Hermanos Lumière

Auguste Lumière (Auguste Marie Louis Nicolas Lumière) (* Besançon, 19

de octubre de 1862 - † Lyon, 10 de abril de 1954, 92 años) y Louis
Lumière (Louis Jean Lumière) (* Besançon, 5 de octubre de 1864 - †
Bandol, 6 de junio de 1948, 84 años) fueron los inventores del proyector
cinematográfico.
Ambos nacieron en Besançon, Francia, pero crecieron en Lyon. Su padre,
Antoine Lumière, tenía un taller fotográfico y ambos hermanos trabajaban
con él, Louis como físico y Auguste como administrador. Louis hizo
algunas mejoras en el proceso de fotografías estáticas.
A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de
imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de procesos
notables, como agujerear la cinta del film para permitir su movimiento por
la cámara.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematógrafo, que se basaba en la
persistencia retiniana de imágenes en el ojo humano. Ellos cargaban las piezas de la cámara filmadora en
un cajón para su traslado.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. Así, en el verano de 1894, los hermanos Louis y
Auguste Lumière tenían a punto la cámara que servía tanto como tomavistas o como proyector, y con ella
llevaron a cabo su primera filmación ese otoño. El 22 de marzo de 1895 fue
mostrada en París en una sesión de la Société d'Encouragement à l'Industrie
Nacional la conocida La sortie des ouvriers des usines Lumière à Lyon
Monplaisir («Salida de los obreros de la fábrica Lumière en Lyon
Monplaisir»), rodada tres días
Tras diversas presentaciones en sociedades científicas, en la Universidad de
la Sorbona, en Bruselas y otros lugares, se procedió a su explotación en la
primera sesión exhibida para un público comercial, como primer
espectáculo de pago el 28 de diciembre de 1895 en París, en el Salon Indien
del Grand Café, en el Boulevard des Capucines, donde se proyectaron
varias cintas entre las que destacaban, aparte de la ya citada Salida de la
fábrica Lumière, otras como Llegada de un tren a la estación de la Ciotat o
El desayuno del bebé, e incluía la primera película de ficción: El regador
regado. Así, con este catálogo, el cine comenzó su historia a modo de documental, como testigo objetivo
de la vida cotidiana.
Los hermanos pensaban que «el cine es una invención sin ningún futuro»,
utilizable sólo para el ámbito de la intimidad. No obstante, aprovecharon todo
lo que el nuevo invento les ofreció para generar riqueza y montar un negocio
rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde
era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas
cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.
Su posición económica y el interés que mostraban hacia la ciencia les hizo
menospreciar las posibilidades comerciales de su invento, por lo que
finalmente abandonaron la producción cinematográfica.
En 1903 patentaron un proceso para realizar fotografías en color, el
Autochrome Lumière, lanzado al mercado en 1907.
Actualmente su cámara esta en el museo de cine de Paris, con la de George Méliès.
Enlaces a películas de los hermanos Lumiere en Youtube
http://www.youtube.com/watch?v=tz_l8JDYXmc&NR=1
LUMIERE La llegada del tren

http://www.youtube.com/watch?v=8mO6KaxII4Y
El regador regado
Linterna mágica
La linterna mágica es un aparato óptico, precursor del cinematógrafo. Su
invención se debe al jesuita alemán Athanasius Kircher, quien en el siglo
XVII, y basándose en el diseño de la cámara oscura, la cual recibía
imágenes del exterior haciéndolas visibles en el interior de la misma, pensó
en invertir este proceso, y llevar las imágenes de dentro a afuera.
El artefacto consistía en una cámara oscura con un juego de lentes y un
soporte corredizo en el que se colocaban transparencias pintadas sobre
placas de vidrio. Estas imágenes se iluminaban con una lámpara de aceite
(recordemos que aún falta mucho para el invento de la luz eléctrica), y para
que el humo pudiera tener salida se dotaba al conjunto de una vistosa
chimenea.
Posteriormente, el italiano Cagliostro mejora este dispositivo, de modo que
con un juego de ruedas se puede aumentar o disminuir el tamaño de la imagen proyectada.
Paulatinamente se populariza la linterna mágica, y se le van encontrando aplicaciones prácticas. Nollet y
Charles la introducen en la Sorbona para apoyar sus enseñanzas de modo visual, y el famoso mentalista
Mesmer la emplea en sus cátedras de «magnetismo
animal» y en sesiones de hipnotismo. El profesor Jean-
Martin Charcot la usaba como método curativo de
ciertos casos de epilepsia e histeria.
Pero sin duda la linterna mágica sufrió un cambio
fundamental en su diseño cuando la lámpara
incandescente y el arco voltaico fueron descubiertos, y
su aplicación sustituye con inmensa ventaja la
iluminación por lámpara de aceite. Poco después
aparece la fotografía, con lo que las transparencias
pintadas son sustituidas por diapositivas, y la linterna
mágica es virtualmente una ampliadora fotográfica. Quedaban solo unos pasos más para que llegara a ser
un proyector cinematográfico.

Teatro óptico

Émile Reynaud y su «Teatro Óptico».

Aplicación óptica desarrollada por Émile Reynaud y patentada en 1888, basada en el praxinoscopio que
permite ofrecer un espectáculo a partir de la proyección de dibujos animados móviles, dispuestos en una
banda flexible provista de perforaciones que discurren con una frecuencia de 15 imágenes por segundo
frente a un sistema de lentes e iluminación basado en la linterna mágica. Es uno de los precedentes del
cinematógrafo, solo que las imágenes habían de dibujarse a mano sobre la película.
Taumatropo
Taumatropo, también llamado Rotoscopio, Maravilla giratoria o, en
inglés, Wonderturner, es un juguete que reproduce el movimiento
mediante dos imágenes, fue inventado por John Ayrton Paris en 1824.
Consiste en un disco con dos imágenes diferentes en ambos lados y
un trozo de cuerda a cada lado del disco. Ambas imágenes se unen
estirando la cuerda entre los dedos, haciendo al disco girar y cambiar
de cara rápidamente. El rápido giro produce que, ópticamente, y por
el principio de persistencia retiniana, la ilusión de que ambas
imágenes están juntas.
Su invento suele atribuírsele a John Ayrton Paris, que lo habría
construido para demostrar el principio de persistencia retiniana, ante el
Real Colegio de Físicos de Londres, en 1824. En aquella ocasión, utilizó
los dibujos de un papagayo y una jaula vacía para causar la ilusión de que
el pájaro estaba dentro de la jaula.
Fue muy popular en la Inglaterra victoriana, los taumatropos de la época
solían incluir pequeños versos acompañando a las imágenes. Además, es
el precursor de otros instrumentos más complejos, el zoótropo y el
praxinoscopio, precursores a su vez del cine.

Como fabricar un Taumatropo

http://redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/luces_de_la_ciudad/Memorias/cine/acttaumatopo.htm

Fenaquistiscopio
Fenaquistiscopio, del griego espectador ilusorio, juguete inventado por
Joseph-Antoine Ferdinand Plateau para demostrar su teoría de la persistencia
retiniana en 1829.
Consiste en varios dibujos de un mismo objeto, en posiciones ligeramente
diferentes, distribuidos por una placa circular lisa. Cuando esa placa se hace
girar frente a un espejo, se crea la
ilusión de una imagen en
movimiento.
Poco después de su invención, Plateau descubrió que el número
de imágenes para lograr una ilusión de movimiento óptima era
dieciséis, lo que con posterioridad aplicarían los primeros
cineastas usando dieciséis fotogramas por segundo para las
primeras películas.
Instrucciones de uso
Para ver cómo cobran vida los personajes dibujados en el disco
hay que hacerlo girar frente a un espejo, mientras se observa por una de las ranuras.
Estereoscopio
Los términos Estereoscopio, estereoscópico, imagen tridimensional,
de 3-D se refieren a cualquier técnica de grabación de la información
tridimensional visual o a la creación de la ilusión de profundidad en
una imagen. La ilusión de profundidad en una fotografía, la película,
u otra imagen bidimensional son creados presentando una imagen
ligeramente diferente a cada ojo. Muchas demostraciones de 3D usan
este método de transportar imágenes. El estereoscopio, es decir, el
aparato que presenta una doble imagen que se mezcla en nuestro
cerebro como una sola imagen estereoscópica, fue inventado por Sir
Charles Wheatstone en 1840.1
Es un dispositivo muy simple que consta de cuatro pequeños espejos, ubicados en forma tal que permiten
desviar las imágenes correspondientes a cada ojo puestas una al lado de la otra de tal manera al verse
montadas una sobre la otra dan el efecto estereoscópico o tridimensional; para ajustarse al tamaño de
distintas imágenes el dispositivo tiene un eje o pivote que altera el grado de separación. Este apararo
substituye el cruzar los ojos para ver fotos o videos estereoscópicos, que para muchos que es algo difícil
y/o incomodo.
El Estereoscopio es usado en la fotogrametría y también para la producción de estereogramas. El
estereoscopio es útil en la inspección de imágenes dadas de juegos de datos grandes multidimensionales
como son producidos por datos experimentales. Además, la combinación de pares estereoscópicos de
fotografías aéreas y estereoscopio es
indispensable en la cartografía geológica. Este
método permite la visualización de estructuras
como pliegues y fallas que de otro modo
exigirían un complicado trabajo sobre el
terreno.
La fotografía tradicional estereoscópica
consiste en crear una ilusión de 3-D que
comienza de un par de imágenes de 2-D. El
modo más fácil de crear la percepción de
profundidad en el cerebro es de proporcionar a
los ojos del espectador dos imágenes diferentes, representando dos perspectivas del mismo objeto, con
una desviación menor a las perspectivas que ambos ojos naturalmente reciben en la visión binocular. La
fotografía moderna industrial tridimensional puede usar el láser u otras técnicas avanzadas para descubrir
y registrar información tridimensional.

Zoótropo
Zoótropo, del griego zoe (vida) y trope (girar), también denominado zoetrope o
daedelum, máquina estroboscópica creada en 1834 por William George Horner,
compuesta por un tambor circular con unos cortes, a través de los cuales mira el
espectador para que los dibujos dispuestos en tiras sobre el tambor, al girar,
aparezcan en movimiento.
Fue un juguete muy popular en la época y uno de los avances hacia la aparición
del cine que se crearon en la primera mitad del siglo XIX.
 Fusil Fotográfico
Esteban-Jules Marey (físico francés, 1830-1904)construye un fusil
fotográfico que registra 12 imágenes por segundo sobre una misma
placa. Reynaud pone a punto su teatro óptico
Este gran invento permitía hacer muchas fotografías en poco tiempo. Era un fusil, propiamente dicho, que
albergaba una cámara fotográfica en su director. Funcionava disparando (literalmente) a algo que se
movía tantas veces seguidas como se podía. El mecanismo se encargaba de hacer muchas fotos en poco
tiempo.
Este mecanismo permitía hacer 12 fotos en un solo segundo. Dichas fotos, se pegaban en forma de
película. El gran inconveniente de este invento es que no permitia retratar todas las fotos desde el mismo
punto de vista, ya que el que disparaba el fusil estaba quieto respecto a lo que estaba en movimiento.

Películas realizadas con el fusil fotográfico

http://www.youtube.com/watch?gl=ES&hl=es&v=3AGjzxVzVa4

Praxinoscopio
Praxinoscopio, juguete similar al zoótropo inventado por Émile Reynaud
en 1877.
El espectador mira por encima del tambor, dentro del cual hay una rueda
interior con unos espejos formando ángulo, que reflejan unas imágenes
dibujadas sobre tiras de papel situadas alrededor.

Kinetoscopio
El Kinetoscopio fue el precursor del moderno proyector de películas
desarrollado por William Kennedy Laurie Dickson mientras trabajaba con
Thomas Edison.

Un Kinetoscopio con la tapa abierta, la película de lazo, y el visor superior

abierto.
De acuerdo con los hechos históricos, antes de
tener la idea Edison se reinspiró en una visita
que hizo a Eadweard Muybridge en 1888,
quien desarrolló una invención a la que llamó
Zoopraxiscopio. Parece ser que la intención de Muybridge era financiar y
promover una mayor colaboración con Edison en la elaboración de un
diseño de una máquina que pudiera emitir sonido y proyectar imágenes a
la vez. En este diseño se incluía el fonógrafo inventado por Edison.
Entonces, Edison, impresionado e inspirado por las ideas de Muybridge,
rápidamente e independientemente registró la patente de una máquina que
podría "hacer para los ojos aquello que el fonógrafo hace para los oídos".
Asignó la tarea del nuevo diseño a Laurie Dickson, y decidió llamar "a
su" invento como " Kinetoscopio " (kinetoscope), como resultado de la combinación de las palabras
griegas "kineto" (movimiento) y "scopos" ("ver").
Edison, Dickson y otros trabajadores del laboratorio de Edison, realizaron progresos en el diseño hasta un
punto, ya que la idea de hacer servir cilindros
rotativos sólo permitiría proyectar
animaciones demasiado cortas, teniendo en
cuenta la limitación del diámetro del
cilindro. El proyecto quedó paralizado, pero
se reemprendió después de una visita de
Edison a Etienne-Jules Marey, un médico y
fotógrafo francés que había desarrollado un
"cronofotógrafo", con el cual hacía servir
una tira de película mucho más larga que el
diámetro de cualquier cilindro utilizable.
Los trabajos de John Carbutt sobre la
película de celuloide ofrecieron más
progresos en esta dirección, ya que William
Heise, trabajando con Dickson en los laboratorios de Edison, incorporó este avance. La película se diseñó
como un lazo, que serpenteaba alrededor de una serie de ejes dentro de una caja de madera, y se podía ver
mirando hacia abajo desde una abertura. Así, los laboratorios desarrollaron una nueva cámara para utilizar
esta película, el quinetógrafo.
El 20 de mayo de 1891, la primera proyección pública del prototipo de quinetoscopio de Edison se realizó
en sus laboratorios para una convención de la Federación Nacional de Clubs de Mujeres de los EUA. La
presentación pública del quinetoscopio completo tuvo lugar en el Instituto de las Artes y las Ciencias de
Brooklyn el 9 de mayo de 1893.

Quinetófono

El quinetófono fue un primer intento de Edison para unificar la imagen y el sonido a finales del siglo
XIX. En la primavera de 1895, presentó esta máquina, es decir, una película de quinetoscopio
sincronizado por una correa con un fonógrafo. La primera película que se mostró en un quinetófono fue
"Dickson Experimental Sound Film".
Dickson abandonó el laboratorio y el quinetoscopio cayó en popularidad, y los trabajos del quinetófono se
suspendieron durante dieciocho años. En 1913, Edison presentó un nuevo quinetófono diseñado para
sincronizar el sonido con una película proyectada en una pantalla externa, pero todavía persistían los
problemas con cortes de película, y con los operadores que estaban mal preparados, lo que provocaba
desincronización con el sonido. El resultado, entonces, fue la insatisfacción de la audiencia y la falta de
popularidad del quinetófono.
 Georges Méliès
Georges Méliès (París, 8 de diciembre de 1861 - Ibídem, 21 de enero de
1938) fue uno de los pioneros de la cinematografía, tras sus propios
creadores, los hermanos Lumière. Geroge Méliès es recordado como uno
de los más grandes cineastas de todos los tiempos.
Nació el 8 de diciembre de 1861 en el boulevard Saint-Martin de París.
Director de teatro y actor, su padre era un conocido empresario del
calzado parisino. Desde pequeño mostró interés y habilidad en el dibujo.
Durante su estancia en Inglaterra, y debido a que su falta de soltura con el
lenguaje, que le impedía comprender las obras de teatro, entró en contacto
con el mundo del ilusionismo al frecuentar la "Egiptian Hall", sala de
variedades dirigida por el célebre mago Maskelyne.
Más tarde regresa a París, y a pesar de sus intenciones de ingresar en la
Escuela de Bellas Artes, es obligado por su familia a participar en el
negocio del calzado. Se encargó de la reparación y el perfeccionamiento tecnológico de esta industria,
mostrando las habilidades mecánicas que posteriormente le resultarían tan útiles.
Cuando su padre se retiró del negocio, Méliès se negó a continuar con el mismo, utilizando su parte del
reparto para comprar en 1888 el teatro "Robert Houdin", del que era asiduo visitante.
Con la incesante capacidad para el trabajo que caracterizó su vida, entre los años 1889 y 1890 simultaneó
sus labores de director del teatro con las de reportero y dibujante en el periódico satírico La Griffe, donde
su primo Adolphe ejercía como redactor jefe.
Durante los años siguientes se escenifican en el teatro espectáculos de ilusionismo, cuyos decorados,
trucos y maquinaria fueron en su mayoría creados por el propio Méliès.
Cuando el 28 de diciembre de 1895 Méliès asistió invitado por los Lumière a la primera representación
del Cinematógrafo, decidió comprar una máquina inmediatamente a los Lumière, que se negaron a
vendérsela. Empeñado en hacerse con el invento, optó por construir su propia máquina cinematográfica.
El 5 de abril de 1896 proyectó las primeras películas en su teatro Robert Houdin. Eran pequeñas escenas
al aire libre, documentales similares a las de los hermanos Lumière. Su estilo evolucionó rápidamente
buscando crear películas parecidas a sus espectáculos de ilusionismo.
Fue pionero en la utilización del truco de sustitución de elementos mediante el parado de la cámara, y
también lo fue en la exposición múltiple del negativo (doble sobreimpresión) y los fundidos a negro y
desde negro.
Invirtió una gran cantidad de dinero para la creación del que se consideró el primer estudio de cine, en el
que se utilizaron sistemas mecánicos para ocultar zonas al sol, trampillas y otros mecanismos de puesta
en escena.

Viaje a la luna, 1902.

En 1902 creó la que está considerada su obra capital, Viaje a la luna. En ella la evolución de la
continuidad narrativa cinematográfica da un paso de gigante, al montar la secuencia del disparo del cañón
que lleva a los astrónomos a la luna y, a continuación poner en escena un decorado con la cara animada
de esta, que va creciendo en travelling inverso y sobre la que acaba aterrizando la nave/bala de cañón
clavándose en ella.
Méliès intentó distribuir comercialmente "Viaje a la Luna" en Estados Unidos, pero técnicos que
trabajaban para Thomas Edison lograron hacer copias del film y las distribuyeron por toda Norteamérica,
y a pesar de que fue un éxito, Méliès nunca recibió dinero por su explotación. Creador de alrededor de
quinientas películas, la paulatina transformación de la industria (monopolizada por Edison en Estados
Unidos y Pathé en Francia), junto con la llegada de la Primera Guerra Mundial, afectaron a su negocio,
que fue declinando sin remedio. En 1913 se retiró de todo contacto con el cine.
De 1915 a 1923, Méliès montará, con la ayuda de su familia, numerosos espectáculos en uno de sus dos
estudios cinematográficos transformado en teatro. En 1923, acosado por las deudas, tuvo que vender
propiedades y abandonar Montreuil.
En 1925 se reencuentra con una de sus principales actrices, Jeanne d'Alcy. Ella regenta un quiosco de
juguetes y golosinas en la estación de Montparnasse. Méliès se casó con ella ocupándose juntos de la
tienda. Allí será reconocido más tarde por Léon Druhot, director de Ciné-Journal, que lo rescatará del
olvido.
Desde 1925 su obra será redescubierta por la vanguardia cinematográfica francesa, especialmente por los
surrealistas, que reivindicaron su figura hasta el punto de que Méliès fue reconocido con la Legión de
Honor en 1931 por toda su trayectoria.
En 1932 se encuentra en el Castillo de Orly casa de jubilación de la «Mutua del cine» (institución fundada
en 1921 por Léon Brézillon, presidente del sindicato francés de productores cinematográficos) y allí
vivirá el resto de sus días con su esposa Jeanne d'Alcy. Falleció en el hospital Léopold Bellan de París y
sus restos descansan en el cementerio de Père-Lachaise.
Poco antes de la muerte de Méliès, en 1938, Henri Langlois, creador de la Cinemateca francesa recuperó
y restauró parte de sus películas.
Georges Méliès fue el gran creador del cine de espectáculo y fantasía, dando el paso hacia la creación de
un lenguaje de ficción para el cine del que carecía el cinematógrafo tomavistas de los Lumière. Desde
1946 el premio Méliès otorga anualmente el reconocimiento a la mejor película francesa.

Filmografía
Durante su carrera como director; Georges Méliès edito variados filmes, entre ellos el más famoso: Le
Voyage dans la Lune. Algunas de sus películas son:

• Une partie de cartes (1896)

• L'Escamtrasmaotage d'une dame (1896)
• La Cuirassé Maine (1898)
• La caverne maudite (1898)
• Cléopâtre (1899) (Cleópatra)
• Le Christ marchant sur les eaux (1899)
• Argentine (1899)
• The golden King (1899)
• Escamotage d'une dame chez Robert-Houdin (1899)
• Illusioniste fin de siècle (1899)
• Cinderella (1899)
• L'Affaire Dreyfus (1899/1900)
• Voyage a Italy (1901)
• L’homme à la tête en caoutchouc (1901)
• Le Voyage dans la Lune (1902)
• Le Cake-walk infernal (1903)
• Le Dilophosaurus attack! (1903)
• La Flamme merveilleuse (1903)
• Reino das Fadas / Le Royaume des Fées (1903)
• Le Monstre (1903)
• Le Mélomane (1903)
• L'Auberge du Bon Repos (1903)
• La Lanterne magicue (1903)
• La Rêve du Maître de Ballet (1903)
• A Maldição de Fausto / La Damnation de Faust (1903)
• Le Bourreau turc (1904)
• Le Roi du Maquillage (1904)
• Le Voyage a Chine (1904)
• Le Voyage à travers l'Impossible (1904)
• Le Palais des Mille et Une Nuits (1905)
• Le Raid Paris-Monte Carlo en 2 heures (1905)
• Les 400 Farces du Diable (1906)
• L'Alchimste Parafaragamus ou la Cornue infernale (1906)
• L'Éclipse du soleil en pleine lune (1907)
• 20.000 Léguas Submarinas (1907)
• Diable, diable (1907)
• Le Rêve d'un fumeur d'opium (1907)
• Wasner ne le Lune (1909)
• Le secret du Médécin (1910)
• Les Hallucinations du Baron de Münchausen (1910)
• Á la Conquète du Pole (1910)
• MonteCristo (1911)
• Le Chevalier des neiges (1912)
• Cendrillon ou La pantoufle mystérieuse (1912)
• Le Voyage de la famille Bourrichon (1913)
• Mondo perdio (1912)
• Le secret du Médécin 2 (1912/1913)
• England (1913)
• Le grand voyage (1913)
• Imperhìo da Roman (1913/1914)
• Voyage da español (1931)
• Marcelie Zanellie, una vida de película(1932)
• Martin Kapo Dick:(1932)

Melies Museum
Pagina dedicada al Cineasta
http://www.melies.invisiblefx.com/HOME.html
David Wark Griffith
David Wark Griffith (La Grange, en la zona rural de Kentucky, 22 de enero
de 1875 – Hollywood, 21 de julio de 1948) fue un director cinematográfico
estadounidense y considerado el creador del modelo americano de
representación cinematográfica (o montaje invisible), por lo que fue llamado
«El padre del cine moderno».
De ascendencia irlandesa, se educó bajo las influencias dominantes en el Sur
de los Estados Unidos de aquella época, con toda la carga de racismo que
esto conllevaba, y que le influyeron poderosamente en su carrera. Hay que
destacar de este prolífico director que realizó más de 500 filmes y colaboró
en la creación de muchos otros.
De joven quiso ser escritor, pero ya en 1897 se hizo actor aficionado,
llegando a ser profesional tres años más tarde. Dada la época y la
popularidad del incipiente cinematógrafo, sobre todo entre los actores
norteamericanos. Estudió en varias escuelas locales, después trabajó como actor de reparto y en
compañías ambulantes, hasta hacerse actor de cine en 1908, cuando comenzó a trabajar para la AM&B
(American Mutoscope & Biograph). En esta misma compañía llegó a ser director en Nueva York y en
California, convirtiéndose en productor independiente en 1913.
Las películas que dirigió entre 1908 y 1913 para la compañía AM&B le dieron una notable seguridad en
su oficio. Con El nacimiento de una nación, en 1915, logró un éxito excepcional, dando al espectáculo
cinematográfico sabor auténtico y original. Otro de sus grandes filmes fue Intolerancia, 1916, film muy
ambicioso por su tiempo y que resultó ser uno de los más caros de la historia del cine, pero también una
influencia para futuros directores.
En 1919, junto con Charles Chaplin, Douglas Fairbanks y Mary Pickford, los artistas más cotizados del
cine del momento, fundó la United Artists, para producir películas de larga duración al margen del control
de los productores y financieros no creativos del cine.
Griffith siguió realizando películas con su sello especial hasta la llegada del cine sonoro, o dicho de otra
forma hasta el fin del cine mudo. Sólo realizó dos películas sonoras Abraham Lincoln, 1930, y The
Struggle, 1931. El cine sonoro significó su fin como director.
Estudios tempranos de la historia del cine mostrarían a Griffith como «El padre del cine moderno»,
partiendo de un artículo escrito por él mismo en un periódico poco después de su salida de AM&B en
1913. En éste afirmaba ser el creador del lenguaje cinematográfico, tales como el primer plano; o el
flashback. Los primeros historiadores de cine, sin tener acceso a muchos de los filmes producidos antes
de 1913, declararon a Griffith como el "padre del cine".

Estudios recientes y el descubrimiento de varios filmes (Brighton Conference), demostraron que, aunque
una amplia variedad de realizadores trabajaban en explorar nuevas técnicas narrativas y estéticas para el
cine en Francia, Italia y Estados Unidos, ninguno sistematizó los diversos descubrimientos en un lenguaje
cinematográfico. Edwin Porter, por nombrar a uno de ellos, hace muestra de algunas técnicas narrativas
en The life of an american fireman (1903) así como el desarrollo de nuevas técnicas de edición en The
great train robery (1903), pero sus descubrimientos no tienen continuidad más allá de su aplicación
técnica.
La importancia de Griffith como realizador fue su capacidad de utilizar y combinar aquellas técnicas.
Tildar a Griffith como «El padre del cine moderno» es por esto, aplicable a la figura de este creador. Su
imaginación y su gran destreza detrás de las cámaras lo hacen el director de cine más importante de esa
época.
Durante el periodo en que el cine comenzaba se crearon tres tipos de discurso cinematográfico:
El discurso de los Lumière. Pretende plasmar la realidad, no obstante manipula lo que aparece en imagen
(lo mediatiza), al buscar composiciones que recogieran los estilos pictóricos en boga en la época.
Precisamente, este eco hizo que el cine llamase la atención del público ya acostumbrado a los inventos
que captaban la imagen en movimiento como el Kinetoscopio u otros similares.
El discurso de Méliès. Aplica a la puesta en escena la tradición carnavalesca y de las fiestas populares,
dando a sus películas un cierto aire fantasmagórico.
El discurso de Griffith. Combina la imagen cinematográfica con el discurso propio de la novela
decimonónica, dando así nacimiento al relato cinematográfico.
Al discurso de los Lumiere y de Méliès se los engloba como Modo de representación primitivo. No es
algo exclusivo de estos primeros cineastas sino de todos los que realizaban cine en aquella época. En
contraposición, se encuentra el discurso de Griffith y el de la mayoría de los que siguieron. Se les engloba
bajo la etiqueta de Modo de representación institucional. Segun el teórico Ángel Faretta
Griffith crea tres conceptos o elementos que son a la vez heurísticos y estéticos —siendo también
polémicos—. Digamos que Griffith tiene como tarea fundamental, ab initio, la de desviar o separarse del
modelo fotográfico-teatral heredado de la ya acuñada modernidad, tarea que fue impensable para el
tándem constituido por Lumière y Meliès quienes (a pesar de aquellos que aún intentan diferenciarlos
desde un punto de vista teñido de eurocentrismo nostálgico) prosiguieron, in toto, con la tarea de la
continuidad fotográfico-teatral, preocupándose tan sólo en «polemizar» instrumentalmente con el modo
de realidad o verosímil con el cual trabajarían. Teniendo esto presente, Griffith trasforma radicalmente el
espacio fotográfico-teatral como modelo o paradigma del distribucionismo burgués creando, tres
elementos heurísticos que son a la vez, y sin solución de continuidad, elementos formales y estéticos.
Ellos son: el fuera de campo, el principio de simetría y el eje vertical.
Griffith además fue el descubridor de muchas estrellas de la naciente industria fílmica norteamericana,
entre las que se encuentran: las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Mae Marsh, Blanche Sweet, Mack
Sennett (cómico canadiense imitador de Max Linder), y sobre todo Mary Pickford, quien pronto se
convertiría en «la novia de América».