HISTORIA DE

LA DANZA
 NEOCLASICO
La historiografía en el ámbito de la danza acepta comúnmente el
concepto de –neoclasicismo- para designar un período histórico y
estilístico de la danza que comienza a gestarse en 1909, cuando
Diaghilev y los Ballet Russes irrumpen en la escena Europea , se define a
mediados del siglo XX con Lifar y Balanchine y llega hasta las
postrimerías del siglo XX y principios del XXI, a falta de una revisión del
término. Proponemos en estas líneas, no una definición pero sí
reflexionar acerca de lo que ha sido y tal vez siga siendo la danza
neoclásica.
Durante la primera mitad del siglo XX se experimenta en tierras
americanas una revolución sin precedentes en el ámbito de la danza.
Isadora Duncan se manifestó en contra de los estrictos cánones de la
danza clásica y proclamó una danza exenta de reglas, una danza libre.
Poco después los nombres de Delsarte, Dalcroze, St. Denis, Humphrey,
Graham, Limón, Wigman, Laban, etc. darían a conocer al mundo los
preceptos de una danza donde movimiento y gesto concurrirían por
primera vez en franca armonía frente al precepto clásico donde el
máximo de belleza se conseguía por encima del estado emocional del
intérprete.
Este momento histórico será
llamado por la historia de la
danza como Danza Moderna.
Paralelamente Diaghilev llegó a
Europa para hacer temblar la
escena con su concepto de
espectáculo total, aglutinando
todas las artes y a los mejores
artistas e invitando a sus
creadores a probar nuevos
lenguajes y nuevas estéticas.
Este sería el germen del nuevo
estilo, y sus precursores serían
Fokine, Nijinsky, Massine, Nijinska,
Lifar y Balanchine que
implicados en un concepto afín
al de la danza libre de Isadora,
plantearon nuevas formas de
expresión partiendo siempre del
lenguaje clásico.
 Antes de que existiera el tutú como
lo conocemos ahora, el ballet
originado como un espectáculo de
la corte, utilizaba el vestuario
casual hasta 1730 cuando la
bailarina profesional Marie
Camargo decidiera acortar su
falda por encima de los tobillos
para que el público pudiera
apreciar sus pies.
 ROMANTICISMO
El siglo XIX va a surgir el Romanticismo, en el que los sentimientos
de amistad, honor, sacrificio son puntos importantes al igual que
la mujer, Madre, amante, heroína. Con la guerra se difunde un
cierto gusto por la muerte, al mismo tiempo que lo popular, lo
folklórico, se desarrollará por los movimientos nacionalistas, en
un afán de rescate y búsqueda de originalidad, mientras que
en las ciudades se representan las danzas de entretenimiento
como Álvarez, danza de pareja que posibilita el sentimentalismo
de la época.
El minué en y la gavota habían sido representativas de una
aristocracia que estaba destruida para entonces, y se utiliza un
baile de los aldeanos de Alemania y Australia: el varas, que fue
en prohibido en los salones aristocráticos y monárquicos, y que
alcanza su apogeo con Strauss en Viena.
A partir de esta época aparece en grandes bailarines como
María Taglioni, Fanny Cerrios, Lucile Grahn, etc.
 La definición clásica del tutú es “una falda de tejido vaporoso y
transparente usada por las bailarinas de ballet”, el término se relaciona
con los trajes que ocupaban las bailarinas desde el siglo XIX, cuando los
temas expuestos en el ballet comenzaron a incorporar elementos etéreos,
fantásticos y románticos; como sílfides, hadas, ondinas y espíritus.
 Francia, Alemania, Reino Unido y España a finales del siglo XVIII como una
reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el
Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.
 Surgió el clásico vestuario de ballet (el tutú), aparecido por primera vez en
el Ballet de las Monjas de Robert le Diable (1831), de Giacomo Meyerbeer.
 El romanticismo es la
época dorada para el
ballet y es cuando el
término de tutú hace su
aparición en escena. Con
el estreno de La Sífide, en
1832, se estableció la
estética popular de la
bailarina y su vestimenta.
El tutú romántico sería una
falda acampanada,
vaporosa, generalmente
hecha de tul, muselina o
sedas semitransparentes
cuya longitud abarcara
hasta media pantorrilla.
Coreógrafo Carlo Blasis
Principal creador del ballet moderno en cuanto codificó todos los aspectos
técnicos concernientes a la danza
Fue el primero que publicó un análisis sobre las técnicas de ballet en 1820, en un
trabajo llamado “Traité élémentaire, Théorique, et pratique de l'art de la danse”
(Tratado Elemental sobre el Arte de la Danza, la teoría y la práctica).Luego
escribió “The Code of Terpsichore” (El código de Terpsícore). En estos manuales
codificó su enseñanza, métodos y todos sus conocimientos de técnica de Ballet
clásico. Estos libros –aún hoy en día- sirven como base de la educación en ballet
clásico.Se le atribuye la postura "Attitude", derivada de la famosa estatua de
Mercurio de Giovanni da Bologna
 Descubrió la técnica
para evitar el mareo al
girar llamada “spotting”,
con la cual el bailarín
gira su cabeza más
rápido que el resto del
cuerpo, manteniendo
por más tiempo su
enfoque en un punto,
evitando así la sensación
de mareo.
 En 1855 crea la "barra" y ejemplifica su uso con el fin de facilitar el
aprendizaje y perfeccionamiento de la Danza Clásica.

 Sugirió que las clases de ballet comenzaran con ejercicios en la

barra, seguidos por un trabajo central o principal y culminando
en combinaciones “allegro” desplazándose a través del salón de
clase.
 También introdujo el baile sobre las puntas de los pies, en el que
destacaron Marie Taglioniy Fanny Elssler. En bailes populares,
continuó la moda del vals, y aparecieron la mazurca y la polca.

Marie Taglioniy
Empezó a instruirse en la danza a los 12 años
con su padre, coreógrafo y bailarín, e hizo su
debut en Viena en el año de 1822 y
en París en 1827.
Con el estreno de “La Sílfide”, obra de ballet
creada por su padre3 y estrenada por ella en
la Ópera de París el 12 de marzo de 1832,
acompañada por Joseph Mazilier (1801 –
1868) y Lisa Noblet, se inició la era del baile en
puntas. Su estilo etéreo se convirtió en el
símbolo de la era romántica.2 Asimismo, la
bailarina se consagró al bailar en puntas de
pie por primera vez en la historia de la danza
como “la más grande bailarina del
momento”. Creó un delicado nuevo estilo,
caracterizado por saltos flotantes y posturas
balanceadas como el "arabesque", que
tipificó la cualidad romántica de principios
del siglo XIX.
 Una mazurca era originalmente un baile de salón de la
corte real y la nobleza polaca, y se convirtió con el
tiempo en una danza para la clase popular. En la
tradición rural bailaron a menudo juntos en orden: mazur
(medio rápido), kujawiak (lento) y oberek (rápido). La
diferencia entre estas danzas se basa en la expresión y la
velocidad.
 La mazur, determinada como mazurca, se dio a conocer
por toda Europa junto con la polca (de estructura similar)
durante la segunda mitad del siglo XIX. Se convirtió en el
baile de moda de las grandes capitales europeas durante
este siglo. Se baila en parejas, y es una danza de carácter
animado y gallardo. La mazurca es generalmente más
rápida que la polonesa y tiene otros acentos.
 Especialmente fue Frédéric Chopin el principal precursor
de esta estilizada forma musical en la música clásica y de
concierto. Escribió 61 mazurcas, en las que claramente se
establece su ritmo característico, el que la diferencia de
las otras formas musicales.

MAZURCA
 La polca (o polka) es una danza popular aparecida en Bohemia hacia
1830. Su forma musical deriva directamente del minueto, baile
cortesano muy popular en el siglo XVIII.
 En 1835, la polca se había extendido a los salones de baile de Praga. A
partir de ahí, se extendió a Viena en 1839, y en 1840 fue introducido en
París por Raab, un instructor de baile de Praga.
 Fue tan bien recibida por los bailarines y maestros de danza en París,
que su popularidad se refiere como "polkamanía". El baile se extendió
pronto a Londres, y fue introducida en América en 1844.
 La popularidad de la polca durante la segunda mitad del siglo XIX fue
universal, y dio lugar a que en muchos países se desarrollase su propia
variedad de polca, y que incluso esta variedad formase parte de su
tradición cultural. Fue un baile de salón popular hasta finales del siglo
XIX.
 La polca fue contemporánea del vals. Este último estaba pensado
para los elegantes salones de baile de las clases acomodadas,
mientras que la polca era el vals de las clases populares. Aunque esto
es cierto, la polca también llego a los grandes salones después de que
lo hiciese el vals. Los Strauss, además de valses, también compusieron
polkas que fueron muy bailadas.
 A diferencia del vals, la polca dejo de bailarse en los salones de baile, y
sólo ha quedado como baile folclórico en algunos países, lo que le ha
dado fama como baile antiguo.

POLCA
 A mediados del siglo XIX, con el nacionalismo musical, el
centro geográfico en cuanto a creación e innovación
pasó de París a San Petersburgo, donde el Ballet Imperial
alcanzó cotas de gran brillantez, con un centro neurálgico
en el Teatro Mariinski –y, posteriormente, en el Teatro Bolshói
de Moscú–. La figura principal en la conformación del
ballet ruso fue Marius Petipa, que introdujo un tipo de
coreografía narrativa donde es la propia danza la que
cuenta la historia.
 Alphonse Victor Marius Petipa fue un coreógrafo, maestro
de ballet y bailarín francés, radicado en la Rusia imperial y
renovador del estilo. Con él se dio por terminada la época
del ballet romántico para inaugurar la del grand
ballet ruso.
 Hizo ballets más largos, de hasta cinco actos,
convirtiendo el ballet en un gran espectáculo, con
deslumbrantes puestas en escena, destacando su
colaboración con Piotr Chaikovski en tres obras
excepcionales: La bella durmiente (1889), El cascanueces
(1893) y El lago de los cisnes (1895).
 El arte de Petipa estuvo hecho de rigor técnico, riqueza
de medios y un sentido de la elegancia que huía de
todo virtuosismo y de cualquier espectacularidad
pomposa. Detestaba el acrobatismo de la escuela
italiana y el lujo desanimado del tardío ballet francés.
Intentó conservar y enriquecer la herencia romántica,
llevando la tradición a sus más altos niveles. Reformó el
papel del bailarín masculino y dio corporeidad
diferenciada al hombre y a la mujer, de modo que se
explotaran al máximo las propiedades anatómicas y
enérgicas del bailarín. También suprimió la figura
del favorito o favorita, tratando a todos con igualdad. En
la redacción de sus coreografías era minucioso y
científico, e iba escribiendo en una libreta las diversas
evoluciones que la partitura exigía, incluyendo retratos y
perfiles de las actitudes que imaginaba en los diversos
personajes. El culmen de cada una de sus obras era
el pas de deux entre los protagonistas, que empieza con
un adagio a cargo de ambos, sigue con variaciones
alternadas, una para ella y una para él, una lenta y otra
rápida, y acaba con un nuevo dúo, exigente de técnica
y resuelto con una pose entrelazada y estatuaria. Así
pues, Petipa unió la tradición de la velocidad italiana
con la herencia del elaborado adagio francés.
 El cancán o can-can (el uso sin guion viene del original francés: can can
pronunciación en francés: kɑ̃kɑ̃ es un baile de alta energía y exigencia física
que se convirtió en un conocido music hall en la década de 1840, continuando
su popularidad en el cabaré francés hasta nuestros días. Originalmente bailado
por ambos sexos, está tradicionalmente asociado al femenino. Sus principales
características son las patadas altas, split y piruetas varias.
 El cancán apareció por primera vez en los salones de baile de la clase
trabajadora del barrio parisino de Montparnasse alrededor de 1830.
 el cancán era originalmente una danza para parejas, las cuales realizaban
patadas altas y otros gestos con los brazos y las entrepiernas. Se cree que éstos
fueron influenciados por los movimientos de un popular animador de los años
1820, Charles Mazurier, quien era muy conocido por sus
demostraciones acrobáticas, las cuales incluían el grand écart, que más tarde
sería una característica popular del cancán. Para este momento, y durante la
mayor parte del siglo XIX en Francia, el baile fue también conocido como
el chahut. Ambos términos son franceses, can can significa 'escándalo',
mientras que chahut significa 'ruido' o 'alboroto'.
 A medida que los bailarines de cancán se volvieron más habilidosos y
arriesgados, fue desarrollando gradualmente una existencia paralela como
entretenimiento además de la forma participativa. Unos pocos hombres fueron
estrellas del cancán entre los años 1840 y 1860, pero las mujeres bailarinas
fueron mucho más populares. Estas eran mayormente cortesanas de mediana
categoría, y sólo animadoras semiprofesionales a diferencia de las bailarinas
de los años 1890, tal como La Goulue y Jane Avril, quienes eran muy bien
remuneradas por sus presentaciones en el Moulin Rouge y en otros lugares.

CAN CAN
 A nivel popular, el baile más famoso de la época
fue el can-can, mientras que en España surgieron la
habanera y el chotis.
 El término habanera se dió a conocer en el contexto creativo e
interpretativo de la Contradanza criolla. Obras de este género
editadas a inicios del Siglo XIX habían aparecido con el nombre de
contradanzas habaneras. Por eso muchas fuentes coinciden en
considerar el orígen dancístico-salonesco del género.
 Por otro lado, se conoce que algunas danzas ya acriolladas, con una
mayor elaboración rítmica, asimilaron un texto, de donde surgieron
varias canciones a las que se llamó habaneras simplemente.
 Estas canciones tomaron de las anteriores contradanzas y danzas
cubanas el llamado ritmo de Tango y lo utilizaron como patrón guía.
Dicho modelo comenzó a conocerse entonces bajo el nombre de
ritmo de habanera.
 El desarrollo de las habaneras se dio fundamentalmente en las zonas
de puerto de mar, vía por la cual se trasladó a América, España y el
resto de Europa. El ostinato característico del bajo tradicional se
incorporaría a la cancionística de
España, México, Perú, Venezuela y Argentina. En el caso de
Argentina se reconoce como influyente en la música folklórica pues
las primeras manifestaciones de tango aparecen a fines del siglo
pasado, en la década del 80, bajo la forma de simples habaneras."
(Erdfehler, 2001: 49) Otras noticias de su dispersión en América
indican que la habanera se conoció en Chileaproximadamente
en 1870, luego de
recorrer México, Venezuela, Colombia, Perú y Argentina.

HABANERA
 El chotis es una música y baile con origen en Bohemia. Su nombre deriva del
término alemán Schottisch («escocés»), una danza social centroeuropea a la
que en Viena se quiso atribuir origen en un baile escocés. Diversas variantes
del schottisch perviven en la tradición argentina (schotis), austríaca, brasileña
(xote), escandinava (schottis), española, finlandesa (sottiisi), francesa
(scottish), italiana (chotis), inglesa (scottische), mexicana (chotís), paraguaya
(choti), portuguesa (choutiça o chotiça), suiza y uruguaya (chotís o xote). Se
puso de moda en casi toda Europa durante el siglo XIX y se extendió
a América. Se baila en San Isidro.
 El baile que va unido a esta fiesta es el chotis, que aunque haya enraizado en
nuestra sociedad no tiene origen en nuestro país sino en Bohemia y cuyo
nombre deriva del termino alemán Schottisch (escocés). Este nombre hace
referencia a una danza centroeuropea. De hecho variantes de este baile
pueden encontrarse en distintas tradiciones, como en la italiana,
escandinava, argentina, suiza, uruguaya, francesa, inglesa, mexicana,
paraguaya, portuguesa, finlandesa, austriaca y brasileña. El baile se puso de
moda en el s. XIX y se extendió no sólo por Europa, sino que cruzó el charco
hasta las Américas.
 A Madrid llegó en 1850 y se representó por primera vez en el Palacio Real bajo
el nombre de Polca Alemana. Gustó tanto que los madrileños nos apropiamos
de la danza dándole un aire chulo y castizo. El secreto del baile está en los
pies de la pareja. La mujer hace girar al hombre como si estuviese en una
baldosa o ladrillo con arte y estilo. Primero rotan hacia la izquierda, y cuando
la música cambia (es de tres tiempos) cambian el sentido y giran hacia la
derecha y después, nuevamente, hacia la izquierda. Es importante llevar un
zapato que se deslice bien pues, como podéis suponer, si el hombre lleva
suela de goma no habría forma de hacerle girar.

CHOTIS