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introducciÓn a la historia

de la mÚsica

colegio la inmaculada. pp. franciscanos

tercero de la e.s.o.

cartagena. curso académico 2004/2005.


introducciÓn.

la historia de la música comenzó en el mismo instante en que el hombre


primitivo descubrió que podía cantar o producir sonidos golpeando unos
objetos contra otros o soplando a través de la cavidad de los huesos de los
animales. pero no vamos a tratar aquí de estas tempranas manifestaciones de
la necesidad humana de la música. la historia de la música de nuestra propia
cultura occidental puede tratarse partiendo de las culturas en las que la
nuestra tuvo su origen: la judía, la griega, la romana. sabemos por la biblia
que la música ocupaba una parte muy importante en la vida del pueblo judío.
en la biblia encontramos importantes referencias a los instrumentos
musicales, al canto, a los compositores - el rey david es uno de los más
célebres compositores judíos y los salmos su obra más destacada -. lo mismo
podemos decir de la importancia de la música en grecia y roma, sobre todo
en el teatro con sus coros y en las celebraciones, fueran religiosas o
profanas, con la danza y el baile - podemos recordar como fiestas
características las bacanales, celebradas en honor de baco o dionysios.

pero la historia de la música propiamente dicha comienza alrededor del siglo


vi cuando el repertorio tradicional del canto eclesiástico, que solía
transmitirse oralmente, empezó a ponerse por escrito y a codificarse. luego
toda la música escrita en esta época - siglo vi - era música eclesiástica, ya
que los monjes de los monasterios eran casi las únicas personas que sabían
leer y escribir. aunque no debemos ignorar que también la música existía en
las cortes y en los palacios de los nobles. pero es con la música eclesiástica
con la que hemos de comenzar y la que necesitamos comprender. la música
procedente de las grandes catedrales góticas y de los antiguos monasterios
de europa y conservada en los soberbios códices miniados concebidos como
lujosos regalos para papas, reyes y príncipes.

nota: el origen de las notas musicales, tal como han llegado hasta nosotros,
se atribuye al monje italiano guido d´arezzo (990-1050), quien las tomó del
principio de un himno latino en honor a san juan bautista dejándolas
establecidas como do, re, mi, fa, sol, la, si.

1. el canto gregoriano.

la primera manifestación musical en la iglesia medieval fue el canto llano,


conocido también como canto gregoriano por haber sido el papa gregorio i
(590-604) el que ordenó recopilarlos, clasificarlos y utilizarlos en todas las
iglesias de la cristiandad. en todo el mundo cristiano, el elemento más
importante de la liturgia - conjunto de ritos sagrados que la iglesia realiza
para la alabanza divina - era y es la santa misa, memoria sagrada de la
Última cena del señor. la misa se celebraba en latín, lengua de las gentes del
medioevo. por eso, el canto gregoriano es todo en latín y hace referencia a
las distintas celebraciones litúrgicas de la cristiandad: navidad, semana
santa, pascua de resurrección, pentecostés, fiestas del señor, de la virgen y de
los santos. el canto gregoriano fue tan venerado como punto fijo de
referencia musical, que ha llegado a constituir la base de la mayor parte de la
música religiosa que se compuso en europa durante los periodos medieval y
renacentista.

audiciones:

2. la canciÓn profana.

junto al canto gregoriano, nos encontramos también en la edad media con la


llamada canción profana, cultivada por los juglares que viajaban por las
cortes feudales de europa. según las épocas y lugares, se les denominaba de
diferentes formas - goliardos, juglares, trovadores, bardos, minnesinnger,
meistersinnger, etc.-, pero todos tenían en común un mismo cometido:
ensalzar el amor cortés mediante la música y la letra. ¿qué es el amor
cortés? consiste en una concepción de la mujer como belleza inalcanzable, a
la que idolatraban y cantaban en sus canciones. los más conocidos de todos
son los trovadores que florecieron principalmente en provenza (sur de
francia) y que cantaban en lengua vernácula y no en latín.

3. la mÚsica medieval en espaÑa.

la fama de la música provenzal llegó a españa en el siglo xii, concretamente


a la corte castellano-leonesa, gracias al influjo de los monjes

franceses. en dicha corte comenzaron a componerse obras en este estilo


musical. entre ellas, la más importante es la colección de las cantigas de
santa maría, compuestas por el rey alfonso x el sabio (1221-1284) en la
segunda mitad del siglo xiii. el tema de las cantigas recoge una serie de
milagros realizados por la virgen en honor de sus devotos. sigue una
tradición religiosa de moda desde el siglo xi. para componer esta obra, el rey
alfonso el sabio se sirvió de varias colecciones de milagros, tradiciones
orales y sucesos reales acaecidos en su corte. la finalidad de estas
colecciones era didáctica, es decir, ofrecer unos modelos de comportamiento
para la vida de los cristianos sirviéndose de los ejemplos dados por los
milagros. entre ellos abundan los que tratan de la protección de maría para
con los caballeros cristianos que luchaban contra los hijos de la media luna o
musulmanes.

audiciones:

4. la primera polifonÍa.

tanto el gregoriano como la canción profana son música monofónica, es


decir, música de un solo sonido o de una sola línea melódica. la polifonía es,
por el contrario, la música compuesta por varias líneas melódicas o varios
sonidos o varias voces. la forma más importante de la polifonía es el motete,
composición musical, de carácter sagrado o profano, para varias voces solas,
es decir, sin acompañamiento de ningún instrumento, que cantaban temas
sagrados o profanos, según fueran de un tipo o de otro.

audiciones:

5. la mÚsica en el renacimiento.

el periodo tradicionalmente conocido como renacimiento se extiende


aproximadamente desde la mitad del siglo xv hasta los últimos años del siglo
xvi. supuso una vuelta a los clásicos grecolatinos y a sus valores: de ahí la
idea de hacer renacer la civilización grecorromana. la base de este
movimiento estuvo en el humanismo, corriente que trató de poner el hombre
en el centro de todas las cosas, basándose en el principio de que el hombre
es la medida de todas las cosas. de aquí se derivan unas consecuencias
importantes para la música, pues esta ya no será predominantemente
religiosa, sino que se ocupará de temas humanos, paganos, mitológicos, etc.,
como veremos más adelante. otro factor importantísimo para el desarrollo de
la música fue la reforma protestante iniciada por martín lutero (1483-1566),
quien consideraba la música como

parte indispensable del culto divino. lutero se dio cuenta de que la


participación de la gente sencilla en los cultos religiosos aumentaría si se le
permitiera participar en los servicios religiosos de una manera activa, en vez
de escuchar pasivamente el canto en latín como se hacía hasta entonces.
además, ya en el siglo xv había desaparecido el latín como lengua viva o
hablada. lutero estableció un repertorio de himnos o corales, llamados así
porque estaban concebidos para ser cantados a coro o en coros por los
fieles, e inspirados muchas veces en conocidos cantos populares alemanes
que resultaban familiares a sus seguidores. introdujo como lengua de dichos
corales la lengua alemana, que era la que hablaban sus seguidores, llamados
luteranos o protestantes. la reforma protestante obligó a la iglesia católica a
reaccionar. esta reacción se llamó contrarreforma. su momento más
importante fue durante la celebración del concilio de trento (1545-1563). en
dicho concilio se tomaron medidas para repristinar el canto eclesiástico. el
resultado fue una música llena de fervor, de contenido emocional y de
sentimiento místico, como veremos al tratar de la música renacentista en
italia y españa. por último, otro elemento que contribuyó eficazmente a la
propagación de la música y a su desarrollo fue la invención de la imprenta a
mediados del siglo xv. gracias a ella, se imprimieron muchos libros
musicales. el impresor más famoso es el veneciano ottaviano petrucci,
quien, junto con sus discípulos, imprimió música de todas las clases:
polifonía religiosa y profana, música instrumental, libros de himnos y
colecciones de salmos. la primera música impresa lo fue en el año de 1501,
en venecia, por el antedicho ottaviano petrucci.

audiciones:

6. la mÚsica italiana del renacimiento.


entre los compositores italianos de música religiosa en la época del concilio
de trento se encuentra giovanni pierluigi da palestrina (ca. 1525-1594). su
música ha sido tradicionalmente reverenciada y considerada como la cima
de la polifonía del siglo xvi. adoptó el nombre del lugar donde nació,
palestrina, pequeña villa cerca de roma, y su vida entera estuvo dedicada al
servicio de las iglesias más importantes de la ciudad eterna: santa maría la
mayor, san juan de letrán y san pedro del vaticano.
palestrina debió su temprano éxito al obispo de su ciudad natal, el cardenal
giovanni maría del monte, quien tras ser elegido papa con el nombre de julio
iii, pidió al compositor que lo acompañara a roma. palestrina nunca disfrutó
del mismo favor al servicio de los papas siguientes, mas parece que siempre
estuvo cómodamente situado a la cabeza de una u otra sección de la capilla
papal. con poco más de treinta años se había ganado una extraordinaria
reputación como compositor y director musical. recibió por ello numerosas
ofertas para trabajar en otros lugares, por ejemplo, en viena y mantua, pero
no quiso abandonar nunca roma. en la ciudad eterna fue maestro de música
de la cappella giulia, cantor de la capilla sixtina, maestro de capilla en san
juan de letrán y en santa maría la mayor, etc. contrajo matrimonio con
lucrecia gori, a la que perdió, junto a varios parientes, durante la epidemia de
peste que azotó la ciudad de roma entre los años de 1572-1580. contrajo
segundas nupcias con virginia dormoli en 1581. murió en roma el 2 de
febrero de 1594.
compuso toda clase de música conocida hasta entonces: música vocal sacra,
música vocal profana, motetes, madrigales, himnos, etc. pero su
composición más famosa es la misa en honor del papa marcelo - missa
papae marcelli - .

otras dos figuras importantes del renacimiento italiano son los venecianos
andrea gabrieli y su sobrino giovanni gabrieli. andrea fue maestro de
capilla de la basílica de san marcos, centro religioso y musical de la ciudad
de los canales. por las características arquitectónicas que ofrece la basílica,
dividía a sus músicos y cantantes en grupos, situándolos en diferentes
galerías para que la música llegara al oyente desde distintas direcciones. esta
técnica de los cori spezzati - coros partidos - no era exclusiva de san marcos
de venecia, pero allí se desarrolló especialmente como respuesta al diseño de
la misma, al amor veneciano por lo grandioso y la genio de andrea gabrieli.
su sobrino giovanni gabrieli fue el primero que utilizó la palabra concierto
al publicar, en 1587, un volumen con el título de concerti y que contenía
música religiosa, madrigales y otras obras compuestas por él mismo y por su
tío andrea.
audiciones:

7. la mÚsica del renacimiento en espaÑa.

los cuatro pilares que sostienen el edificio de la música española del


renacimiento son, sin menoscabo ni olvido de otros músicos menores, juan
del enzina, cristóbal de morales, francisco guerrero y tomás luis de
vitoria. el primer compositor español del renacimiento a quien conviene
propiamente dicho título es a la figura de juan del enzina o de la encina
(1468-1529). fue nacido en salamanca. su padre era zapatero de profesión y
consiguió para varios de sus numerosos hijos que estudiaran una carrera.
juan estudió leyes y latín en la universidad salmantina. obtuvo después el
cargo de director de espectáculos en la corte del duque de alba. completó
posteriormente su formación musical en italia, donde estuvo al servicio
papal. se ordenó sacerdote, peregrinó a jerusalén y fijó finalmente su
residencia en león, donde murió. sus restos descansan en el coro de la
catedral de salamanca. juan del enzina es un prototipo de hombre
renacentista: músico, poeta, escritor, autor teatral, con influjo posterior muy
grande que llegó hasta lope de vega. como músico, que es lo que nos
interesa, compuso obras polifónicas de dos clases: villancicos y romances.
cristóbal de morales (ca. 1500-1553) es el más destacado compositor
español de comienzos del siglo xvi. su estancia en roma durante diez años
(desde 1535 a 1545) le granjearon el respeto y la fama de sus
contemporáneos. fue también miembro musical de la capilla papal. de entre
sus composiciones destacamos sus motetes, como el emendemus in melius
(enmendémonos para mejor), de carácter penitencial, compuesto para el
miércoles de ceniza.
francisco guerrero (1528-1599), también célebre compositor de polifonía
sacra, trabajó en diversas ciudades españolas hasta que se trasladó a roma en
1574. su obra, como la de morales, se compone de motetes sagrados, entre
los que destacamos el que sirve de alabanza a la eucaristía y que lleva por
título pan divino, gracioso, sacrosanto...
pero el compositor renacentista español más importante de todo el siglo xvi
fue tomás luis de victoria o de vitoria (ca. 1548-1611). fue también el
compositor más importante de la escuela romana después de palestrina.
nació en Ávila, de niño cantó en el coro de la catedral abulense y, cuando
mudó la voz, fue a roma a estudiar en el colegio germánico, una institución
de los jesuitas fundada por san ignacio de loyola. permaneció en la ciudad
eterna cerca de 20 años, desempeñando cargos en varias iglesias e
instituciones religiosas. ordenado sacerdote, regresó a españa,
estableciéndose en madrid, primero como compositor y organista de la
emperatriz maría, para cuyos funerales escribió una famosísima misa de
requiem. acabó sus días retirado de la corte como capellán de un convento.
sus composiciones son exclusivamente sacras. por el aire que respiran de
misticismo, fervor y religiosidad, algunos críticos consideran su obra como
el más fiel reflejo del ambiente de la contrarreforma en españa. compuso
misas, 18 composiciones del magnificat, pasiones, responsorios,
lamentaciones y unos 50 motetes, cuyos dos más famosos son el ave maria y
el o vos omnes, ambos en honor de la virgen.

audiciones:

segunda parte: la mÚsica barroca

introducciÓn. páginas 108-116 del libro.


se entiende por época barroca el periodo comprendido entre 1600 y 1750
aproximadamente, y, en la historia de la música, el periodo que comienza
con monteverdi y finaliza con las grandes figuras de bach y haendel.
las características que presenta la música barroca frente a la del renacimiento
son radicalmente distintas. la suave polifonía renacentista, marcada por el
paso unísono de las voces, fueran éstas tres, cuatro o cinco, contrasta con la
nueva música barroca. esta se distingue de la música renacentista por las
siguientes características:
• el contraste, que consiste en la oposición fuerte/suave o piano, presto o
rápido/lento, sólo/tutti o todos.
• presencia constante del continuo, que solía ser normalmente un clave o
un órgano. la misión del continuo consistía en aportar al conjunto de la
composición el ritmo y la armonía necesarios. (algo semejante a lo que
en la música moderna desempeña la batería).
• abandono de la polifonía y predominio de los instrumentos. es decir, no
se concibe ya la música como armonía de voces, sino que se acompañan
las voces con instrumentos.
• cultivo del concierto, consistente en una composición musical dividida
en tres partes - allegro, lento o adagio, presto - para instrumentos solos.
• creación de nuevas formas musicales desconocidas hasta entonces, como
la ópera, oratorios, cantatas, etc., que veremos más adelante.
• concepción del órgano como instrumento solista, principalmente en el
centro y norte de europa, sobre todo en las regiones que estaban bajo el
influjo de la reforma protestante.
• importancia de los mecenazgos o patrocinadores de la música (algo
parecido a los modernos sponsor). la rivalidad por acoger a los mejores
artistas era proverbial entre las cortes, las ciudades, los papas, los
obispos, etc. algo de esto veremos más adelante al tratar de la vida de
bach, haendel y otros compositores.

audiciones:
4. monteverdi y los orÍgenes de la Ópera.

una de las primeras creaciones del barroco fue la ópera y, aunque las
primeras óperas fueron escritas por peri y caccini, el verdadero creador de la
misma fue el italiano claudio monteverdi. nacido en cremona el 15 de
mayo de 1567, ciudad de la región de lombardía, en el norte de italia, y
principal centro del mundo en la fabricación de violines, entre los que
destacan los stradivarius, verdaderas joyas instrumentales, desempeñó el
oficio de instrumentista y, posteriormente, el de maestro de capilla en la
corte de los gonzaga de mantua (italia), cargos que ocupó desde 1591 hasta
1608 en que abandonó la corte a causa de una depresión por la muerte de su
esposa claudia. el año de 1607 fue de capital importancia para su vida:
escribió y representó en mantua su ópera orfeo. el argumento de la misma se
basa en el mito griego clásico de orfeo y eurídice (explicación). el orfeo de
monteverdi no es sólo la ópera más antigua, sino la más representada hasta
hoy en día en todos los teatros de ópera del mundo. a ella le seguirán otras
dos óperas más, el retorno de ulises a la patria y la coronación de popea,
basadas también en temas clásicos.
tras unos años en su ciudad natal de cremona, tratando de curarse de la
depresión antedicha, obtuvo el cargo de maestro de capilla de la basílica de
san marcos de venecia. allí publicó sus dos últimos libros de madrigales (el
séptimo y el octavo) y prosiguió componiendo óperas. en 1630-1631 la peste
se adueñó de venecia obligándole a abandonar sus actividades musicales. al
año siguiente, en 1632, tomó los hábitos como religioso. murió en venecia el
29 de noviembre de 1643.

audiciones:
5. otros compositores barrocos italianos.

girolamo frescobaldi. fue considerado “un gigante entre los organistas”.


desde 1608 hasta su muerte en 1643 desempeñó el oficio de organista en la
basílica de san pedro de roma, donde transcurrió toda su vida. tuvo una
reputación sin igual. por su habilidad y agilidad de ejecutante mereció todos
los elogios además de ser considerado modelo para los compositores e
intérpretes de su tiempo.
cavalli. considerado el sucesor natural de monteverdi, de quien fue discípulo
en la basílica de san marcos de venecia y a quien sucedió en el mismo cargo,
llegó a ser el compositor de ópera más destacado de venecia y de italia.
milán, florencia, nápoles y otras ciudades se disputaban la representación de
sus obras. fue incluso invitado a francia para montar óperas en parís con
motivo de las bodas de luis xiv.
carissimi. nacido en roma, fue primero cantor del coro infantil y luego
organista de la catedral de tívoli, a las afueras de roma. siendo maestro de
capilla del colegio jesuita, comenzó a componer oratorios para ser
representados ante la comunidad del oratorio de la santa cruz. dichos
oratorios relatan historias bíblicas, por ejemplo las de jefté y el juicio de
salomón, con un cantante distinto desempeñando el papel de cada personaje
y un narrador para contar la historia. la importancia de caríssimi radica en
haber aplicado los nuevos métodos barrocos al oratorio y por haber hecho
de él un género dramático que podía ser representado tanto en los teatros
como en las iglesias. su influencia fue grande y duradera, extendiéndose
tanto a alemania como a francia (donde charpentier fue probablemente
alumno suyo) e inglaterra, en donde, posteriormente, haendel imitaría sus
técnicas.

audiciones:

3. la mÚsica barroca en centroeuropa.


heinrich schütz (1585-1672). si hay en europa un compositor comparable a
monteverdi, éste es el alemán heinrich schütz. nació en sajonia en 1585 y
era hijo de un posadero. cuando tenía 13 años, el landgrave moritz,
gobernante de hesse-kassel, se hospedó en su casa y, oyendo cantar al niño,
le pidió al padre que se lo dejara para llevárselo al coro de su corte de kassel;
posteriormente schütz estudió leyes en la universidad y luego su mecenas le
brindó la oportunidad de marchar a italia para estudiar con giovanni gabrieli.
allí fue en 1609, llegando a ser el discípulo predilecto de gabrieli, quien,
antes de morir, le dejó como recuerdo su anillo de oro de desposado.
regresó a alemania en 1613 y trabajó al principio en la corte de su protector,
en kassel. Éste lo “prestó” después al más poderoso gobernante de sajonia, el
elector johann georg de dresde donde recibió el nombramiento de
kapellmeister - maestro de capilla -. su trabajo consistía en componer música
para las principales ceremonias de la corte, fueran religiosas o profanas, y en
supervisar la labor musical de la corte más poderosa de la alemania
protestante.
en dresde permaneció el resto de su vida, aunque pasó algunas temporadas
fuera: venecia, copenhague y otras cortes alemanas. su vida, sin embargo, no
fue feliz. en el terreno personal perdió a su mujer después de seis años de
matrimonio y sus dos hijas murieron antes que él. en el ámbito profesional
encontró graves dificultades debido al empobrecimiento de la corte de
dresde por la guerra de los treinta años; muchos músicos fueron despedidos,
y los que quedaron no recibían paga alguna, por lo que apenas podían
malvivir e ir tirando. intentó establecerse en dinamarca, pero el elector no
accedió a sus deseos de marchar. sus condiciones de trabajo resultaban
lamentables, por lo que intentó una y otra vez retirarse, cosa que no
consiguió hasta los 70 años. en 1670 encargó a uno de sus discípulos un
motete para su propio funeral, cosa que harían posteriormente bach y mozart.
murió dos años después, en 1672.
la importancia musical de schütz se debe a haber sido el compositor de las
dos primeras óperas alemanas: dafne y orfeo, ambas perdidas hoy. compuso
también salmos, motetes, sinfonías sacras, pequeños conciertos sacros y
creó obras para las festividades religiosas mayores, como composiciones
sobre la navidad y la pasión.
dietrich buxtehude (ca. 1637-1707) es el más completo compositor de
música para teclado, órgano sobre todo. trabajó en el norte de alemania,
aunque él mismo se consideraba danés por sus ocho años de organista en
helsingor (el elsinore del hamlet de shakespeare). fue también organista de la
iglesia de santa maría, en la ciudad alemana de lübeck. allí puso de moda la
antigua costumbre de dar conciertos públicos en la iglesia, los famosos
abendmusik, “música vespertina”. cuando bach estaba en arnstadt recorría
muchas millas a pie para escuchar algunos de ellos, y en particular los de
buxtehude al órgano.
johann pachelbel (1653-1706), conocido como autor del famosísimo canon,
fue también un renombrado organista. con sus composiciones corales para
dicho instrumento ejerció una considerable influencia en la música posterior,
sobre todo en juan sebastián bach, cuya ciudad natal de eisenach visitó
pachelbel poco tiempo antes de nacer bach.

audiciones:

6. la mÚsica barroca en inglaterra.

henry purcell (1659-1695) pertenece a esa escasa estirpe de compositores


de gran talento, como mozart y schubert, que desarrollaron su arte
rápidamente y murieron muy jóvenes. con sus breves 36 años de vida sigue
siendo el más grande compositor inglés de todos los tiempos. se formó
primero como cantor de la capilla real de londres; a los 8 años compuso su
primera obra, a los 15 fue encargado de afinar el órgano de la abadía de
westminster, a los 18 fue compositor de la banda real, y a los 20 ocupó el
cargo de organista de westminster.
compuso obras de todo género, entre las que destacan su ópera dido y eneas,
antífonas sacras para los divinos oficios, música de cámara, teatral, piezas
para teclado, canciones, etc.

audiciones:

7. la mÚsica barroca en francia.


las conexiones entre francia e italia fueron muy fuertes históricamente. dos
reyes franceses habían desposado a dos damas italianas de la nobilísima
familia de los médici florentinos, llevando consigo a parís muchos artistas
italianos. esto hizo que la música italiana cautivara rápidamente el gusto
francés. precisamente fue un italiano el que llevó a cabo esta tarea: giovanni
battista lully.
jean-baptiste lully (florencia 1632-parís 1687). era hijo de un molinero
florentino; sin haber cumplido los 14 años marchó a francia para trabajar
como servidor de una dama de la corte. allí adaptó su nombre italiano al
francés, siendo conocido desde entonces como jean baptiste lully. llegó a
ser un habilidoso violinista, guitarrista, clavecinista y bailarín. y fueron sus
dotes para esta última actividad artística las que le llevaron a relacionarse
con el joven rey luis xiv. su fama se propagó rápidamente, ascendiendo de
un puesto a otro hasta llegar a ser músico de la familia real. aunque en honor
a la verdad conviene decir que lully alcanzó su alta posición debido más a su
astuta manipulación - como buen italiano - que a sus habilidades musicales.
su absolutismo musical era parejo al absolutismo político de su rey. entre sus
composiciones destacamos las escritas para ballet, motetes, Óperas, música
coral sacra, sonatas, etc.
marc-antoine charpentier (ca. 1648-1704), que estudió en italia, llevó a
francia el estilo del oratorio dramático y compuso numerosas misas, motetes
y otras obras religiosas, entre las que destaca su famosísimo te deum, uno de
cuyos movimientos ha sido elegido como sintonía musical para las
conexiones televisivas de eurovisión.
françois couperin (1668-1733). nació en parís de una familia de organistas
y clavecinistas. cuando tenía 25 años ocupó el cargo de organista real. como
compositor destacó sobre todo en creaciones para clavecín, además de
componer para órgano, música de cámara y música vocal sacra.
jean philippe rameau (1683-1764). nacido en dijon, la capital de borgoña,
comenzó de joven su carrera de organista y teórico musical, ocupando
cargos en diversas ciudades, entre ellas parís, donde adquirió fama de
pensador original y polémico. se preocupó más de las teorías musicales que
de la composición. no obstante, nos ha dejado óperas, entre las que destacan
las indias galantes y cástor y pólux; también música para teclado, de
cámara, motetes y cantatas.
tercera parte. los grandes compositores barrocos

antonio vivaldi - johann sebastian bach - georg friedrich haendel

antonio vivaldi

1.- vida. nació en venecia en 1678 y murió en viena en 1741. hijo de


giovanni battista vivaldi y de camilla galicchio. los orígenes de su familia
hay que buscarlos en brescia. entre los antecesores del músico abundaron los
marinos - de ahí que acabaran asentándose en venecia - y también los
galeotes, piratas y bandidos. toda la familia vivaldi, por parte paterna, tenía
el pelo rojo (en italiano rosso) o azafranado, por lo que se les conocía por el
apodo de los rossi (los rojos). por eso vivaldi, siendo ya sacerdote y músico
célebre, era conocido como il prete rosso = el cura rojo debido al color de su
pelo.

de su padre, consumado violinista, heredó el amor a la música. desempeñó


las tareas de maestro de capilla del famosísimo ospedale della pietà=
hospital de la piedad. era dicho hospital una institución benéfica donde se
acogía a los niños expósitos, se les educaba y se les enseñaba música como
un medio para ganarse la vida cuando fueran mayores. con estos niños
desarrolló vivaldi toda su actividad musical, ya que eran músicos
consumados hasta el punto de ser conocidos más por el instrumento que
tocaban que por su nombre propio.

toda su vida la pasó en venecia, excepción hecha de una breve estancia en


ferrara, de la que le quedó un amargo recuerdo, ya que aquí le acusaron de
dedicarse por entero a la música y olvidarse de sus obligaciones
sacerdotales, como por ejemplo el no celebrar misa. así que volvió a venecia
y allí siguió viviendo.

ganó enormes sumas de dinero con sus composiciones, pero las gastaba con
la misma facilidad con que las ganaba - obras de caridad, empresario
musical, fiestas, etc. -, llegando a verse en la pobreza más absoluta al final
de sus días venecianos.
marchó a austria en busca de fortuna a principios del año 1741 y se instaló
en viena, la capital, donde triunfó ante el emperador carlos vi. pero la
pobreza de la que no pudo o no supo salir, su crónica enfermedad de asma y
el abandono en que se vio le llevaron a la muerte. murió en viena el 28 de
julio de 1741 en medio de la más absoluta pobreza, en casa de la familia
satler, unos amigos que lo habían acogido por caridad al ver la pobreza y la
miseria en que estaba sumido.

2.- obras. la obra de vivaldi es ingente en calidad y en cantidad. compuso


cientos de obras instrumentales, siendo el concerto la más característica de
sus composiciones. las características del concerto vivaldiano son: división
en tres partes, normalmente repartidas en un inicio o allegro, seguido de un
adagio o lento, para acabar con un vivace o rápido moviento al final.

entre sus composiciones más destacadas, conviene recordar l’estro


armonico, que agrupa 12 conciertos para diversas combinaciones de
instrumentos de cuerda; la stravaganza, publicados cuatro años después de
l’estro y que contiene otros 12 conciertos para orquesta de cuerda. aunque
su obra más divulgada ha sido il cimento dell’armonia e dell’invenzione = el
cimiento o fundamento de la armonía y de la invención, donde se encuentran
los cuatro conciertos dedicados a las estaciones del año, es decir, le quattro
stagioni. en todo el conjunto de il cimento vivaldi recurre a la imitación de la
naturaleza, creando una música descriptiva inspirada en textos literarios que
le han merecido una fama inmortal. las cuatro estaciones son una
descripción de escenas de la naturaleza y de las actividades humanas en cada
una de las estaciones del año: primavera, verano, otoño e invierno que
veremos más detenidamente en las páginas siguientes.

compuso también infinidad de obras de carácter religioso: misas, corales,


cantos, etc. de esta ingente producción destacamos su magnificat - canto de
acción de gracias a dios que la virgen maría entonó cuando fue a visitar a su
prima santa isabel, la madre de san juan bautista, poco después de recibir el
anuncio de que iba a ser madre de jesús por boca del arcángel san gabriel, tal
como nos lo cuenta el evangelista san lucas -, un te deum - himno de
alabanza a dios -, una salve regina - la oración cristiana de la salve -, y su
más famoso oratorio juditha triumphans - judit triunfante, sobre la famosa
heroína bíblica judit y su triunfo sobre holofernes.

compuso también óperas, obras orquestales, música de cámara, obras


vocales y corales - misas, salmos, motetes, oratorios, etc -, que han hecho de
vivaldi uno de los músicos más prolíficos y fecundos de todos los tiempos.

audiciones:

johann sebastian bach

1.- vida. el más grande músico, junto con wolfgang amadeus mozart, de
todos los tiempos, nació en eisenach, pequeña ciudad de la región alemana
de turingia, el 21 de marzo de 1685 y fue bautizado dos días después en la
iglesia de san jorge, la histórica y famosa georgenkirche. eisenach es una
ciudad con profundas raíces y tradiciones históricas, políticas y culturales.
baste recordar, como celebración, sus torneos poéticos y musicales de la
edad media, los célebres sängerkrigen de los minnesänger = los maestros
cantores, uno de los cuales fue cantado por wagner en su tannhäuser; como
acontecimiento político, recordamos las nupcias de santa isabel de hungría,
quien, en la misma georgenkirche donde fue bautizado bach, se había
desposado en 1221 con el landgrave de turingia ludwig iv e, igualmente
como hecho político, conviene recordar la constitución como ducado
independiente de la ciudad de eisenach tras la desmembración del ducado de
weimar. la pequeña ciudad estaba dominada por un imponente castillo
medieval, alzado en la más alta de las colinas que la rodean; y muy cerca de
ella se encuentra el famosísimo castillo de wartburg, el que fue testigo de la
vida penitencial y caritativa de santa isabel de hungría y de los torneos de
tannhäuser

pero para las personas profundamente religiosas, como bach y toda su


familia, la ciudad tenía otras características más importantes: eisenach estaba
íntimamente ligada a lutero y su reforma religiosa, el luteranismo o
protestantismo. en eisenach había estudiado lutero, en la escuela de latín
anexa a la georgenkirchen, entre 1498 y 1501; en eisenach se había
refugiado en mayo de 1521 después de la gravísima ruptura de la dieta de
worms a raíz de su cuestión de la autoridad de la sagrada escritura; en
eisenach predicó lutero el 3 de mayo de 1521, violando la expresa
prohibición del emperador carlos v o carlos i de españa, con lo que se metió
en un camino sin posibilidad de retorno: el de la reforma luterana; en
eisenach, concretamente en su castillo, se dedicó lutero, entre 1521 y 1522, a
la traducción de la biblia al alemán y a la formación de los cantos de la
reforma, la nueva música religiosa, que alcanzaría su máxima perfección en
bach; finalmente, muy cerca de eisenach, en el histórico castillo de wartburg,
lutero se despojó de su hábito de religioso agustino, rompiendo así
definitivamente con la iglesia católica.

con respecto a su vida, conviene decir que bach pertenecía a la más


formidable estirpe de músicos que jamás haya existido. una familia tan
numerosa, con tantas ramificaciones y repeticiones de nombres, hasta el
punto de que los especialistas han tenido que dar un número correlativo a
sus miembros para poder aclararse en esta intrincada red.

fue el octavo hijo del matrimonio formado por johann ambrosius bach y
maría elisabeth lämmerhirt. nació el 21 de marzo de 1685 en el actual
número 5 de la calle luthergasse. en casa de los bach se respiraba una
profunda fe religiosa, una piedad intensa y un gran amor por la música. poco
antes de nacer johann sebastian, su ciudad natal había vivido una experiencia
que dejó profunda huella en el ambiente musical de la ciudad y que influiría
grandemente en nuestro músico: eisenach había hospedado a johann
pachelbel (1635-1706), el autor del famosísimo canon.

bach fue inscrito en la lateinschule = escuela de latín, en la que estudiaban


niños cuyos padres deseaban para ellos una formación superior; los demás
iban a la deutschschule = escuela de alemán. el director de la escuela de
latín era el kantor de la georgenkirche, que por aquellos años era andreas
christian dedekind. entre las obligaciones de los alumnos estaba la de cantar
en las funciones litúrgicas de los domingos y fiestas en dicha iglesia. aparte,
claro está, del horario de estudios, que era muy dilatado.

del párrafo anterior se deduce que bach tuvo una doble formación musical:
en la escuela, bajo la dirección del kantor y, en casa, con las enseñanzas de
su padre joahnn ambrosius y de su tío johann christoph. de su padre aprendió
el arte del violín, en el que muy pronto sobresaldría; de su tío aprendió a
tocar y amar el órgano, a conocer y apreciar la música de frescobaldi y sobre
todo la de pachelbel.

cuando bach acababa de cumplir los nueve años murió su madre. de los ocho
hermanos que fueron ya habían muerto cuatro, ya que la mortalidad infantil
era entonces cosa harto frecuente; el mayor de los vivos, johann christoph
estaba ya colocado; los tres restantes - maría salomé, johann jacob y johann
sebastian - vivían en la casa paterna. ante la necesidad de dar una madre a
los dos pequeños, johann ambrosius optó por contraer nuevo matrimonio
seis meses después de quedar viudo. y lo hizo con bárbara margaretha keul,
viuda y con una hija, christiana maría, de nueve años. pero a los tres meses
de la celebración de este matrimonio, el 20 de febrero de 1695, murió el
padre de los bach, johann ambrosius, dejando a la familia en una situación
crítica. pero el hermano mayor de los bach, johann christoph, que había sido
alumno de pachelbel en erfurt y ahora era organista de la michaeliskirche =
iglesia de san miguel de ohrdruf, se hizo cargo de los dos hermanos menores
y se convirtió en un segundo padre para johann sebastian. allí permaneció
hasta que acabó sus estudios en 1700 - equivalentes a nuestro bachillerato -,
aprendiendo de su hermano los secretos del órgano y cantando en el coro de
la iglesia.

luneburgo.- marchó después a luneburgo - lüneburg - a perfeccionar sus


conocimientos de órgano, dando origen a sus primeras composiciones para
órgano: corales sobre todo. aquí obtuvo un puesto como violinista ocasional
en la corte de los duques de lüneburg, familiarizándose con el estilo francés
de las suites, ouvertures, etc., y en el que luego escribiría sus magistrales
composiciones de köthen.

weimar.- pasó posteriormente a lo que sería su primera etapa en weimar,


donde trabajó como violinista en la corte del duque de weimar, pero su
vocación no era la de ser un simple violinista, por lo que pronto abandonó la
corte y marchó a arnstadt en busca de una plaza de organista en la neukirche
= iglesia nueva.

arnstadt.- en este oficio lo encontramos en 1703 y aquí duró hasta 1706, en


el que unos problemas burocráticos con el ayuntamiento de la ciudad le
obligaron a abandonarla.

mÜhlhausen.- pasó posteriormente - en 1706 - a mühlhausen, como


organista de la parroquia de san blas, una de las dos iglesias que había en la
ciudad. la otra era la marienkirche = iglesia de la virgen maría. aquí
encontró trabajo, un sueldo altísimo para lo que se ganaba en su tiempo y,
sobre todo, el amor de su prima maría bárbara, con la que contrajo
matrimonio en 1707. la felicidad de su hogar se vino abajo por una disputa
entre los dos pastores de ambas iglesias, disputa que dividió a la población,
y que hizo que bach tuviera que abandonar su cargo y la ciudad al tomar
partido por el pastor de la marienkirche, rival de su superior de san blas.
weimar (2ª etapa). en 1708 marcha de nuevo desde mühlhausen a weimar,
donde el duque wilhelm ernst - guillermo ernesto - le ofreció el doble cargo
de hoforganist = maestro de Órgano y kammermusicus = director de la
música de cámara o maestro de la orquesta de cámara de palacio. empieza
así su segunda etapa de weimar. aquí permanecería hasta 1717, aquí le
nacieron sus cinco primeros hijos - de los veinte que tuvo en sus dos
matrimonios - y aquí vieron la luz sus primeras cantatas, obras que seguiría
componiendo a lo largo de su vida.

las dificultades que surgieron entre la profunda fe luterana de bach y el


pietismo extravagante del duque hicieron que bach, sin consultar con el
duque, se buscara otro lugar donde desempeñar su trabajo musical. al
enterarse el duque de que quería macharse, le negó el permiso de salida de
sus territorios y lo metió en la cárcel. la prisión duró cuatro semanas hasta
que, con ánimo enojado, el duque le concedió licencia para marcharse, cosa
que hizo en el año de 1717.

kÖthen.- en köthen, bach y su familia percibían un sueldo muy superior al


de weimar, lo que les sirvió para llevar una vida casi principesca al no
faltarles de nada. tenía casa, buen sueldo, el trabajo que le gustaba, etc., ¿qué
más podía pedir? aquí pasó bach una de las etapas más felices de su
existencia, hasta el punto de querer vivir en köthen el resto de sus días.
también aquí se encontró con un príncipe, leopoldo, y una corte amantes de
la música profana, pero enemigos de cualquier clase de música sagrada. ¿por
qué motivos? la corte de köthen había abrazado la fe calvinista, aunque el
pueblo seguía siendo luterano. la fe calvinista prohibía los cantos y la
música en las celebraciones sagradas. así que bach se encontró con una tarea
hasta ahora desconocida para él: la de componer e interpretar música
profana, dejando de lado la música religiosa. esta sería la causa principal de
que, tras unos años felicísimos en köthen, bach comenzara a sentirse
insatisfecho, ya que por su profunda religiosidad, por su formación musical
y quizá por su mismo temperamento, era, y se sentía, músico de iglesia y
organista por encima de todo. no obstante, aquí brotaron algunas de sus
mejores obras profanas, entre ellas sus seis conciertos de brandeburgo,
música de cámara para instrumentos solistas, sonatas varias, conciertos
para violín, las dos suites instrumentales: suite francesa y suite inglesa y,
sobre todo, su música para clave, destacando, en este apartado, las tres
grandes colecciones didácticas, de las cuales señalamos el clave bien
temperado y el pequeño libro para ana magdalena bach. ¿quién era esta
ana magdalena?
ana magdalena bach.- fue su segunda esposa, ya que el 7 de julio de 1720
había fallecido su prima y primera esposa maría bárbara, de la que tuvo siete
hijos. al morir maría bárbara, bach se quedó con cuatro niños pequeños: la
mayor tenía 12 años y el más pequeño no llegaba a los 5. por eso, a pesar del
dolor por el tránsito de su primera esposa, pensó en buscar una nueva
‘madre’ para sus hijos y un apoyo para él mismo en la vida. johann sebastian
y ana magdalena se prometieron en septiembre de 1721, contrayendo
matrimonio unos meses después, el 3 de diciembre del mismo año, en la
casa que bach tenía en köthen con el fin de evitar conflictos entre las dos
iglesias de la ciudad, la luterana y la calvinista.

como dijimos anteriormente, bach echaba de menos en köthen la música


religiosa, a pesar de las ventajas materiales que le ofrecía la corte. la ocasión
de encontrar un lugar propicio para su vocación de organista y compositor
religioso se le presentó bach al quedar vacante el puesto de kantor de la
iglesia de santo tomás de leipzig - la thomaskirche -, por la muerte de su
titular johann kuhnau. el ayuntamiento de la ciudad sacó a concurso la plaza
vacante. a esta convocatoria se presentaron siete aspirantes, entre ellos
telemann, quien fue el elegido. pero telemann renunció a la plaza. esto
obligó a las autoridades de leipzig a hacer una nueva convocatoria en la que,
con algún que otro problema y ciertas dificultades, la plaza fue otorgada a
bach.

la iglesia de santo tomÁs (thomaskirche) de leipzig.- el 5 de mayo de


1723 se le comunica a bach el nombramiento como kantor de la iglesia de
santo tomás de leipzig, tomando posesión el 15 del mismo mes. la iglesia,
del siglo xiii, formaba parte del antiguo convento de los padres agustinos. a
raíz de la reforma luterana, el ayuntamiento de la ciudad se incautó del
convento, de la iglesia y demás edificios anejos, entre ellos una escuela
privada regida por los agustinos, la famosísima thomasschule. lo mismo
pasó con la iglesia de san nicolás. ambas iglesias, la de santo tomás y la de
san nicolás, eran las más importantes de leipzig en la época de bach.
las obligaciones de bach como kantor eran de dos tipos: enseñar a los
alumnos de la thomasschule y componer y dirigir la música en las iglesias de
santo tomás y san nicolás. el sueldo era muy superior al de köthen, aunque
en la práctica parecía menor, ya que la vida en una gran ciudad como leipzig
era mucho más cara que en la pequeña köthen. sin embargo, bach contaba
con otras entradas de dinero por la asistencia a bautizos, bodas, funerales,
música en la universidad, colectas para la escuela, etc. además, poseía casa
gratis. de aquí que no sólo viviera desahogadamente a pesar de su
numerosísima familia - había tenido trece hijos más de su matrimonio con
ana magdalena, aunque de los veinte nacidos sólo sobrevivieron doce -, sino
que, a su muerte, dejó a sus hijos una herencia bastante copiosa.
debido a su edad avanzada, tuvo algunos problemas con los niños de la
thomasschule, a los que tenía que enseñar música, latín y el catecismo. los
alumnos, bastante desinteresados en aprender dichas materias, le apodaban
“la vieja peluca” o simplemente “el peluca”, lo que provocaba la irritación y
la desesperación en el maestro. pero por encima de todo estaban las alegrías
que bach encontraba en su propia casa, con su familia, en la composición y
dirección musical para la iglesia de santo tomás. eran numerosísimos los
músicos que iban a visitarle, para quienes las puertas de su casa estaban
siempre abiertas y la mesa preparada. de todas las cortes solicitaban su
presencia. el rey de polonia lo nombró compositor de corte. el embajador
ruso, kayserling, le pidió una composición para combatir el insomnio de su
protegido teófilo goldberg, naciendo así las famosísimas variaciones
goldberg. federico el grande de prusia lo invitó a berlín, donde fue objeto de
los más grandes honores. en suma, estaba en la cúspide de su fama. todos
querían escuchar a bach, tenerlo a su vera, invitarlo a inspeccionar o
inaugurar órganos: ciudades, nobles, príncipes, reyes, etc. bach no sólo
vivió en leipzig la mitad de su vida creadora, sino que allí produjo lo mejor
de su obra. a esta etapa pertenecen obras claves como las dos pasiones: la
pasión según san juan y la pasión según san mateo; también el magnificat,
el oratorio de navidad, la misa en si menor, el concerto italiano, las ya
nombradas variaciones goldberg, además de obras para órgano, entre las
que se encuentran las conocidísimas tocatas y fugas, destacando por su
celebridad la tocata y fuga en re menor.

decadencia y muerte.- sin embargo, tanta felicidad se vio turbada por una
enfermedad progresiva de la vista que le llevaron a la ceguera total.
creyendo que podía curarse de la misma - parece que se trataba de unas
cataratas muy avanzadas - se puso en manos del famoso cirujano inglés jhon
taylor, de quien se contaban maravillas y que pasaba una temporada en
leipzig. al quitarse las vendas unos días después de la operación,
desgraciadamente veía menos que antes. taylor dijo que se imponía una
segunda operación, que el músico soportó con paciencia ejemplar. el
resultado fue peor todavía: quedó ciego. además, lo trataron con medicinas
de efectos muy dolorosos y con sangrías que debilitaron su hasta entonces
robusta salud. aunque todo ello lo vivió como lo que fue: un profundo
creyente, un hombre de grandísima fe y un santo varón. bach nunca temió a
la muerte, ya que la veía como el momento de reunirse con el señor. por ello
vivió las últimas semanas de su vida con plena lucidez y una gran paz
interior. su esposa ana magdalena nos ha narrado con detalle los últimos
momentos de la vida de bach. pocos días antes de morir, llamó
repentinamente a su yerno christoph altkinol y le pidió que escribiera una
música que quería dictarle. se trataba del coral para órgano ante tu trono me
presento, un coral que bach había trabajado en varias ocasiones y que, en
estos instantes supremos, adquirió un valor excepcional y muy significativo.

pero dejemos hablar a su esposa y oigamos lo que ella misma nos cuenta con
todo detalle:
“… al cabo de un rato oí su voz apagada que me llamaba: ‘¡magdalena,
querida, acércate!’. al oír el tono tembloroso de su voz me volví como si me
hubiera atravesado una flecha. christoph (altkinol) había salido y me
precipité sobre su lecho. con los ojos muy abiertos miraba hacia mí ¡y me
veía! ¡sus ojos, apagados por el esfuerzo y el dolor, se habían vuelto a abrir y
tenían un brillo doloroso!. fue el último regalo que le hizo dios: devolverle la
vista poco antes de su fin. volvió a ver el sol, vio a sus hijos y me vio a mí y
al nietecito que le tenía lieschen y que llevaba su nombre. yo le acerqué una
magnífica rosa roja y su mirada se posó en el brillante color: ‘¡magnífica! -
dijo -; donde ahora voy veré colores más hermosos y oiré la música que
hasta ahora sólo hemos podido soñar. ¡y mis ojos verán al mismísimo
señor!’.
“estaba inmóvil, tenía mi mano en la suya y parecía estar viendo la imagen
con que había soñado toda su vida, la del altísimo, al que había servido con
su música.
“pero cada vez se veía más claro que se acercaba su fin. ‘¡tocad un poco de
música!’, dijo, mientras nos arrodillábamos junto a su lecho. ‘cantadme una
hermosa canción sobre la muerte, que ha llegado mi hora’. yo vacilé un
instante, no sabiendo qué música escoger para aquellos oídos que pronto
oirían la música celeste. pero dios me inspiró y empecé a cantar el coral
todos los hombres tienen que morir, para el cual había escrito él un preludio
en mi cuadernito de órgano. los demás me siguieron y cantamos a cuatro
voces. mientras cantábamos se esparció una expresión de paz por el rostro de
sebastian. parecía que se había alejado de las miserias de este mundo.
“un martes por la tarde, a las ocho y cuarto del 28 de julio de 1750, falleció.
tenía sesenta y cinco años. el viernes por la mañana lo enterramos en el
cementerio de san juan de leipzig. desde el púlpito, el pastor pronunció estas
palabras: ‘ se ha dormido dulcemente en el señor el muy inteligente y muy
honorable johann sebastian bach, compositor de su majestad el rey de
polonia y del príncipe elector de sajonia, maestro de capilla del príncipe de
köthen y kantor de la escuela e iglesia de santo tomás de leipzig. siguiendo
la costumbre cristiana, ha sido enterrado su inanimado cuerpo’.
“pero, con mucha más intensidad que las palabras del pastor, oía en mi
corazón el coral que sebastian había escrito en su lecho de muerte: ante tu
trono me presento”.

de esta manera aconteció el tránsito a la casa de dios de una de las cumbres


mayores, si no la mayor, de la historia de la música; de uno de los creyentes
más grandes por su fe cristiana; de un músico que puso como lema de todas
sus composiciones ‘sólo al dios altísimo la gloria; al prójimo para que
pueda instruirse con él’; de un hombre santo y bueno al que se le conoce
con el nombre de johann sebastian bach.

audiciones:

georg friedrich haendel

vida.- georg friedrich haendel (o händel) nació en la ciudad sajona de halle


en 1685, el mismo año en que nacieron j. s. bach y el italiano domenico
scarlatti, con quien le unió una larga y fructífera amistad. su familia era
acomodada aunque carente de la tradición musical que hemos visto en la
familia bach.
los pocos datos que tenemos de su infancia nos muestran a un niño
obstinado en aprender el arte de la música a pesar de la oposición paterna. su
padre, georg haendel, de profesión barbero-cirujano, casó en segundas
nupcias con dorothea taust, veintiocho años más joven que él. de esta unión
nacieron tres hijos: el músico haendel y dos hijas. la fe luterana que se
profesaba en el hogar de los haendel, el conocimiento de la biblia y el
respeto por las tradiciones, crearon un clima acogedor y familiar - que nos
atreveríamos a llamar burgués - en el que creció g. f. haendel, rodeado del
cariño de un padre ya anciano y de una madre por la que sintió toda su vida
un gran respeto.
en una visita que el padre hizo al duque de sajonia, este oyó tocar al hijo y le
recomendó al padre que no desperdiciara sus cualidades musicales. al
regresar a casa, haendel asistió a las lecciones que impartía el organista de la
marienkirche, aunque el padre confiaba en que más adelante su hijo se
interesaría más por la carrera de leyes - derecho, diríamos hoy - y las
ventajas halagüeñas que conllevaba que no por ser organista en una iglesia
cualquiera.
a los 11 años, con ocasión de un viaje a berlín para conocer la corte de
federico iii, se ganó hasta tal punto el aplauso y la admiración de todos por
su dominio del teclado, que el rey rogó a su padre que lo dejara bajo su
protección para proporcionarle una formación musical adecuada. el padre se
opuso, contrariando profundamente a su hijo, y regresaron de nuevo a halle.
poco después murió el padre. acabadas su formación humanística y musical
en halle, se trasladó a hamburgo, centro operístico de la alemania barroca. en
esta ciudad entabló una fructífera amistad con johann mattheson, quien lo
introdujo en los círculos culturales de la ciudad. esta amistad juvenil llevó a
ambos a lübeck, en la que el anciano maestro dietrich buxtehude iba a dejar
su puesto de organista en la marienkirche y buscaba un sustituto que
reuniera dos condiciones: a) que fuera un experto en el arte del órgano y b)
que estuviera dispuesto a casarse con su ya no joven hija. al enterarse de las
condiciones, ambos pusieron pies en polvorosa. vuelto a hamburgo, ingresó
como músico en la Ópera, lo que le daría un conocimiento directo y
excepcional de este arte. escribió su primera ópera, almira, y una pasión
según san juan, acogidas con bastante éxito. pero la quiebra del empresario
del teatro de la Ópera hamburguesa le dio la oportunidad para aceptar la
invitación de gastón de médicis, hermano del gran duque de toscana, para
viajar con él a italia.

viaje a italia.- llegó a florencia en 1706 y se sintió decepcionado al ver la


indiferencia musical de los florentinos, a pesar de tener en la corte a un
músico como alessandro scarlatti, padre del que sería después su gran amigo
domenico scarlatti. en 1707 se marchó a roma y se dedicó al estudio de los
compositores italianos de moda: benedetto marcello, giacomo carissimi y los
dos gabrielli, andrea y giovanni. entró en los círculos musicales romanos. el
cardenal colonna le encargó algunas obras en honor de la virgen y el
cardenal ottoboni, que se había rodeado de músicos de la talla de domenico
scarlatti y arcangelo corelli, lo acogió en sus veladas musicales de los
miércoles, para las que compuso algunas obras. pero sintiendo la necesidad
de escribir obras de mayor envergadura se trasladó de nuevo a florencia. en
1708 marchó a nápoles con su amigo domenico scarlatti, donde fue acogido
con grandes honores. aquí escribió su ópera bufa agrippina que sería
estrenada en el teatro de san juan crisóstomo de venecia en 1709 y que le
valió el reconocimiento internacional.
vuelta a alemania.- cuando todo parecía indicar que haendel permanecería
para siempre en la ciudad de los canales, recibió la tentadora oferta de
ocupar la plaza de maestro de capilla de la corte de hannover, abandonando
italia en dirección a alemania (hannover) en 1710. la estancia en italia, a
donde volvería nueve años más tarde en busca de cantantes para sus óperas,
fue de gran importancia en el aprendizaje musical del caro sassone = el
querido sajón o alemán. como muy bien se dice, haendel ya no compondría
jamás como lo había hecho antes de ese viaje.

primer viaje a londres.- en el contrato que firmó con la corte de hannover


introdujo una cláusula que le permitía disfrutar de un permiso de 12 meses.
¿tuvo la intuición de lo que le iba a suceder? no lo sabemos. lo que sí
sabemos es que, pocos meses más tarde de la firma del contrato, a finales de
1710, haendel marchó para londres, ciudad abierta a las corrientes musicales
que llegaban de italia y con una frenética actividad musical propia del furor
que caracteriza a los nuevos ricos.
precedido de una gran fama que había llegado incluso a los oídos de la reina
ana, estrenó, a las pocas semanas de su llegada, en febrero de 1711, su ópera
rinaldo en el king’s theatre. el éxito de la representación lo catapultó a la
fama definitiva y le granjeó el aprecio de la ciudad que pronto sería la suya
para el resto de sus días.

vuelta a hannover .-volvió a hannover a cumplir con los deberes de su


oficio. pero ante la imposibilidad de representar su rinaldo a causa de la
inactividad del teatro local, y debido a la atracción cada día más fuerte que
sentía por londres, en 1712 pidió de nuevo licencia para trasladarse a la
capital británica, donde se instaló definitivamente para el resto de sus días.

londres para siempre.- apenas vuelto a londres, se firmó la paz de utrecht


(1713) dando así fin a la guerra de sucesión a la corona española que había
enfrentado desde los primeros años del siglo a franceses y españoles contra
ingleses, prusianos, austriacos y portugueses. con este motivo, la reina ana
encargó a haendel, pese a su condición de extranjero, una composición para
conmemorar la firma de dicha paz de utrecht. haendel compuso el te deum
‘utrecht’ y el jubilate ‘utrecht’, cantados el 7 de julio de 1713 en la catedral
de san pablo de londres. estas composiciones fueron el primer gran éxito
cortesano que confirmaron la categoría musical de haendel.
pero un acontecimiento inesperado vino a oscurecer la recién adquirida
fama: la repentina muerte de la reina ana en 1714 hizo que subiera al trono
de inglaterra el príncipe alemán georg ludwig de hannover, al que haendel
había dejado plantado con su marcha a londres. este subió al trono con el
nombre de jorge i. los primeros encuentros entre el nuevo rey y el músico no
fueron muy agradables. pero la ocasión de restablecer la paz entre el
monarca y el compositor se presentó en el año de 1717. el rey quiso dar una
fiesta sobre el río támesis con motivo de su aniversario. pidió a haendel que
compusiera la música. así nació la water music = música acuática. haendel
ocupó un barco de la city company, acompañado de 50 instrumentistas. en
otros iban el rey jorge i y los invitados. la música amenizó la fiesta tanto a la
ida como a la vuelta. y fue tal éxito alcanzado, que hubo de ser repetida
varias veces a requerimiento del rey. treinta años más tarde, a petición del
sucesor, el rey jorge ii, haendel volvería a escribir otra composición con
motivo de firmarse la paz de aquisgrán (1749) que daba por finalizada la
guerra de sucesión a la corona austriaca. y aunque inglaterra no salió bien
librada de la situación, se quiso celebrar adecuadamente la firma de la paz.
para ello se preparó un castillo de fuegos artificiales al aire libre con una
música apropiada para la ocasión. así nació la fireworks music = música
para los reales fuegos artificiales, obra que se hizo tan popular como la
water music. baste recordar que antes del estreno oficial se efectuó un
ensayo general de la orquesta en los jardines de vauxhall que convocó a unos
12.000 espectadores. ambas son dos de las piezas más celebradas del
compositor alemán.
en 1719 haendel ocupó el cargo de director de la royal academy of music,
sociedad creada para ofrecer representaciones operísticas en el king’s
theatre. los éxitos alcanzados lo consagraron como el músico más grande de
inglaterra. sin embargo, una pelea en el escenario entre las sopranos italianas
francesca la parmigiana y faustina bordoni, quienes llegaron a las manos
ante la atónita mirada del público y del mismísimo príncipe de gales,
hicieron tambalearse los cimientos de la royal academy que quedó herida de
muerte hasta 1728 en que fue disuelta.
ante esta situación, haendel se retiró de la escena para recuperar fuerzas y
reconsiderar la situación. con johann jakob heidegger marchó a italia en
busca de voces para la ópera. en italia fue acogido con entusiasmo por todos
los círculos musicales, sabedores de sus éxitos londinenses. después marchó
a su halle natal para visitar a su madre, que, ciega como después lo sería su
hijo, estaba viviendo sus últimos días.
tras diversos desengaños en londres que le hicieron abandonar la ópera,
haendel marchó en 1741 a irlanda, donde, en abril de 1742 y en el new
music hall de dublín, estrenó el mesías, su oratorio más célebre y que se
ofreció como concierto benéfico a favor de presos y enfermos de diversos
hospitales. como ya vimos en vivaldi, encontramos de nuevo aquí la relación
entre la música y los asilos y hospitales, que tan fecunda ha sido a lo largo
de la historia.
en londres tuvo dificultades para estrenarlo con su título original, por lo que
tuvo que cambiarlo por el de sacred drama. pero fue tal el entusiasmo que
suscitó que, al iniciarse los primeros compases del aleluya, el rey y toda la
corte se pusieron de pie para escucharlo. desde entonces es de obligado
cumplimiento en inglaterra escuchar de pie el aleluya. la audición de el
mesías impresionó hasta tal punto a joseph haydn en su viaje a londres que
le inspiró sus dos grandes oratorios, la creación y las estaciones, como
veremos más adelante.
enfermo de los ojos, su ceguera había ido progresando lamentablemente, a
pesar de la constante atención de los mejores especialistas ingleses. poco
después de 1751 quedaría definitivamente ciego, desgracia que también
afectó los últimos momentos de johann sebastian bach. en 1759 asistió a una
audición de el mesías en el covent garden y poco después, concretamente el
14 de abril de 1759, moría a la edad de 74 años.
obras.- aparte las señaladas anteriormente en su biografía, la obra de haendel
es ingente en calidad y cantidad. compuso infinidad de óperas, basadas en
acontecimientos históricos para expresar las pasiones humanas a través de
figuras legendarias o mitológicas; costumbre que arranca del orfeo de
monteverdi. entre las óperas más conocidas citamos: rinaldo, con un
argumento basado en las cruzadas; il pastor fido, de contenido pastoril;
giulio cesare in egitto, sobre la historia romana y las relaciones entre césar y
cleopatra; serse (o jerjes, en español), sobre el poderío persa en tiempos de
ciro. a serse pertenece el famosísimo largo o larghetto, un aria de la primera
escena del primer acto, una bella melodía hecha de lentos ascensos y
descensos en escala y que comienza con las palabras de ombra mai fu.
compuso también una serie de obras corales conocidas como anthems e
inspiradas en los salmos bíblicos, otras obras corales para orquesta y voces,
como el te deum ‘utrecht’, ya señalado anteriormente, la oda para el día de
santa cecilia, etc., música instrumental, obras para clave, de las que
destacamos el passaccaglia o pasacalles en castellano, obras de cámara,
composiciones para orquesta, entre las que destacan sus famosos concerti
grossi, especialmente los doce concerti grossi del opus 6 que son los que
hoy gozan de un mayor prestigio entre el público por ser un resumen de los
valores del compositor de halle; oratorios, entre los que enumeramos israel
en egipto (sobre la venta de josé por sus hermanos y su llegada a egipto
hasta alcanzar la cima de su poder con el cargo de administrador del faraón,
tal como la cuenta el libro del génesis), saúl (sobre este personaje bíblico y
sus luchas con el rey david) y el ya comentado el mesías. para órgano
compuso también unos conocidísimos conciertos para órgano y orquesta,
ejecutados en los entreactos de las representaciones de ópera o de los
oratorios, y que son una delicia de música para cualquier oyente por la
variedad de temas, sencillez de melodía, riqueza expresiva y el permanente
diálogo entre el órgano y la orquesta, etc., etc. en resumen, haendel, como
bach y vivaldi, forma parte de esa tríada sagrada que fundamentó la música
del barroco y sentó las bases para una posterior evolución en los siglos
venideros, siglos que dieron figuras como haydn, mozart, beethoven, que no
hubieran llegado a ser lo que fueron sin tener a sus espaldas el legado
musical de estos tres compositores barrocos.

audiciones:

cuarta parte: el clasicismo


se entiende por clasicismo el periodo que va desde la primera mitad del
siglo xviii (1750) hasta la primera treintena del siglo xix (1830). en este
tiempo se sientan las bases de lo que se conocería después como siglo de las
luces, ilustración, siècle des lumieres, aufklärung, secolo dei lumi, etc.

la música deja poco a poco de ser propiedad exclusiva de la iglesia y de los


mecenas, es decir, va perdiendo su orientación sagrada o religiosa, y va
disminuyendo paulatinamente la protección de los príncipes sobre los
compositores. se vuelve cosmopolita, a saber, se populariza gracias al
nacimiento de lo que hoy llamaríamos público. hasta ahora se había
ejecutado en lugares muy restringidos: capillas, iglesias, catedrales, palacios,
etc. con el clasicismo la música se populariza: se dan conciertos públicos
en parís, leipzig - los famosísimos conciertos de la gewandhaus - , viena,
berlín, etc.; florecen las sociedades musicales, se inauguran salas de
conciertos, como la inaugurada en dublín en 1742 - el new music hall - y
donde haendel estrenó el mesías (cfr. página 24), etc. la música se hace más
simple y sencilla, dejando de lado los arabescos y complicaciones propias
del barroco. en suma, la música del clasicismo es una música más popular,
sencilla, inteligible y placentera para todos; el término que mejor le conviene
es el de música galante: exquisita, uniforme, fácil, civilizada y elegante. son
numerosos los músicos que representan esta nueva tendencia. nosotros, sin
olvidarnos de quienes son considerados como el puente o la transición desde
el barroco al clasicismo, nos detendremos en las dos figuras más
representativas de este periodo: franz joseph haydn y wolfgang amadeus
mozart.

sin embargo, no conviene olvidarse de que el puente o la transición entre el


barroco y el clasicismo lo realizaron varios compositores, entre los que
destacan, por encima de todos, los cuatro hijos de johann sebastian bach.
Éstos son:

8. wilhelm friedemann bach (1710-1784). fue el mayor de todos y fue un


virtuoso de los instrumentos de teclado. sobresalió en la música de clave,
en la música de órgano y en la creación de la sinfonía. su padre le dedicó
el pequeño libro para órgano y el pequeño libro de clave. fue uno de los
primeros compositores que intentó vivir como artista independiente y
vendió directamente a los editores sus partituras musicales. algunos de
sus motivos musicales los emplearía después mozart en su requiem.
9. carl philipp emanuel bach (1714-1788). fue llamado el bach de
hamburgo por haber desarrollado toda su tarea musical en la ciudad
hanseática. en efecto, en la ciudad báltica sucedió a teleman - que era su
padrino - como kantor y director de música de las principales iglesias de
hamburgo, ciudad a la que dedicó muchas energías para organizar
conciertos públicos. cuando el príncipe heredero de prusia fue coronado
emperador con el nombre de federico ii, lo llevó consigo y lo nombró
kapellmeister, maestro de capilla, de la corte imperial.
10. johann christoph friedrich bach (1735-1782). llamado el bach de
bückeburg, ha sido inexplicablemente olvidado, a pesar de tener un arte
profundo y equilibrado y de que sus numerosas sinfonías son de una
notable perfección formal. a diferencia de sus hermanos, fue un músico
tradicional y de inspiración popular. su obra más destacada es el oratorio
la infancia de jesús (die kindheit jesu).
11. johann christian bach (1735-1782). es el más joven de los hijos de
johann sebastian bach. fue conocido como el bach de milán y también
como el bach de londres. al morir su padre él tenía quince años y
completó sus estudios musicales con su hermano carl philipp emanuel
(el que aparece en el número 2 de este apartado). a los 19 años marchó a
italia. allí entabló amistad con el célebre compositor franciscano el
padre martini, de quien fue su alumno en bolonia. el padre martini,
aparte de las enseñanzas musicales, lo instruyó también en las verdades
de la fe católica - ¡no olvidemos que toda la familia bach era de fe
protestante! - y se bautizó como católico en la iglesia de san francisco de
bolonia. fue director de un conservatorio musical en milán, de donde
proviene el apelativo de el bach de milán.
pasó después a londres, donde fue nombrado maestro de música de la
reina de inglaterra, puesto vacante tras la muerte de haendel. fue maestro
directo de mozart durante la estancia de éste en londres. se le considera el
representante más significativo del estilo musical galante. fundó también
una de las primeras organizaciones de conciertos públicos, que divulgó
sus composiciones. esta estancia le granjeó el sobrenombre de el bach de
londres.

franz joseph haydn (1732-1809)

nació el 31 de marzo de 1732 en rohrau, pequeño pueblo situado en una


región pantanosa fronteriza entre austria y hungría. fue el segundo hijo de
una familia de doce hermanos - de los que sólo sobrevivieron seis, tres de
ellos dedicados a la música: franz joseph, nuestro músico, johann michael y
johann evangelist -, más su padre matthias haydn y su madre anne marie
koller.

su padre, a pesar de no tener nociones musicales, tocaba el arpa y el pequeño


joseph le solía acompañar cantando. viendo la hermosa voz de su hijo, sus
padres pensaron que ésta podría servirle para valerse en la vida. por este
motivo lo confiaron a su tío matthias franck que vivía en la cercana ciudad
de hainburg. a la edad de 6 años joseph haydn dejó rohrau donde ya no
volvería a vivir jamás.

en hainburg aprendió a leer, escribir, recitar el catecismo, cantar y tocar casi


todos los instrumentos de viento, cuerda y percusión. pero a los dos años de
su estancia en hainburg sucedió un acontecimiento que le cambiaría su vida
para siempre: karl georg reuter, maestro de capilla de la catedral de san
esteban de viena, se detuvo en hainburg con ocasión de una gira en busca de
nuevas voces para el coro de la catedral. allí conoció las cualidades del
infante joseph haydn y se lo llevó con él a viena.

haydn en viena.

a la capital del imperio austro-húngaro llegó con 8 años y allí residió los
veinte siguientes, entrando así a formar parte del selectísimo grupo de los
niños cantores de viena. fueron unos años felices en todos los sentidos, de
vida en la corte imperial, de agasajos y honores; su hermano michael se unió
a él unos años después para formar parte de dicho coro de niños cantores de
san esteban de viena... pero una desgracia natural torció el rumbo de los
acontecimientos: al llegar a la pubertad, con 15 años recién cumplidos, se le
cambió la voz... y haydn fue despedido del coro en una húmeda tarde de
noviembre de 1749, vagando solo y sin dinero por las calles de viena.

haydn expulsado de los “pueri cantores”.

nunca pensó en volver a rohrau, su villa natal; pero, en su inconsciencia


juvenil, sí pensó en hacer un disparate que le devolviera a su antigua
condición de cantor. el disparate fue que se quiso castrar, cosa corriente en
su época, ya que los castrati gozaban de privilegios en los mejores coros y
cortes de la época. avisado su padre de los deseos del niño, acudió a viena,
lo llevó con él a rohrau y lo encerró en una buhardilla de la casa hasta que se
le quitara aquella tentación. durante su forzado encierro haydn se dedicó a
estudiar partituras, a tocar en un viejo clavicordio las obras de carl philipp
emanuel bach, uno de los muchos hijos de johann sebastian bach, y a
componer música. este intento de disparate hizo que se perdiera un cantor,
pero, a la vez, que se descubriera uno de los más grandes compositores de
todos los tiempos.

vuelta a viena.

volvió a viena en busca de la gloria, encontrando alojamiento en casa de un


peluquero llamado johann peter keller, de cuya hija menor, therese, se
enamoró. desgraciadamente para haydn, therese entró en una orden religiosa.
luego encontró empleo como kapellmeister - maestro de capilla - del conde
morzin, para quien compuso sus primeras sinfonías. en el contrato que éste
le hizo una de las cláusulas decía que no podía casarse. pero haydn, que no
sentía ninguna atracción ni por la vida religiosa ni tampoco por la soltería, se
enamoró de maria anna, hermana de therese, su novia anterior. la boda tuvo
lugar en la catedral de san esteban de viena, el 26 de noviembre de 1760. el
conde morzin montó en cólera y reaccionó intempestivamente despidiéndolo
de su trabajo.

al servicio de la casa esterházy.

haydn no tardó en encontrar trabajo: el príncipe paul anton esterházy le


ofreció, el 1 de mayo de 1761, el cargo de kappellmeister - maestro de
capilla - de su corte, quedando así unido a la familia esterházy para el resto
de sus días. la residencia principal de la familia era el palacio de eisenstadt
(kismarton, en húngaro), situada a 50 kms. al suroeste de viena. allí se
estableció haydn y allí escribió para el príncipe tres sinfonías - la nº 6 (le
matin), la nº 7 (le midi) y la nº 8 (le soir) -. la muerte prematura de paul
anton esterházy, en marzo de 1762, hizo que le sucediera su hermano
nikolaus esterházy, quien hizo su entrada solemne en eisenstadt el 17 de
mayo de 1762. las ceremonias organizadas para tal ocasión permitieron a
haydn apreciar y saborear el fasto, el lujo, los banquetes y los festejos a los
que tan dada era esta familia, considerada la más rica del imperio austro-
húngaro.

haydn en esterháza.

al príncipe nikolaus esterházy se le quedó pequeño el palacio de eisenstadt y


mandó construir otro nuevo y más grande, con una gran cascada frente al
edificio central, 1076 habitaciones, una sala de ópera con capacidad para 400
plazas, un teatro de marionetas en forma de gruta, un biblioteca, una
pinacoteca, salones de bailes, etc. el coste de la obra ascendió a 13 millones
de florines. el palacio encerraba tanta magnificencia que sus
contemporáneos no dudaron en compararlo con el de versalles. el nombre
que recibió fue el de palacio de esterháza. durante más de veinte años,
conciertos, óperas, representaciones teatrales, fiestas, fuegos artificiales,
banquetes, etc., se sucedieron ininterrumpidamente, sobre todo en verano,
puesto que el príncipe esterházy y su séquito pasaban el invierno en viena.
haydn, durante su estancia en esterháza, no se limitó sólo a dirigir los
conciertos musicales y las representaciones operísticas, sino que también
compuso sinfonías y conciertos para la orquesta de palacio. pero no todo fue
paz en el palacio. las envidias y las riñas entre los músicos estaban a la orden
del día. haydn se empeñaba en poner paz entre ellos, pero en algunos
momentos le resultó imposible. por ejemplo, cuando el flautista franz nigal,
en un día de asueto, disparó su escopeta de caza sobre unos pájaros que
sobrevolaban el tejado de un pabellón del palacio y el pabellón ardió por
completo, quedando reducido a cenizas. fue inmediatamente despedido; o el
caso de la riña entre el violoncelista franz xaver marteau y el flautista pohl
en una taberna de eisenstadt, en el trancurso de la cual pohl perdió un ojo; o
también la violenta querella que enfrentó a los dos violoncelistas ignaz
küfell y joseph weigl. estas grescas entre los músicos movieron al príncipe a
castigarlos a todos con la prohibición de no salir del castillo de esterháza.
muchos, que eran casados, no podían ver a sus esposas ni hijos. en estas
circunstancias hay que situar el famoso episodio de la composición de la
sinfonía nº 45, “los adioses”. de ello han circulado muchas versiones, pero la
de griesinger parace ser la más cercana a la realidad: “entre los músicos del
príncipe esterházy se encontraban jóvenes recién casados y padres con hijos,
quienes, durante el verano, mientras duraba la estancia del príncipe en
esterháza, se veían obligados a abandonar a sus esposas en eisenstadt. aquel
año, por las riñas entre ellos, el príncipe decidió prolongar su estancia en
palacio varias semanas más y les prohibió salir del mismo. los músicos,
consternados por la medida, se dirigieron a haydn para que intercediera y les
ayudara a salir de aquella situación. haydn tuvo la idea de componer una
sinfonía en el transcurso de la cual los instrumentos enmudecieran unos tras
otro. esta sinfonía fue interpretada en presencia del príncipe. haydn
recomendó a cada uno de los músicos que, una vez terminada su parte en la
obra, apagaran su vela y salieran con el instrumento bajo el brazo. el
príncipe y todos los presentes comprendieron inmediatamente el significado.
al día siguiente, el príncipe concedió a todos los músicos la libertad de poder
salir de esterháza para que pudieran ver a sus esposas e hijos”. este fue el
origen de la conocidísima sinfonía número 45, conocida con el sobrenombre
de “sinfonía de los adioses”.

la estancia en esterháza le sirvió a haydn para componer infinidad de obras


que mandaba al exterior: viena, parís y, sobre todo, londres fueron su
principales receptores. de esta manera, sin haber salido nunca de su país
natal, haydn se convirtió en uno de los músicos más famosos de la europa de
su tiempo, lo que hizo que le llovieran encargos de nuevas obras. entre estos
encargos, merece destacarse uno que le llegó de españa. d. josé saluz de
santamaría, marqués de valde-Íñigo y canónigo de la santa cueva de cádiz,
pidió a haydn la composición de una obra para coro y orquesta basada en las
siete palabras de cristo en la cruz. la obra fue terminada en el invierno de
1786/1787 y se estrenó en viena el 26 de marzo de 1787 y en cádiz el
viernes santo de aquel mismo año. además de esta época creadora en
esterháza, haydn también viajaba a viena cada vez que el príncipe se
desplazaba allí. en uno de estos viajes, probablemente a finales de 1784,
conoció a mozart, quien le cautivó por su talento musical. “os lo dice ante
dios un hombre honesto - escribía en una carta a leopoldo mozart, padre de
mozart -: vuestro hijo es el compositor más grande que jamás yo haya
conocido, personalmente o de nombre. posee gusto y una gran sabiduría para
componer”. a partir de este momento, el sentimiento de aprecio recíproco
creció entre ambos compositores.

haydn reconquista la libertad.

la muerte del príncipe nikolaus esterházy le liberó de sus compromisos con


la casa esterházy y haydn quedó libre para marchar a viena. inmediatamente
le llegaron invitaciones de todas partes. cuando iba a aceptar la del rey de
nápoles (italia), un extranjero se personó en su casa y le dijo: “soy salomom
de londres y vengo a buscarle. mañana firmaremos un contrato”. la oferta
consistía en un viaje a londres y la dotación de 300 libras por una ópera, 300
por seis nuevas sinfonías, 200 por los derechos de autor, 200 por su
participación en veinte conciertos y 200 como garantía de un concierto en su
honor. además salomom depositó en fianza de 1.500 florines en un banco
vienés. así fue como, a sus cincuenta y ocho años, haydn abandonó por
primera vez su país natal, desembarcando en el puerto de dover el 1 de enero
y llegando a londres el día 2 de enero de 1791.

en una carta, fechada el 8 de enero de 1791, escribe: “el primer día del año,
después de la misa, subí a bordo a las 7.30 de la mañana y llegué sano y
salvo a dover a las 5 de la tarde... la mayoría de los pasajeros se encontraban
indispuestos y ofrecían un aspecto fantasmagórico... mi llegada ha causado
una gran sensación... todo el mundo desea conocerme... mi alojamiento es
confortable, pero caro... ayer, en un gran concierto, me llevaron a través de
toda la sala hasta la primera fila, frente a la orquesta, y allí me examinaron
como si fuera un bicho raro y me dirigieron infinidad de elogios en inglés...
todo esto resulta halagador para mí, pero hay momentos en los que desearía
poder volar algún tiempo hasta viena para poder trabajar en calma, pues el
ruido de los comerciantes en las calles es absolutamente insoportable”.

el contenido de esta carta da una idea de lo que debía ser para haydn, tras
tantos años de reclusión en esterháza, la vida en londres: recepciones,
agasajos, invitaciones, conciertos como primera figura, contacto permanente
con la flor y nata de la aristocracia inglesa, audiencias con el rey jorge iv,
etc. en londres compuso unas serie de sinfonías conocidas con el
sobrenombre de sinfonías de londres. su fama era tan grande, que la
universidad de oxford le otorgó el grado de doctor honoris causa en música.
con este motivo, se organizaron tres conciertos en oxford los días 6, 7 y 8 de
julio de 1792. el día 7 se estrenó la sinfonía nº 92, que desde entonces pasó a
llamarse sinfonía oxford. tras los fastos oxonienses, haydn, cumplidos sus
compromisos con salomom, abandonó londres e inglaterra y regresó a viena.
a su paso por bonn, le fue presentado un joven músico de 21 años, que
tocaba en la orquesta del príncipe elector de colonia (köln). este joven se
llamaba ludwig van beethoven. tras este encuentro, se decidió que beethoven
fuera a viena para recibir lecciones del gran maestro joseph haydn. desde
bon, haydn se dirigió a frankfurt, donde el príncipe esterházy paul anton
asistía a las fiestas de la coronación del emperador francisco ii y llegó a
viena con el séquito del príncipe el 24 de julio de 1792.

de nuevo en viena.

en viena recobró la tranquilidad que no pudo tener en londres. su primera


tarea fue la de enseñar a beethoven. en una carta dirigida al príncipe elector
de colonia, fechada en noviembre de 1793, decía de su alumno: “está
llamado a convertirse un día en uno de los más importantes compositores
europeos. llegado el momento, estaré orgulloso de presentarme como su
maestro”.

segunda estancia en londres.

haydn salió de viena camino de londres el 19 de enero de 1794, para cumplir


con nuevos compromisos musicales en la ciudad del támesis. allí compuso
nuevas sinfonías que también se conocieron como las sinfonías de londres
(unas 12 en total). aquí ganó no sólo prestigio, sino también dinero, lo que le
hizo llevar una vida desahogada y dedicarse por entero a la composición. por
ejemplo, en londres ganó 24.000 florines, de los que 9.000 fueron para
gastos de viaje, alojamiento y comida. el resto, fueron ganancias para él. y
fama, sobre todo fama. Él mismo decía que su fama en alemania fue
consecuencia de sus viajes a inglaterra.

viena hasta su muerte.


en 1795 haydn abandonó inglaterra para siempre, después de pasar dos
temporadas de un año y medio cada una. al llegar a viena, se encontró con
un nuevo príncipe esterházy, nikolaus ii, quien había decidido recobrar el
antiguo esplendor musical de la casa esterházy cuando la gobernaba su
abuelo nikolaus i. encargó a haydn la dirección musical, pero con mayor
libertad que en el pasado: sólo le pidió a haydn la composición de una misa
anual en honor de la onomástica de su esposa, la princesa maría
hermenegilde. con este motivo compuso 6 misas. para alivio de haydn, el
nuevo príncipe abandonó el palacio de esterháza, estableciéndose en viena la
mayor parte del año y residiendo en eisenstadt sólo durante el verano. así
vivió hasta el año 1803, en que, al agravarse su salud, abandonó sus
compromisos con el príncipe y se refugió en su casa de viena, en la que
murió el 31 de mayo de 1809, cuando contaba setenta y siete años de edad, y
en el momento en que las tropas de napoleón ocupaban por segunda vez
viena. los últimos días de su vida los pasó encerrado en su casa tocando
varias veces al piano el himno imperial que había compuesto doce años
antes (gott erhalte franz den kaiser), el 12 de febrero de 1797. dada la tensa
situación del momento, por la invasión napoleónica, su muerte pasó
desapercibida por entonces. el 15 de junio tuvo lugar un solemne funeral, al
que asistió stendhal, el famoso novelista francés, autor de novelas tan
célebres como rojo y negro, la cartuja de parma, etc., en la iglesia de los
escoceses. en 1820 sus restos fueron trasladados a eisenstadt, donde desde
1954 reposan en el mausoleo iniciado en 1932 por el príncipe paul esterházy,
rindiendo así homenaje a uno de los ilustres varones que dieron más lustre y
prestigio a dicha casa principesca.

durante su última y definitiva estancia en viena, haydn compuso su famoso


concierto para trompeta y orquesta en mi bemol, su no menos famoso
oratorio la creación, el himno gott erhalte franz den kaiser (dios guarde a
francisco ii, el emperador), ya nombrado en el párrafo anterior y considerado
como el himno nacional de austria hasta el desmembramiento del imperio
austro-húngaro tras la primera guerra mundial (1914-1917). compuso
también otro oratorio, las estaciones, además de cuartetos, conciertos,
sinfonías, etc.

en conclusión, con haydn adquiere su estructura definitiva la sinfonía, tal


como después la concibieron mozart y beethoven, por lo que es considerado
el padre de la sinfonía. su ingente producción, su acendrada fe religiosa, su
servicialidad a todo el que se le acercaba, hicieron de él no sólo uno de los
compositores más grandes de la historia de la música, sino también un
hombre ejemplar en todos los sentidos. con razón quienes lo conocieron y
trataron le llamaban “papá haydn”, pues para todos fue un padre cariñoso,
servicial y atento. ninguna de las personas que lo conoció se retiró de su lado
sin una sonrisa en los labios o una gota de dulzura en su corazón.

wolfgang amadeus mozart (1756-1791)


introducción.

todo lo que podamos decir de mozart será vana palabrería por ser,
junto a johann sebastian bach, el más grande músico de todos los tiempos, si
no el primero de todos. estuvo tocado por la mano de dios para la música. el
gran teólogo alemán karl barth escribió: “cuando en el cielo dios reina como
dios, suena música de bach; cuando en el cielo hay fiesta - y el cielo es una
fiesta permanente - suena la música de mozart”. mozart es la gracia de dios
hecha música. su música no parece escrita por mano de hombre, sino por los
ángeles. su existencia ha sido uno de los regalos más grandes que dios ha
hecho a la humanidad.

como los grandes genios tuvo una vida breve (vivió sólo 33 años),
pero intensísima. niño prodigio primero, luego genio musical, recorrió toda
europa desde los seis años, interpretando en el piano y en el violín las más
difíciles obras y componiendo piezas de perfecta construcción.
pasó de ser un niño prodigio a músico de cuerpo entero. viajó durante
15 años por las mejores cortes europeas, suscitando la admiración de cuantos
lo escuchaban. de aquí que se haya podido decir: mozart es la música, o sea,
decir mozart es decir música con mayúscula.

su fiebre creadora y su afán como compositor no cesó nunca. es inútil


tratar de establecer un mínimo catálogo de su obra, pues abarcó todos los
géneros conocidos hasta entonces. vgr., en la música dramática u operística,
destacamos don giovanni (don juan), le nozze di figaro (las bodas de fígaro),
la flauta mágica, el rapto del serrallo, così fan tutte (así hacen todas), etc.;
entre sus oratorios y misas, destacamos el requiem y la misa de la
coronación; numerosas sonatas para piano, tan hermosas como perfectas,
entre las que destaca la sonata kv 300 i (331), con el célebre allegretto final
alla turca, conocido también como marcha turca; música de cámara, varias
decenas de sinfonías, entre las que destacamos la sinfonía nº 40 en sol
menor; serenatas para cuerda, la más célebre de las cuales es la eine kleine
nachtmusik (una pequeña serenata nocturna); conciertos para piano y
orquesta, como el conocidísimo concierto para piano y orquesta nº 21 en do
mayor; conciertos para órgano y orquesta, minuettos, rondós, como el
rondó en re mayor, kv 382; motetes y cantos sacros, como el ave verum
(ave, verdadero cuerpo nacido de la virgen maría...etc., un himno en honor
de la eucaristía), el exultate iubilate (exultad y regocijaos...), etc., música
festiva y alegre, como la popular sinfonía de los juguetes (aunque ya
sabemos los problemas que despierta su autoría, tal como vimos al hablar de
haydn), una broma musical, paseo en trineo, etc., etc. pero antes de
adelantar acontecimientos, presentaremos una breve sinopsis de su vida.

infancia y primeros años.

mozart nació en la ciudad de salzburgo, austria, el 27 de enero de


1756 y fue bautizado al día siguiente en la catedral de su ciudad natal. se le
impusieron los nombres latinos de johannes (juan) chrysostomus
(crisóstomo) wolfgangus (wolfgang) theofilus (teófilo). los dos primeros no
los usó apenas en su vida. el tercer nombre lo utilizó en su forma alemana -
wolfgang - y el último lo tradujo de su forma griega a la latina - amadeus. de
ahí su nombre más conocido: wolfgang amadeus mozart.

su padre era leopoldo mozart, nacido en augsburgo (alemania). de


joven se trasladó a salzburgo para estudiar filosofía en su universidad, pero
pronto la dejó por su verdadera vocación: la música. fue nombrado
compositor de la corte del príncipe-arzobispo de salzburgo. casó con anna
maria pertl, salzburguesa. de los siete hijos habidos en el matrimonio, sólo
sobrevivieron dos: maria anna, a quien llamaban familiarmente con los
nombres de marianne o el diminutivo de nannerl, y wolfgang amadeus, que
fue el último. el mismo año del nacimiento de su hijo (1756) leopoldo
publicó una obra pedagógica que le dio fama casi universal, y que en
nuestros días resulta imprescindible para conocer el recto modo de
interpretar la música de su tiempo. esta obra se intitulaba versuch einer
gründlichen violinschule = ensayo de una escuela (=método) fundamental
de violín. pero dejó la composición musical para “consagrar a la educación
de sus hijos el tiempo que no estuviera dedicado al servicio del príncipe-
arzobispo”, según testimonio de su hija nannerl. esto se debió a que nannerl,
y especialmente wolfgang, mostraron desde muy temprana edad un talento
musical excepcionalmente grande y precoz. y leopoldo, que era un hombre
profundamente religioso y dotado de un altísimo sentido de la
responsabilidad, llegó a sentir tan íntimamente la obligación de desarrollar el
talento musical de sus hijos y de darle a conocer al mundo, que se creyó
llamado a una misión casi mesiánica. en sus cartas habla, refiriéndose a
wolfgang, del “milagro que dios hizo nacer en salzburgo”, y en cuanto a su
formación, dice: “debo corresponder así al favor que el omnipotente me
hizo; de lo contrario, yo sería la más ingrata criatura”.

según cuenta leopoldo, wolfgang tocaba de memoria en el clave


algunas composiciones cuando sólo tenía 4 años, y a comienzos de 1761,
¡con sólo 5 años de edad!, compuso ya su primera obra, un minuetto y trío
(que figura con el nº 1 en el catálogo mozartiano de ludwig ritter von köchel,
que suele abreviarse kv o k simplemente, iniciales de köchel verzeichnis =
catálogo de köchel). la precocidad de mozart como intérprete fue tan
asombrosa que constituyó un “fenómeno” nunca visto en el campo de la
música. en 1761, con 5 años, debutó en público en un concierto en la
universidad de salzburgo. cuatro meses después de aquella primera
presentación en público, su padre consideró que su hijo estaba preparado
para empresas mayores, y así, el 12 de enero de 1762, le llevó, junto a su
hermana nannerl a munich (münchen), donde ambos tocaron el clave en
presencia del príncipe elector de baviera. pero este viaje fue sólo un “ensayo
general” del que sería el primer viaje importante de mozart: viena, adonde
llegaron en el último trimestre de 1762. aquí actuaron numerosas veces en
los palacios y casas de la nobleza y llegaron a tocar dos veces en el palacio
imperial de schönbrunn ante la emperatriz maría teresa. el éxito que tuvieron
en viena fue apoteósico. la gente no se cansaba de admirar aquel prodigio de
seis años que tocaba el clave con la maestría de un consumado artista. todo
el mundo hablaba de él y se contaban mil y una anécdotas suyas. los nobles
se lo disputaban y el mismo emperador llegó a colocarse a su izquierda para
pasarle las hojas durante la ejecución de las obras que mozart tocaba a
primera vista o con poquísima preparación. el día de navidad de 1762 el
poeta konrad friedrich pufendorf le dedicó una poesía que fue
inmediatamente publicada y que circuló en viena como regalo de navidad.
estaba dedicada “al pequeño clavecinista de seis años de salzburgo” y decía
así:

ingenium coeleste suis velocius annis


surgit, et ingratae fert male damna morae.
(surge un ingenio celeste, más veloz que sus
años
y soporta mal el daño de la ingrata tardanza).

el 5 de enero de 1763, víspera de reyes, los mozart estaban de vuelta


en salzburgo y en febrero dio wolfgang, ante la corte de su ciudad, un
concierto en el que tocó el violín y el clave. después de cinco meses de
descanso y trabajo en casa, leopoldo emprendió, con toda la familia, un viaje
mucho más ambicioso. su meta era conquistar parís y londres con sus dos
prodigiosos retoños.

a la conquista de parís.

el viaje se inició el 9 de junio de 1763 y, aunque el destino final eran


las dos grandes capitales europeas, leopoldo aprovechó el viaje hacia parís
para dar conciertos en todas las ciudades importantes que les cogían de
camino. el padre de mozart llevaba pensados todos los detalles de esta “gira”
y resultó ser un manager o public-relations digno de nuestros días. por
ejemplo, al llegar a una ciudad, lo primero que hacía era insertar una nota en
algún periódico local que ponía por las nubes a los dos niños; luego paseaba
a sus hijos por los lugares más concurridos para que todos pudiesen ver a
gusto a los dos prodigios; se preocupaba también de conseguir cartas de
presentación para músicos y personajes importantes; no se olvidaba del
detalle de alojarse en la mejor posada u hotel de la ciudad, para mayor
prestigio, etc.

la primera ciudad importante en que hicieron escala fue munich. aquí


wolfgang dio conciertos en solitario una veces y acompañado de su hermana
nannerl otras. no sólo recibieron alabanzas, sino también dinero. de munich
partieron para ausgburgo, ciudad natal de su padre, donde dieron tres
conciertos públicos. aquí también hizo leopoldo su “campaña publicitaria”
habitual. en un periódico local insertó una crónica hecha anteriormente por
un rotativo de viena y en el que se decía: “una niña de once años que toca en
el clave y en el piano las sonatas y conciertos más difíciles de los grandes
maestros, de la manera más limpia y con una facilidad increíble: pero esto
no es nada ante la sorpresa que causa ver a un niño de seis años sentado al
piano tocando sonatas, tríos, conciertos, y, lo que es más asombroso, oírlo
improvisar, inventando de su cabeza obras de exquisito gusto y perfecta
construcción”. habla luego el periódico del “número” que solían hacer los
dos hermanos y que dejaba estupefactos a los espectadores: mozart niño
cubría el teclado con un paño que le impedía ver las teclas y así tocaba con
la misma facilidad y perfección que si estuviera viendo las teclas. en
ausgburgo compraron un clavicordio de viaje que les fue muy útil. tras
atravesar otras ciudades, llegaron a mannheim, cuya orquesta oyeron y de la
que dijo leopoldo que era “sin discusión posible la mejor de alemania”. este
encuentro dejó un recuerdo imborrable en wolfgang, que, años más tarde,
volvería una y otra vez a mannheim. prosiguieron el viaje por maguncia,
frankfurt, coblenza y aquisgrán, para llegar, el 18 de noviembre, al primer
destino de su viaje: parís.

en parís encontraron al barón melchior von grimm, familiar de los


famosos hermanos grimm, escritores de cuentos, quien les abrió las puertas
de la mejor sociedad parisina: intelectuales, artistas, nobleza, eclesiásticos,
etc. los conciertos fueron un éxito artístico y financiero. en parís se
imprimieron las primeras obras del genio mozart. este hecho insólito - un
niño de siete años que publica ya sus primeras creaciones artísticas - único
en la historia no sólo de la música sino de todas las demás manifestaciones
del espíritu, es tan sorprendente, que bien merece un comentario.

paréntesis sobre la infancia de mozart y su hermana.

pero el ritmo de vida que leopoldo impuso a sus hijos tuvo una grave
consecuencia para ellos: no conocieron o no tuvieron infancia, sobre todo
wolfgang, quien tuvo que soportar la parte más dura de esta exhibición en
público desde la edad de 5 ó 6 años (ya que nannerl tenía para entonces unos
12 años). en ningún otro músico se dio este hecho en grado tan intenso como
en mozart; para él, desde que empezó a tener uso de razón, si no antes, la
música fue su vida y vivió exclusivamente para ella. los constantes viajes
contribuyeron probablemente a minar su salud, pues ya en estos años estuvo
aquejado de una serie de enfermedades que nunca le abandonarían, y que
casi con seguridad influyeron en su prematura muerte.
se ha acusado a leopoldo mozart de haber, en cierto modo, negociado
con el genio de su hijo, impidiéndole disfrutar de una niñez despreocupada y
feliz como cualquier otro niño. pero la realidad es que mozart fue cualquier
cosa menos un niño normal. fue un prodigio de la naturaleza, una criatura
tocada por la mano de dios, un ser en el que la gracia divina se
transparentaba a raudales y en cada instante. la mejor prueba es el hecho de
publicar sus primeras obras cuando no tenía más que siete años. más aún:
todo hace creer que el pequeño wolfgang - “el maestro wolfgan”, como le
llamaba su padre - sentía tanto la música, la vivía tan intensamente, que no
sólo no echaba en falta los juegos infantiles de los demás niños de su edad,
sino que viviendo la música fue completamente feliz. si la vida le fue
adversa en los años posteriores fue por motivos totalmente imprevisibles en
aquellos momentos.

a la conquista de londres.

el 10 de abril de 1764 dejaron parís para dirigirse a londres, donde


llegaron el 23 del mismo mes. en londres se les abrieron de inmediato las
puertas del buckingham palace. tanto el rey jorge iii como la reina sofía
charlotte, grandes amantes de la música, quedaron prendados de los
pequeños genios. el rey y la reina sometieron a wolfgang a un auténtico test
para saber hasta dónde llegaba su genio musical: le hizo tocar a primera vista
obras difíciles de haendel - considerado el músico nacional inglés, por el
conocido “espíritu de recogimiento” de los ingleses - y de otros autores. al
final tuvieron que rendirse a la evidencia: wolfgang era un prodigio en el
arte musical. los recompensaron económicamente y les abrieron la puertas
de la mejor sociedad londinense. también los músicos ingleses sometieron al
jovencísimo “maestro” a las más refinadas pruebas técnicas, de todas las
cuales salió triunfante. pero tampoco leopoldo se olvidaba de sus “técnicas
promocionales”: sacaba a pasear a sus hijos por los lugares más concurridos
y de moda de londres. en uno de estos paseos obtuvo el mejor premio que
podía desear: en saint james park se cruzaron con la carroza real. he aquí
como leopoldo relata la escena: “el rey y la reina venían en su carroza, y,
aunque nosotros llevábamos puestos unos vestidos distintos de los que nos
poníamos para ir a palacio, nos reconocieron; y no sólo nos saludaron, sino
que el rey abrió su ventanilla, sacó fuera la cabeza y con el sombrero y las
manos nos saludó cordialmente, sobre todo al maestro wolfgang”. el hecho
se difundió por toda londres y la gente ardía en ascuas por conocer al
pequeño genio. entre la mucha gente que los mozart conocieron en londres
destaca la figura de johann christian bach, el menor de los hijos del inmortal
kantor de santo tomás de leipzig, con el que trabaron una perdurable
amistad. en resumen, londres fue un éxito sin igual en todos los sentidos:
fama, dinero y formación para el joven músico, quien además se dedicó
intensamente a la composición de nuevas obras.

regreso a casa.

después de quince meses triunfales en londres, el 1 de agosto de 1765


la familia mozart embarcó en dover para regresar a casa, haciendo
numerosos y prolongados altos en el camino; llegaron a su casa de salzburgo
el 29 ó 30 de noviembre de 1766. las tareas domésticas para mozart
consistían en aprender latín, perfeccionar su italiano y progresar en sus
conocimientos musicales, especialmente la técnica del contrapunto y la fuga.
no hay pruebas de que mozart asistiera nunca a la escuela; su principal
maestro, si no el único, fue su padre. pero conviene advertir que no por los
estudios se olvidó de componer; entre otras muchas cosas, destaca la célebre
cantata fúnebre, k 42, cuyo origen fue el siguiente: deseando el príncipe-
arzobispo de salzburgo aclarar de una vez por todas si lo que mozart
componía era cosa suya o le ayudaba su padre, encerró al pequeño en una
habitación de su palacio y lo mantuvo incomunicado durante una semana, en
la que compuso esta obra. el título se debe a la malicia de mozart, quien
deseó durante su forzosa clausura que el príncipe-arzobispo muriera por
mantenerlo encerrado; para el hipotético entierro compuso esa cantata
fúnebre. este detalle nos sirve para apreciar que los gustos musicales del
joven genio se dirigían, por este tiempo, a la ópera. pero la ópera no tenía
cabida en salzburgo, en cuya corte se ejecutaba esencialmente música
religiosa. tampoco los otros géneros musicales en los que el genio de mozart
podía descollar - sinfonías, música de cámara, conciertos, etc., - tenían
cabida en su ciudad. había, por tanto, que buscar nuevos horizontes y, para
ello, la familia mozart se dirigió a viena, cuando el genio tenía solamente 11
años de edad .

primera estancia en viena.

el momento propicio para dirigirse a viena se presentó con motivo de


la celebración de la boda de la princesa maría gabriela, hija de la emperatriz
maría teresa. los mozart salieron de salzburgo el 11 de septiembre de 1767 y
el día 15 llegaron a viena. la ciudad festejaba ya la futura boda de la princesa
con conciertos, óperas, fuegos de artificio, bailes, etc. pero todo cambió de
repente, pues en la primera semana de octubre se abatió sobre la capital
austriaca una violenta epidemia de viruela. entre las víctimas se contó la
princesa maría gabriela. para huir de ella, los mozart abandonaron
precipitadamente la ciudad y se refugiaron en brno y luego en olomouc
(ciudades que hoy pertenecen a la república checa). a pesar de las
precauciones, tanto nannerl como wolfgang contrajeron la enfermedad, pero
en forma benigna; con todo, les quedaron, sobre todo a wolfgang, señales en
la cara para toda la vida.

pasada la epidemia, el 10 de enero de 1768 regresaron a viena. allí


compuso y trató de estrenar su ópera bufa, la finta semplice (la simple
simulación). entonces comenzó un calvario: los músicos, envidiosos de que
un niño de 12 años triunfara, se opusieron con todas sus fuerzas; se hablaba
incluso de que detrás de toda esta oposición estaba nada menos que
christoph w.gluck, entonces en el apogeo de su gloria. pero mozart, como si
estas intrigas no fueran con él, se aprestó a componer una nueva partitura
escénica, bastien und bastienne - bastián y bastiana -, que se estrenó en casa
de un acaudalado médico vienés. la recompensa por los sinsabores pasados
le llegó a mozart con motivo de la consagración de la nueva iglesia de los
jesuitas en un suburbio de viena. para tal acontecimiento, mozart estrenó una
misa solemne a 4 voces y orquesta, un ofertorio, también a 4 voces y
orquesta, un concierto para trompeta y, posiblemente, un veni, sancte
spiritus. la crónica de la ceremonia la tomamos del wienerisches diarium,
periódico vienés: “toda la música de la solemne función fue compuesta ex
profeso para esta celebración por wolfgang mozart, de doce años, tan
conocido a causa de sus extraordinarios talentos, hijo del señor leopoldo
mozart, maestro de capilla del príncipe de salzburgo, y fue interpretada por
el autor con general aprobación y asombro, y dirigida por él con la misma
precisión”. con este triunfo, los mozart regresaron a salzburgo, a donde
llegaron el 5 de enero de 1769. aquí, con motivo de la onomástica del
príncipe-arzobispo, estrenó su ópera la finta semplice en el teatro del palacio
arzobispal y, en recompensa, obtuvo el nombramiento de konzertmeister -
maestro de conciertos - de la corte.

viaje a italia.

el 12 de diciembre de 1769 mozart y su padre se pusieron camino de italia,


patria de la música y, sobre todo, de la ópera, por la que wolfgang se sentía
tan atraído. tras muchas peripecias - recordemos que entonces se viajaba en
carreta o a lomos de animales -, el 20 de enero de 1770 llegaron a milán,
primera etapa del viaje. el niño causaba admiración y el genio de mozart
suscitaba los mayores entusiasmos. la gente se agolpaba por las calles por
donde tenía que pasar para ver a aquel “portento de la música” y hasta hubo
que suspender varios conciertos porque la gente no cabía en la iglesia donde
mozart iba a tocar.

en verona, la ciudad de los famosos amantes romeo y giulietta (romeo y


julieta, en español) y segunda etapa del viaje, sucedió otro tanto: su genio
despertó una admiración rayana en el estupor. lo colmaron de honores, le
concedieron diplomas, lo nombraron maestro di cappella, el pintor saverio
della rosa le hizo un retrato en el que mozart aparece tocando el clave y
hasta le ofrecieron un contrato para componer la obra inaugural de la
temporada de ópera por el que mozart percibiría 100 gigliati de oro y una
vivienda propia.

prosiguieron el viaje hacia roma e hicieron una escala de cinco días en


bolonia para visitar al más afamado teórico musical de la época: el padre
franciscano giovanni battista martini. Éste, que ya estaba retirado de sus
clases, cuando oyó a mozart improvisar una fuga y otros ejercicios de la más
alta técnica musical quedó tan asombrado que hizo con él una excepción:
asistió al concierto que el joven genio dio en el palacio del conde pallavicini.

luego, a través de florencia, siena, orvieto y viterbo, llegaron a roma, el 11


de abril de 1770. aquí sucedió uno de los episodios más célebres de la vida
de mozart. cuando llegaron a roma era semana santa y acudieron a los
oficios sacros que la iglesia católica, en memoria de la pasión y muerte de
jesús, celebraba en la capilla sixtina. allí cantaron el famoso miserere de
allegri, obra polifónica para 9 voces y dos coros. esta obra era propiedad
exclusiva de la capilla sixtina, hasta el punto de que estaba prohibido, bajo
pena de excomunión, cantarla en otro sitio. acabados los oficios religiosos y
vuelto a su posada, mozart se dedicó a transcribirla. al día siguiente,
volviendo de nuevo a la capilla sixtina para los oficios del viernes santo, le
enseñó su “copia”al director del coro de la capilla sixtina. este quedó tan
admirado que lo presentó de inmediato al papa, que a la sazón era clemente
xiv, para que le explicara cómo había osado hacer eso. mozart se limitó a
decir: “santidad, me bastó con oír el miserere y luego transcribirlo en esta
partitura que vos tenéis en las manos. nada más”. el papa y toda la corte
pontificia quedaron atónitos ante la destreza de semejante prodigio de 14
años.

de roma bajaron a nápoles, donde recibieron los mismos honores y gentiles


recibimientos. toda la ciudad partenopea se volcó en halagos y
reconocimientos al niño prodigio, hasta que finalmente se vieron obligados a
regresar de nuevo a salzburgo.

de nuevo en salzburgo.

nada más volver a su ciudad natal tuvo lugar un suceso que influiría
decisivamente en la vida posterior de mozart: la muerte del príncipe-
arzobispo segismundo, quien había permitido a leopoldo mozart - el padre
de wolfgang - largas ausencias de su cargo, le había mantenido la paga y le
había dado una gran suma de dinero para el primer viaje a italia. el cargo de
nuevo arzobispo de salzburgo recayó en la persona del conde hieronymus
colloredo. para su entronización compuso mozart la serenata dramática il
sogno di scipione (“el sueño de escipión”). al principio todo fue bien en las
relaciones arzobispo de salzburgo-familia mozart. colloredo nombró a
mozart konzertmeister de la corte arzobispal, con un salario anual de 150
florines de oro, cantidad nada despreciable tratándose de un joven de 16
años. pero las cosas comenzaron a empeorar y mozart a sentirse a disgusto
con su nuevo señor. colloredo era un hombre enérgico que no permitía que
se transgredieran las normas. y ahí nacieron los problemas, porque mozart
necesitaba cumplir los compromisos que había adquirido durante el viaje a
italia y el arzobispo no le daba permiso para ausentarse. a este problema se
le añadió otro: el paso de “niño prodigio” a hombre. mozart, recién
cumplidos los 17 años, tenía que enfrentarse a la lucha por la vida. una lucha
para la que quizá no estaba preparado.

de nuevo en viena.

aunque el arzobispo colloredo no era propenso a conceder permisos para


ausentarse de salzburgo, pero un viaje que el arzobispo debía realizar a viena
les brindó la ocasión a los mozart para dirigirse con él a la capital austriaca.
allí conoció a haydn, quien le orientó en nuevas técnicas musicales y lo
presentó a lo más granado de la sociedad musical vienesa. al regresar a
salzburgo, mozart empezó a soñar con establecerse en viena, capital del
imperio austro-húngaro y de las nuevas tendencias musicales. pasó una
breve temporada en munich - ¡cosa rara por la severidad del arzobispo
colloredo! -, de la que da cuenta en una carta dirigida al padre martini y que
dice así:

“el año pasado escribí en munich una ópera bufa para el carnaval. pocos
días antes de marcharme, su alteza el elector mostró deseos de oír una
música mía compuesta en estilo contrapuntístico. tuve, pues, que escribir
este motete - misericordias domini, k. 222 - a toda prisa, par dar tiempo a
copiar la partitura para su alteza y a sacar las particellas para poder
interpretarlo el domingo siguiente en la misa mayor al tiempo del
ofertorio. queridísimo padre martini: le ruego que me diga francamente y
sin reserva su parecer...”.

en salzburgo permaneció dos largos años, pero el descontento con el


arzobispo seguían aumentando progresivamente. a comienzos de 1777 la
situación se había hecho insostenible para los mozart. la necesidad de
encontrar una salida digna se hacía imperiosa. su padre leopoldo fue a hablar
personalmente con el arzobispo, pero la visita resultó contraproducente. por
una carta de leopoldo mozart al padre martini conocemos los detalles de
aquella tempestuosa entrevista. en ella, el arzobispo desahogó toda la cólera
que guardaba contra los mozart, especialmente contra wolfgang: “ni
siquiera tuvo reparo en decir que mi hijo no sabía nada, que lo que debía
hacer era ir a nápoles para aprender música en un conservatorio”, nos
cuenta su padre. mozart se encontró en una alternativa dramática: había
cumplido los 21 años, tenía ya en su haber más de 300 composiciones, de
éxito clamoroso muchas de ellas, y sentía el deseo irrefrenable de dar salida
a sus posibilidades; tenía, en fin, que pensar en su futuro y decidir su vida.
como las ataduras que lo ligaban a la corte del arzobispo eran insuperables,
decidió escoger la libertad del artista y pedirle a su señor que lo liberara de
servirle. la petición, fechada el 1 de agosto de 1777, obtuvo respuesta un
mes más tarde, el 1 de septiembre, fecha en la que el arzobispo firmó el
decretum por el que “libraba al padre y al hijo del servicio, para que
buscaran su felicidad en otro sitio”.

viajes por europa y vuelta a salzburgo.

tras librarse de sus compromisos con el arzobispo colloredo, mozart


emprendió una serie de viajes por europa, con etapas en munich, augsburgo,
mannheim y parís. aquí se le unió su madre, que moriría poco después, el 3
de julio de 1778. el desengaño por la muerte de su madre le avivó la
nostalgia por la casa paterna y la ciudad natal; abandonó parís y se dirigió a
salzburgo, a donde llegó el 15 de enero de 1779. a pesar de los problemas
anteriores, fue nombrado organista de la corte del príncipe-arzobispo, es
decir, hoforganist (hof=corte y organist= organista). su trabajo consistía en
tocar en la corte y en la catedral, ayudar en la instrucción de los niños del
coro y componer cuando fuera necesario. su sueldo consistía en 450 gulden
anuales. fue en esta etapa cuando compuso la misa de la coronación, k. 317,
y las vesperae solemnes de confessore, (solemnes vísperas para un confesor)
k. 339, el famosísimo concierto para dos pianos y orquesta, k. 365, además
de varias sinfonías. pero las cosas empeoraron de nuevo con motivo del viaje
que el arzobispo colloredo hizo a viena para asistir a las fiestas de la
coronación de josé ii como emperador austro-húngaro, en marzo de 1781. en
viena mozart se sintió humillado por el trato que le daba el arzobispo. la
situación explotó el 9 de mayo de ese año: tras una violenta entrevista, el
arzobispo lo insultó, llamándole haragán, harapiento, imbécil y díscolo y
diciéndole que nadie le servía tan mal como él. mozart aguantó el chaparrón
de insultos con una infinita paciencia y al final preguntó al arzobispo: “¿su
eminencia, pues, no está contento conmigo?”. a lo que el arzobispo replicó:
“¡mira, mira! ahora quiere amenazarme este imbécil. ¡sí, sí! ¡imbécil!”. y
cuando el arzobispo le dijo que no quería tener trato con él, mozart le replicó
textualmente: “¡ni yo con usted!”. al día siguiente presentó su dimisión al
arzobispo, que se la aceptó, después de varias instancias, sólo un mes más
tarde.

en viena para siempre.

tras abandonar la corte del arzobispo, mozart se quedó en viena para


siempre, hospedándose en casa de unos amigos músicos, la familia weber,
que tenía tres hijas, aloysia, konstanze y la más pequeñita que se llamaba
sophie. la primera era cantante de ópera y estaba casada con el actor y pintor
joseph lange; la segunda, konstanze, no servía para nada. pero le hizo tal
tilín a mozart que el 15 de diciembre de 1781 mozart pidió a herr weber la
mano de su hija, quedando fijada la boda para el verano siguiente. en efecto,
el 31 de julio de 1782 se cumplimentaron los requisitos oficiales para el
matrimonio. el 2 de agosto los novios recibieron juntos la sagrada comunión
- signo de que se iban a convertir en marido y mujer -, el 3 de agosto
firmaron el contrato matrimonial y el 4 del mismo mes se casaron en la
catedral de san esteban de viena. mozart tenía 26 años; konstanze, 20. del
matrimonio nacerían 6 hijos, de los que sólo dos sobrevivieron - karl thomas
y franz xaver - pues los otros cuatro murieron en tierna edad. de los dos
hermanos, sólo el menor, franz xaver, heredó de su padre la vocación por la
música. la vida conyugal de mozart fue relativamente feliz: durante toda su
vida estuvo muy enamorado de su mujer, pero padecieron grandes apuros
económicos porque konstanze fue muy mala administradora. gastaba
grandes cantidades de dinero en lujos personales: joyas, vestidos, zapatos,
pelucas, peinados, etc. mozart era incapaz de llevar su economía y konstanze
más incapaz todavía de ayudarle en ello. pero a pesar de estas dificultades
domésticas, mozart componía y componía obras maestras. de esta época son
el rapto del serrallo (die entführung aus dem serail, k. 384), la
impresionante colección de conciertos para piano y orquesta, entre los que
destacamos el concierto nº 20 en re menor, k. 466. compuso también una
pequeña serenata nocturna (eine kleine nacht musik, k. 525), una broma
musical (ein musikalischer spaas, k. 522), diversas sinfonías, entre ellas la
famosísima sinfonia nº 40 en sol menor, k. 550, y varias óperas, entre ellas
la flauta mágica (die zauberflöte, k. 620), las bodas de fígaro (le nozze di
figaro, k. 492), don juan (don giovanni k. 620) y el popular motete ave
verum, k. 618, compuesto en 1790 para la fiesta del corpus christi de viena.
no podemos olvidarnos tampoco de la colección de sonatas para piano,
entre las que destacamos la sonata nº 11 en la mayor, k. 331, con su
famosísimo tercer movimiento rondó alla turca, más conocido popularmente
como marcha turca, ni del no menos famoso rondó en re mayor para piano
y orquesta, k. 382.

el “problema” salieri.

en la vida de mozart hay un episodio bastante oscuro: el de su posible


envenenamiento a manos de antonio salieri (1750-1825). salieri era un
músico italiano que encontró trabajo como compositor en la corte imperial
de viena. nació en legnano (verona) en 1750 y murió en viena en 1825.
estudió primeramente violín con su hermano - que había sido discípulo de
tartini - y luego en venecia y en viena estudió el clavicémbalo, composición
y canto. se estableció en esta última ciudad con los cargos de compositor de
la corte, director de la capilla imperial y de la Ópera italiana y, por último,
director de la orquesta de la corte. colaboró en la fundación del
conservatorio de viena en 1817. profesor de gran mérito y fama, tuvo entre
sus muchos discípulos a beethoven, schubert, liszt, etc. fue amigo de haydn
y enemicísimo de mozart. se le acusó de haber envenenado a mozart por
envidia musical, acusación que unos mantienen ser una calumnia y otros una
verdad. lo que sí sentía por mozart era una envidia y unos celos atroces.
salieri era un “mecánico” de la música; mozart era un genio. salieri
componía mecánicamente; mozart estaba tocado por la gracia de dios para
componer. salieri se quedó soltero, no contrajo matrimonio por llegar a ser
un gran músico; ofreció a dios su soltería a cambio de que le diera el talento
divino del que carecía. frente al genio de mozart salieri se sintió eclipsado, lo
que hizo que se enfrentara a dios por haber preferido a mozart y no a él. y
esto no se lo perdonó nunca a mozart. lo espiaba, le ponía todos los
obstáculos posibles, lo denigraba ante el emperador josé ii de austria y los
músicos de la corte imperial, hasta que decidió destruir a mozart por
cualquier medio a su alcance, llegando a plantearse incluso el asesinato. para
más información sobre este tema veremos el film amadeus (1984), de milos
forman, ganador de 8 oscar, entre ellos, el de mejor película del año.

el principio del fin.

el éxito de mozart en viena, a pesar de la envidia de salieri, sobrepasó las


fronteras del imperio austro-húngaro. los monarcas europeos de entonces se
lo disputaban con tal de que compusiera para ellos. vgr. los zares de rusia,
los príncipes electores alemanes, el emperador de prusia, etc. Éste último,
que a la sazón era federico guillermo ii de prusia, lo invitó a su corte, muy
cerca de berlín y mozart se dirigió allí. la primera etapa del viaje le llevó
hasta praga, que por entonces formaba parte del imperio austro-húngaro y
donde se habían representado ya muchas óperas de mozart. siguió luego
hacia dresde y leipzig - donde mozart tocó en la iglesia de santo tomás, en el
mismo órgano que había usado j. s. bach - y el 25 de abril de 1789 llegó a
postdam, donde estaba la corte. federico guillermo ii de prusia y su corte
quedaron admirados del genial talento del músico y lo colmaron de honores
y riquezas. el 4 de junio estaba mozart de vuelta en viena con un cargamento
de dinero y de oro que pronto konstanze se encargó de dilapidar, unas veces
por enfermedad verdadera y otras por enfermedad ficticia. konstanze se iba
con frecuencia al balneario de baden a tomar las aguas, lo que suponía
nuevos gastos y problemas, a los que había que añadir uno nuevo: las
muestras de fragilidad que la salud de mozart empezada a dar. la tos se hacía
cada vez más persistente, la fiebre aparecía con frecuencia y la salud de
mozart se resquebrajaba por momentos. en esta tesitura emprendió la
composición de su última obra, el requiem, k. 626. sobre la composición de
esta última obra de mozart hay una leyenda llena de misterio. trataremos de
desvelarla.

el misterio del requiem.


las circunstancias bajo las que nació esta obra han dado origen a una leyenda
un tanto misteriosa y romántica. he aquí el resumen: el conde franz von
walsegg-stuppach era un gran aficionado a la música; tocaba muy bien la
flauta y el violonchelo y en su palacio de viena se daban conciertos y
representaciones teatrales dos veces por semana, los martes y jueves. el 14
de febrero de 1791 - fiesta de san valentín - murió la joven esposa del conde,
que no había cumplido aún los 21 años. en honor a ella, el conde quiso hacer
componer una misa de requiem excepcional, que se estrenaría en su palacio.
su consejero puchberg fue quien le sugirió que encargase a mozart la
composición. el conde prefirió llevar todo el asunto en secreto y para ello
envió al abogado johann nepomuk sortschan a hacer a mozart el encargo. la
visita de este misterioso enviado - según konstanze manifestó luego, “era
alto y delgado, con sombrero y traje gris” - tuvo lugar en julio. rogó a mozart
que mantuviera un secreto total y prometió pagárselo muy bien, pero no dijo
quién era ni de parte de quién venía. mozart inició de la composición del
requiem en un estado febril. su salud iba a menos día a día y él era sabedor
de ello. una tarde, paseando con su esposa por el prater de viena, le dijo:
“konstanze, presiento con toda claridad que me queda poco de vida. ¡no hay
duda de que alguien me ha dado un veneno! no puedo apartar de mí esta
idea. ¿no he dicho ya que estoy escribiendo este requiem para mí mismo?”.
la última parte que compuso la escribió en la cama, pues su salud, que había
ido empeorando progresivamente en las últimas semanas, decayó con
rapidez y, a finales de noviembre, ya no pudo levantarse. según una detallada
relación escrita en 1825 por sophie, la hermana pequeña de konstanze,
mozart era plenamente consciente de que se acercaba su fin y más de una
vez dijo que con el requiem estaba componiendo sus propios funerales.
empeoró rápidamente; durante las dos últimas semanas se le hincharon las
manos y los pies y sufría frecuentes y violentos vómitos. el 4 de diciembre,
aprovechando una leve mejoría en su estado, fueron a verle a casa algunos
amigos. mozart se empeñó en cantar con ellos algunos fragmentos del
requiem que estaba componiendo, pero al llegar al lacrimosa hubo que
interrumpir el canto y mozart dejó a un lado la partitura. su salud empeoró
rápidamente la tarde del 4 de diciembre. a las 9 de la noche perdió el
conocimiento y a la 1 de la madrugada del 5 de diciembre de 1791 moría
plácidamente. el diagnóstico médico estableció que su muerte fue debida a
“una fiebre reumática aguda”, aunque se dijo entonces - y el enigma sigue
vivo en nuestros días - que había muerto envenenado por algún compositor
envidioso (léase antonio salieri, del que ya hablamos anteriormente). sea
como fuere, el 6 de diciembre por la tarde, después de la bendición del
cadáver en la catedral de san esteban de viena, se le llevó al cementerio de
san marcos, situado a unos 5 kilómetros de viena, y allí, al día siguiente, fue
enterrado.

la leyenda de su muerte.

en torno a la muerte, al funeral y al entierro de mozart se ha tejido también


una misteriosa leyenda: que si ninguno de sus amigos estuvo presente en el
funeral, que si su entierro se celebró desamparado de todos y sólo
acompañado de un perro, que si sus restos mortales fueron depositados en
una fosa común para los pobres, que si ninguno de sus familiares y amigos
visitó su tumba inmediatamente después, etc., etc. ¿qué hay de verdad en
todo ello? ¿dónde acaba la realidad y dónde empieza la leyenda? una cosa sí
es cierta: la caprichosa konstanze, entre el dolor por la pérdida de su esposo
y los achaques y enfermedades que tenía, tardó tiempo en ir al cementerio a
visitar la tumba de su marido. cuando fue al cementerio, se encontró con que
el sepulturero era nuevo y no tenía ni idea de dónde se encontraban
sepultados los restos de mozart. nadie sabía donde estaban y todas las
investigaciones posteriores han resultado infructuosas hasta nuestros días. su
cuerpo quedó perdido para siempre en el anonimato del cementerio de san
marcos de viena, pero los tesoros de su música han enriquecido a toda la
humanidad. ese es el destino del genio: ser sepultado en la tierra como el
grano de trigo para que, muriendo, brote de nuevo y dé muchas espigas que
sigan alimentando con el pan de la música a la humanidad que ha venido
después. ¡loor y gloria a uno de los genios más grandes de la música! ¡loor y
gloria a uno de los genios más grandes de la humanidad! la existencia de
seres como mozart es una prueba de que dios no abandona a los hombres y
los sigue obsequiando con los dones de su bondad. por eso dijo el gran
teólogo alemán karl barth: “en el cielo, cuando dios reina como dios, suena
la música de bach. en el cielo, cuando dios hace fiesta para los inmortales,
suena la música de mozart”. laus deo: alabado sea dios. a Él la gloria y la
alabanza por habernos regalado el inefable don de la música mozartiana.
amén.

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