MINIMALISMO

Nombre: Lady Valeria cubillos soto

Semiótica.
¿ QUE ES EL ARTE MINIMALISTA?

El concepto minimalista, de forma general, es diferentes cosas que se han visto

reducidas a lo esencial y quita los materiales que sobran, a todo aquello que ha sido
reducido a lo esencial, sin elementos sobrantes que rellenen sin un sentido.
El arte minimalista es una corriente artística contemporánea surgida en Estados
Unidos, durante la década de los años 60, que tiene como tendencia reducir sus obras
a lo fundamental, utilizando sólo los elementos mínimos y básicos, por lo tanto solo se
verán representaciones de cosas esenciales y fundamentales para el artista, que
utiliza la geometría elemental de las formas, buscando la mayor expresividad con los
mínimos recursos, siendo como una crítica a la desmesura y el recargamiento de
ciertas manifestaciones artísticas del momento, particularmente la del pop art.
El minimalismo tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad, y es a
menudo interpretado como una reacción contra el subjetivismo y emocionalismo del
expresionismo abstracto y el pop art, y un puente a las prácticas del arte
postmoderno
El arte minimalista se ha visto influenciado por tradiciones orientales, como la
japonesa, tendientes a la reducción de elementos y a la economía de recursos,
etc.
El minimalismo permite la mayoría de variaciones hacia el zen y el
orientalismo, pudiendo utilizar muebles u objetos de estilo oriental que
serán perfectos para acercarse a ambientes más eclécticos, prefiriendo l os
espacios altos, tipo loft, con una segunda planta a la vista o entrepiso,
El perfil de una persona que utiliza el arte minimalista es claramente ordenada,
ofreciendo un orden estético que se apoya en la no acumulación de objetos
innecesarios que perturben su visión. Por eso se dice que el minimalismo no está
pensado para gente desordenada.
 ORIGEN DEL ARTE MINIMALISTA
El término minimalismo nació para un arte que no quería ser ni pintura ni escultura y
ha terminado siendo de todo. El crítico británico Richard Wollheim lo empleó por
primera vez en 1965 en Inglaterra para referirse a la radical reducción racionalista
promovida por las nuevas tendencias del arte. Desde entonces este término ha
crecido por todo el mundo primero comenzando por Europa y sigue extendiéndose y
ha mudado hasta instalarse por doquier empezando por la arquitectura. El
minimalismo puede considerarse como la corriente artística contemporánea que
utiliza la geometría elemental de las formas. Las formas son las que establecen una
estrecha relación con el espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el
objeto y aleja toda connotación posible.
El minimalismo o Minimal art, que significa “menos es más” (frase acuñada por el
famoso arquitecto Mies Van der Rohe “less is more”), nombre que se justifica por la
mínima intervención del artista. En 1959, Frank Stella, considerado el iniciador del
movimiento, participa en la exposición “Sixteen Americans” en el MOMA, en reacción
contra el expresionismo abstracto, sus Blacks Paintings (Pinturas negras) una serie de
pinturas monocromas en las que únicamente son perceptibles algunos trazados
geométricos. Estos cuadros desencadenaron el escándalo, pero anunciaban un
movimiento de pintores minimalistas que rechazaban el ilusionismo abandonando la
subjetividad, utilizando formas abstractas geométricas simplificadas al extremo.
El Minimal art, parecía invitar al espectador a centrarse sólo en el arte, con
exclusión de todo lo que pudiera ser percibido como un elemento perteneciente
a otro dominio. Ponía como principio que el arte y el mundo existían en universos
paralelos pero separados. En su determinación en despojarse de todas las
excentricidades y complejidades de la forma, abandona los elementos que
generalmente permiten definir cualquier estilo. Puede tomarse como base del
minimalismo los experimentos llevados a cabo por artistas rusos, especialmente
el suprematismo de Malevich. Fue Ad Reinhard quien aplicó de forma drástica
aquellos experimentos; sus pinturas realizadas entre 1960 y 1966 producen un
efecto de negro completo gracias a la disposición en capas sutiles de colores
oscuros. Los escultores minimalistas trabajan con formas geométricas simples,
cuyos materiales fabricados industrialmente bajo sus directrices, no se han
modificado. Los principales representantes del Arte minimalista son, Ad
Reinhardt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd, Richard Serra, Frank Stella.
DONALD JUDD
Uno de los artistas de este movimiento que mejor se expresaba era Donald
Judd (1928-1994) quien declaró acerca de su método: “Las tres dimensiones
son el espacio real. Esta afirmación elimina el problema del ilusionismo y
del lugar, únicamente especificado como “lugar” dentro y alrededor de los
signos, huellas, marcas y colores – uno de los vestigios más destacados y
más deplorables del arte europeo. Los diversos límites de la pintura son
eliminados. Una obra puede expresar todo el poder que le hemos querido
dar. El espacio real es intrínsecamente más potente y más explícito que la
superficie plana.” De hecho, Judd aplicaba este credo de una manera
menos liberal de lo que sus palabras dejaban entender; Sin título (1965) se
presenta como una sucesión de cajas de hierro galvanizado colocadas a
intervalos regulares en una pared.
El artista minimalista en realidad no buscaba expresar o transmitir un
mensaje como estábamos acostumbrados anteriormente. El artista ofrecía
una imagen parcial que formaba parte de un orden completo que ocupaba
todo el espacio y que el espectador era capaz de imaginar y podía
completar por medio de su imaginación.
Donald judd,
1965
Artista americano, Donald Judd (Excelsior Spring, Missouri 1928 – Nueva York 1994)
comienza muy temprano a dibujar al pastel y a la acuarela. Estudia en la Art Students
League de Nueva York desde 1947, y obtiene un título de Filosofía en la Universidad
de Columbia en 1953. De 1956 a 1958, realiza una serie de pinturas abstractas. Se
convierte en crítico de arte y trabaja en dos revistas, Art News y Art Magazine, y
abandona la pintura por el relieve en 1961. En 1965, publica un artículo titulado
“Specific Objets” donde resume su opinión sobre su trabajo y el de los artistas
minimalistas. Se pasa a la tridimensionalidad y dispone objetos producidos por la
industria: Galvanized Iron (1965), Untitled(1968). En 1971, el cilindro se añade al
cubo y al paralelepípedo. La simplicidad de las formas que Serra elige, las líneas
ritmadas por las dualidades color/color, lleno/vacío, interno/externo, frontal/lateral,
mate/brillante, el rigor geométrico de sus módulos, hacen de Judd uno de los
representantes más influyentes del minimalismo (Untitled, 1973 MNAM, París). Desde
1970, también se interesa en la ubicación del objeto de arte en la arquitectura e
interviene tanto en el entorno interior como en el exterior. En 1985, manda realizar
muebles de madera de edición limitada.

1989 1972
 FRANK STELLA 1964
Pintor americano, nacido en Malden, Massachusetts en 1936, Frank Stella cursó
estudios en la Universidad de Princeton y sus primeras pinturas se inspiran en el
expresionismo abstracto. Pero desde 1958 reacciona contra este estilo y realiza
las Black-stripe paintings (pinturas de bandas negras), donde su dibujo se limita
a bandas negras paralelas separadas por líneas de lienzo sin pintar (Tomlinson
Court Park, 1959). La simetría, la uniformidad all-over, el toque neutro, el
rechazo de todo subjetivismo son una respuesta a la pintura de Pollock o de De
Kooning. A partir de 1962, introduce un color, luego dos y finalmente varios (Gran
Cairo, 1962). Continuó su investigación mediante la creación de lienzos cuyos
marcos cortaba en diferentes formas, en T, H, U, hexagonales, pentagonales …
(Shaped Canvas – lienzos de formas diferentes) en los que las bandas horizontales
de pintura al aluminio o al cobre se identifican con la forma exterior del lienzo
(Más o menos, 1964, París, MNAM).
A partir de 1967, con la serie Protractors las formas semicirculares se liberan y
colores formas ya no coinciden (Agbatana I, 1968). La reducción gradual de la
planitud se considera abandonada en favor de un espacio “real” que conduce
a Brazilian Serie (1974-1975) y a los relieves de los Constructed Paintingsa partir
de los años 80. El espacio tridimensional es complejo, los recortes de colores
brillantes donde la pincelada es evidente se superponen en diferentes formas
abstractas (La Vecchia dell’orto, 1986 MNAM).

1968 1986
RICHARD SERRA
Escultor americano, nacido en San Francisco en 1939, Richard Serra después de cursar
estudios en Berkeley de 1957 a 1961, viajó a Francia e Italia (1964-1966) y se trasladó
a Nueva York en 1967. Junto con Robert Morris, Keith Sonnier y Bruce Nauman,
Richard Serra pertenece al grupo “Anti-Form” de la Costa Oeste. Su obra tiene varias
fases: los cauchos y los neones (1966-1967), las construcciones de metal fundido
(1968-1969); las obras cortadas y dobladas (1968-1970); las piezas inclinadas y
extremadamente pesadas (1968-1971); las películas y las cintas de vídeo (1968-1977);
las grandes esculturas de acero instaladas en interiores o al aire libre en el paisaje
(desde 1970). Serra utiliza nuevos materiales donde interviene la noción de
transitoriedad, de movimiento, de equilibrio y desequilibrio. En Splash (1967), Serra
derrama plomo fundido en la parte inferior de las paredes. A finales de los años 60,
realiza vídeos cuyos escenarios trascienden las situaciones narrativas clásicas (Hand
Catching Lead, 1968). En 1970 participa en la exposición When attitudes become
form (Cuando las actitudes se convierten en forma) organizada por Harald Szeemann
en Berna. En 1977, en la Documenta de Kassel, construye precarios equilibrios con
placas de acero colocadas perpendicularmente unas con respecto a las otras: el
peligro emergente de estos desequilibrios potenciales se convierten en una fuente de
emoción. En 1983 presenta Clara-Clara, en los jardines de las Tullerías en París y la
obra Slat, en la Defensa, inaugurada en 1985.
La materia del tiempo (The Matter of Time), Untitled, 1967, Richard
Instalación,1994-2005, Richard Serra (Bilbao,
Museo Guggenheim) Serra (New York, MOMA)
La obra de Richard Serra encarna una especie de etapa de transición: contiene
acentos minimalistas, pero aun es lo suficientemente cercana a las
composiciones de David Smith. Las pesadas piezas inclinadas que Serra realiza
entre los años 1968 y 1971 expresan dinamismo precisamente a causa de su
aparente inestabilidad física. Con frecuencia, también tienen una forma
asimétrica. Sus esculturas al aire libre, especialmente el famoso Tilted Arc (Arco
inclinado) de 1989, causó controversia debido a la reacción del público, que las
encontraba amenazadoras.

House of Cards, 1969, Richard

Serra (New York, MOMA)
DAN FLAVIN

Dan Flavin (Nueva York 1933-1996) sigue los cursos de dibujo y pintura en la
Universidad de Columbia de 1957 a 1960. Sus primeras obras pictóricas están
inspiradas por el expresionismo abstracto. Entre 1961 y 1963, realiza
construcciones cuadradas, pintadas, en las que fija bombillas (Iconos). Utiliza por
primera vez el tubo fluorescente en 1963 (Diagonal del 25 de mayo, 1963).
Gracias a la luz de sus tubos, transforma el espacio real y puede jugar con los
límites arquitectónicos. En 1964, utiliza luces de varios colores y su obra se
vuelve más pictórica (Sin título, To Donna 5a, 1971, París, MNAM). Sus
estructuras se organizan de acuerdo con la instalación in situ, e incurren en una
mínima acción de su parte. En 1966, participa en la exposición de Art
minimal Primary Structures en el Jewish Museum de Nueva York con Carl Andre,
R. Morris, Donald Judd. Inspirado por la obra de Tatlin a quien admira y al que ha
dedicado varias instalaciones (Monument for V. Tatlin, n° 61, 1969), y la creación
de las Corner Pieces, introduce el discurso del constructivismo en el arte
minimalista.
 Diagonal del 25 de mayo,
1963, Dan Flavin (San Francisco
Museum of Modern Art)

La obra de Dan Flavin se sitúa en la conjunción del minimalismo y del arte cinético. No
se preocupa sólo de la luz sino también del espacio, como lo demuestra su elección de
los materiales; en este sentido, su obra está relacionada con la de Buren. “Yo sabía,
dijo, que se podía alterar y jugar con el espacio real de una habitación plantando
ilusiones con luz real (luz eléctrica) en las juntas cruciales de la composición de la
sala».
Sans titre (To Donna 5a), Sin título (To Tracy, to celebrate the
1971, Dan Flavin (Paris, love of a lifetime), 1992, Dan
MNAM) Flavin (New York, Musée Guggenheim)
CARL ANDRE

 Influenciado en sus inicios por Brancusi, Carl Andre (Quincy, Massachusetts

1935) cambia radicalmente de dirección a partir de 1965 y se muestra uno de
los representantes más originales del arte minimalista. De hecho, despoja a la
escultura de una de sus dimensiones tradicionales: la altura. Presentando sus
piezas en el suelo, insiste en la noción de serie y combina elementos idénticos
cuya yuxtaposición ha sido calculada utilizando un módulo matemático.
Enteramente basadas en la horizontalidad, estas obras se convierten entonces
para el espectador en un espacio a recorrer. Utilizando primero la madera, el
plexiglás, el ladrillo, en 1967 ejecuta sus primeras estructuras metálicas y en
1969 las compone en tablero de ajedrez. A partir de entonces, Carl Andre
realiza obras verticales utilizando materiales diversos, estrictamente
similares en corte y regularmente espaciadas (Shiloh, 1980). Creando así una
estructura espacial a partir del suelo y jugando con la materia, la altura, el
peso y la regularidad de los elementos. Todas sus piezas se realizan en el
mismo lugar de la exposición y son desmanteladas una vez finalizada.
Copper-Zinc Plain, instalación, Still Bleu Range, installation,
1969, Carl Andre (San Francisco Museum 1989, Carl Andre (obra realizada
of Modern Art) en Bruselas)
CARACTERISTICAS
DEL ARTE
MINIMALISTA
 Las características más destacadas de este estilo de arte, si hablamos de manera
general, son:
 Abstracción total: las obras operan sólo en términos de material, superficie, tamaño
y color.
 Se expresa con gran austeridad en la composición y la ausencia de ornamentos
innecesarios,
 Máxima sencillez: buscan la reducción para eliminar toda alusión simbólica y
centrar la mirada en cuestiones puramente formales: el color, la escala, el volumen o
el espacio circundante.
 En la escultura: se usan formas semejantes a cubos, pirámides o esferas,
organizadas en ángulos rectos, generalmente en series.
 En la pintura: se utilizan las superficies enfáticas monocromáticas, generalmente
pintura blanca sobre fondo blanco o de otros colores apenas modificadas con líneas y
puntos casi imperceptibles por marcas cerca del borde o por pincelazos.
 Niegan cualquier efecto de ilusión y literal, haciendo que la pintura sea sólo
“pigmento específico” sobre una “superficie específica”
 Utilización directa de los materiales manipulados lo mínimo posible.
 Se emplean distintos materiales a fin de explotar la interación de sus
características físicas.
 Juegan con la creación de contrastes como brillante-mate, suave-áspero,
opaco-transparente, y grueso-fino.
 En la pintura se aplica la pintura empastada con efectos de jaspeado o a base
de gruesas pinceladas paralelas, a fin de acentuar el carácter literal.
 Se crean obras de gran formato y pinturas sin marco.
 Predominio de formatos y colores neutros.
 Purismo estructural y funcionalidad, con una gran precisión en los acabados.
LAS RAICES DEL ARTE MINIMALISTA

 EL CUBISMO:
El cubismo fue una tendencia de los 1900’s, cuyos máximos exponentes
incluyeron a Picasso y a Georges Braque. No solo hay cubismo en las artes
visuales, sino que también se extendió a la música y a la escritura. De hecho el
cubismo es uno de los movimientos artísticos modernos que más alcance e
influencia ha tenido en todo el planeta.
La técnica detrás del cubismo es desarmar los objetos, y volver a armarlos
usando formas más abstractas. A Picasso le gustaba hacerlo con prismas y cubos,
de ahí el nombre de la tendencia:

PABLO PICASO, 1910.

 Al armar los objetos, también se cambiaba la perspectiva, como ocurriría si
alguien tomara el objeto y lo partiera en cubos: algunos quedan
desacomodados y en ángulos raros.
 El cubismo le quitó mucho de la complejidad al arte visual: de repente se
simplificaron temas como las sombras y el manejo de luz, que todavía en el
cubismo están presentes, pero no con una complejidad tan radical como en
las tendencias anteriores. Igualmente la perspectiva y las formas se volvieron
más simples. De ahí que se considere que este movimiento son las raíces del
arte minimalista.
 EL ARTE MINIMALISTA DE LOS 1960’S
Alrededor del año 1960 nació un movimiento de reacción en contra del arte expresionista de la
época. Este movimiento fueron los minimalistas. El arte expresionista de la época generalmente
buscaba hacer toda una obra visual, con relaciones complejas, metáforas en la forma y el color,
pequeños detalles que tenían significado oculto… lo cual llegó a cansar a los que se convertirían
en minimalistas. Porque según ellos, era demasiado cansado estar descifrando un acertijo
complicadísimo en cada obra, y peor aún estar planeándolo para hacer la obra.
Decidieron que sus creaciones tenían que ser mucho más simples y directas. Quién las veía tenía
que poder entenderlas y disfrutarlas rápidamente, sin explorar una infinidad de avenidas y
posibilidades.
Los minimalistas buscaban lo objetivo, mientras que los expresionistas que los antecedieron
buscaban lo subjetivo. Para un expresionista, estaba en cada persona el entendimiento y el
mensaje que les transmitía el arte. Para los minimalistas, el arte tenía un propósito que era
comunicar algo, y ese algo tenía que ser claro y directo… el arte tenía que ser algo objetivo. No
podía estar cargado de metáforas ni de significados ocultos.
También los minimalistas se volvieron mucho más simples en la fabricación de su arte. No se
molestaban con estar haciendo y controlando cada pequeño detalle de sus obras, sino que
básicamente iban a la tienda a ver qué podían conseguir, y con eso hacían sus obras. Un caso
interesante es el de Frank Stella, en cuyos trabajos aparecen franjas de un cierto ancho. Ese
ancho no tuvo ninguna fórmula secreta ni significado especial: es simplemente el de la madera
que consiguió para hacer el marco de soporte.
FRANK STELLA
Artistas del expresionismo u otras tendencias habrían dedicado meses enteros a
resolver el problema del ancho de las franjas… buscando balance, significado,
metáforas. Los minimalistas simplemente las hacían de un ancho conveniente
según lo que hubiera disponible.
Además, vale la pena notar en los trabajos de Frank Stella, la simplicidad del
color. Nada de sombras complicadas, nada de manejos extraños de luz,
simplemente un color, una forma, y vámonos.

 Como ejemplo aún más radical del arte minimalista tenemos a Yves Klein, con
su Pintura Monocromática (1962):


Yves Klein
No hay nada especial del trabajo de Yves Klein: es un
rectángulo de un solo color. La máxima expresión del
minimalismo en la pintura. Yves Klein también compuso la
llamada Sinfonía Monótona, que es un solo acorde en loop
durante 20 minutos, seguido por 20 minutos de silencio.
También lo anterior lo podemos ver claramente en las esculturas minimalistas.
Por ejemplo en Free Ride de Tony Smith:

Tony Smith también fue creador de Die (1962), “un cubo de acero de seis
pies con arriostres internos en metal”
Cuál es el significado de Die? Exactamente lo que se ve: un cubo de metal. Las
dimensiones las eligió Tony Smith primero siguiendo las dimensiones estándar del
material de acero que producían los molinos, y segundo buscando concordancia
con las dimensiones del ser humano. Porque “más grande, y se convierte en un
monumento, más pequeño, y se convierte en un objeto más”. Adicionalmente la
superficie del cubo no tiene acabado, es el metal puro, a como viene
normalmente. Muchos consideran que este aspecto fue un ataque directo hacia
el expresionismo: Tony Smith estaba buscando enviar el mensaje de que él no iba
a seguir la tendencia de acabar y mejorar la superficie de sus esculturas,
buscando la perfección de los expresionistas.
 Algo parecido hizo Richard Serra, otro minimalista, con House of Cards:
Richard Serra fue aún más extremo en su escultura, porque ni siquiera unió las
caras. El atractivo de la escultura, según Serra, es precisamente esa
inestabilidad: las caras no están unidas, puede caerse en cualquier momento,
puede aplastar al espectador, o puede quedarse en su lugar. Richard Serra siguió
la idea de Tony Smith de que su escultura tenía que ir en el centro de una
habitación, porque de esa forma impedía el paso, y la gente se veía obligada a
caminar a su alrededor y apreciarla en un un orden lógico y controlado, dos caras
a la vez.
 Un ejemplo casi ridículo del uso de objetos cotidianos e industrializados, lo
podemos ver en uno de los antecesores del minimalismo, el francés Marcel
Duchamp:

Ridículo como es, Marcel Duchamp lo logró colocar en

el MoMA en Nueva York. Aunque la idea original de
Duchamp data de 1913, esta versión que aceptó el
MoMA fue reproducida por Duchamp en 1951.
LOS COLORES EN EL ARTE MINIMALISTA

 Una de sus principales características del minimalismo es el uso de colores

puros, con superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves
predominando el blanco, utilizando una amplia gama de sus variedades y el
crudo, aunque también se utilizan los tostados o el negro con sutiles toques
de color para acentuar detalles y accesorios. Para el contraste utilizan
algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. Por
ejemplo se puede poner un detalle de color, utilizando el color rojo,
representando una alfombra, como un objeto único.
TEXTILES UTILIZADOS EN LA
DECORACION MINIMALISTA
 Las telas que se utilizan deben evitar lo agresivo y barroco, aportando
frescura y dando una sensación de tranquilidad invitando a la relajación. Se
utilizarán telas lisas rozando lo austero, descartando las telas floreadas y
estampadas. Se prefieren las telas rústicas en color marfil, con texturas
como el lino o lonetas. Respecto a la decoración en el arte minimalista, con
cortinas, almohadones y tapizados se seguirá una unidad y un equilibrio en el
conjunto.
ESCULTURA EN EL ARTE MINIMALISTA
 A la hora de hablar de la escultura debemos decir que
fue un campo artístico muy destacado, utilizando
las formas geométricas simples que no representaban
ninguna imagen. Los escultores
minimalistas encargaban sus obras a industriales sin
participar en el proceso, manteniéndose al margen
para que no hubiera ningún rastro de humanidad. En
sus obras se podía captar su totalidad de una sola vez y
de una forma inmediata, así con una primera vista las
obras eran entendidas.
 En la escultura minimalista podemos observar
diferentes artistas como por ejemplo son: Robert
Morris, Carl Andre, Donald Judd, Dan Flavin y Sol
LeWitt.
LA PINTURA EN EL ARTE MINIMALISTA

 Se trata de una pintura abstracta que se originó en los Estados Unidos,

concretamente en Nueva York, en la década de los años 1960, desarrollándose
durante los años 1970. Sus principales características son: el uso de formas
rectangulares y cúbicas, destacando una Igualdad de las partes del cuadro,
usando la repetición, usando superficies neutras y creando lienzos de gran
formato, predominando mucho el color.
 Si hablamos de la pintura minimalista tenemos que destacar que tenía una
gran influencia del constructivismo, aunque destacó más las influencias que
tenía de las proposiciones reduccionistas expuestas por el artista Ad
Reinhardt.
 Hay millones de pintores destacados de esta clase de arte, entre ellos están
Robert Ryman, Agnes Martin y Robert Mangold.