• Recensión objetiva

Referencia bibliográfica completa:

Título: Educación artística y desarrollo humano

Autor: Gardner, Howard

Editorial: Paidós Ibérica

Edición: 1994

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 El autor

Nació en Estados Unidos hace 58 años. Hijo de refugiados de la Alemania nazi, es

conocido en el ambiente de la educación por su teoría de las múltiples inteligencias,
basada en que cada persona tiene -por lo menos- ocho inteligencias u ocho habilidades
cognoscitivas. Investigador de la Universidad de Harvard, tras años de estudio ha puesto
en jaque todo el sistema de educación escolar en EE.UU.
Gardner, neurpsicólogo, es codirector del Proyecto Zero en la Escuela Superior de
Educación de Harvard, donde además se desempeña como profesor de educación y de
psicología, y también profesor de Neurología en la Facultad de Medicina de
Universidad de Boston .
En 1983 presentó su teoría en el libro Frames of Mind: The Theory of Multiple
Intelligences y, en 1990, fue el primer americano que recibió el Premio de Educación
GRAWMEYER de la Universidad de Louisville.
En 1993 publicó su gran obra La inteligencia múltiple; en 1997, Mentes
extraordinarias. Además, escribió quince libros -Arte, Mente y cerebro; La mente no
escolarizada; Educación artística y desarrollo humano y La nueva ciencia de la Mente,
entre otros títulos- y varias centenas de artículos.

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 Resumen del libro

Este libro escrito por Gardner trata de articular una serie de ideas que nos sirven para
comprender la función de la educación artística y también del desarrollo humano. Se ha
basado en un articulo escrito por el propio autor, el cuál hizo grandes contribuciones al
desarrollo cognitivo y de la educación artística. El objetivo es examinar aquello que los
psicólogos han descubierto acerca de los principios que rigen el desarrollo de los seres
humanos, prestando atención a los estudios que sugieren principios que operan en el
área artística y a los que abrigan lecciones para los educadores de artes. También hace
mención en al introducción del tema de si las escuelas de arte deben de ser pagadas por
el estado.
Lo 1º que explica el libro es la diferencia que hay en cuanto a consideración del arte
dependiendo de las diferentes etapas. También dice que depende mucho de la sociedad,
un ejemplo es que en China se considera que la mejor expresión artística se produce
mediante la imitación de grandes hechos de su historia, en cambio en EE.UU. lo más
importante es dejar al niño que exprese sus sentimientos y emociones.
Por lo cual, existe una diversidad en esta parte, que por ejemplo no ocurre en las
matemáticas. Cabe preguntarse si los métodos de la educación artística son variables o
existen unas limitaciones.
El objetivo es explicar como se produce el desarrollo en el ser humano y más
concretamente en al educación artística, basándose en las diferencias individuales de la
población, escolarización, etc..
Para explicar el desarrollo humano comienza hablando de Darwin, hasta llegar al siglo
XIX en el que se estudian las fases del desarrollo a través de las que cada individuo
normal pasa en el curso del crecimiento mental, físico, social y emocional.
El avance de Piaget consistió en hacer observaciones del desarrollo de la vida mental en
niños. Aportaba pruebas de modo universal, sin negar que existieran diferencias entre
culturas o sociedades.
Más tarde, los científicos alcanzaron el consenso que hacia del crecimiento algo más
que un cambio en el tiempo y que el aprendizaje es algo más que una simple asociación.
Se reconoce que la naturaleza de un determinado sistema educativo puede marcar la
trayectoria del desarrollo humano en el interior de una cultura.
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Del individuo desarrollado es aquel que es capaz de tener pensamiento lógico racional
como el mostrado por científicos. Las capacidades que tiene son como las de un
ordenador que tiene que ser capaz de solucionar problemas que se le presentan en un
mundo lleno d objetos físicos. Hay que estudiar el desarrollo humano desde un punto de
vista que considere todos los talentos del ser humano, no sólo desde la perspectiva del
artista.
Por ello ha surgido un enfoque basado en estudios filosóficos, en las capacidades de
utilización delos símbolos, ya que se creía que la lógica y el lenguaje eran la forma de
simbolización.
Pero algunos filósofos niegan estas teorías, por que dice que los seres humanos somos
capaces de un amplio número de capacidades simbólicas, como el arte.
Goodman presentó un conjunto de criterios de notacionalidades como los usados en
matemáticas, y las demás formas de simbolización, se aportan de modos específicos de
este ideal. Esto permite formas de comunicación. Se interesaba por las aportaciones
psicológicas de los diferentes símbolos, ya que podían apelar a diferentes clases de
habitantes de utilización de símbolos por parte de los seres humanos, y podrían tener
consecuencias educativas.
El Proyecto Cero de 1967 decía que cuando las ciencias y las artes operan con símbolos
pueden empezar un invento psicológico sobre el modo en que los habitantes se inhiben
o intensifican unos a otros.
Este grupo de desarrollo ha intentado definir el curso del desarrollo de diversas
habilidades de símbolos poniendo especial importancia en las capacidades de arte.
Los que quieren participar en el arte tiene que aprender a descodificar y a hacerse con el
dominio de conceptos artísticos fundamentales. Los sistemas de símbolos se movilizan
con fidelidades artísticas cuando los individuos las explotan con determinados fines.
En cuanto a la practica debemos decir que los investigadores examinaron 3 aspectos de
los niños: la percepción, la conceptualización y la producción llegando ala conclusión
de que durante la 1ª infancia se desarrollan más rápidamente las facultades sensoriales.
Sin embargo no es lo mismo “ver” que “observar” lo que se quiera, para esto lleva
tiempo y entrenamiento. Muchas investigaciones empíricas lo llevan a cabo a partir de
la percepción. Una cuestión importante es saber si los niños son o no capaces de
distinguir el estilo en las obras de arte. Los niños tendía a agrupar los cuadros por el

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tema, peor una vez que se utilizan cuadros con el tema no explícito los niños son
capaces de agruparlos por el estilo, peor esto no quiere decir que entiendan el concepto
de estilo.
Otro estudio está basado en Piaget, que establecía la diferencia entre pensamiento
concreto operativo, los individuos razonan sobre la base de ejemplos concretos y el
pensamiento lógico formal-operativo, razonan sobre la base de expresiones
proposicionales abstractas, sin relación con nada particular.
Otro estudio esta basado en las conceptualizaciones que los niños hacen de las artes.
Las investigaciones revelan que los niños tienen concepciones erróneas de las artes
como es que creen que siempre han existido o que las fabrican las máquinas, cuando
llegan a la adolescencia se dan cuenta que no hay estándar de producción y que ninguna
obra sobresale a otra. Otras investigaciones se encargan de esclarecer los niveles de
comprensión de los individuos en las obras.
Como resumen hay que decir que el nivel que tiene un individuo en comprensión de las
artes depende de la interacción que haya tenido con este dominio, de modo que si
queremos mejorar la comprensión artística debemos alentarle para que se involucre más
en le tema.
La 3º línea de estudio es la producción. Se han basado en dibujos infantiles a diferentes
edades. Los niños disfrutan garabateando, comienzan haciendo figuras sencillas, luego a
los 3 años hacen dibujos figurativos, a los 5 empiezan a ordenar los objetos y a los 7
empiezan a pintar de modo aceptable.
Cuando entran en la escuela, siguen las normas de esta peor no cuando están fuera de
ella. Cuando van creciendo van dejando el dibujo a un lado, en cambio en otras culturas
el individuo se siente más cómodo con el dibujo.
Alland hizo investigaciones y llego a la conclusión de que las influencias culturales
aparecen temprano y tiene importancia sobre el estilo del dibujo general de los niños.
En otro capitulo el autor empieza a desenmascarar los aspectos que se producen
simplemente en virtud de la calidad de ser miembro de una especie.
Cuanto menos universal es el ámbito, más probable resulta que un individuo requiera
escolarización a fin de dominarlo, y más probable es que una variedad significativa de
individuos tenga dificultad en la consecución de ese dominio. Nos explica como la
educación surgió hace unos pocos de miles de años, ya que antes sólo se daba esta
mediante la observación y en casa.
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En la actualidad las escuelas reclaman una reorientación hacia el mundo que puede
resultar bastante exigente para muchos individuos. Lo que se pretende es llegar a un
régimen educativo que tenga sentido desde la perspectiva de nuestro conocimiento de
las habilidades y potencialidades cognitivas del niño. Los desarrollistas y los
educadores han empezado a prestarse atención unos a otros e incluso a intentar hablar
con el mismo lenguaje.
Piaget divide el desarrollo del niño en varias partes, en el primer año de vida los
individuos adquieren una gran cantidad de conocimiento en virtud de sus interacciones
con los objetos físicos y con otras personas. También comienzan a comprender el
comportamiento predecible de los objetos en el entorno, las motivaciones y las
intenciones de las demás personas, Esta comprensión se le denomina conocimiento
intuitivo. Durante el 2º año de vida empiezan a utilizar y a dominar la mayoría de los
sistemas simbólicos ampliamente disponibles de su cultura, a este conocimiento se le
denomina conocimiento simbólico de primer orden. Tras estos años empiezan a dar
señales de que desean emplear diversas clases de sistemas notacionales. La cuarta forma
de conocimiento es el dominio de diversos conceptos, principios y cuerpos formales de
saber. A este conocimiento se le denomina disciplinario formal. Además aparece una 5ª
forma de conocimiento denominada conocimiento especializado, que incluye multitud
de juegos, actividades que van desde el nivel novato hasta el de maestro.
Una cuestión que destaca el autor es que mientras el conocimiento artesano suele ser
altamente sofisticado el aprendizaje de las habilidades constituyentes no se considera
una adquisición de tipo escolar, sino más bien un área a dominar por medio de la
observación, de la participación directa y de la enseñanza informal.
El siguiente tema trata de niños en marcos educativos formales e informales. El
conjunto de las formas artísticas se pueden analizar de forma fácil en función de pocas
formas de conocimiento. Los niños participan en el arte como creador y como
preceptor, aunque en la 1ª infancia manifiestan formas de conocimiento contemplativo,
peor hasta más tarde no son capaces de leer las imágenes y de crearlas con significado.
El dibujo se puede dar tanto en el marco de la escuela como fuera de ella, incluso puede
convertirse en un oficio.
La educación artística más formal se empezó a dar en la escuela de Occidente a mitad
del siglo XIX, pretendía dibujar de manera realista, utilizando modelos bidimensionales
como modelos de vida real. El dibujo se considera un signo de pericia. Sin embargo no
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se trabaja casi la percepción y la reflexión artística, al igual que sólo había una minoría
que podía llegar a poder observar las obras de arte en 1ª persona.. En EE.UU, por
ejemplo, debido al movimiento de educación hizo que se viera formada la educación
artística, dando a los estudiantes una mayor libertad en el modo de enfocar las artes
visuales, proporcionando a los niños solo métodos y apoyo, quitando los modelos. Lo
que fomenta la imaginación y la creatividad. Pero este tipo de educación artística se
daba fuera de la escuela, ya que en este país como en otros de occidente la educación
artística se considera una parte muy insignificante del currículo del niño.
Pero a finales de siglo se ha intentado cambiar el currículo, algún investigador experto
en arte como Rockefeller apostaban por la amplia diseminación de los programas de
arte, intentando enfocar el arte en otra áreas abogando que ésta educación ejercía efectos
positivos en el aprendizaje. Pero al igual que ocurría antes, la educación artística sigue
predominando en preescolar y solamente lo siguen desarrollando aquellos que tiene un
gran interés y tiene carácter profesional. Lo que pretende es que la educación artística se
de a todos durante la escolarización.
La pregunta de que formas son posibles y cuales son deseables para la educación
artística nos lleva a decir que no podemos suponer que los estudiantes sean capaces de
sintetizar por si mismos las diversas formas de conocimiento presentes en las artes, ya
que es imposible llegar a una formula para impartir esta asignatura. Los individuos
muestran diferencias de inteligencias, habilidades y comprensiones.
Para ello el autor presenta un posible esquema de educación artística en el que los
estudiantes tengan competencia en al producción artística, mediante la contemplación,
la comprensión del proceso artístico y sobre las tradiciones históricas, filosóficas y
culturales. Una forma de proceder, podría ser mediante la ayuda de la psicología del
desarrollo, cognitiva y educativa. Otra opción sería poner en contacto a los niños con
iguales que posean habilidades y conocimientos artísticos así como la habilidad de
sintetizar las diversas formas de conocimiento de arte.
Los niños son muy curiosos sobre su cultura y el modo en que esta opera durante los 1º
años de su infancia, por eso sería conveniente que se les empezara a inculcar el
conocimiento conceptual y formal acerca de las artes, para garantizar que los niños
sigan sintiendo interés por las artes. Una de las maneras de esto es que los niños se vean
involucrados en proyectos de envergadura y alcance, como por ejemplo decorar un aula
para una celebración. Hay que introducir a los niños en los aspectos notacionales y
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formales del análisis artístico desde el curso de sus propios proyectos. Por ello es
importante la función del maestro aquí, y hay que crear experiencia y currículos para los
maestros que incluyan una relación integral y madura entre actividades ricas y el
conocimiento que se quiere transmitir.
El autor también cree que intentar fragmentar todas las concepciones de las artes es
bastante complicado y que hay que tratarlo como lago completo. Lo que viene a decir
este autor en este capitulo es que cuanto más fundamentales sean las actividades y
proyectos artísticos, más vivo continuara siendo el modelo de aprendizaje y de oficios y
más probable será que los estudiantes lleguen a apreciar el conocimiento y aprendizaje
artísticos.
El último capitulo se basa en la explicación de un experimento educativo, ya que hasta
este momento se había basado en consideraciones teóricas, investigación empírica y en
su sistema de valores.
El experimento del que habla se llama ARTS PROPEL, es un nuevo esfuerzo en el área
de la evaluación y del programa de estudios en artes. Representa un intento de ir más
allá de la producción pura y de exponer a los estudiantes al conocimiento formal y
conceptual de las artes. Busca crear situaciones ricas en las que los estudiantes puedan
oscilar entre diferentes formas de conocimiento artístico.
Lo 1º debemos nombrar lo que significan estas siglas, Producción, Percepción y
Reflexión, que son los 3 componentes que se consideran fundamentales en toda
educación artística.
Trabajan con estudiantes de enseñanza media en las áreas de música, escritura de
ficción y artes visuales. Lo que pretenden es volver a configurar el aprendizaje artístico
en un modelo que establezca el modo en que las formas de conocimiento deben
sintetizarse a través del currículo.
Los medios que han utilizado para fomentar la mezcla de la producción, la percepción y
la reflexión crearon dos vehículos: los proyectos de ámbito y las carpetas. Reflejan la
creencia de que los estudiantes aprenden mejor y de forma más integral a partir de un
compromiso en actividades que tiene lugar durante un periodo de tiempo significativo.
Están ideados de tal modo que pueden amoldarse a una diversidad de aulas y de
currículos. Los proyectos de ámbito son conjuntos de ejercicios sobre el currículo
diseñados tanto para transmitir conceptos y prácticas considerados para una forma de
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arte como para permitir que estos estudiantes integren sus diversas formas de
conocimientos, y de modo que sientan interés hacia ellos y que puedan forjarse en el
interior de una diversidad de currículos.
Las carpetas, para los estudiantes del proyecto es un conjunto de cosas como bocetos,
planos de obras de arte, críticas, colecciones de materiales asociados, reflexiones...etc...
Aunque fue ideado como un medio para valorar el crecimiento y el aprendizaje
artísticos, también tiene en cuenta a la dimensión de la evaluación. Sobre todo se basa
en que identifican cuestiones en que tanto los alumnos como los profesores puedan
reflexionar sobre los objetivos, y ambos están de acuerdo en que esta forma de
evaluación es la más idónea. Sin embargo lo que se pretendía de la evaluación era
evidenciar que un gran número de los alumnos estaban avanzando, llegando a unas
dimensiones consideradas importantes por los expertos.
En resumen para él, este proyecto es un esfuerzo contemporáneo para crear una
educación en artes que abarque las formas de conocimiento importantes en las artes y lo
haga de un modo que se adecue al conocimiento actual acerca del desarrollo y del
aprendizaje humano.
La conclusión que hace el autor es que los estudiantes aprenden de manera más eficaz
cuando se ven comprometidos en proyectos ricos y significativos. Pero también dice
como este proyecto fracasara debido a que es algo muy importante el hecho de que los
profesores estén documentados de manera que puedan impartir sus clases y también
debido al hecho de que no existe al evaluación, lo cual hace que la sociedad no la apoye.
Cree que los experimentos de arte están en desventaja debido a que no pueden realizar
los tipos de estudios controlados, peor por su parte cuentan con la ventaja de que el
mundo como un todo ha organizado muchos experimentos. Como punto final dice que
la combinación de experimentos en diferentes cultural hace que surja el conjunto de
valores apropiado para la humanidad en total.

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