La Pintura Abstracta

La Pintura Abstracta

El Arte Abstracto es una categoría Abstraer significa eliminar algo, y

estética e histórica que se refiere a muchos artistas han llegado a la
las obras no imitativas, no abstracción separándose del mundo
figurativas, no representativas de un real, simplificando o reduciendo su
mundo objetual. lenguaje visual.
La Pintura Abstracta
Las pinturas abstractas tratan
esencialmente sobre elementos
formales como color, forma y línea.
El espectador tiene que apreciarlas
por estas cualidades más que
buscar un tema.
El arte, al verse liberado de su papel
descriptivo tradicional por la fotografía
y de sus exigencias sociales por la
desaparición del mecenazgo
institucional, ahora podía explorar sus
propias inquietudes.
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El pintor de origen
ruso Wassily
Kandinsky suele
cosiderarse como el
creador de las
primeras pinturas
abstractas. Esta obra,
con su distribución
rítmica de formas que
flotan y chocan en el
espacio, podría
describirse como una
“composición”
abstracta análoga a
una pieza musical.

Lectura Adicional
Wassily Kandinsky, Composición, 1914.
La Pintura Abstracta

La publicación de la teoría de la
Aspectos causales relatividad de Albert Einstein en 1907,
del Arte Abstracto con la cual cambió el concepto físico
del universo.

Las teorías psicoanalíticas de

Sigmund Freud que posibilitaron las
nuevas experiencias de la conciencia
Albert Einstein Sigmund Freud
(1879-1955) (1856-1939) y abrieron un camino a la visión no
objetiva.
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La invención de la fotografía que

Aspectos causales
del Arte Abstracto
posibilitó nuevos encuadres, la
captación del movimiento, los
aumentos y disminuciones de las
escalas, el telescopio y el
microscopio.

Las ideas existencialistas de Henri

Bergson que rechazaban el
materialismo y daban importancia a la
Daguerrotipo Henri Bergson
(1831) (1859-1941) intuición y a la libre acción creadora.
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Aspectos causales Es en los grandes centros culturales

del Arte Abstracto de Alemania, Francia y Rusia donde,
a partir de diversas tendencias
“Una pintura – antes de que se convierta
artísticas, se llega a una determinada
en un caballo, una mujer desnuda o
alguna anécdota - es una superficie plana abstracción.
cubierta con colores dispuestos en cierto
orden”

Maurice Denis.
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En París se ponen los cimientos de la

Aspectos causales abstracción a través de la libertad de
del Arte Abstracto la pincelada y el color de los pintores
Fauves y el Cubismo de Picasso y
“Picasso tomó la naranja, la peló, la partió Braque.
y compartió lo que había dentro. El arte ya
nunca será lo mismo.”

Anthony Caro.

André Derain, Puente de Londres, 1906. Pablo Picasso, Tres músicos, 1921. Georges Braque, Guitarra y copa, 1921.
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El desarrollo del Expresionismo en

Aspectos causales
Munich llega a una determinada
del Arte Abstracto abstracción. Sobresalen las obras de
Kandinsky desarrolló una serie de Kandinsky.
obras que denominó Impresiones,
Improvisaciones y Composiciones.
En ellas los colores y las formas
puras son los medios significantes de
la expresión pictórica.

Ernst Ludwig Kirchner, Calle de Berlín, 1913. Franz Marc, Caballitos amarillos. Wassily Kandinsky, Improvisación 28, 1912.
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En Rusia, Kasimir Malevich

pintaba obras abstractas cuya
rígida geometría contrasta
profundamente con la soltura
de las pinturas de Kandinsky.
La obra de Malevich partía del
Cubismo y el Futurismo.
Aspectos causales
del Arte Abstracto
Los artistas iniciadores del
abstraccionismo justificaban sus
búsquedas no imitativas con
planteamientos espirituales a
través de una depuración formal.

Gino Severini, Tren Suburbano. Kasimir Malevich, Suprematismo, 1919.

La Pintura Abstracta

Tendencias
fundamentales de Abstracciones Orgánicas, Líricas,
la abstracción Informalistas, Expresionistas.

Surgen en la etapa entre 1910-

1933, tomando como referencias
cronológicas la primera acuarela
abstracta de Kandinsky y la Abstracciones Geométricas
disolución de la Bauhaus en
Alemania.

Lectura Adicional
La Pintura Abstracta
Abstracciones Orgánicas, Líricas,
Informalistas, Expresionistas.
Willem de Kooning, Marilyn Monroe, 1954.
Obras cargadas de subjetividad, con
inspiración subconsciente e
imaginativa y con gestos y trazos
impulsados desde el instinto y la
emoción o sugestión anímica del
artista.
Dirigen la atención hacia la superficie
de la pintura, realzando el proceso de
creación.
Hans Hofmann, Flight. Jackson Pollock, Black and white, 1948.
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Obras racionalizadas y dependientes

del análisis intelectual y científico de la
obra.
Los materiales se emplean con
moderación, y el énfasis recae en la
Abstracciones Geométricas estructura sugiriendo un
distanciamiento emocional del artista.

Piet Mondrian, Composición en rojo, azul y amarillo, 1930. Frank Stella, Rozdol II, 1973.
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Material didáctico para el

profesor de secundaria

Tercer grado
Bloques 3 y 4

Elaborado por:
Juan Alberto Mancilla Gallardo.
Lectura adicional
La pirámide del arte
Fragmento de De lo espiritual en el arte.
De lo espiritual en el arte, publicado en 1912 por Wassily Kandisky, es una de
las obras clave para entender el arte del siglo XX. A lo largo de sus páginas
proclama la total independencia del modelo respecto a la realidad natural que,
en la práctica, desembocaría en la abstracción .

Paulatinamente, las diferentes artes se disponen a decir lo que mejor

saben decir y por los medios que cada una de ellas posee
exclusivamente.

A pesar de, o gracias a esta diversificación, las artes nunca estuvieron

tan cerca las unas de las otras en los últimos tiempos, como en esta
hora última del cambio de rumbo espiritual.

En todo lo aquí citado se hallan los brotes de las tendencias hacia lo

no-natural, lo abstracto, la naturaleza interior. Consciente o
inconscientemente obedecen a la frase de Sócrates: «¡Conócete a ti
mismo!». Consciente o inconscientemente los artistas retornan
principalmente a su material, lo estudian, colocan sobre la balanza
espiritual el valor interior de los elementos con los que su arte puede
crear.
Este empeño produce espontáneamente su consecuencia natural: la
comparación de los propios elementos con los de otro arte. La enseñanza
más rica nos la da la música. Con pocas excepciones y desviaciones, la
música es, desde hace siglos, el arte que utiliza sus medios no para
representar fenómenos de la naturaleza, sino para expresar la vida interior
del artista y crear una vida propia de tonos musicales.

El artista, cuya meta no es la imitación de la naturaleza, aunque sea

artística, y que quiere y tiene que expresar su mundo interior, ve con envidia
como hoy se alcanzan naturalmente y con facilidad estos objetivos en la
música, la más inmaterial de las artes. Se comprende que se vuelva hacia
ella e intente encontrar los mismos medios en su arte. De ahí proceden en
la pintura, actualmente, la búsqueda de ritmo y la construcción matemática
y abstracta, el valor que se da a la repetición del color y a la dinamización
de éste, etc.

La comparación entre los medios de las diferentes artes y la inspiración de

un arte en otro, sólo tiene éxito si la inspiración no es externa sino de
principio. Es decir, un arte debe aprender del otro como éste utiliza sus
propios medios para, después, a su vez, utilizar sus propios medios de la
misma manera; es decir, según el principio que le sea propio
exclusivamente. En este aprendizaje, el artista no debe olvidar que cada
medio tiene una utilización idónea y que se trata de encontrar esta utilización.

En lo que se refiere al empleo de la forma, la música puede obtener

resultados inasequibles a la pintura. La música, por otro lado, no tiene
algunas de las cualidades de la pintura. Por ejemplo, la música dispone del
tiempo, de la dimensión del tiempo. La pintura, que no posee esta
característica, puede sin embargo presentar al espectador todo el contenido
de la obra en un instante. La música es incapaz de esto. La música,
externamente emancipada de la naturaleza, no necesita tomar de prestado
formas externas para su lenguaje. La pintura, por el contrario, depende hoy
casi por completo de las formas naturales, de las formas que le presta la
naturaleza. Su deber consiste en analizar sus fuerzas y sus medios,
conocerlos, como hace tiempo que los conoce la música, y utilizar en el
proceso creativo estos medios y fuerzas de modo puramente pictórico.

Al profundizar en sus propios medios, cada arte marca sus límites hacia las
demás artes; la comparación las une de nuevo en un empeño interior común.
Así se descubre que cada arte posee sus fuerzas, que no pueden ser
sustituidas por las de otro arte. Y así se unen las fuerzas de las
diversas artes. De esta unión nacerá con el tiempo el arte que ya hoy
se presiente: el verdadero arte monumental.

Todo el que ahonde en los tesoros escondidos de su arte, es un

envidiable colaborador en la construcción de la pirámide espiritual que
un día llegará hasta el cielo.

Fuente: Kandinsky, Wassily. De lo espiritual en el arte.

Barcelona: Barral Editores, 1983.
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Lectura adicional
Bauhaus

Bauhaus, escuela alemana de arquitectura y diseño que ejerció

enorme influencia en la arquitectura contemporánea, las artes gráficas
e industriales y el diseño de escenografías y vestuario teatrales. Fue
fundada en Weimar en 1919 por el arquitecto Walter Gropius que
pretendía combinar la Academia de Bellas Artes y la Escuela de Artes
y Oficios. La Bauhaus, basada en los principios del escritor y artesano
inglés del siglo XIX William Morris y en el movimiento Arts & Crafts,
sostenía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad
y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía
utilitaria. También defendía principios más vanguardistas como que la
arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias
del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser
agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto,
además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían
clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

El estilo de la Bauhaus se caracterizó por la ausencia de

ornamentación en los diseños, incluso en las fachadas, así como por la
armonía entre la función y los medios artísticos y técnicos de
elaboración.
En 1925 se dedicó a la construcción de una serie de sobrios edificios
rectangulares de hormigón y cristal en Dessau, especialmente
diseñados para ello por Gropius. El estilo de este movimiento se tornó
aún más funcional e hizo mayor hincapié en la expresión de la belleza
y conveniencia de los materiales básicos sin ningún tipo de adorno.
Otros arquitectos y artistas sobresalientes que componían el cuerpo de
profesores de la Bauhaus fueron el pintor suizo Paul Klee, el pintor
ruso Wassily Kandinsky, el pintor y diseñador húngaro László Moholy-
Nagy (que fundó el Instituto de Diseño de Chicago siguiendo los mismo
principios de la Bauhaus), el pintor estadounidense Lyonel Feininger y
el pintor alemán Oskar Schlemmer.

En 1930 la dirección fue asumida por el arquitecto Ludwig Mies van der
Rohe, que trasladó la Bauhaus a Berlín en 1932. Cuando los nazis en
1933 cerraron la escuela, sus ideas y sus obras eran ya conocidas en
todo el mundo. Muchos de sus miembros emigraron a Estados Unidos,
donde las enseñanzas de la Bauhaus llegaron a dominar el arte y la
arquitectura durante décadas, contribuyendo enormemente al
desarrollo del estilo arquitectónico conocido como International Style.

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