UNIVERSIDAD DE LOS ANDES

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACION

ESCUELA DE EDUCACIÓN
ASIGNATURA: EDUCACION ESTÉTICA
INTRODUCCIÓN
1. - FORMACIÓN ESTÉTICA VISUAL. (F.E.V)
1.1 PINTURA.
1.1.1 Pintura histórica.
1.1.2 Retrato.
1.1.3 Pintura de género.
1.1.4 Paisaje.
1.1.5 Naturaleza muerta.
1.1.6 Desnudo.
1.1.2 Técnicas de Pintura.
1.1.2.1 Óleo.
1.1.2.2 Cera.
1.1.2.3 Acuarela.
1.1.2.4 Témpera Acrílico.
1.1.2.5 Pastel.
1.1.2.6 Temple.
1.1.2.7 Fresco.
1.1.2.8 Puntillismo.
1.1.2.9 Dripping.
1.1.2.10 Grafi.
1.1.2.11Collage
1.2 ESCULTURA
1.2.1Clases de Esculturas:
1.2.1.1 Madera.
1.2.1.2 Bronce.
1.2.1.3 Hierro.
1.2.1.4 Piedra.
1.2.2 Tipos de Escultura:
1.2.2.1Escultura Estatuaria.
1.2.2.2De Bulto Redondo.
1.2.2.3De Relieve.
1.2.3 Estilos de Esculturas:
1.2.3.1 Abstracto.
1.2.3.2 Expresionismo Figurativo.
1.2.3.3 Figurativo.
1.2.4 Escultores Destacados.
1.2.4.1 Miguel Ángel.
1.2.4.2 Gian Lorenzo Bernini.
1.2.4.3 Antonio Canova.
1.3 DISEÑO GRÁFICO.
1.3.1Historia del Diseño Gráfico.
1.3.2 Percepción.
1.3.2.1 Elementos básicos y sus
características.
1.3.2.1.1 El punto.
1.3.2.1.2 La línea.
1.3.2.1.3 El contorno.
1.3.2.1.4 Plano y textura.
1.3.3 Herramientas digitales para el
diseño gráfico.
1.3.3.1Adobe Photoshop.
1.3.3.2 Adobe Illustrator.
1.3.3.3 URL2PNG Pixie.
1.4 ARQUITECTURA.
1.4.1 Inicios de la Arquitectura.
1.4.2 Principales Tipos de Arquitectura.
1.4.3.1Arquitectura Histórica o
estilística.
1.4.3.2 Arquitectura Popular o
tradicional:
1.4.3.2.1 Común o vulgar.
1.4.3.3 Arquitectura contemporánea.
1.5 DIBUJO.
1.5.1 Técnicas de dibujo.
1.5.1.1 Lápices de grafito.
1.5.1.2 Carbón.
1.5.1.3 Sanguina.
1.5.1.4 Lápices de colores.
1.5.1.5 Tinta.
1.5.2 Tipos de Dibujo.
1.5.2.1Dibujo Artístico.
1.5.2.2 Dibujo Técnico.
1.5.2.3 Dibujo Geométrico.
1.5.2.4 Dibujo Mecánico.
1.5.2.5 Dibujo Arquitectónico.
1.5.2.6Dibujo humorístico “La
caricatura”:
1.5.2.7Dibujo analítico.
1.5.2.8 Dibujo descriptivo.
1.5.2.9 Dibujo naturalista.
1.5.2.10 Dibujo realista.
1.5.2.11 Dibujo abstracto.
1.5.2.12 Dibujo lineal.
1.5.3 Artistas destacados del Dibujo.
1.5.3.1 Pablo Picasso.
1.5.3.2 Maurits Cornelis Escher.
1.5.3.3 Alberto Durero.
1.5.3.4 Keith Allen Haring.
2. TRANSFORMACIÓN ÉPOCAL DEL ARTE. (T.E.A)
2.1 ARTE PREHISTÓRICO
2.1.1 Paleolítico
2.1.2 Mesolítico
2.1.3 Neolítico
2.2 ARTE PREHISPÁNICO
2.2.1 los Aztecas
2.2.2 los Mayas
2.2.3 los Incas
3. TRANSFORMACIÓN DEL PENSAMIENTO FILOSÓFICO EN ESTÉTICA Y
ARTE. (T.P.F.E.A)
3.1 Santo Tomás.
3.2 San Agustín.
4. TRATAMIENTO CURRICULAR
4.1 Ejes Transversales
4.1.1 Eje transversal Lenguaje.
4.1.2 Eje transversal desarrollo del pensamiento.
4.1.3 Eje transversal valores.
4.1.4 Eje transversal trabajo.
5.- TRATAMIENTO PEDAGOGICO.
5.1 Diseño Instrumental.
5.2 Diseño Hermenéutico.
6.- ESTÉTICA, ARTE INTERDISCIPLINARIO Y TRANSDISCIPLINARIO.
6.1 Estética y Arte en la Psicología
6.2Inteligencia Arte
6.3 Arte Terapia
6.4 Arte, Test- Clínica
6.5 Multi-inteligencia
7.- COMPUTACIÓN HUMANA.
7.1 Proyectos lúdicos digitalizados en la formación estética Visual
BIBLIOGRAFIA.
CONCLUSIÓN.
 INTRODUCCION

La siguiente presentación tiene como finalidad mostrar al publico

espectador el recorrido que tendremos los Animadores pedagógico en la
Asignatura Educación Estética específicamente en el desarrollo de la
Formación Estética Visual, La formación estética en particular, sobre
llevan diversos aportaciones positivas en todos los aspectos del
desarrollo del ser humano, por lo que es básico para el desarrollo del
mismo. Para ser creadores, es necesario abordar el mundo mágico del
niño, para poderlo potenciar dentro de lógicas combinatorias y
transformativas que nos permitan vivir el mundo de la creación a través
de la pintura, arquitectura, el dibujo y el diseño gráfico, la cual esta
sostenida a varios temas tales como:
Transformación epocal del arte, Transformación del Pensamiento
Filosófico en estética y arte por parte de Santo Tomas y San Agustín, y
en el tratamiento curricular en los ejes transversales sin olvidarnos de
los contenidos a relacionar de 4to grado, y un tratamiento pedagógico
que destaca dos diseños el instrumental y el hermenéutico,
seguidamente de la Interdisciplinaridad y transdisciplinaridad de
estética y arte en lo que es la psicología, sin olvidar la Computación
Humana .
Es importante para nosotros como animadores pedagógicos conocer
las habilidades y destrezas que cada uno tiene para poder lograr las
actividades que se ejecutaran a lo largo del semestre tales como:
proyecto lúdico, guion de teatro, micro de radio, guion cine infantil,
libro para maestro, problemario para niños, cancionero, cuento
ilustrado.
Proceso educativo orientado a la formación y desarrollo de
una actitud estética en las personas, hacia todo lo que
posee valor estético en el mundo, lo cual contribuye al
desarrollo integral de la personalidad en correspondencia
con su contexto sociocultural. Lo visual es posible gracias
a la captación que hace este órgano de las distintas ondas
de luz que se refractan de los objetos.
Es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con
otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se
emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de
composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en
aplicar, en una superficie determinada una hoja de papel, un lienzo, un
muro, una madera, un fragmento de tejido.
 PINTURA HISTÓRICA:

La pintura histórica era considerada grande expresiones e incluía las

pinturas con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o
alegóricos, era prácticamente una interpretación de la vida y mostraba
un mensaje intelectual o moral.
Entierro del Conde de Orgaz (1586-1588), de “El
Greco” Doménikos Theotokópoulo. Se puede
considerar dentro del género de pintura
histórica.

Describe una leyenda local según la

cual el conde fue enterrado por santo
Esteban y san Agustín. En la parte
inferior, se describe un enterramiento
con la pompa del siglo XVI; en la
parte superior, está representada la
Gloria y la llegada del alma del
conde.
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RETRATO:

Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene una ubicación ambigua e

intermedia, por un lado, representa a una persona hecha a semejanza de
Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de glorificar la vanidad de
una persona.

Retrato de El doctor Paul Gachet (1890)

por Van Gogh.

http://ocw.uma.es/humanidades/teoria-del-arte/material-de-clase-1/presentacionesharte/
PINTURA DE GÉNERO:

La pintura de género o ( escena de género) es el retrato de los hábitos de

las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas del pintor,
también se suele llamar (pintura costumbrista).

Pintura de género: Boda campesina

(1568) por Pieter Brueghel
el Viejo.
 PAISAJE:

Se inicia verdaderamente en el
siglo XVI, cuando con la aparición
del coleccionismo se empezó a
pedir temas de cuadros
campestres y a designar como
especialistas a los pintores del
norte de Europa.

NATURALEZA MUERTA:

Es el género más representativo de la imitación de la naturaleza de objetos

inanimados, en general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida,
utensilios de cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el
menos literario de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se
utilizaba para la decoración de grandes salones, como los frescos romanos en
Pompeya. Plinio el Viejo relata que los artistas griegos de siglos antes, eran
muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta.
DESNUDO:

El desnudo es un género artístico que

consiste en la representación del
cuerpo humano desnudo. Es
considerado una de las clasificaciones
académicas de las obras de arte.

TÉCNICAS DE PINTURA:

Las técnicas de pintura se dividen de

acuerdo a cómo se diluyen y fijan los
pigmentos en el soporte a pintar.

Carvajal francheski
óleo/ tela

ÓLEO: La pintura al óleo se hace básicamente con pigmento

pulverizado seco, mezclado en la viscosidad adecuada con algún
aceite vegetal. Estos aceites se secan más lentamente que otros, no
por evaporación sino por oxidación.
CERA:

La encáustica, que deriva del griego

enkaustikos ('grabar a fuego'), es una
técnica de pintura que se caracteriza
por el uso de la cera como aglutinante
de los pigmentos. La mezcla tiene
https://i1.wp.com/totenart.com/tutoriales/wp-
efectos muy cubrientes y es densa y content/uploads/2016/05/tutorial-ceras-y-acuarelas-
tecnicamixta-
cremosa. La pintura se aplica con un totenart.jpg?resize=1000%2C725&ssl=1
pincel o con una espátula caliente.

Témpera:
ACUARELA:
La témpera o gouache es
La acuarela es una pintura sobre papel un medio similar a la
o cartulina con colores diluidos en acuarela, pero tiene una
agua. Los colores utilizados son «carga» de talco
transparentes (según la cantidad de industrial o blanco de
agua en la mezcla) y a veces dejan ver zinc.
el fondo del papel (blanco.
ACRÍLICO:

La pintura acrílica es una clase de

pintura de secado rápido, en la que los
pigmentos están contenidos en una
emulsión de un polímero acrílico (cola
vinílica, generalmente). Aunque son
solubles en agua, una vez secas son
resistentes a la misma. Se destaca
especialmente por la rapidez del
secado. Asimismo, al secar se modifica
ligeramente el tono, más que en el óleo.
PASTEL: La técnica de la pintura al
pastel consiste en la utilización de unas
barras de colores cuyos pigmentos en
polvo están mezclados con la suficiente
goma o resina para que queden
aglutinados y formen una pasta seca y
compacta.
TEMPLE:
La pintura al temple tiene como
aglutinante una emulsión de agua,
clara y yema de huevo y aceite.
Conviene primero hacer la mezcla del
huevo con el aceite hasta lograr una
mezcla homogénea, después
gradualmente agregar el agua hasta
crear la emulsión o médium de la
técnica al temple.
FRESCO:
Técnica o arte de pintar con
pigmentos de origen mineral
resistentes a la cal y empapados
de agua sobre un muro con
revoque de yeso todavía mojado.
Esta técnica de pintura suele ser
estable y de larga duración,
aunque se puede dañar por
causas físicas, químicas o
bacteriológicas, la más frecuente
es la humedad que consigue la
alteración de los colores ante la
disolución del carbonato de calcio
y el desarrollo del moho.
PUNTILLISMO:
El puntillismo es la técnica que surgió
en el neoimpresionismo por el estudio
practicado principalmente por el pintor
Georges Seurat, que consiste en
colocar puntos pequeños esféricos de
colores puros, en lugar de la técnica de
pinceladas sobre el soporte para pintar.

DRIPPING:

El dripping es una pintura automática, Georges Seurat: La Torre Eiffel

que según los surrealistas se consigue
con ella una pintura casual, hecha con
gotas y salpicaduras de pintura.
GRAFITI:

Se realiza con una pintura envasada en

aerosoles que se utiliza pulsando el
botón superior por lo que sale en una
aspersión muy fina y permite pintar
grandes superficies, normalmente los
muros de las calles, a la pintura
conseguida de esta manera se le
denomina grafiti.

COLLAGE:

Generalmente es una técnica mixta, en Pablo Picasso.

donde se utilizan técnicas clásicas
como el óleo, conjuntamente con el
encolado de objetos diversos.
 La Escultura (del latín sculpere,
esculpir) es una forma de expresión
artística consistente en tallar, moldear,
esculpir o cincelar un material para
crear una forma con volumen.

http://mundoescultura.blogspot.com/2013/03/tipos-de-escultura.html
CLASES DE ESCULTURAS:

MADERA: si bien este tipo de esculturas suelen ser relacionados con la

religión, estas tienen un alcance mucho más amplio ya que pueden
hallarse estas piezas en diversas culturas y en diversos momentos de la
historia. De hecho es uno de los materiales que los escultores más
estiman por los excelentes resultados que permiten obtener y por la
facilidad con la que se puede manejar.
BRONCE: estas esculturas son muy apreciadas por durabilidad de su
materia prima. Sin embargo resulta muy difícil de manipular. Para ello son
utilizadas diversas técnicas, la más importante es a basa de cera. Con
este material se realiza un molde, cubierto con barro. El bronce es
derramado sobre el mismo y la cera se derretirá, pero el metal adquirirá
su forma. Su uso más común se relaciona con fuentes, grandes
monumentos, entre otros.
 HIERRO: este material comenzó a ser forjado hace más de tres mil años.
Estas técnicas se difundieron por toda Europa varios siglos después
por medio de los fenicios y griegos.

PIEDRA: en este caso son utilizados distintos minerales, el más usado es el

mármol. Se considera que las mejores obras realizadas a partir de la piedra
fueron creadas durante el renacimiento. Algunos de los artistas más
reconocidos hoy en día son Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci.
TIPOS DE ESCULTURA
La escultura se divide en dos grandes ramas, la
estatuaria y escultura ornamental.

ESCULTURA ESTATUARIA: lleva con propiedad el nombre de

escultura y tiene un ideal propio, desempeñando la segunda un
papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la
Arquitectura. A su vez comprende varios tipos: De bulto redondo
y Relieve.

DE BULTO REDONDO: Es aquella que se puede contemplar

desde cualquier punto de vista a su alrededor. Si se representa
la figura humana se denomina estatua y si representa imágenes
divina recibe el nombre de imagen.
DE RELIEVE: Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o
cualquier otra superficie
ESTILOS DE ESCULTURAS:

ABSTRACTO: Forma de arte que no intenta representar el mundo que

nos rodea. Aplicable a cualquier arte que no represente objetos
reconocibles. No imitación de la naturaleza.
EXPRESIONISMO FIGURATIVO: Esculturas elaboradas con material pesado
donde la figura humana sirve de pretexto para la expresión artística.

FIGURATIVO: "Representación de figuras de realidades concretas, en

oposición al arte abstracto."

http://3.bp.blogspot.com/_YZbzpeFxrEk/Rz9hmvb7pjI/AAAAAAAAABI/egNxnutBMKY/s400/una_mano_en_el_desierto_1.jpg
 ESCULTORES DESTACADOS:

MIGUEL ÁNGEL:

fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado

uno de los más grandes artistas de la historia, icono de conocimiento y
belleza. Trabajó en numerosos campos, despuntando en todos ellos,
siendo su preferida y predilecta la escultura. Muchos son los ejemplos
de su talento, desde la bóveda de la Capilla Sixtina hasta el 'David'.

Galería de la Academia, Florencia

GIAN LORENZO BERNINI:

fue un escultor, arquitecto y pintor italiano, nació el 28 de noviembre

de 1680. Trabajó principalmente en Roma y es considerado el más
destacado escultor de su generación. Muchas son las obras
reconocidas mundialmente de este autor, como por ejemplo 'David' o
'El rapto de Proserpina', sin embargo, la más popular probablemente
sea 'Apolo y Dafne', hecha a tamaño real.

https://encrypted-tbn0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTvY-
ANTONIO CANOVA:

Fue un escultor y pintor italiano, nació el 1 de noviembre de 1757, y falleció

el 13 de octubre de 1822 en Italia. Talentoso artista, considerado el mejor
escultor europeo desde Bernini. Su estilo pertenece a la corriente
neoclasicista italiana con una fuerte influencia procedente de la Grecia
clásica. Entre sus trabajos más sobresalientes se encuentra 'Psique
reanimada por un beso del amor', de 1787.

http://estag.fimagenes.com/img/3/Q/P/V/QPV_900.jpg
Se denomina diseño gráfico a la actividad dedicada al desarrollo de
contenidos que permiten entablar una comunicación visual. El
diseñador elabora un mensaje con un objetivo específico, orientado a
un público determinado. Los diseñadores gráficos son los
responsables de que la información llegue, a través de un soporte
visual, de manera clara y atractiva al receptor. El diseño gráfico
aparece en múltiples ámbitos: desde el sector de la publicidad hasta
Internet, pasando por la industria editorial, los envases y la señalética.
 HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO:

El ser humano se ha comunicado a través de señales gráficas desde la

Prehistoria. Por eso, en cierta manera, el hombre siempre se dedicó a este
tipo de diseño, aunque actualmente cuenta con más herramientas y
conocimientos técnicos que décadas atrás. Aunque no existe consenso
acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos lo datan
durante el período de entre guerras. Otros entienden que comienza a
identificarse como tal para finales del siglo XIX. Entre 1891 y 1896, la
imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos
gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and
Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran
refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de
lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño
gráfico.
Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la
composición del diseño gráfico, un elemento importante en relación a la
práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento
comunicacional. Este elemento apareció sobre todo en los diseños
producidos por el Dada y el De Stijl.
PERCEPCIÓN:

Para estudiar los elementos básicos del diseño gráfico primero hay que
tener conocimiento de las leyes que rigen la percepción para poder
elaborar un diseño con calidad. Este conocimiento es esencial pues
ayuda al diseñador ver e identificamos la línea, el color, el contorno, la
textura y el entorno que tienen las cosas. Si sabemos cómo es el
proceso de percepción física y psicológica de los objetos, podremos
tener más elementos para poder influir en el receptor de nuestro trabajo
de diseño.

https://encryptedtbn0.
gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcTtJWis_8LeZG3ZDo
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 ELEMENTOS BÁSICOS Y SUS CARACTERÍSTICAS:

EL PUNTO: Se le denomina punto a la señal de dimensiones pequeñas,

ordinariamente circular, que, por contraste de color o de relieve, es
perceptible en una superficie. En sentido gráfico, el punto es una superficie
materializada, es decir reconocible por el ojo humano; es la unidad gráfica
más pequeña.
LA LÍNEA: puede ser considerada como
la traza que deja el punto al moverse, o
como la unión de dos o más puntos. A
su vez es una suma de puntos que son
conectados en el espacio.

EL CONTORNO: Hablamos de contorno cuando el

trazo de línea se une en un mismo punto.
La característica principal del contorno es que
son estáticos o dinámicos dependiendo del uso
que se les dé o de las diferentes direcciones que
éste adopte. Cada uno de ellos tiene su carácter
específico y se les atribuyen diferentes
significados. Los contornos básicos, por tanto,
son estos tres: El círculo, el cuadrado, el
triángulo.
PLANO Y TEXTURA
El plano: permite fragmentar y dividir el espacio, de esta forma
podemos delimitar y clasificar las diferentes zonas de nuestra
composición.

La textura: Consiste en la modificación o variación de la superficie de los

materiales utilizados, ya sea de una forma visual o táctil.

Color: El ojo humano puede distinguir entre 10.000 colores. Se pueden

además emplear tres dimensiones físicas del color para relacionar
experiencias de percepción con
propiedades materiales: saturación, brillantez y tono.
 HERRAMIENTAS DIGITALES PARA EL DISEÑO GRÁFICO

Durante la última década ha cambiado por completo el proceso de

producción editorial, y como se preparan los textos y gráficos que
constituyen las publicaciones impresas o digitales. Los sistemas
digitales se han impuesto por completo.

Adobe Photoshop
Adobe Photoshop es el programa de manipulación de imágenes
más vendido de todo el mundo, en más de 100 idiomas. En su
plataforma ofrece diversas herramientas muy
específicas para poder editar cada elemento de una imagen
digital. Este programa forma parte del paquete de Adobe
denominado Adobe Creative Suite, que a su vez contiene
también Illustrator, InDesign, Flash, Acrobat Pro, Dreamweaver,
entre otras herramientas útiles. Este software se utiliza
principalmente para realizar retoques fotográficos, pero también
es muy usado para la realización de diseños web, y para la
creación de cualquier tipo de diseño gráfico que puede incluir
una tarjeta de presentación o un panfleto.
 ADOBE ILLUSTRATOR
Adobe Illustrator es un programa que crea imágenes digitales usando
parámetros matemáticos. No es recomendable para dibujo técnico, aunque
podría realizar trabajos relacionados con sus herramientas. De hecho, está
diseñado para la elaboración de logotipos, ilustraciones, tipografías,
documentos sencillos como tarjetas de presentación.

URL2PNG
Esta herramienta es útil para ordenadores con pantallas muy pequeñas, y
esto permite apreciar como se ve un sitio web al completo. Gracias a esta
herramienta únicamente tendremos que brindar la dirección del sitio web
que necesitemos hacer una captura de pantalla, y obtendremos una imagen
total del sitio en formato PNG. Es una aplicación web muy útil para los
diseñadores gráficos que se dediquen a elaborar diseños de páginas web,
ya que obtendrán una imagen preliminar sin importar el sistema operativo o
el navegador que estén utilizando.
 PIXIE
Este es un programa que sirve como selector de color para todos los
ordenadores que tengan instalado alguna versión del sistema operativo de
Microsoft Windows, entre otros. De hecho, estos últimos años se ha dado
una tendencia a engordar estos programas, añadiendo prestaciones, de
modo que pueden llevar a cabo tareas de casi las tres bases de la auto
edición comentadas. La consecuencia principal ha sido la aparición de
programas, innecesariamente complicados, devoradores de recursos y
lentos, que a veces hacen añorar las primeras versiones, más rápidas
simples y fiables, y con un mejor enfoque en trabajos específicos.

https://screenshots.en.sftcdn.net/en/scrn/29000/29006/color-scheme-designer-4.jpg
Es la disciplina o arte encargado de
planificar, diseñar y levantar edificios.
Desde esta perspectiva, es correcto
decir que la arquitectura influye
considerablemente en la existencia
humana, al dedicarse a la construcción
de las viviendas y espacios donde esta
se desarrolla cotidianamente. No
obstante, al catalogarla como arte, es
menester señalar que además debe
considerarse que la arquitectura tiene
una finalidad estética y expresiva.
 INICIOS DE LA ARQUITECTURA

Según el tópico popular, en el tratado más antiguo que se conserva sobre la

materia, De Arquitectura, de Vitruvio, en el siglo I a. C., se dice que la
arquitectura descansa en tres principios: la Belleza (Venustas), la Firmeza
(Firmitas) y la Utilidad (Utilitas). La arquitectura se puede definir, entonces,
como un equilibrio entre estos tres elementos, sin sobrepasar ninguno a los
otros. No tendría sentido tratar de entender un trabajo de la arquitectura sin
aceptar estos tres aspectos.

PRINCIPALES TIPOS DE ARQUITECTURA

ARQUITECTURA HISTÓRICA O ESTILÍSTICA: Se denomina así a aquella

arquitectura que ha surgido a través del tiempo en diversos lugares y
tiene sus propias características y sus propios estilos arquitectónicos
Suelen clasificarse dependiendo del periodo dominante en cuanto al
estilo, en donde ejerció influencia dicho tipo o estilo arquitectónico.
ARQUITECTURA POPULAR O TRADICIONAL: Se denomina así a aquellas
edificaciones que son realizadas por la propia gente o por artesanos que
poseen poca instrucción, como albañiles, aprendices y peones, quienes
realizan construcción de casas, para vivir o para el ganado, de tipo rural,
sin grandezas, para un uso cotidiano y sencillo, construidas
materiales como madera, piedra variando según los países, el clima de la
región o el estilo local.

COMÚN O VULGAR: Se denomina así a aquellas construcciones cuyo

único objetivo es tener una utilidad, satisfacer de una forma útil para la
cual está diseñada, de una manera práctica, sin contar con la historia o
que sea artística, ni pensando en la tradición de la región, solo pensando
ser práctica y en muchas ocasiones suelen ser construcciones de un
carácter sobrio e incluso monótono, ajeno a la arquitectura artística
propiamente.
ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: cuyas primeras manifestaciones
aparecieron en varios centros durante la segunda mitad del siglo XIX. La
arquitectura contemporánea se refiere a las tendencias de diseño actual por
lo que su principal característica siempre es la innovación, basándose en
los principios de lo moderno sin la necesidad de que se parezcan
estéticamente.
es una forma de expresión gráfica que estampa imágenes sobre un
soporte real o virtual; por ejemplo: papel, madera, cartón, vidrio o a
través del computador. Considerado uno de los elementos que
integran la pintura y uno de los tipos de artes visuales. El dibujo
representa el lenguaje gráfico universal y ha sido utilizado por la
humanidad desde la prehistoria.
 TÉCNICAS DE DIBUJO:
La técnica es el procedimiento por
medio del cual se busca obtener un
determinado resultado. Es entonces
una serie de protocolos, normas y
reglas que se usan para alcanzar un
determinado fin. Dentro del dibujo, se
puede hablar de las siguientes técnicas:
LÁPICES DE GRAFITO:
El grafito es un carbón natural creado a
partir de la presión que la tierra ejerce
sobre la madera. El soporte que se
utiliza para realizar dibujos con grafito
es el papel, generalmente blanco o de
colores no muy oscuros. Los dibujos
realizados con grafito pueden borrarse
con goma muy fácilmente, ya sea de
pan o goma de borrar estándar.

https://www.superprof.es/blog/file/2017/04/dibujo
 CARBÓN:
Este material es de los más antiguos, ya se lo
utilizaba para realizar los dibujos en las cavernas.
Esta técnica se caracteriza por permitir realizar
dibujos muy elaborados. Si bien el carbón es
madera quemada, actualmente este material es
sometido a diversos procedimientos químicos.

SANGUINA:
La sanguina, compuesta por una barra
de pigmentos en polvo, es una técnica
muy utilizada para la realización de
retratos, paisajes, esbozos desnudos y
vestimenta ya que permite resaltar con
facilidad las expresiones y formas. Por
medio de esta técnica se logra crear el
efecto de imágenes a todo color
utilizando sólo tres: negro, blanco y
sanguina. Los dibujos realizados se
destacan por su suavidad, calidez y
luminosidad.

http://www.tiposde.org/img/tecnica2.jpg
 LÁPICES DE COLORES:
Los lápices se caracterizan por su sensibilidad a la superficie del
soporte, por lo que los resultados variarán según el tipo de papel que
se utilice. La ventaja de esta técnica que la diversidad de efectos que
permiten crear, desde dibujos sumamente detallados con una vasta
gradación tonal hasta bocetos de suaves tonalidades.

TINTA:
La tinta utilizada en esta técnica se seca sobre películas duras y brillantes, lo
que da la posibilidad de colocar nuevas capas encima. El soporte que se utiliza
en esta técnica debe ser grueso, duro y sin superficies porosas ni absorbentes.
La pluma en la que se introduce la tinta crea marcas inequívocas y directas,
caracterizadas por ser permanentes y fijas.
 TIPOS DE DIBUJO:

DIBUJO ARTÍSTICO: El "Dibujo Artístico" se define como el tipo de

dibujo que sirve para expresar ideas filosóficas o estéticas así como
sentimientos y emociones. El artista cuando dibuja cosas, las dibuja tal
como las ve emocionalmente de acuerdo con su propia y peculiar
manera de percibir la realidad de su entorno. Este tipo de dibujo
requiere aptitudes especiales como las personales y naturales.

DIBUJO TÉCNICO: Se dice que el "Dibujo Técnico" es el lenguaje

gráfico universal Técnico normalizado por medio del cual se
manifiesta una expresión precisa y exacta y, su objetivo principal es
la exactitud precisamente.

DIBUJO GEOMÉTRICO: Es aquel que se representa por medio de gráficas

planas. Dibujo geométrico constituye un verdadero y novedoso sistema de
enseñanza estructurado para garantizar, tanto al alumno de los primeros años
de las Escuelas Técnicas como a los de las Facultades de Arquitectura e
Ingeniería -bachilleres o peritos mercantiles- un rápido manejo y posterior
dominio de la mano sobre el plano.
DIBUJO MECÁNICO: El dibujo mecánico se emplea en la representación de
piezas o partes de máquinas, maquinarias, vehículos como grúas y motos,
aviones, helicópteros y máquinas industriales. Los planos que representan un
mecanismo simple o una máquina formada por un conjunto de piezas, son
llamados planos de conjunto; y los que representa un sólo elemento, plano de
pieza. Los que representan un conjunto de piezas con las indicaciones
gráficas para su colocación, y armar un todo, son llamados planos de
montaje.
DIBUJO ARQUITECTÓNICO: Al introducirnos en el dibujo arquitectónico nos
ubicamos en la concepción visual que altera el paisaje urbano, los espacios
físicos de una obra o infraestructura civil y que es elaborada a escala de
reducción para luego ser representada a una escala real o natural.

ESTILOS DE DIBUJO:

DIBUJO HUMORÍSTICO “LA CARICATURA”: consiste en un

retrato o representación de carácter humorístico en la que se
exageran los rasgos físicos o faciales, la vestimenta o
el comportamiento o los modales de alguien con el objetivo
de provocar la risa o ridiculizar a una institución o a un
personaje destacado de carácter político, social o religioso.
 DIBUJO ANALÍTICO: Se trata de una representación gráfica en la que se
analiza y se descomponen las partes de un conjunto. Dibujo en el que las
líneas representan la estructura tridimensional y la geometría de una forma.

DIBUJO DESCRIPTIVO: Aquel relacionado con el concepto de descripción, acción

y efecto de describir, dibujar o representar una cosa dando idea exacta de ella.

https://i.pinimg.com/736x/12/d8/80/12d880fa833e7017aca61cc7ef140edd.jpg
DIBUJO NATURALISTA: Se basa en un
estilo en el que se imita la naturaleza y
el realismo de una situación, sin
tapujos.

DIBUJO REALISTA: referente o relativo

al realismo. Se utiliza como sinónimo
de naturalismo aunque suele centrar su
interés en cuestiones sociales y lo
esencial de las cosas, recurriendo en
ocasiones a recursos expresionistas.

DIBUJO ABSTRACTO: derivado de

abstraer, aislar mentalmente, cualidad
de algo separado de los objetos
sensibles. Se llama así al arte no
figurativo en donde las líneas, colores,
No tienen relación con las formas y
objetos reconocibles
DIBUJO LINEAL: Se trata de un tipo de
Paloma de la paz. Picasso.
dibujo geométrico, en el que
Dibujada con trazo seguro.
representamos algo según distintas
formas geométricas.

ARTISTAS DESTACADOS DEL DIBUJO:

PABLO PICASSO: Pablo Ruiz Picasso1

(Málaga, 25 de octubre de 1881-
Mougins, 8 de abril de 1973) fue un
pintor, dibujante y escultor español,
además, abordó otros géneros como,
el grabado, la ilustración de libros, la
escultura, la cerámica y el diseño de
escenografía y vestuario para
montajes teatrales.

http://www.pinturayartistas.com/wordpress/wp-content/uploads/2011/08/durero-dibujo.jpg
MAURITS CORNELIS ESCHER: fue un
artista neerlandés conocido por sus
grabados xilográficos, sus grabados al
mezzotinto y sus dibujos, que consisten
en figuras imposibles, teselados y
mundos imaginarios. Fecha de
nacimiento: 17 de junio de 1898,
Leeuwarden, Países Bajos.
Fallecimiento: 27 de marzo de 1972,
Laren, Países Bajos.

ALBERTO DURERO: es el artista más

famoso del Renacimiento alemán,
conocido en todo el mundo por sus
pinturas, dibujos, grabados y escritos
teóricos sobre arte. Nació 21 de mayo
de 1471 y murió 6 de abril de 1528 en
Alemania.
KEITH ALLEN HARING: fue un artista y activista social cuyo
trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera
de la Nueva York de los años 1980. Lo más conocido son el estilo
característico de sus dibujos con rotulador, entre el cómic y el
graffiti, en distintos medios y superficies (desde camisetas,
lienzos, papel)
 El término arte se refiere a
un concepto moderno. Por
lo tanto, para los hombres
prehistóricos ese concepto
no era conocido. Es decir,
que no crearon el arte con la
intención de la
contemplación, la estética o
el adorno sino como una
función mística y utilitaria.

ARTE PREHISTÓRICO
Es aquello perteneciente o relativo al período que estudia la
prehistoria y la vida humana su asociación a formas de expresión
gráficas, con intencionalidad simbólica, en sociedades ágrafas. Su
origen parte de la representación de los objetos y animales.

EL ARTE PALEOLÍTICO: Comenzó unos
35.000 años antes de Cristo.
En esta etapa, el arte se llevó a cabo en
cuevas o cerca de ellas, las cuales eran
llamadas de arte parietal y arte rupestre.
El arte parietal recibe su nombre debido
a que se relaciona con el medio en que
fue desarrollado, es decir, las paredes
de las cavernas. Y el arte rupestre era
realizado fuera de las cavernas y rutas.
Durante este período, las pinturas
fueron hechas en las rocas y su
característica principal era el
naturalismo.
ARTE EN EL PERIODO
NEOLÍTICO El arte en la
época neolítica comenzó a
verse fuera de las cavernas.
Esta nueva forma de vida
influyó en las localizaciones y
formas de arte. Aunque las
obras también se
desarrollasen con piedras,
como en el Paleolítico,
ocurrió una evolución del
arte. La producción se realizó
con un cuidado mayor, es
decir, a partir de material
pulido. También destacan
objetos hechos de cerámica
y la confección de tejidos de
lana y lino, en sustitución a
los trajes confeccionados
con pieles de animales.
EDAD DE LOS METALES Con el descubrimiento de los metales el arte
comienza a adquirir otro aspecto. Estuvo marcado por el desarrollo de la
metalurgia y de la expansión de las técnicas de fundición. La Edad de los
Metales se dividen de acuerdo con el metal más utilizado, a saber: Edad de
Bronce Edad de Cobre Edad de Hierro Durante este período, se destacan
las herramientas, instrumentos y herramientas hechas con propósitos
utilitarios. Por ejemplo, instrumentos de cocina, objetos de arte, armas,
herramientas para la agricultura, la caza y la pesca.
 ARTE PREHISPÁNICO:
Se usa para hacer referencia al arte que existía en América en 1492 mucho antes
de que los españoles llegaran.

En el arte prehispánico existen diferentes culturas que se han de destacar entre

ellas:

LOS AZTECAS:
Se asentó en México desde el 1325
hasta que llegaron los españoles.

Su arte se ve en forma de “redescubrir”

el mundo que lo rodeaba y de crear
formas escultóricas apropiadas a su
peculiar visión místico-guerrera del
universo.
 ARQUITECTURA
AZTECA

Las construcciones importantes eran en su mayoría religiosas.

El material mas común era piedra y el adobe.
Las construcciónes fueron ornamentadas con esculturas realizadas
sobre la mismas piedras.
Las casas eran de adobe o piedra. Sencillas, techo de pajas, muros y
paredes pintadas, escribían motivos geométricos.
 LA ESCULTURA
AZTECA

Los aztecas tenían una gran imaginación y sus temas

principales eran los Dioses, los monstruos y los animales.
Trabajaban con las leyes de verticalidad y frontalidad; al igual
que con la geometría tratando siempre de reducir las formas
al esquema cúbico.
 PINTURA AZTECA

Es muy importante debido a que muchos de los relieves

estaban policromados. El templo de Teotihuacan es muy
resaltante por sus pinturas y murales así como también lo
son las pinturas encontradas en unos de los palacios de
Mitia. Los colores van a variar según la edificación, por
ejemplo, en las paredes exteriores se usa el rojo negro y
amarillo y en el interior se combinan para adquirir diversos
matices.
 LOS MAYAS: Se estableció durante el
período Pre-Clásico en el 2000 a. C. a
250 d. C.

ARQUITECTURA
MAYA

Existieron tres estilos arquitectónicos en la cultura Maya: los edificios que

consisten de una sola planta, con friso muy decorado representado el
prototipo arquitectónico, como se muestra en el templo de Chichén-Itzá; otro
estilo es el representado en las casa de tortugas en Chichén-Itzá; el cual se
caracterizaba por ser un poco más pequeños que los anteriores y por qué su
decoración en el friso es muy sobria; el tercer estilo es el que
se encuentra en el arco de Labná en Yucatán y son construcciones aún más
pequeñas que las anteriores.
 ESCULTURA MAYA

Realizaron esculturas en sus dos versiones; la exenta, de bulto y la que

parte de la arquitectura, los relieves. Las esculturas destacadas fueron las
caras de los dioses como el del dios chaak, dios de la lluvia sobre las
paredes de las pirámides.

PINTURA MAYA

La pintura es principalmente religiosa como la mayoría del arte del este de

América, y su sobras están llenas de energía y mucho movimiento. Los
colores tienen muchas limitaciones en cuanto a su uso, las paredes eran
blancas, el agua se representaba con el azul y con líneas ondulantes y los
techos amarillos semejando a la paja que se usaba.
LOS INCAS: SE INDEPENDIZO DE LAS OTRAS
CIVILIZACIONES Y FORMO UN GRAN IMPERIO .

Realizaron grandes
construcciones en piedras y se
ARQUITECTURA
destacaron en el urbanismo de
INCA
sus ciudades, con alto sentido
práctico

Se limita a algunas
representaciones de bultos, escás
ESCULTURA INCA bajos relieves sobre los muros, con
características geométricas
combinadas con ídolos, como la
puerta del sol

Esta disciplina no tuvo mayor

PINTURA MAYA desarrollo dentro de la civilización inca
pues fue limitada a ser elemento
decorativo en las obras
 SANTO TOMAS:
Fue un reconocido teólogo y Doctor de la Iglesia Católica que vivió en la
edad media. Máximo representante de la tradición escolástica, y padre dela
Escuela Tomista de filosofía. Es conocido también como Doctor Angélico y
Doctor Común. Su trabajo más conocido es la Summa Theologica, tratado
en el cual postula Cinco Vías para demostrar la existencia de Dios.
Canonizado en 1323, fue declarado Doctor de la Iglesia en 1567 y Patrón
delas Universidades y Centros de estudio católicos en 1880. Su festividad
se celebra el 28 de enero.
 LA BELLEZA SEGÚN SANTO TOMÁS

Lo bello se refiere al poder cognoscitivo, porque se llama bello aquello

que a cuya vista complace… de donde lo bello consiste en la debida
proporción… y como el conocimiento se hace por asimilación, y la
semejanza se basa en la forma, lo bello propiamente pertenece a la
razón de causa formal. Santo Tomás hace referencia muchas veces a la
relación con la causa formal, y también a la proporción y la claridad,
que son propiedades que se refieren inmediatamente a la potencia
cognoscitiva. Por lo tanto, tenemos tres propiedades o condiciones
objetivas de la belleza: La perfección, por la que lo bello se identifica
con lo bueno; la claridad y proporción, que se refieren a la
interpretación.
 SAN AGUSTÍN :
San Agustín nace el 13 de noviembre de 354 es de los más
importantes Padres de la Iglesia latina. Siguiendo a Platón,
Aristóteles, Cicerón y principalmente a Pitágoras, dice que la belleza
consiste en congruencia, armonía, unidad, integridad y orden.
Escribe en De ordine: “Orden es aquello por lo que actúan todas
las cosas que Dios ha establecido”. Pero la nota esencial de la
belleza se expresa en de vera religiones: “En todas las artes
complace la conveniencia, (o sea la armonía) sólo por la que todas
las cosas son seguras y bellas; la misma conveniencia apetece
igualdad y unidad, o la semejanza de las partes iguales, o en la
proporción de las desiguales”. De manera que podemos decir que
San Agustín enuncia la belleza como esplendor del orden. Muy cerca
de Santo Tomás, porque la unidad y el orden se refieren más al
intelecto que a la voluntad.
Esplendor del orden que se refiere no sólo a la belleza corporal, sino a la
inteligible y la divina. Los conceptos claves en la teoría agustiniana son
unidad, numero, igualdad, proporción y orden; de ellos, la unidad es la
noción básica, no solo en el arte, sino también en la realidad. La existencia
de cosas individuales que forman unidades, y la posibilidad de
compararlas con miras a la igualdad o semejanza, origina la proporción, la
medida y el número. Una característica importante de la teoría agustiniana
es que la percepción dela belleza implica un juicio normativo. Percibimos
los objetos ordenados como ajustados a lo que deben ser, y los objetos
desordenados como no ajustados a ello; esta es la razón de que el pintor
pueda rectificar sobre la marcha y de que el crítico pueda juzgar. Pero esta
perfección o imperfección no puede ser meramente percibida; el
espectador ha de llevar dentro un concepto del orden ideal, que le fue
dado por cierta «iluminación divina».
 EJES TRANSVERSALES

Son ejes fundamentales para contribuir a través de la educación, con la

resolución de problemas latentes en la sociedad y que deben acompañar
dentro de una malla curricular a las diversas materias de todas las
especialidades en procesos formativos.
Los ejes transversales en la educación como los instrumentos
globalizadores de carácter interdisciplinario que recorren la totalidad de
una malla curricular y en particular la totalidad de las áreas del
conocimiento, las disciplinas y los temas, con la finalidad de crear
condiciones favorables para proporcionar a los socios del aprendizaje:
alumnos, participantes o discentes, de una mayor formación en aspectos
globales y holísticos. Los ejes transversales se constituyen en
fundamentos para la práctica de la enseñanza al integrar los campos del
ser, el saber, el hacer y el convivir a través de conceptos, procedimientos,
valores y actitudes que orientan la enseñanza y el aprendizaje.
Los ejes transversales proporcionan la posibilidad de
interactuar interdisciplinariamente y multidisciplinariamente,
posibilitando la formación de los valores dentro de una
determinado ciclo educativo o carrera, vinculando otros
campos del saber, tanto en la ciencias sociales y áreas
técnicas. Podemos relacionar los ejes transversales con las
habilidades blandas como complemento de las habilidades
duras o técnicas.
 EJE TRANSVERSAL
LENGUAJE

Se considera la lengua como un instrumento esencial e imprescindible en

el desarrollo de cualquier proceso de aprendizaje y conocimiento de la
realidad. Dado que la comunicación oral y escrita se hace presente, como
necesidad ineludible, en todas las actividades escolares, es evidente que,
dentro del entramado curricular, existe y debe existir, una estrecha
relación entre el aprendizaje de la lengua y los aprendizajes que los
alumnos desarrollarán en todas y cada una de las áreas Académicas.
De igual manera el lenguaje hace referencia a su importancia para la vida y
para la formación integral de los alumnos como seres sociales integrados
en un contexto cultural determinado.
 EJE TRANSVERSAL
DESARROLLO DEL PENSAMIENTO

La capacidad de pensar, haciendo referencia al pensamiento lógico y

pensamiento efectivo, de aquí se sacan los indicadores y los alcances.

EJE TRANSVERSAL
VALORES

La Educación en los Valores constituye uno de los retos más importantes a los
que nos enfrentamos los educadores en la actualidad. Se desea un nuevo
sistema de valores capaz de hacernos descubrir y redimensionar la existencia,
y de abrir nuevos horizontes, positivos e ilusionados, en la construcción de los
proyectos de vida. Entre los valores con más relevancia se encuentran el
respeto por la vida, la libertad, la solidaridad, la convivencia, la honestidad, la
identidad nacional y la perseverancia
 EJE TRANSVERSAL
TRABAJO

A lo largo del proceso de enseñanza aprendizaje es fundamental

que los alumnos descubran el trabajo como una realidad y como un
valor esencial para la existencia humana; valor que en su propia
experiencia cotidiana se traduce en el "aprender haciendo,
observando, probando, manipulando, construyendo o recreando". La
educación hacia el trabajo induce a aprovechar bien el tiempo , a ser
disciplinado, responsable y organizado, a trabajar cooperativamente,
resolver creativamente los problemas, seguir instrucciones y
procesos, buscar la calidad del producto, valorar al trabajador y
reconocer que el trabajo debe estar siempre al servicio de la persona
humana.
 DISEÑO
INSTRUCCIONAL

Es un proceso sistemático, planificado y estructurado donde se

produce una variedad de materiales educativos atemperados a las
necesidades de los educandos, asegurándose así la calidad del
aprendizaje.

El Diseño Instruccional se nutre de las:

· Ciencias Sociales, La psicología- a
través del estudio de las diferencias
Individuales, Teorías de la conducta
humana- a través de las teorías
conductistas, cognoscitivistas, y
constructivistas. Es el elemento
esencial para planear, diseñar,
implementar y evaluar contenidos
educativos digitales.
 DISEÑO HERMENÉUTICO

Es muy importante resaltar que la hermenéutica es una propuesta filosófica

realizada por Gadamer, donde se hace referencia a la comprensión e
interpretar textos no está sólo referido al ámbito científico, sino que
pertenece a la misma vivencia humana, en el mundo y en la historia. La
hermenéutica ha permitido rastrear la experiencia de la verdad, buscarla,
indagar sobre ella, como experiencia realizativa de cada persona. Es una
visión que hace de la hermenéutica una metodología universal y una
manera lógica que antecede u absorbe los métodos particulares de la
ciencia.
M1

LA INVESTIGACIÓN O COMPRENSIÓN:

Es el primer momento. Se da al momento de la investigación para la

realización de las actividades de las Situaciones Vivenciales de
Formación por parte del animador pedagógico.

M2

LA INTERPRETACIÓN

Es el segundo momento. Sucede al momento de la elaboración

del material pedagógico (las Situaciones Vivenciales de
Formación) para el taller. Es el segundo paso del diseño
hermenéutico en el que la teoría ya no queda solo como una
información acumulada en el cerebro, sin el más mínimo
entendimiento sino que se produce una transformación de la
información para ser adaptada al presente y con proyecciones al
futuro.
M3

LA APLICACIÓN

Es el tercer momento. Se da en el momento en que se aplica el

taller a los participantes. Consiste en que el docente debe
proporcionar estrategias y dinámicas de enseñanza para
transmitirle a los alumnos conocimientos eficaces; los cual
deben llevar a la práctica.
 ESTÉTICA Y ARTE PSICOLOGÍA

INTELIGENCIA EN ARTE

Es el resultado de las observaciones

realizadas que distinguieron el instinto

Habilidad para aprender y desarrollar

nuevas formas de responder a las
situaciones
 ARTE TERAPIA
Se emplea para sanar trastornos
psicológicos, miedos, bloqueos
personales, traumas del pasado

Mediante un acto crealógico, a través

de diferentes manifestaciones
artísticas: Pintura, teatro, modelado,
collage, danza, escritura y música

Desarrollar ciertas habilidades como la

creatividad, percepción e intuición
Proceso perceptivo, cognitivo y
ARTE, TEST Y CLÍNICA.
emocional.

Se tratara de una evaluación,

diagnóstico y pronóstico del estado
psicológico del evaluado
Etapa de perceptiva, comienza una vez
que un objeto ha sido clasificado como
artístico

Etapa que representa los procesos de

memoria implícita a partir de la
experiencia previa del observador.

Etapa de clasificación explícita de la

obra, en función de contenido, estilo, y
lógicamente está afectada por el
conocimiento y formación artística.
 MULTI-INTELIGENCIA.

Las inteligencias múltiples es un modelo de concepción de la mente

propuesto en 1983 por Howard Gardner, psicólogo y profesor de la
Universidad de Harvard. Para él, la inteligencia no es un conjunto
unitario que agrupe diferentes capacidades específicas, sino una red
de conjuntos autónomos, relativamente interrelacionados.

Gardner menciona que los seres

humanos poseemos una gama de
capacidades y potenciales inteligencias
múltiples que se pueden emplear de
muchas maneras productivas, tanto
juntas como por separado. Y el
conocimiento de las múltiples
inteligencias ofrece la posibilidad de
poder desplegar con la máxima
flexibilidad y eficacia en el desempeño
de las distintas funciones definidas por
cada sociedad.
 INTELIGENCIA LÓGICO-MATEMÁTICA:
Desarrollan analizan con facilidad
planteamientos y problemas.

INTELIGENCIA AUDITIVA-MUSICAL:
Atraídos por los sonidos de la
naturaleza y por todo tipo de melodías.

INTELIGENCIA VISUAL-ESPACIAL:
Estudian mejor con gráficos, esquemas
y cuadros.
 INTELIGENCIA VERBAL-LINGÜÍSTICA:
Les encanta redactar historias, leer,
jugar con rimas, trabalenguas y en los
que aprenden con facilidad otros
idiomas.

INTELIGENCIA CORPORAL
KINESTÉSICA:
Usan su cuerpo para expresar
emociones como danza y expresión
corporal.

INTELIGENCIA INTERPERSONAL:
Disfrutan trabajando en grupo,
entienden al compañero.
 INTELIGENCIA INTRAPERSONAL:
Son reflexivos, de razonamiento
acertado y suelen ser consejeros de
sus pares.

INTELIGENCIA NATURALISTA:
Capacidad de observar los modelos de
la naturaleza, identificar y clasificar
objetos, establecer patrones y
comprender los sistemas naturales.
APLICACIONES
 Lengua Paleolítico
Matemáticas Mesolítico
Cs. Sociales NEOLÍTICO
CS. NATURALES Maya
Educación Física
Inca
A.I
4to GRADO Azteca
F.E.V
Bloque I: La Tierra Y El Universo 1ER A 6TO GRADO
Bloque II: Seres Vivos
L.A.T Bloque I: El movimiento del cuerpo formas e
Bloque III: Salud Integral E.E imágenes
Bloque IV: Tecnología Y Creatividad Bloque II: El ritmo y el sonido en
representaciones artísticas.
CONTENIDOS Bloque III: Relación tiempo y espacio.
Bloque IV: El arte como medio de expresión y
Conceptual comunicación.
Seres Vivos Bloque V: Elementos y medios de expresión
plástica.
4to Bloque VI: El lenguaje artístico y su
Procedimental
Evocación y conservación. GRADO cotidianidad
acerca de lo que conocen
sobre clase de animales: CONTENIDOS
Bloque I: El Arte como
vertebrados e invertebrados Conceptual
medio de
Diseño de comunicación
Actitudinal Expresión y Comunicación visual.
Reconocimiento acerca de la Bloque II: Ritmo, espacio,
distintas taxonomías en los tiempo y Procedimental
animales Conversación acerca del diseño de comunicación visual
movimiento en las
como medio para transmitir un mensaje a través de
manifestaciones artísticas. imágenes y símbolos.
PINTURA Bloque III: Cultura, ciencia,
ARQUITECTURA
DIBUJO
tecnología y arte.
Actitudinal
DISEÑO GRÁFICO Bloque IV: Diseño y Creatividad al momento de crear símbolos, señales y figuras
ESCULTURA producción artística. representativas.
 CONCLUSIÓN

Se puede concluir resaltando que durante mucho tiempo se ha percibido el arte y la

estética como elementos sin valor y sin un uso importante en la construcción de la
formación humana, siendo esto una equivocada razón, puesto que el arte y la
estética, forman parte del crecimiento humano desde tiempo inmemorables, donde
quedaron impresos nuestros primeros orígenes como seres racionales, pensantes
y con alma al sentir tanto sentimientos y emociones que eran expresadas, pues así
nos lo hace ver los antecedentes históricos artísticos del pasado, pues el
desarrollo que se dio durante millones de años es notable, entre muchas de la
culturas prehispánicas se ve el acelerado conocimiento y crecimiento social que
fue expresado a través de su arte y estética y que hoy puede ser comprensible en
muchas de sus manifestaciones primitivas, pero que abren camino a entendernos
más, y a entender que hemos tenido una capacidad para expresarnos y
comunicarnos siempre.
Por eso es importante hablar del arte y la estética, no solo como mecanismos de
enseñanza de todo aquello que ha sido desarrollado por expresión del hombre sino
que eso puede ser integrado al aprendizaje de las distintas disciplinas que están en
el currículo a través de diversas maneras que motiven aún más el desarrollo de la
creatividad, del juego, de lo motriz, lo intelectual, de lo que verdaderamente
debería estar presente en el mundo y en el aprendizaje significativo del estudiante.
 BIBLIOGRAFÍA

Fuente del artículo: http://iselita858.wordpress.com/2009/02/01/mi-ensayo-de-

psicologia-del-arte/
Fuente: https://concepto.de/arquitectura-2/#ixzz5UDkY2Ywm
Fuente: https://conceptodefinicion.de/dibujo/
Fuente: https://es.slideshare.net/yulymarurbina/formacin-esttica-visual
Fuente: https://es.slideshare.net/ArkangelDuranGarcia/trabajo-colectivo-formacin-
estetica-visual
Fuente: https://www.hiru.eus/es/arte/el-arte-prehistorico
Fuente: http://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artepreh.htm
Fuente: fuente: http://www.imageandart.com/tutoriales/estetica/estetica-
fundamentos3.html
Fuente: https://www.aciprensa.com/recursos/san-agustin-de-hipona-3161