arte son muy importantes, tanto como tengan raíces fuertes y
enlaces profundos en la historia de sus regiones. En Latinoamerica no hay tradición de ferias
de arte, pero sí de Bienales como la de Sao Paulo y la Habana. Últimamente hay ferias de arte
que han tomado fuerza y ofrecen un incipiente nivel internacional en Buenos Aires, Bogotá y
México. Uno de los problemas más frecuentes de las nuevas ferias de arte es la perdida de
perfil y la absurda homogenización internacional de estilo en muchas de ellas; es aburridísimo
ver por todas partes las mismas galerías y las mismas obras de arte, como sucede algunas
veces con el mercado europeo y norteamericano. Una feria de arte emergente debe tener un
carácter propio, buscar la excelencia y calidad e identificarse a muy alto nivel con la escena
local. La feria de arte debe ser fuerte en el contacto comercial y sobre todo servir de plataforma
para los artistas en la región o de la región. Para competir internacionalmente, el producto de
una feria de arte debe ser bien diferenciado, poseer un poder y una atracción todavía no
explorada.

I.O: ¿en qué colecciones está su obra?

V.E: La mayoría de mis obras se encuentran en colecciones privadas suizas, en el Museo de

Arte de Nidwalden, en la colección Zabludowicz en Inglaterra y en colecciones privadas en
Alemania, España, México y Colombia.

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