Historia del arte 1

SEGUNDO BIMESTRE – ARTE - ARTE EN LA HISTORIA DE LA HUMANIDAD

EDAD MEDIA: El retroceso cultural que siguió a la caída del Imperio romano es una
cuestión que suscita aún hoy día encendidas controversias, ya que el caudal artístico y el
peso cultural de la "edad oscura" es demasiado importante como para poder considerarla
como un mero trámite a épocas más fecundas. Lo cierto es que los valores simbólicos
propios del arte antiguo quedaron fuera de la ideología medieval, aunque los conceptos
básicos del arte estuvieron tan presentes como en cualquier otra época.

PINTURA PALEOCRISTIANA, BIZANTINA Y DE LAS GRANDES INVASIONES: La

desintegración del Imperio romano de Occidente tuvo, entre otras, una causa
fundamental: el largo proceso de las grandes invasiones germánicas. El factor que, a la
postre, sirvió para dar coherencia a tal amalgama de pueblos fue el cristianismo, y su
producción artística es muy tosca. Los merovingios sentaron las bases del futuro arte
carolingio, y sus pinturas murales apenas han llegado a nuestros días (además de
algunas miniaturas), en las que poco a poco fueron triunfando las figuras zoo y
antropomorfas frente a los motivos geométricos. Los ostrogodos realizaban una pintura
colorista, de gran complejidad de filigrana y trazo, como pueda verse en el mausoleo de
Teodorico, en la ciudad de Rávena. (Véase Invasiones germánicas.)

En el Imperio carolingio la pintura sigue postergada a la decoración de templos y a la

miniatura dentro de los manuscritos, sobre todo los elaborados para decorar las obras
propias de los escritores vinculados al emperador, con ejemplos de bellísima y minuciosa
factura. (Véase Arte carolingio.)

La pintura relacionada con el mundo árabe está presente sólo en las miniaturas de clara
inspiración oriental insertas en tratados, sobre todo de historia natural, y en algunas
pinturas murales realizadas en época abbasí (véase Arte musulmán). Téngase en cuenta
que el Islam prohíbe expresamente las imágenes religiosas, y los reinos musulmanes en
Europa estaban regidos por dinastías con un fuerte componente integrista.

En el arte medieval bizantino se dio una importancia decisiva a la representación de

imágenes religiosas, y aunque tuvo mucha fuerza el mosaico, la pintura está muy
presente en las miniaturas de manuscritos y en el icono, la representación por excelencia
de la fe cristiana ortodoxa que tuvo muchas escuelas en Bizancio y que cobró especial
desarrollo posteriormente en Rusia. La pintura bizantina estuvo muy determinada por las
luchas ostigadas por la secta iconoclasta contra los iconodulos (adoradores de imágenes),
de tal manera que Constantinopla y las ciudades griegas se adscribieron a la prohibición
de las representaciones religiosas, con una ausencia de figurativismo; mientras que los
monjes, dentro de los monasterios, perpetuaron la tradición figurativa por medio de los
iconos destinados al culto popular y las miniaturas. El período posticonoclasta (entre los
siglos XI y XIII) fue la edad de oro del arte bizantino, extendiendo su influencia a Rusia y
los Balcanes, con una acentuación del gusto oriental y un carácter netamente religioso;
los retratistas del área serbo-búlgara del siglo XIII son excepcionales. A grandes rasgos,
la pintura bizantina está marcada por el hieratismo, con espacios irreales y figuras que se
mueven en un fondo dorado y resplandeciente; ese hieratismo se impone como
representación solemne y cargada de simbolismo de los misterios cristianos, y tiene su
principal imagen en el pantocrator.

Valeri Hernández. Perito en artes graficas.

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PRERROMÁNICO: La pintura prerrománica tiene distintas manifestaciones, según la

zona de Europa donde se manifieste. En la zona de Alemania, la llamada pintura otónida
(que se corresponde con los reinados de Otón I y sus descendientes) se caracteriza por el
dominio de la miniatura (véase Iluminación de manuscritos), con una búsqueda de efectos
monumentales, espaciales y plásticos, con tonalidades difusas y corpóreas. En Inglaterra,
en el convulso período que se cierra con la monarquía de Alfredo el Grande, la miniatura
continúa influenciada por el florecimiento de las cristiano-bárbaras realizadas en los
conventos irlandeses, aunque se va desarrollando una influencia carolingia que convive
con el desarrollo de una novedosa técnica para el dibujo basada en las líneas polícromas
que preludian el gótico. Uno de los centros fundamentales de expansión fue Canterbury.

En la España prerrománica florece el arte mozárabe, convivencia de elementos latino-

góticos y arábigo-orientales que en pintura, tanto en fresco como en miniatura, se
caracteriza por utilizar elementos formales del arte musulmán, como los detalles
arquitectónicos y las plantas y animales africanos, hasta el punto de representar a
personajes de la iconografía cristiana con atuendos de corte oriental. Debe destacarse en
este apartado la iluminación de manuscritos, con ejemplos tan magníficos como los
"beatos", o comentarios al Apocalipsis de san Juan.

ROMÁNICO: El románico fue uno de los movimientos artísticos más importantes de la

Edad Media, presente en toda la geografía europea, el cual sirvió como signo de
fortalecimiento y homologación de creencias y enseñanzas en una misma fe, después de
la sucesión de herejías que amenazaron con descomponer el poder cristiano de
Occidente. La influencia bizantina es notable, y el modo de representación será
principalmente la pintura mural y las miniaturas; las iglesias se decoraban prácticamente
en su totalidad con pinturas murales, las cuales tenían como objetivo fundamental instruir
a los fieles en la doctrina cristiana, tanto a través de la pintura como de la escultura. En el
caso de la pintura, el ábside será el punto culminante de la representación, y el
pantocrator su principal motivo, como máxima expresión de la majestad divina. La
miniatura no sólo se ceñía a los libros, sino que soluciones tan peculiares como los
exultet, o rollos de tela que se desplegaban ante los fieles en las liturgias del sábado
santo, fueron propios de la llamada pintura benedictina. La pintura sobre tabla, por otro
lado, tuvo un desarrollo muy destacado en la región italiana de Toscana, con el
característico fondo de oro propio de la iconografía bizantina, aunque con los primeros
indicios de humanismo en las expresiones y los escorzos.

GÓTICO: El gótico, el otro gran movimiento del arte medieval, llevó el arte plástico a las
grandes catedrales que se construyeron entre los siglos XII y comienzos del XVI. La
pintura abandona las paredes de las iglesias y el fresco como expresión fundamental y se
asocia de manera esplendorosa a las magníficas vidrieras de la época, aunque la pintura
en tablas (ahora asociada a los retablos, que comienzan a cobrar importancia) y las
miniaturas continúan estando vigentes. La temática es sobre todo religiosa; el mundo
sobrenatural se representa con fondos dorados, y las figuras son planas e ingrávidas. Sin
embargo, las ideas de santo Tomás y san Francisco de Asís, que dieron un nuevo sentido
a la Naturaleza y al ser humano, provocaron que el arte se humanizara, y se abandonara
la rigidez románica.

El gótico italiano se corresponde con los siglos XIII y XIV, los llamados Duocento y
Trecento, y se le considera precursor del renacimiento (e incluso perteneciente al mismo).
Durante el primero, Italia vivirá una primera época de esplendor pictórico que abrirá las
puertas del renacimiento, el llamado movimiento prehumanista, en el que la Orden del

Valeri Hernández. Perito en artes graficas.

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Císter tuvo una vital importancia como transformadora de la decadente doctrina cristiana;
así, se predica la sencillez, y el mosaico pierde terreno definitivamente ante la pintura,
mucho más barata de realizar (véase Arte cisterciense). A caballo entre los dos siglos, los
primeros grandes nombres de la pintura europea empiezan a sonar en figuras como
Cimabue, Cavallini, en Roma, y Duccio, en Siena. Pero será con la figura de Giotto y la
llamada escuela florentina con quien se abriera una nueva etapa en la pintura en la cual el
sentido de la realidad, el relieve y el volumen de las figuras, el espacio, la luz y, sobre
todo, la plasmación de los estados de ánimo en los rostros de las figuras retratadas
marcaron una época que revolucionó el arte pictórico europeo; los personajes visten
ropajes contemporáneos, y la arquitectura que acompaña a la escena plasma la realidad
de la Italia del momento.

La ecléctica escuela de Siena, por otra parte, con figuras como Martini y los Lorenzetti
(Ambrogio y Pietro), se caracteriza por un cromatismo escenográfico excepcional y un
revolucionario concepto del paisaje.

La ecléctica escuela de Siena, por otra parte, con figuras como Martini y los Lorenzetti
(Ambrogio y Pietro), se caracteriza por un cromatismo escenográfico excepcional y un
revolucionario concepto del paisaje.

En el llamado gótico flamígero se vive un florecimiento de las escuelas francesas de

París, Bouges, Angers y Dijon, con una decidida tendencia al realismo y una fusión de
linealidad, elegancia y movimiento, como puede comprobarse en la abigarrada decoración
del palacio de Avignon, sede temporal de la curia papal. (Véase Gótico flamígero.)

En España, el gótico isabelino se caracteriza por una sencillez estructural y una

exuberante y riquísima decoración en los retablos y portadas, aunque la mayoría de la
producción se encuentra en vidrieras (como las de la catedral de León) y miniaturas.
(Véase Gótico isabelino.)

En Bohemia, la escuela pictórica de Praga tiende al naturalismo, sobre todo en las

miniaturas ejemplarizadas en el Códice Manesse, encargado por Wenceslao II de
Bohemia, con más de 130 exquisitas miniaturas, muchas con temas caballerescos.

En Francia, el llamado gótico lineal toma esencias de otros estilos, como el clasicismo de
las figuras italianas y el ordenamiento simétrico y el lujo de Bizancio, para llevar a cabo
magníficas vidrieras, como las de la catedral de Chartres, así como refinadas miniaturas.

El final de la Edad Media en Italia coincide con la reacción artística dominica en Florencia,
con factura sienesa, didáctica y fría, con importantes escuelas en Bolonia y Rímini,
además del nacimiento de la escuela veneciana, con nombres como Gentile y Pisanello
(maestros ambos del gótico internacional).

Por último, el gótico inglés practicó sobre todo la miniatura, con figuras realizadas con
profundo decorativismo y elegancia, el que fuera llamado "estilo 1200".

PINTURA FLAMENCA: En el norte de Europa, las escuelas borgoñona y flamenca viven

una época de esplendor con figuras como Jan Van Eyck y su hermano Hubert, Rogier
Van de Weyden y Petrus Christus, con pinturas ejecutadas al óleo con gran dominio de la
técnica, un desarrollado sentido de la estética, una distribución simétrica de los
personajes y un decidido realismo, potenciados por un sentido luminoso del color. El

Valeri Hernández. Perito en artes graficas.

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retrato, muy realista, pone ante el observador al individuo en primer plano, sin artificios,
aunque la mayoría de los casos los retratados presentan un severo perfil. La Naturaleza,
por otra parte, está muy presente pero de manera totalmente esteriotipada. (Véase
Pintura flamenca.)

Siguiendo la dirección marcada por Van der Weyden, durante el ultimo tercio del siglo XV
y principios del XVI se desarrolló un importante grupo de pintores flamencos entre los que
destacan Hans Memling y Gérard David, continuadores de las formas y composiciones
creadas con anterioridad, mientras que Hugo de Van der Goes y Hieronymus Bosch, "El
Bosco" intentaron una renovación y originalidad personal, en especial el Bosco, con sus
pinturas a medio camino entre lo onírico y lo tenebroso.

Fuera de Flandes, la escuela flamenca se extiende por toda Europa, donde destacan la
escuela francesa, la alemana y la española. En Francia es representativo el pintor de la
corte Jean Fouquet, miniaturista y retratista, mientras que en Avignon se desarrollará un
importante centro, donde destacan Enguerrand Charonton y el Maestro de Moulins.

En Alemania sobresale Conrad Witz, que se relaciona estilísticamente con el español

Fernando Gallego; Martín Schongauer, que ejerce una gran influencia como creador de
composiciones, debido a su actividad de grabador; Hans el Viejo Holbein, cuyo principal
trabajo se centra en Augsburgo; y Michael Wolgemut, el maestro de Durero, que será uno
de los mejores ejemplos de renacentista fuera de Italia.

QUATTROCENTO: Con el fenómeno del mecenazgo, especialmente de los Médicis, el

humanismo florentino alcanza sus mayores cotas, y el renacimiento italiano comienza su
andadura, por lo que es difícil incluir al Quattrocento dentro de la pintura medieval. Italia
se desliga del resto de Europa, y el arte figurativo conquista la realidad con energía e
impetuosa libertad, fruto de ese humanismo y de una ruptura patente con la rigidez y la
idealización del gótico. Masaccio será el máximo representante del primer humanismo
florentino, donde el realismo es ya descarnado. Con Piero della Francesca, creador de un
universo ideal, la luz y el espacio alcanzan una nueva dimensión, sobre todo en sus
magníficos retratos. Uccello traspasará los límites de lo real, mientras que Lippi imprime
elegancia y aligera los límites espaciales. (Véase Humanismo.)

Con Botticelli se vuelve a los temas mitológicos, tratados con gran virtuosismo, aunque
también será muy importante su pintura religiosa, en cualquier caso con una percepción
lineal muy característica. Y Fra Angelico, gran colorista, será acreedor de un desarrollado
gusto por el detalle.

En Siena la tradición continúa en pintores como Perugino, Signorelli, Pinturicchio, en los

cuales se preludia ya el dramatismo de Miguel Ángel.

Venecia inicia una época de esplendor, con nombres como Mantegna, muy influenciado
por el escultor Donatello, que conjuga el realismo con una espiritualidad latente; y
Antonello de Messina, que introduce el refinamiento cromático de la pintura flamenca en
Italia.

CHINA, JAPÓN Y LA INDIA: En otros continentes, el arte de la época medieval

occidental se mide con un tempo distinto.

En la India, las distintas civilizaciones que dominaron en esta época demostraron un

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intenso interés por las manifestaciones artísticas, como pueda ser el caso de la
civilización gupta, que dota a su pintura de una vivaz elegancia, un intenso cromatismo y
un sentido expresionista sorprendente a ojos de un occidental de la época; o la civilización
chola (véase drávida), que en pintura demuestra un dibujo ágil, aunque menos intenso en
el color que el arte gupta.

En China, la pintura es una de las máximas expresiones artísticas del espíritu; es una
pintura sofisticada y refinada, con una raíz espiritual basada en el taoísmo, y se encuentra
al mismo nivel que la caligrafía o la poesía. Los principales soportes son el papel y la
seda, y el destinatario es, prácticamente de manera exclusiva, la clase dirigente. El arte
pictórico entierra sus raíces en la dinastía Han, donde la viveza y la espontaneidad
marcan un período durante el cual se fijan las reglas de la perspectiva de la pintura china.
Durante las dinastías Jin y el resto de dinastías que reinaron durante la época
correspondiente a la Edad Media occidental, se produce un perfeccionamiento técnico y
un refinamiento muy acusado, enriquecido aún más durante la dinastía Tang con las
aportaciones provenientes de Oriente Medio, así como los magníficos paisajes realizados
en el período Song, o las obras de los "Cuatro grandes" de la época Yuan. El retratismo y
los primeros paisajes, incluso monocromos, así como la pintura de flores y pájaros serán
también los temas predilectos de los artistas chinos.

La pintura en Japón sigue a la pintura china, aunque con una personalidad muy acusada.
Los materiales se repiten, y los temas son los mismos, aunque tratados de manera
personal, fundamentalmente paisajes, narraciones épicas, poesías, flores, pájaros y
retratos. En el período Kamakura florecieron los yamato-e, largos rollos con mucho
colorido y muy detallistas, que presentaban las escenas interior de las casas con mucho
detalle. En el período Muromachi, por su parte, la pintura más característica es la
kimpekiga, realizada sobre fondo dorado en biombos y paneles corredizos, y cuya
temática se acerca mucho a los yamato-e.

EDAD MODERNA - RENACIMIENTO: El renacimiento introduce una nueva forma de

entender el arte, una nueva manera de utilizar la pintura, buscando la naturalidad y la
representación real del espacio, y de éste parten toda una serie de escuelas desarrolladas
en los diversos países europeos, cada una con sus características propias, que reflejan
diferentes conceptos de la vida y su relación con el arte. No obstante, el punto inicial de
partida del renacimiento es la vuelta al legado de la Antigüedad, la utilización de motivos
formales plásticos y simbólicos antiguos; el arte que "renace" pretende superar a su
modelo, y no duda en aplicar formas matemáticas para fundamentar racionalmente su
idea de belleza, alejándose de la rigidez del medievo, y de perfección técnica.

La manifestación artística principal es la representación de temas cristianos francamente

humanizados, sobre todo las representaciones de la Virgen, a la que acompañan figuras
contemporáneas del pintor; es, sin lugar a dudas, el comienzo del protagonismo de la
figura humana, tanto en la pintura como en la escultura. El retrato se individualiza; el perfil
severo da paso al retrato de medio o tres cuartos de cuerpo, de perfil, con rasgos únicos e
inconfundibles, que cumplen una de las máximas propias del renacimiento: la búsqueda
de la verdad. La perspectiva, por su parte, se complica con puntos de vista desusados.

Convivieron dos tendencias fundamentales, la clasicista y el manierismo, al tiempo que en

Venecia se creó una escuela con un estilo particular.

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CINQUECENTO: El papa Julio II fue un importante mecenas de todos los artistas de gran
renombre que contribuyeron a devolver el esplendor a Roma con la edificación de San
Pedro del Vaticano, tras el destierro impuesto en Aviñón; bajo su tutela resuenan nombres
de la talla de Miguel Ángel y Rafael, figuras señeras del renacimiento. Fuera de Roma,
Leonardo da Vinci, humanista, hombre de ciencia, inventor y pintor, fue una de las figuras
más importantes de una época que aún asombra por su arte y sus investigaciones.

En Venecia, cuando la ciudad vivía un período de esplendor económico y político, entre

otras causas por sus relaciones económicas con culturas orientales, se dio una profunda
renovación de la pintura, con formas muy recargadas y decorativas, con escenas de la
vida urbana y concesiones a lo anecdótico. Personajes vestidos a la musulmana
acompañan en los lienzos a los gobernantes venecianos, con riquísimos vestidos. El
color, la luminosidad y el paisaje naturista son elementos propios de este período. Como
nombres importantes destacan Giovanni Bellini, Carpaccio, Tintoretto, Veronés, Giorgione
o Tiziano.

MANIERISMO: El movimiento manierista se caracteriza por el escrupuloso seguimiento

de las reglas fijadas durante el renacimiento, donde la exageración y el cripticismo se
conjugan para crear un arte sólo al alcance de paladares exquisitos; un arte antinatural
que revuelve las figuras con distorsiones anatómicas y alargamientos de los rostros o los
miembros alejados por completo de la realidad. El espiritualismo místico, representado
por El Greco, y el naturalismo panteísta, representado por Brueghel el Viejo, conviven en
esta etapa.

El renacimiento en España en las décadas a caballo entre los siglos XV y XVI está
marcado por la monarquía de los Reyes Católicos, período en el que las distintas
estéticas (el arte nazarí ya en retroceso, el gótico y las tendencias flamencas) se aúnan
en el llamado plateresco, y confirman una prolífica etapa artística continuada en época del
emperador Carlos V, con una influencia italiana muy notable. Los nombres que más
destacan son Pedro de Berruguete, Juan de Juanes, Paolo de San Leocadio y Yáñez de
la Almedina.

BARROCO

El arte barroco es sinónimo de dinamismo. El contraste es la base elemental, donde las

formas pequeñas y grandes, alejadas y cercanas, surgen entre la luz y la oscuridad. El
estado del mundo, por otro lado, donde la Reforma luterana mueve la celebración del
Concilio de Trento, y origina la mal llamada Contrarreforma, hace que la Iglesia imponga
al arte a su servicio ciertos dogmas que deben ser representados dignamente por los
artistas, tales como la virginidad de María, el misterio de la Trinidad, etc., que pasan a ser
protagonistas de los lienzos. Así, la Iglesia contrata a infinidad de artistas, los mejores y
los de segunda fila, para que satisfagan la enorme demanda de obras religiosas para los
fieles. Los personajes deben ser, por otro lado, cercanos al pueblo, y los santos dejan de
aparecer vestidos con ricos ropajes, sino que son pintados como pobres, a gran tamaño,
con rostros vulgares. La acción, el dinamismo barroco, se pone al servicio del
dramatismo, y las luces, colores y sombras se multiplican, ofreciendo imágenes de vistosa
y atrayente apariencia. Por otro lado, el patrocinio privado demanda obras de pequeño o
mediano formato que llenan los gabinetes de las clases adineradas, dando una
importancia creciente a géneros como el bodegón y el paisaje. (Véase Barroco.)

ITALIA: En Italia conviven dos tendencias fundamentales, agrupadas frente a dos figuras

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rivales en su época: la pintura naturalista tenebrista, representada por Caravaggio, y el

estilo clasicista, representado por Carraci.

Dentro de los parámetros marcados por la Iglesia, Caravaggio responde con un estilo que
causó furor en la Europa contrarreformista: el tenebrismo. Lienzos enormes, colgados a
metro y medio o dos metros del suelo, llenaban las paredes de las iglesias con figuras
(muy escasas) que surgen de la más negra oscuridad y atrapan el movimiento de los
protagonistas en el momento más dramático asociado a su historia, ya sea dentro de los
Evangelios o en el contexto hagiográfico de la vida de un santo. El arte se aleja de la
idealización, y las figuras aparecen tal y como son, con todos sus defectos, con la piel
curtida y los vestidos gastados. La luz, por otro lado, es de vital importancia, prestando a
la escena un ritmo muy marcado. Entre sus representantes destacan el propio
Caravaggio, Artemisa Gentilleschi, el padre de ésta, Orazio, Guido Reni y Guercino.
(Véase Tenebrismo.)

Frente a la truculencia del caravaggismo, el absolutismo imperante buscará para sus

cortes otro estilo diametralmente distinto en el que se primará el espacio diáfano y la
paleta se aclarará, lejos de los rigores tenebristas. A partir de los postulados de Carraci,
se crea un arte que pretende transcender el marco propio de la pintura para, siguiendo la
estela de Miguel Ángel y Rafael (de ahí la calificación de "estilo clasicista"), conseguir un
efecto ilusionista en el que las figuras ocupen cualquier superficie arquitectónica y se
adapten a las construcciones propias del barroco, con escorzos provocados por nuevos
puntos de vista y nuevos espacios pictóricos (como los techos, en los que las figuras
parecen flotar por encima de la cabeza del observador) y un dinamismo llevado al
extremo; es lo que se ha venido en llamar idealismo. Por otro lado, la enseñanza
académica se inicia en esta época, imponiendo los temas a representar, las reglas
geométricas y gamas cromáticas a utilizar e incluso los atributos propios de cada
personaje. Destacan dentro del estilo los nombres de Domenichino, Poussin y Claudio de
Lorena (creador del paisaje clásico), estos dos últimos nacidos en Francia.

El paisaje, por último, está representado por Canaletto, uno de los últimos genios del
barroco italiano, ya enmarcado en el siglo XVIII, cuyas composiciones, con Venecia como
protagonista, son extraordinariamente famosas.

FRANCIA: El barroco francés se acerca fundamentalmente a los postulados clasicistas de

Carracci (la mayoría de los autores se forman en Italia, e incluso algunos, como pueda ser
el caso de Lorena y Poussin, se quedaron allí), y su origen es cortesano, ligado al gusto
palaciego y, sobre todo, al máximo representante del absolutismo, el "Rey Sol", Luis XIV.
La paleta se aclara también de manera evidente, y las composiciones son más
equilibradas. El paisaje adquiere entidad propia, y no es sólo un mero acompañante de
las figuras. Deben destacarse, dentro de este período, a Vouet y La Tour, además de los
ya mencionados Poussin y Lorena, quienes desarrollaron su arte en Italia.

El retrato oficial, por otra parte, auspiciado desde la Corte, alcanza una importancia muy
destacable; éste se encuentra muy idealizado, y es utilizado como manifestación de
poder. La escuela retratista está representada por Philippe de Champaigne, Sebastien
Bourdon y Charles Le Brun.

PAÍSES BAJOS: La característica fundamental del barroco centroeuropeo será el

mercantilismo, propio de la idiosincrasia de Holanda y los Países Bajos, donde los
burgueses encargaban cuadros de pequeño y mediano formato para decorar sus hogares.

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El bodegón, el paisaje y la pintura de género son los estilos más demandados. Por otra
parte, algunos artistas de este período demuestran una influencia clara del barroco
italiano, en particular del tenebrismo, los llamados "caravaggistas de Utrecht", con un
palpable oscurecimiento de su paleta. El retrato, por otro lado, se afronta con dos
posturas distintas: una intimista, que recoge la labor cotidiana de sus protagonistas; y otra
de grupo, con retratos encargados por profesionales o cofradías de distintos gremios, en
los cuales suele darse la curiosa costumbre de representar a varios personajes en un
mismo cuadro para abaratar los gastos.

En la antigua Flandes, por otro lado, se cultivó con profusión una pintura exuberante,
tanto en bodegones como en escenas alegóricas (incluso con temas "picantes"), en cuyos
composiciones el color es brillante. Algunos de estos artistas tuvieron una relación muy
estrecha con la Corona española, por lo que muchas de sus producciones pueden
admirarse hoy día en museos españoles, principalmente en el Museo del Prado.

Los principales artista de este período son, sobre todo, Rubens, Rembrandt, Van Dyck,
Jordaens, Hals y Vermeer, además de Van Goyen, Teniers y el paisajista Ruysdael.

Referencia:
http://www.espanolsinfronteras.com/Elarteylahistoria00.htm#Prehistoria_y_Eda
d_Antigua

SEGUNDO BIMESTRE – ARTE VISUAL - PINTURA

La pintura es la técnica que permite a un artista llamado pintor plasmar sus obras sobre
una determinada superficie utilizando diferentes pigmentos y otros materiales. técnica de
representación mediante la cual se impregna pigmentos sobre la superficie textil y permite
plasmar un gesto que va directamente de la mano al textil. Arte de pintar. Conjunto de
colores dispuestos sobre una superficie según un cierto orden y con una finalidad
representativa, expresiva o decorativa. Materia colorante. Técnica que usa colores y un
utensilio para depositarlos sobre una superficie dada; puede ser mural o de caballete,
sobre tabla, tela, cristal, etc. y al fresco, óleo, temple, pastel, acuarela, aguada, aguazo,
encáustica, gouache, miniatura, etc.

Tipos de pintura:

• Pintura plástica. Es una pintura al agua que tiene como aglutinante resinas
plásticas o acrílicas y como pigmento cualquier tipo de pigmento que resista la
alcalinidad. El aspecto varía de mate a gran brillo. Buena adherencia. Resistencia
al lavado y al frote debida a su contenido de resinas. Se seca rápidamente,
aunque se retrasa en tiempo húmedo. Es perjudicado por las bajas temperaturas
(Temp. Mín. entre 5 y 10 ºC). Sobre el hormigón se
recomienda utilizar resinas acrílicas. Gran gama de
colores. Se utiliza en interior y exterior sobre yeso,
cementos y derivados. Si se utiliza sobre madera o
metal se debe dar previamente una imprimación. Se

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aplica: Liso: brocha, rodillo y pistola. Picado: rodillo de esponja. Gotelé: con
máquinas.
• Pintura al aceite. Tiene como conglomerante y como aglutinante aceites
vegetales secantes (aceite de linaza), como disolvente aguarrás o white spirit y
cualquier clase de pigmento. No mezclar con resinas duras. Muy utilizadas
anteriormente por su flexibilidad y penetración sobre bases porosas, pero varios
inconvenientes han hecho que se mezclen con resinas duras dando lugar a los
esmaltes.
• Esmalte graso. Está compuesto por aceites secantes mezclados con resinas
duras naturales o sintéticas. Es una simple mezcla, en los esmaltes sintéticos es
una combinación química. Como disolvente, aguarrás o white spirit. Buen brillo,
que se pierde en la intemperie. Buena extensibilidad. No resiste la alcalinidad (por
lo que hay que aislar la superficie del cemento). Tiene un secado y un
endurecimiento lentos que se retrasan con el frío. La tonalidad blanca no es muy
pura. Dan buenos barnices transparentes. Se utiliza en interiores como esmalte de
acabado. En exteriores, debido al aceite pierde brillo al sol, por lo que tiene un uso
restringido.
Se aplica con brocha o con rodillo especial de esmaltar.
• Esmaltes sintéticos: Se obtienen por combinación química de resinas duras y
aceites secantes. Como disolvente, aguarrás o white spirit. Las resinas más
empleadas son las alquílicas, que tienen gran dureza, buen brillo, resisten agentes
químicos e intemperie y, al combinarse con los aceites, tienen gran flexibilidad.
Secan con rapidez. Gran brillo, incluso al exterior. Al interior disminuye el brillo y
las resistencias exteriores disminuyen. Se utilizan mucho en decoración y
protección de superficies de madera y sobre metal, tanto en exteriores como en
interiores. Además de utilizarlo como cubriente, se obtienen barnices
transparentes.
También se utilizan como imprimaciones anticorrosivas, aunque necesitan primero
una preparación esmerada si se utiliza sobre metal. También se utiliza sobre
superficies de cemento, aunque conviene neutralizarlo. Se aplica con brocha,
rodillo, pistola o por inmersión.
• Pinturas de resinas: Pinturas al cloro-caucho. Se obtienen a base de un derivado
clorado del caucho. Disolventes especiales, generalmente aromáticos (los
disolventes normales, aguarrás, white spirit, no son suficientemente fuertes). A
veces llevan cargas, pigmentos de color y aditivos adecuados. Resisten agentes
atmosféricos, agua y agentes químicos. Son impermeables, se adhieren bien a
cualquier superficie, incluso las de tipo alcalino. Secaje rápido. Resisten la sosa y
los ácidos y se reblandecen con aceites y grasas. Son sensibles al calor (" 70 ºC) y
se descomponen a estas temperaturas. Se utiliza sobre superficies de hormigón,
acero, depósitos de cemento, marcas viales, piscinas, etc. No tienen problemas
para repintados. Se aplica con brocha y con
pistola aerográfica utilizando los disolventes
especiales para evitar que se formen hilos.
• Pintar sobre Lienzo. A partir del siglo 16,
los artistas dejaron de pintar sobre madera,
que era u soporte pesado voluminoso y
difícil de preparar. Los artistas prefieren
trabajar sobre un lienzo tensado sobre un
armazón ligero llamado bastidor, aparte no
se rompe cuando se cambia de

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temperatura y para transportarlo es muy fácil por que solo lo tenían que desmontar
y enrollarlo. Los artistas usaban telas diferentes depende sus gustos.
• Papel y Lápiz. Hasta el siglo XVI el dibujo solo lo usaban para hacer sus bocetos
y como borrador. Empezaron a pintar solo con un lápiz, plumas y carboncillos;
todos los instrumentos que existían en esa época. Después solo con algunos
trazos podían captar una mueca o plasmar algún animal.
• Tinta china: Estaba hecha con negro de humo, gelatina y alcanfor; se amarilleaba
con el tiempo.
• El carboncillo: es de los más antiguos y se constituía por una ramita carbonizada
de sauce o de tilo, se utilizaba para los bocetos.
• El pastel: se crearon en el siglo XV. Están hechos con pigmentos mezclados con
cola y goma arábiga, a veces con miel y leche.
• La sanguina: elaborada por una piedra roja, se utilizaba para dar un toque de
color a los dibujos. La usó Leonardo da Vinci.
• EL Lápiz: A finales del siglo XVIII se crea con una mina de grafito metida en una
barrita de madera.
• La Pintura al Agua. EL equipo es una caja de acuarelas, pinceles de pelo de
camello y un cuaderno de papel grueso el artista viajaba para explorar mares,
bosques y tierras desconocidas. Pintaban la naturaleza y hacen surgir paisajes en
los que colores, formas y contornos se iluminan. La acuarela es realizada con
pigmentos disueltos en agua. La característica que distingue a la acuarela es su
transparencia; la superficie del papel resulta visible a través de sus finos colores,
creando un efecto velado, muy diferente del grosor y opacidad de la pintura al óleo
y de otros pigmentos disueltos en aglutinantes más densos. Las acuarelas se
obtienen por aglutinación de pigmentos secos en polvo mezclados con goma
arábiga, que se extrae de la acacia y que solidifica por evaporación, pero que es
soluble en agua. Las acuarelas, en estado sólido, se disuelven en agua y se
aplican sobre el papel con un pincel. Si bien la acuarela es un tipo de pintura
relativamente moderno, a lo largo de la historia se han utilizado diferentes pinturas
a base de agua. Se puede considerar que las primeras acuarelas son los papiros
del antiguo Egipto.

Relación entre pintura y Publicidad.

La expansión publicitaria sucede cuando diarios y revistas pueden imprimirse en color.

“Vivir a todo color” era el lema a fines del siglo pasado cuando también aparecen los
primeros colorantes químicos utilizados en telas y cosméticos. Como muchos creen a la
inversa, es el color quien domina a la publicidad.

La publicidad se inicia con el cartel, en el siglo XVIII, y con los anuncios luminosos en el
siglo XIX, con estos las revistas no tardaron en bañarse de rojo, verde y azul. Increíble fue
el aumento en las preferencias de consumo, por lo cual los colores se transformaron en
estrategia segura para respaldar los mecanismos del consumo. Gracias a la nueva
policromía, los productos adquieren mayor relieve y se hacen visibles, siendo los
cosméticos los pioneros en la vanguardia del desarrollo del color. El cartel publicitario está
fundado en el principio de la impresión psicológica en tres procesos: sensación, selección
y percepción. Se parte de una idea sencilla, magnificada por el color, en función de la
tipología del consumo y del consumidor, con énfasis en los tonos brillantes y en los
contrastes fuertes para su perfecta visualización a distancia. La publicidad, o el cartel
mismo, se relaciona de muy cerca con el arte, ya que se puede considerar como una

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extensión de la pintura, puesto que este también pone en juego las sensaciones y el
provocar al público, ofreciendo un producto como mensaje directo y principal. Este último
punto sería la diferencia en cuanto a funcionalidad entre la publicidad y la pintura en todo
su contexto. Como consecuencia de varios factores económicos, urbanísticos y estéticos,
nace el cartel moderno con la necesidad de ampliar los mercados para ciertos productos,
estimula el desarrollo de mensajes publicitarios más eficaces que puedan ser percibidos
por todos y que resulten agradables para el espectador. La calle, cada vez más móvil y
multitudinaria, es el lugar ideal donde grandes pliegos de papel, ingeniosamente
coloreados, pueden hacer eficaz el anuncio. El cartel, por tanto, reúne una serie de
requisitos que han permanecido prácticamente invariables hasta nuestros días: Está
realizado para su reproducción masiva en copias mecánicas idénticas entre sí. Presenta
una integración de texto e imagen, de tal modo que cada uno de estos dos elementos se
interrelacionan y se subordina a un mensaje predominante. Las copias tienen un tamaño
relativamente grande que permite la contemplación de varios espectadores a la vez.

Todas estas características están ya presentes en la obra de Jules Chéret, quien fue el
primero en producir sistemáticamente, desde 1866, grandes carteles litográficos en color,
en estos destacan los carteles de los espectáculos del Moulin Rouge. El estilo de Chéret
se inspira en la pintura barroca, y es muy significativa su consideración del cartel como
mural excelente antes que como forma publicitaria eficaz. A esta sensibilidad de muralista
añadió una gran capacidad para captar el idioma gráfico popular; su búsqueda del
dinamismo y la habilidad para sugerirnos, con medios lineales y tintas planas, la tercera
dimensión, constituyen rasgos distintivos de su obra: Bal Valentirlo (1868), Les Girard
(1879), Carnaval (1894), Théatre de l'Opera (1893). El impacto de estos carteles fue muy
grande; importantes artistas de finales de siglo hacen incursiones en el nuevo medio
expresivo, siendo este pintor impresionista con influencia oriental, Henri de Toulouse-
Lautrec, quien no utilizó el cartel sólo como medio publicitario, sino que proyectó en él su
propia experiencia personal dramática y compleja; en Diván Japonés retrata a su amiga
Jane Avril, donde acentúa el elemento caricaturesco y el abocetado. El genio de este
pintor da a sus originales el toque maestro del color, simplificando en sus aplicaciones y
combinaciones, contribuyendo al perfil característico de esta escuela. A su resplandor
universal contribuyen, entre otras figuras del impresionismo, Matisse y Picasso, este
último se destaca con La habitación azul en 1901.

Referencias: http://www.arqhys.com/pintura.html

SEGUNDO BIMESTRE – ARTE VISUAL - MOVIMIENTOS MAS RELEVANTES DE LA PLASTICA

La plástica es el arte de plasmar o modelar una materia para moldearla de una

determinada forma. Es la correcta y adecuada forma que da el artista a los materiales
puestos a su disposición y los cuales va a utilizar en su obra. La plástica corresponde a la
belleza.

Podemos decir que todo edificio o monumento tiene: La plástica propia de los
materiales que forman los volúmenes o estructuras. La plástica o belleza que obtiene con
materiales aplicados posteriormente, o sea, superpuestos a esas estructuras. Es por
medio de la plástica arquitectónica, el lenguaje del arquitecto, que los críticos e
historiadores han llenado textos y tratados, convirtiendo el arte arquitectónico en un arte
de estilos.

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Elementos de la Plástica
Forma: es la concepción espacial del espacio o envolvente, capaz de crear una sensación
determinada.
Material: es lo que determina la posibilidad de realización de una idea. Presenta
características propias de textura y color que pueden aprovecharse o no, según se
convenga.
Color: un elemento de la plástica que permite crear sensaciones rápidas de percepción
visual mediante la pintura aplicada o no a una forma o espacio determinado.

La Plástica (estética) y el Arquitecto. La palabra estética fue creada en el siglo XVIII

para designar el estudio de lo bello. La plástica en las artes busca jugar o satisfacer con
los principios estéticos básicos en sus composiciones para crear emociones y
sensaciones. El arquitecto, consciente de esos principios, genera formas y espacios que,
de la misma manera que las demás artes, causan efectos en el hombre que los usa y
observa, utilizando todos los elementos de la plástica que le ayuden en su fin.

Movimientos:

1. Barroco
2. Romanticismo
3. Impresionismo
4. Realismo
5. Postimpresionismo
6. Fauvismo
7. Cubismo

• Barroco: El arte barroco en sus más amplias

manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo
de índole social, político y religioso.

El barroco es la continuación al manierismo italiano que

prevalece durante la primera mitad del siglo XVI.
Si el manierismo comienza a usar los cánones
clásicos con artificiosidad, el barroco que le
sucede abandona la serenidad clásica para
expresar un mundo en movimiento y agitación de
los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es
a la exageración y la ostentación.

Origen del Arte Barroco: Causas Político

religiosas:
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para
reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia
Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.

También dirigió a los artistas a alejarse de los temas paganos que tanta
aceptación tuvieron durante el Renacimiento, así como evitar los desnudos y
las escenas escandalosas.

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Tanto en las artes visuales como en la música, la influencia de la Iglesia sobre los artistas
iba dirigida a emocionar y enardecer la devoción mediante estímulos psicológicos.

Estas normas aparentemente conservadoras y austeras derivaron, sin embargo, en este

arte suntuoso y recargado que llamamos Barroco.

• Romanticismo: El término romántico se aplica con sentido descriptivo a un cierto

tipo de arte, literatura y música, principalmente de principio del siglo XIX, que
comparte una serie de características: individualismo, emoción abierta,
dramatismo y afinidad con la naturaleza. El poeta Baudelaire lo define como “...
intimidad, espiritualidad, color, aspiración
hacia el infinito, expresados por todos los
medios que permite el arte”. En ese
sentido se le suele compara con su
término opuesto, ‘clasicismo’, que por lo
general se suele referir, en este contexto,
a la tradición ‘académica’. Durante el
siglo XVIII, la tendencia denominada
‘neoclasicismo’ se planteó, como es
sabido, como una recuperación (revival)
de los valores clásicos de las artes
plásticas y de la arquitectura. Ese
concepto implicaba tanto al arte de la
Antigüedad Clásica, especialmente su escultura y su arquitectura, como a los
artistas de los siglos XVI y XVII que se habían inspirado en aquellos modelos. De
todas formas, la diferencia entre ‘clasicismo’ y ‘romanticismo en el arte no queda
en absoluto clara, teniendo en cuenta que algunos artistas considerados
propiamente ‘románticos’ como Constable o Turner, se inspiraban a su vez
declaradamente en modelos clásicos.

• Impresionismo: Movimiento
pictórico francés de finales del
siglo XIX que apareció como
reacción contra el arte académico.
El movimiento impresionista se
considera el punto de partida del
arte contemporáneo. El
impresionismo en pintura partió
del desacuerdo con los temas
clásicos y con las fórmulas
artísticas preconizadas por la
Academia Francesa de Bellas
Artes. Los impresionistas
escogieron la pintura al aire libre y
los temas de la vida cotidiana. Su

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primer objetivo fue conseguir una representación del mundo espontánea y directa,
y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos.

• Realismo: El realismo surge

después de la revolución
francesa de 1848. Manifiesta
una reacción contra el
idealismo romántico y
expresa el gusto por la
democracia, mas no produce
un estilo arquitectónico propio
y se expresa escasamente en
una escultura crítica y social.
Su lengua es
fundamentalmente la pintura,
con temas de la vida
cotidiana. Pintura realista en
preparación. Cronológicamente este movimiento sigue al Romanticismo. Aparece
en Francia hacia 1948 y se extiende aproximadamente hasta 1870. Se opone a
todo lo artificioso e indeterminado y traduce la realidad como única verdad del
hombre y del mundo, sin falsas representaciones. Por eso, sus temas preferidos
son los retratos, en su actitud natural, sin poses estudiadas, la gente en su trabajo,
al aire libre. Los artistas se basan fundamentalmente en la observación, y
plasman no sólo lo bello, sino también lo feo y revulsivo. De la observación
minuciosa surgió la caricatura que experimentó un gran apogeo y esplendor, en
la que aparece, como componente la ironía.

El vocablo realismo, muy impreciso en su significado y utilización a través de los siglos

presenta contenidos contradictorios. Se le atribuye casi con exclusividad el objetivo de
indicar un período en el cual el arte tiende a ser objetivo en sus representaciones y
referencias. Es decir, marca la diferencia entre realidad e ilusión, entre realidad y ficción,
sin olvidar la fuerza que tiene esta última en nuestras realizaciones.

• Postimpresionismo: El
postimpresionismo era tanto una
extensión del impresionismo como un
rechazo a sus limitaciones. Los
postimpresionistas continuaron utilizando
colores vivos, una aplicación compacta de
la pintura, pinceladas distinguibles y
temas de la vida real, pero intentaron
llevar más emoción y expresión a su
pintura.

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Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado.

Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-
Provence.

Sus formas más exageradas y el uso del color, estructura y líneas prepararon el terreno
para los estilos que seguirían más adelante del siglo XX, como el fauvismo o el cubismo.

El crítico de arte y pintor Robert Fry fue el primero en el utilizar el término

"postimpresionismo" cuando en 1910 organizó una exposición en las Grafton Galleries de
Londres titulada Manet and the Post-Impressionists, en la que los protagonistas más
destacados fueron Cézanne, Gauguin y Van Gogh, por entonces ya todos ellos fallecidos.

Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de
su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su
trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero
con una nueva lectura. El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se
representa el color con que se ve el alma de las cosas. La realidad se interpreta según la
visión personal del genio creador. Los pintores huyen de París buscando el primitivismo
del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial. Estos nuevos
impresionistas tienen una visión particular de su pintura, que les aleja del impresionismo
clásico.

Casi todos estos autores serán, durante un tiempo, impresionistas, pero lo superarán
dando soluciones personales. Muchos de ellos están en el origen de las vanguardias
históricas.

• El fauvismo es un movimiento contemporáneo al

impresionismo (de 1910 a 1920). El color es el objetivo
principal del cuadro, utilizan también la pasta desde el
tubo sin necesidad de paleta, se inclinan por los colores
vivos en formas de manchas planas. El color se
independiza del objeto.
Los fauvistas eran un pequeño grupo de pintores que
trabajaba en París a comienzos de siglo. Se les dio este
nombre, que significa "animales salvajes", cuando
expusieron en el Salón de 1905. El líder del grupo era
Henri Matisse, y los demás miembros, entre ellos Derain,
Vlaminck, Dufy y Braque, procedían de varios grupos
distintos. Tenían en común el interés por un color brillante y
puro.
• El cubismo es el movimiento más significativo y transcendente de la historia de la
pintura occidental desde el Renacimiento, por lo que tiene de ruptura con la
estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la
naturaleza. Su visión del arte es tan radicalmente diferente que conmocionó todo
el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia
radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra
forma.

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Picasso está en el origen de la creación del cubismo y es su representante pictórico más

destacado. Pero también es su inventor teórico, junto con Georges Braque y Juan Gris.
Sus planteamientos son totalmente inéditos en el arte. Crea un nuevo lenguaje pictórico y
estético que implica una nueva relación entre el espectador y la obra de arte. El
espectador no se puede quedar contemplando sin más la obra, sino que debe
reconstruirla en su mente para poder comprenderla. La pintura es algo mental, el
espectador interpreta la realidad según las pautas que da la obra y se convierte en artista,
en creador. La nueva estética se desliga completamente de la interpretación o la
semejanza con la naturaleza, lo que significa que la obra de arte tiene valor en sí misma,
como medio de expresión de ideas. Esta desvinculación de la naturaleza se consigue a
través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, y pintadas de forma
geométrica. Esta descomposición no es casual, sino que está muy estudiada y calculada,
para permitir la recomposición mental de la figura.

El cubismo es un arte creado, es un nuevo lenguaje y una nueva estética, un

replanteamiento integral de la pintura y las artes plásticas. Hasta el momento, ni los más
radicales fovistas se habían atrevido a romper con el lenguaje convencional y sensitivo
que representaba, en mayor o menor grado, la naturaleza, desde los tiempos griegos.
Pero el cubismo rompe con todo eso; es un arte mental no sólo en las formas sino en la
concepción de la obra. Para comprender un cuadro hay que pensarlo. Hará un
replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la perspectiva, el
movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un
esfuerzo mental para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el
cubismo no es el color, sino la línea la que crea la figura y compone el cuadro. Sus obras
no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado y consciente.

El cubismo se pregunta, también, por los problemas del volumen y del espacio. Su ruptura
con la tradición renacentista e impresionista es total, y busca un nuevo espacio pictórico
para sus formas. Una de las características del cubismo es su representación en blanco y
negro, consecuencia de su desvinculación con la naturaleza e influido por la fotografía,
para facilitar la lectura del cuadro. El cubismo se preocupa por la representación del
movimiento y por lo tanto del tiempo: de la cuarta dimensión. El tiempo cobra un nuevo
significado tras la teoría de la relatividad de Einstein . El cuadro cubista pretende
representar, al mismo tiempo, todas las formas posibles de ver una figura, esto implica
que el espectador está obligado a mover los ojos para recomponer la figura. El color
ceniza, el blanco y el negro, ayudan a la reconstrucción del cuadro. La cuarta dimensión
está en la mente humana, vemos el mundo con movimiento, con el paso del tiempo, y eso
es lo que pretende captar el cuadro cubista.

Etapas del cubismo

En el cubismo se distinguen, tradicionalmente, tres
etapas o estilos: cezaniano, analítico y sintético. El
cubismo cezaniano se caracteriza por sus formas
identificables, que son reducidas a formas
geométricas puras. Se trata más de un protocubismo
que una nueva estética. El cubismo analítico se
caracteriza por la descomposición de la forma y de las
figuras en múltiples partes, todas ellas geométricas.
Su objeto es conocerlas, examinarlas y ordenarlas por

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separado. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. Es la auténtica la

estética cubista, la creadora del nuevo lenguaje. El cubismo sintético se caracteriza por
potenciar las partes más significativas de la figura, reduciéndola a sus formas geométricas
más puras. No es un cubismo simplificador, pero sí de más fácil lectura. Está altamente
estructurado y se potencian las partes más significativas, o que se quiere resaltar.

Tras la época clásica del cubismo aparecen tres escuelas: la Sección Áurea (o Sección de
Oro), que pretenderá llevar las matemáticas a la pintura de manera consciente, tanto en
los ritmos como en las proporciones de la descomposición cubista; el orfismo es el
cubismo colorista, un tanto evocador de sueños extraños, está muy cerca de la
abstracción pura; y por último está el purismo de la Bauhaus que reaccionó contra los
excesos del cubismo y vuelven a las formas simples y analíticas. Del cubismo surge una
nueva técnica pictórica: el colage, al pegar en los cuadro trozos de realidad que facilitan
su lectura, también la inventa Picasso. Con el colage la palabra impresa entra a formar
parte de la obra de arte. Pero el cubismo es, ante todo, la estética que da el paso
definitivo hacia la abstracción pura.

Referencias:

o http://www.arqhys.com/la-plastica.html
o http://www.arteguias.com/barroco.htm
o http://www.jpuelleslopez.com/Romantic3.htm
o http://www.supercable.es/~maika1/texto/impresionismo%20arte.htm
o http://www.ciber-arte.com/movimientos/realismo.htm
o http://www.profesorenlinea.cl/artes/fauvismoMatisse.htm
o http://www.pastranec.net/arte/sigloxx/cubismo.htm

TERCER BIMESTRE – ARTE VISUAL - MOVIMIENTOS MAS RELEVANTES DE LA PLASTICA 2

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1. Futurismo
2. Neoplatisismo
3. Dadaísmo
4. Minimalismo
5. Expresionismo abstracto
6. Arte callejero
7. Arte contemporáneo

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